Skocz do pozycji: 1.

Tytuł:

Genetic diseases and other unusual disorders presented in art paintings
Choroby genetyczne i inne rzadkie zaburzenia przedstawiane na obrazach

Autorzy:

Laskowska, Magdalena
Krześlak, Anna
Forma, Ewa
Jóźwiak, Paweł
Bryś, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1032594.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

genetics diseases
art paintings
down syndrome
spondyloepiphyseal dysplasia congenita
marfan syndrome
myotonic dystrophy
paget’s disease
tetralogy of fallot
choroby genetyczne
malarstwo
zespół downa
wrodzona
dysplazja kręgosłupowo-nasadowa
zespół marfana
dystrofia miotoniczna
choroba pageta
tetralogia fallota

Opis:

Genetic disorders are a diseases caused by abnormalities in an individual’s genetic material. A good source providing purported evidence of the existence of genetic diseases in the past, before their identification by medicine, are European artists’ paintings. Such paintings quite frequently depicted human anomalies and disorders. In this work we present the examples of paintings depicting people suffering from diseases such as Down Syndrome, spondyloepiphyseal dysplasia congenital, Marfan syndrome, myotonic dystrophy, Paget’s disease and tetralogy of Fallot.
Choroby genetyczne człowieka są wynikiem zaburzeń w materiale genetycznym. Źródłem historycznym dostarczającym dowodów na istnienie tych schorzeń w przeszłości, zanim zostały one zidentyfikowane, są obrazy dawnych europejskich malarzy. Artyści często w sposób bezwiedny uwieczniali w swoich pracach ludzi obarczonych anomaliami. W prezentowanej pracy zamieszczone zostały przykłady dzieł przedstawiających ludzi dotkniętych chorobami takimi jak zespół Downa, dysplazja kręgosłupowo-nasadowa, zespół Marfana, dystrofia miotoniczna, choroba Pageta oraz tetralogia Fallota.

Źródło:

Folia Medica Lodziensia; 2012, 39, 1; 5-19
0071-6731

Pojawia się w:

Folia Medica Lodziensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 2.

Tytuł:

Breast Cancer in Art Painting

Autorzy:

Forma, Ewa
Bernaciak, Magdalena
Bryś, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/764935.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

breast cancer
art paintings
famous painters

Opis:

Breast cancer is an emotive cancer. It is a disease that affects a visible sexual organ and it is the commonest single cause of death of women between 40 and 60 years of age. Nevertheless, this type of cancer was infrequently depicted in art paintings. In this article the themes from the breast cancer in famous art paintings are discussed.

Źródło:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Biologica et Oecologica; 2010, 6; 61-68
1730-2366
2083-8484

Pojawia się w:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Biologica et Oecologica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 3.

Tytuł:

Obrazy i kolekcje dzieł sztuki u Strabona
Paintings and Art Collections in Strabo’s Geographica

Autorzy:

Ławińska-Tyszkowska, Janina
Szastyńska-Siemion, Alicja

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2127712.pdf

Data publikacji:

2007

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

Filostrat Starszy
stoicka teoria dzieła sztuki
Strabon
Geographica
Philostratus the Elder
Stoic theory of the work of art
Strabo

Opis:

The article’s premise is a Stoic-based idea of the work of art, featured in the Eikones of Philostratus the Elder. The pair of authors examines the issue of whether, and to what degree, Strabo (himself also an adherent to Stoical philosophy) shares similar views on the work of art, or whether he is partial to the view prevalent in ancient Greece, which consisted in a kind of naïve awe at the execution of ideal likeness (as exemplified, for instance, by the approach of the heroines of Herondas’ mimiambus IV). A thorough analysis of all descriptions of works of art contained in Strabo’s work leads to the conclusion that Strabo’s was not impressed by “barbarians’ art”. In fact, he begins to pay any attention to works of art as late as in Book 8, describing Greece’s sundry lands. Strabo’s views on the work of art fall into the following categories: 1. a mere note of the object combined with a description of its single feature, usually its size; 2. a thoroughgoing description of works of illustrative character (an antique Biblia Pauperum); and 3. a description of peregrinations of works of art after the latter were seized by the Romans. The last category appears to be of particular interest to Strabo, perhaps due to his view that the Greeks were culturally superior to all Romans (see Daniela Dueck, Strabo of Amasia, London and New York, 2000). In conclusion, it appears that Strabo was a dilettante in his reception of the works of art. No element of his views can be construed to prefigure the later Stoic theory of Philostratus the Elder. In Strabo’s work, the works of art serve to adorn the world and to vivify his often very dry geographical descriptions; their existence was made merely to exemplify the superiority of the Greek spirit over the remaining world.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2007, 54-55, 3; 65-75
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 4.

Tytuł:

Arte Popular, Arte Ingenuo y Arte Figurativo en la obra pictórica de Bárbaro Rivas
Popular Art, Primitive Art and Figurative Art in the paintings by Bárbaro Rivas
Sztuka ludowa, prymitywizm i figuratywizm w malarstwie Bárbaro Rivasa

Autorzy:

Dimeo, Carlos

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2177480.pdf

Data publikacji:

2013-12-31

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Opis:

Bárbaro Rivas (1893–1967) is considered to be the first ‘primitivist’ and ‘figurativist’ in Venezuela. Local and ludic elements create the central axis of popular and figurative Venezuelan art transformation from the late 19th to the mid-20th century. It was when a sign in painting was redefined – resignified and became an element binding main forms of popular art, reality of artist’s world, simplicity of life transformed into an idea of primitivism. Like other artists of his times (Armando Reverón), Bárbaro Rivas derived his art from life of local society and his own experience. His art is marked with autobiographical elements, which constitute a borderline between common sense and madness. Presented world is permeated with religiousness, magic and superstitions. In visualization, it is important to present reality from a double perspective; his artworks contain twoand three-dimensional grounds embraced in a single depiction. Plastic poetics of Bárbaro Rivas contains contradictory elements, inconsistent prima facie, yet containing in their nature rudimentary elements rooted in popular imagination, religious beliefs, etc. The world, being a mixture of elements, becomes a peculiar metisage expressed through the simplicity of primitivism, in the context of searching and describing new worlds and experience. This article aims not only at explaining how Venezuelan artist imagines and plans his art, but also at describing his approach to popular and local elements in Venezuela, which then spread across the whole Latin America as a form of artistic expression.
Bárbaro Rivas (1893–1967) jest uznawany za pierwszego prymitywistę i „figuratywistę” w Wenezueli. Elementy miejscowe i te o charakterze ludycznym tworzą centralną oś przemian sztuki ludowej i figuratywnej w Wenezueli od końca XIX aż do połowy XX wieku. Znak w malarstwie uległ w tym czasie zmianie znaczenia – resygnifikacji i stał się elementem łączącym główne formy sztuki ludowej, rzeczywistość świata artysty, prostotę życia przekształconą w ideę prymitywizmu. Bárbaro Rivas podobnie jak inni artyści jego epoki (Armando Reverón) wyprowadzał swoją twórczość z życia społeczności lokalnej i swoich własnych doświadczeń życiowych. Sztuka naznaczona została elementami autobiograficznymi, które stanowią granicę między rozsądkiem a szaleństwem. Ukazany świat jest przepojony religijnością, magią, przesądami. W obrazowaniu ważne jest ukazanie rzeczywistości w ujęciu podwójnej perspektywy, w dziełach odnajdujemy plany dwuwymiarowe i trójwymiarowe zamknięte w jednym przedstawieniu. Poetyka plastyczna Bárbaro Rivasa to elementy sprzeczne, nieprzystawalne prima facie, mające jednakże w swej istocie elementy rudymentarne zakorzenione w wyobraźni ludowej, wierzeniach religijnych itp. Świat, będący mieszaniną elementów, staje się swoistym metysażem, wyrażony zostaje prostotą prymitywizmu w kontekście wynajdywania i opowiadania o nowych światach i doświadczeniach. Artykuł ma na celu nie tylko wyjaśnienie, w jaki sposób wenezuelski artysta wyobraża sobie i planuje sztukę, lecz także jaki był jego stosunek do elementów ludowych i lokalnych w Wenezueli, które następnie rozprzestrzeniły się na całą Amerykę Łacińską jako formy artystycznego wyrazu.

Źródło:

Sztuka Ameryki Łacińskiej; 2013, 3; 139-158
2299-260X

Pojawia się w:

Sztuka Ameryki Łacińskiej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 5.

Tytuł:

O nieznanym wkładzie Karola Soczyńskiego do nauki o konserwacji malowideł i grafiki
AN UNKNOWN CONTRIBUTION BY KAROL SOCZYŃSKI TO CONSERVATION OF PAINTINGS AND GRAPHIC ART

Autorzy:

Ślesiński, Władysław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/539018.pdf

Data publikacji:

1973

Wydawca:

Narodowy Instytut Dziedzictwa

Tematy:

Karol Soczyński
rękopisy Soczyńskiego
werniksowanie
nauczanie konserwacji malowideł

Opis:

Our knowledge in the field of history of conservation is being permanently extended and with every passing year grows more and more deep. So, for ex ample, for a further step on the way to its enriching we are greatly indebted to I. Bobrowska, Chief Conservator, National Museum, Cracow who during the German occupation of Poland from among the cultural property and works of art robbed by the Nazis managed to pick up and to safeguard a valuable manuscript. The manuscript in question coming from the year 1840 and bearing a somewhat lengthy title „The Art of Restoration of Paintings, of Engravings and Woodcuts nevertheless of Their Cleaning, Stretching and That of Preparing Varnishes etc. etc., According to Various Italian, French and German Authors translated into Polish Language and furnished with Remarks and Supplements” is a work of Karol Soczyński. In his present article the author made an attempt to point to importance of the above manuscript and to give a portrait of its author. Karol Soczyński (died 1862), Med. Dr., a Professor at the Yaghiellonian University, a Senator of the Free Republic of Cracow and a member of the Cracow Scientific Society belonged to a group of the outstanding art connoisseurs in Poland of his time. He possessed quite large, in proportion to those in the first half of the nineteenth century, library and was a freelancing contributor to the then widely read periodical „PIAST or the Technological Thesaurus” where he had published more than one thousand contributions. However, the most interesting for the technological ex perts and conservators of works of art items forming his extremely abundant oeuvre were never printed and thus considered as those lost for ever. According to Soczyński himself it seemed that they have been swallowed up by the great fire of Cracow in 1850. It may, therefore, be said that the recovered manuscript „The Art of Restoration...” was until recently not known from the subject literature and it does, no doubt, constitute a new and remarkable contribution to the history of conservation of paintings and graphic art. This exceptionally high historical importance of Soczyński’s manuscript consists at least in two basic factors, namely that it constitutes one of the rare in the mid-nineteenth-century Europe (and at the same time the first among the Polish) so comprehensive manuals in the area of conservation and, in addition, that it is not simply a compilation made of materials found in one or two works dating from the same time. While briefly reviewing the general situation in conservation of paintings within the period of 1800—40 the author supplies a number of warrants for his claims that are in turn followed by a confrontation of fragments quoted from the nineteenth-century conservation manuals with the text of manuscript by Soczyński. As a result the conclusion can be drawn that for a manual with such comprehensive contents an analogy may be found only in a few most comprehensive works published within the span between 1800 and 1840 as, for instance, those by Lucanus or Pranger. A more detailed analysis of problems discussed by Soczyński in his „Art of Restoration...” on the background of other books and the practice of conservation will be presented by the author in his next article.

Źródło:

Ochrona Zabytków; 1973, 3; 176-180
0029-8247

Pojawia się w:

Ochrona Zabytków

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 6.

Tytuł:

Prices of paintings on Polish art market in years 2007-2010 - hedonic price index application
Ceny malarstwa na rynku sztuki w Polsce w latach 2007-2010 - zastosowanie indeksów hedonicznych

Autorzy:

Witkowska, D.
Kompa, K.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/37157.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Szkoła Główna Gospodarstwa Wiejskiego w Warszawie. Wydawnictwo Szkoły Głównej Gospodarstwa Wiejskiego w Warszawie

Opis:

Art market in post-communist Poland has been developing for 25 years now although it has been still small with total turnover in 2012 estimated as 0.2% of the world sales of artworks. Therefore the aim of the research is to describe the present state of the art market in Poland and to evaluate prices of paintings produced by 11 Polish artists whose artworks were traded the most often in years 2007–2010. In the research, employing data concerning 750 objects sold on auctions that held in Poland, hedonic index methodology is applied to estimate changes of prices at the paintings market. The results of authors’ investigation show that the hedonic quality adjustment essentially infl uences evaluation of artworks’ prices.
Rynek sztuki w postkomunistycznej Polsce rozwija się już od 25 lat, chociaż jest to wciąż rynek mały, którego obroty w 2012 roku stanowiły 0,2% światowego rynku. W związku z tym celem badań jest opis aktualnego stanu rynku sztuki w Polsce oraz oszacowanie indeksu cen malarstwa na podstawie prac 11 artystów, których dzieła najczęściej znajdowały nabywców na aukcjach, które odbyły się w Polsce w latach 2007–2010. W artykule zbudowano indeksy hedoniczne, wykorzystując dane dotyczące 750 sprzedanych obrazów, które pozwoliły oszacować zmiany cen na rynku polskiego malarstwa. Wyniki analiz pokazały, że hedoniczna korekta jakościowa istotnie wpływa na ocenę cen dzieł.

Źródło:

Acta Scientiarum Polonorum. Oeconomia; 2014, 13, 3
1644-0757

Pojawia się w:

Acta Scientiarum Polonorum. Oeconomia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 7.

Tytuł:

Królestwo Boże (Józefa Czapskiego podróż do Hiszpanii w roku 1930)
Kingdom of God (Józef Czapski’s journey to Spain in 1930)

Autorzy:

Franaszek, Andrzej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2080504.pdf

Data publikacji:

2021-12-23

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

Józef Czapski
malarstwo polskie XX wieku
związki kultury polskiej i hiszpańskiej w XX wieku
oddziaływanie malarstwa Goi i El Greca na sztukę polską w XX wieku
tematyka mistycyzmu w kulturze polskiej XX wieku
Polish painting of the 20th century
Polish and Spanish cultural relationships in the 20th century
the influence of Goya’s and El Greco’s paintings on Polish art in the 20th century
mysticism in Polish culture of the 20th century

Opis:

The author of the article describes a trip to Spain made by Józef Czapski in 1930. This outstanding painter and essayist, witness to the Katyń massacre, co-creator of the Parisian magazine "Kultura" [Culture] and Polish intellectual life in exile, at the time of visiting Madrid and its nearby areas for nearly two months was still a young artist, looking for the painting poetics closest to his soul. The visits to the Prado brought him two great discoveries: the works of El Greco and Goya. For Czapski, El Greco is a captivating example of religious painting and simultaneously - fidelity to the vision, the way of seeing the world. Goya fascinated Czapski with the thematic and stylistic range of his art - from “official” court portraits to dramatic records of nearly surreal visions, reflecting the artist’s fundamental belief in human depravity. The trip to Spain also had another meaning for Czapski - it was in a way a journey in the footsteps of St. Teresa of Avila, broadly: a reflection on the role of mystical experience in the spiritual life of man. From these two perspectives: artistic and religious, the encounter with the Spanish culture appears to be one of the more important and fateful episodes in the biography of Józef Czapski.

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria; 2021, 21; 256-271
2081-1853

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 8.

Tytuł:

Recepcja twórczości Francisa Bacona w sztuce polskiej lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XX wieku. Rozpoznanie wstępne
Reception of Francis Bacon’s Paintings in the Polish Art. Introductory Reconnaissance

Autorzy:

Zychowicz, Karolina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2121221.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

polska sztuka po 1945 roku
malarstwo polskie
rzeźba polska
figuracja
„nowa figuracja”
nouvelle figuration
realizm
pop-art
sztuka zaangażowana
deformacja
groteska
egzystencjalizm
angoisse
Angst
recepcja
intertekstualność
Polish art after 1945
Polish painting
Polish sculpture
figuration
New Figuration
Realism
Pop-art
Engaged Art
deformation
grotesque
existentialism
reception
intertextuality

Opis:

In the mid Sixties New Figuration appeared in Poland. Researchers interested in this chapter of polish art consider the reception of Francis Bacon's paintings as one of the sources of this kind of art. The subject of this article is mainly the painters, whose works show this reception, but also the sculptors. It concentrates on the Sixties and Seventies in Polish painting. At that time in the Polish art we can see a group of artists connected with existentialism. One of the most interesting phenomena is the painting of Teresa Pągowska (1926-2007), this artist, whom was older than others who were also working in the area of New Figuration, already had concrete artistic experience. In spite of similarities between many works of Francis Bacon and Teresa Pągowska, mainly in the composition and shot of the figure (deformed, not complete, dismembered), the works of Pągowska should be considered in their own right particular to her own style. Pągowska processed Bacon's art in an original way. Her distinction from other painters belonging to New Figuration comes from her experience, on the one hand Colorism (polish Postimpresionism), on the other hand – Abstraction, which led her to understand figures as a plastic sign, moving, full of color. In the second half of the Sixties we can find the inspiration of Francis Bacon's art in the paintings of Janusz Przybylski (1937-1998). Bacon in his compositions used spatial frame which was interpreted in different ways. It had been seen as a usual glass cage, confined the human being. The artist admitted that he uses this endeavour to expose a man in a better way. This solution became a kind of an artistic hook and it was taken by other artists. It spread so much that it became a kind of a manner. To avoid narration Bacon sometimes used a form of triptych. This was typically used by him and was imitated almost as often as placing people in a spatial frame. Both hooks were used by Przybylski, whose art in a different way fits in as a style of existentialism. The deformed human beings in the cages should show alienation and the drama of man. This aspect of polish artists' paintings more than others highlights connections with the English master's art. The polish painter of the Sixties and Seventies was not an artist who could be described as self-sufficient from what we can see by viewing their paintings and reading art critics. The reception of Bacon's painting we can also find in the art of a group from Cracow called “Wprost”, especially in the one of their member's art – Zbylut Grzywacz (1939-2004). Grzywacz confirmed that his interest in Bacon's art can be seen in his paintings created in the Seventies. The nature of these adaptations lay mainly in getting compositional solutions typical to Bacon and the original look of the deformed human being. However, the artist also underlined that used by him endeavours of body's deformation were connected with politics so they had a different context than in the work of Bacon. This highlights the large gap between English artists who's art concentrated on universal cases and the public art of the polish artist. Grzywacz painted with speed, carelessly, he just wanted to give us a short message, he didn't care about particular artistic problems. He wasn't a member of this group interested in Francis Bacon. Next to him we should remember Jacek Waltoś (born 1938). In his paintings we won't find such a direct connection with Bacon's art like as is the case with Grzywacz. Waltoś was fascinated by Bacon but he took from him just the ideas concerning problems of a painting's composition. This artist, contrary to other members of “Wprost” was mostly interested in the representation of emotional states, of what is inside the human being. Waltoś, a creator of existential art, feeling incomplete, the loneliness of human being, found in the Irish artist a kind of brother. There was also Wiesław Szamborski (born 1941) who was among the painters inspired by Bacon. In the first years after he finished his studies he exhibited often with Marek Sapetto (born 1939; until 1974). The art of both artists joins with Bacon's art color standardisation of painted surfaces and putting on them strongly deformed human beings. More painters were regarded as inspired by Bacon but there is not a description of their art in this article which is just an introductory reconnaissance of this problem. The image of a human being which was proposed by Francis Bacon turned out to be very interesting also for sculptors centred on existential reflection. The dramatically deformed face occurred to be the best medium to express people's anxieties, their feelings of emptiness and loneliness (Jacek Waltoś, Jan Kucz – born 1936, Wiktor Gajda – 1938, Adam Myjak – born 1947). The Eighties did not have such rich artistic material as can confirm a permanent fascination of Bacon's painting in Poland. It seems that in a world dominated by New Expressionism there is no place for it. Enough to say that the most interesting artist in dialogue with the English painter seems to be Grzegorz Bednarski (born 1954), consequently belonging to Figuration, connected with Cracow's environment. After his debut he moved to the area of existentialism. Nowadays Bacon's work is regarded as a classic. Artists quote his paintings in a conscious way (for example Marek Przybył, born 1961). Bacon happened to be a very popular artist in Poland in the Sixties and Seventies which corresponds with general trends in European art. At this time came after return to show a human being. It appeared New Figuration, antidote on the Abstraction, Conceptual Art and metavisual experiments of the Sixties. Bacon became the father to these new phenomena in art because he brought about a renewed artistic imagination and created a new image of the human being. Moreover, Bacon was regarded as a main representative of art identified with existential philosophy. This painting in a very good way expressed spirits of the time. It reflected Zeitgeist, that climate which was then best shown in the philosophy of existentialism. Bacon's reception in Poland had also local color. English artist's art was assimilated by polish painters, who were interested in politics, what was unfamiliar with Bacon who concentrated on universal problems. It seems that polish artists like thematic art, taking problems concerning a human being and his immediate environment, what constitutes the heritage of our history.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2009, 56-57, 4; 55-79
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 9.

Tytuł:

Forgotten artworks by Johann Christoph Lischka. The conservator’s examination of the baroque paintings
Zapomniane dzieła Johanna Christopha Lischki. Badania konserwatorskie obrazów barokowego malarza

Autorzy:

Kłoda, E.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/217439.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Stowarzyszenie Konserwatorów Zabytków

Tematy:

Silesia
Bohemia
Baroque
painting
technical art historical research
restoration
technical art history
Śląsk
Czechy
barok
malarstwo
badania konserwatorskie
restauracja
techniczna historia sztuki

Opis:

The article presents the results of the technical art historical research conducted on paintings ascribed to the Silesian artist Johann Christoph Lischka (ca. 1650–1712). It tackles the question of the painting techniques, the characteristics of the painter’s manner, and the authenticity of the works of art. It comprises the traditional methods of the art history with research into the materiality of the paintings. During the research, seven paintings were chosen for the investigation. They come from different periods of Lischka’s life and the majority of them were forgotten or discredited as copies of the originals. The four paintings from Czech Republic Saint Joseph, Saint Mary of Egypt, Saint Charles Borromeo and Lamentation of Christ were commissioned by the religious Orders in Bohemia in 1690/1710. The three paintings from Silesia (Lamentation of Christ, Discovery of the True Cross, Angel) were produced after 1708, when Lischka was in charge of his step-father Michael Willmann’s workshop in Lubiąż. The paintings served as the basis for the analysis of Lischka’s painting technique and the later changes in the painting layers. Moreover, the technical art historical study enabled the comparative analysis of the painting techniques used by Lischka and Willmann in search of the factors distinguishing the artists’ works.
W artykule prezentowane są wyniki analiz fizykochemicznych wykonanych na polskich i czeskich obrazach przypisywanych śląskiemu malarzowi Johannowi Christophowi Lischce (ok. 1650–1712). Dzięki przeprowadzonym badaniom możliwe stało się opisanie stosowanej przez artystę techniki i maniery malarskiej oraz weryfi kacja atrybucji wybranych dzieł. Opracowanie łączy tradycyjne metody analizy historycznej, ikonografi cznej i stylistycznej z badaniami konserwatorskimi materialnego tworzywa obrazów. Do badań wytypowano siedem obrazów, które pochodzą z różnych etapów twórczości Lischki i są większości nieznane lub uważane za słabe kopie nieistniejących już realizacji malarza. Cztery obrazy z Czech (Święty Józef, Św. Maria Egipska, Św. Karol Boromeusz i Opłakiwanie Chrystusa) zostały zamówione przez czeskie środowiska zakonne w ostatniej dekadzie XVII i pierwszej dekadzie XVIII wieku. Trzy obrazy ze Śląska (Opłakiwanie Chrystusa, Znalezienie Krzyża Świętego i Anioł) pochodzą z lat 1708–1712, kiedy Lischka kierował lubiąskim warszatatem swojego ojczyma Michaela Willmanna. Obrazy stały się postawą do analizy techniki malarskiej Lischki oraz historii konserwacji i renowacji jego dzieł. Co więcej, analiza fi zykochemiczna umożliwiła porównanie technik malarskich używanych przez malarza i jego ojczyma Willmanna w poszukiwaniu obiektywnego narzędzia pozwalającego rozróżnić dzieła ucznia i mistrza.

Źródło:

Wiadomości Konserwatorskie; 2018, 53; 16-30
0860-2395
2544-8870

Pojawia się w:

Wiadomości Konserwatorskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 10.

Tytuł:

Synagogue paintings as indicating a developing conception of national redemption

Autorzy:

Orgad, Zvi

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/923286.pdf

Data publikacji:

2019-06-15

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Synagogue art
wall paintings
interior decoration
national redemption

Opis:

This article compares the interior paintings in the ‘Ades and Ohel Moshe synagogues, both of which are non-Ashkenazi, in the Naḥlaot neighborhood in Jerusalem. Although the synagogues were decorated 50 years apart, there are similarities in the painted motifs and drawing schemes, but also some differences. I suggest that these differences reflect the development of a Jewish concept of national redemption during the 50 years that elapsed between the adornment of the two synagogues.
Abstract. Orgad Zvi, Synagogue paintings as indicating a developing conception of national redemption. “Images” vol. XXV, no. 34. Poznań 2019. Adam Mickiewicz University Press. Pp. 15–27. ISSN 1731-450X. DOI 10.14746/i.2019.34.01. This article compares the interior paintings in the ‘Ades and Ohel Moshe synagogues, both of which are non-Ashkenazi, in the Naḥlaot neighborhood in Jerusalem. Although the synagogues were decorated 50 years apart, there are similarities in the painted motifs and drawing schemes, but also some differences. I suggest that these differences reflect the development of a Jewish concept of national redemption during the 50 years that elapsed between the adornment of the two synagogues.

Źródło:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2019, 25, 34; 15-27
1731-450X

Pojawia się w:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 11.

Tytuł:

Obrazy do Czytania. Rauschenberg, Rosenquist, Salle, Brauntuch
Paintings to Read. Rauschenberg, Rosenquist, Salle, Brauntuch

Autorzy:

Pręgowski, Filip

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1015486.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Tematy:

pop-art
the pictures generation
reprezentacja
palimpsest
alegoria
pop art
representation
allegory

Opis:

Tekst dotyczy współczesnego malarstwa, które wizualnym elementom kompozycji nadaje charakter tekstualny. Jest to między innymi przypadek tzw. combines i sitodruków Roberta Rauschenberga z lat 50. i 60. XX wieku, w których artysta stosował specyficzną formę kolażu. Zestawiając szereg wizerunków pochodzących z różnych obszarów stylistycznych, Rauschenberg zmusił widza do odczytywania jego prac kawałek po kawałku. Powstałych w ten sposób kompozycji nie sposób odbierać jako jednorodnego Gestalt, jak w przypadku powstającego w tym czasie malarstwa abstrakcyjnego (np. Kennetha Nolanda), ponieważ wykorzystują one doświadczenie dyskursywne, polegające na szukaniu relacji syntaktycznych pomiędzy znakami /obrazami. W eseju podjęto wątek dyskursywnego zwrotu i jego wpływu na recepcję amerykańskiego pop-artu na przykładach prac Rauschenberga i Jamesa Rosenquista, a także artystów należących do nurtu wywodzącego się po części z pop-artu, czyli The Pictures Generation — Davida Salle’go i Troya Brauntucha. Jako narzędzia metodologiczne wykorzystano między innymi pojęcia palimpsestu i alegorii łączące elementy wizualne z tekstualnymi. Pozwoliło to traktować wybrane przykłady współczesnego malarstwa nie tylko w kategoriach produktu kultury masowej w dobie mechanicznej (a także cyfrowej) reprodukcji, ale odczytać je jako strukturę dyskursywną, dokonującą dekonstrukcji kulturowych mitów i ich wewnętrznych sprzeczności.
The essay investigates the category of contemporary painting which transforms the visual component into textual. This is the case of Robert Rauschenberg’s combined paintings and silkscreens from 1950s and 1960s, which offer the viewer a specific kind of collage. By juxtaposing images derived from various aesthetic modes, Rauschenberg enforced the reading of his work part-by-part. Such a composition did not remain a holistic unity — a Gestalt — as was the case of the abstract painting from that period (eg. Kenneth Noland’s), since it evoked a strictly discursive experience based on syntactic relations between the signs / images. The article focuses on the discursive turn and its impact on the reception of both pop-art such as Rauschenberg’s and James Rosenquist’s paintings, and the work of artists from the American movement partly deriving from pop-art, that is The Pictures Generation, with David Salle and Troy Brauntuch among them. The aim is to employ allegory and palimpsest as a conceptual frame to read contemporary painting not only as a product of mass culture in the age of mechanical (and digital) reproduction, but also as discursive structures, deconstructing cultural myths and their essential internal contradictions

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2020, 23; 215-229
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 12.

Tytuł:

MMedieval Representation of the Legend of Saint Ladislaus in Comitatus Gömör

Autorzy:

Szakalos, Ewa

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/449865.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie

Tematy:

Saint Ladislaus
frescoes
art history
wall paintings

Opis:

The aim of the article is to carry out detailed analysis of the frescoes of Saint Ladislaus legend in comitatus Gomor. Basing on new research as well as on the examination of the two recent discoveries the Authoress casts new light on the issue of mural painting’s dating and on the circumstances connected with theirs creation. The article starts with an introduction on pictorial representation and written sources of the legend of Saint Ladislaus. The main part of the text contains survey on the frescoes from Rimabanya, Rakos, Kovi, Szilice.

Źródło:

Saeculum Christianum. Pismo Historyczne; 2018, 25; 113-123
1232-1575

Pojawia się w:

Saeculum Christianum. Pismo Historyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 13.

Tytuł:

Memy internetowe na stronach Classical Art Memes i Sztuczne Fiołki w opinii użytkowników portalu Facebook

Autorzy:

Kokoszka, Jolanta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1812175.pdf

Data publikacji:

2021-09-30

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

Classical Art Memes
Malarstwo
Mem
Mem internetowy
Sztuczne Fiołki
Paintings
Internet Memes

Opis:

Omówiono wyniki badania ankietowego przeprowadzonego od 5 do 9 maja 2020 roku wśród 178 członków trzech grup na Facebooku: Sekcja Estetyczna, Dictator of good taste i Jak będzie na płótnie? Celem przeprowadzonej ankiety było zanalizowanie znajomości wśród internautów dwóch stron na Facebooku – Classical Art Memes oraz Sztuczne Fiołki. Pytania zawarte w ankiecie miały na celu określenie jak często użytkownicy odwiedzają strony, komentują treści, udostępniają posty publikowane na stronach, ale również czy identyfikują autorów obrazów oraz jak oceniają treści na stronach. Przeprowadzone badanie miało wskazać zainteresowanie internautów memami oraz udzielić odpowiedzi na kluczowe dla badania pytania – Jaki jest odbiór memów opracowanych na podstawie dzieł sztuki? oraz Czy mogą się one stać elementem edukacji artystycznej?
Discussed the results of survey conducted from May 5th to 9th, 2020 among 178 members of three Facebook groups: Sekcja Estetyczna, Dictator of good taste and Jak będzie na płótnie? The goal of this survey was to analyze the knowledge among users about two Facebook pages – Classical Art Memes and Sztuczne Fiołki. Questions from the survey were supposed to establish how often users visit, comment and share posts published on the pages and at the same time ask the participants if they recognize authors of the original paintings and how they evaluate the content on these pages. Conducted examination was supposed to show the interest in memes among users and to answer the key question – what is their reception of the memes based on the peace of art and if so, could they become an element of art education?

Źródło:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Librorum; 2021, 1, 32; 69-97
0860-7435
2450-1336

Pojawia się w:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Librorum

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 14.

Tytuł:

On the Peripheries of Contemporary Paintings: Impact of Frame Decorativeness on the Reception of Abstract Artwork

Autorzy:

Koniak, Paweł
Szubielska, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2124230.pdf

Data publikacji:

2022-06-03

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

frame
contemporary art
experimental aesthetics
context effects
peripheral cues
reactance
art interest

Opis:

By applying persuasion and consumer research findings to art appreciation we have checked whether and how artwork framing affects the evaluation of non-representational, abstract contemporary paintings. The frame can be treated as a cue signaling the value of the framed work—the more expensive it seems, the greater the value attached to the painting. However, the frame can be also seen as a means of exhibiting or promoting the picture. Exhibiting a painting in a frame that is perceived as excessively expensive can lead to a lowered rating of this painting. Both of these effects can be moderated by the perceivers’ interest in art. We conducted one experimental study, where participants evaluated paintings viewed either without a frame or framed in a simple or decorative frame. The results showed that decorative frames make paintings seem less valuable. Moreover, although simple frames do not affect the evaluation of the paintings by respondents with little interest in art, they impair the evaluation made by more interested participants. It seems that in certain conditions (highly visible frame or engaged perceivers) the frame can be treated as a form of promotion for the framed painting. And such attempts can backfire and negatively impact the evaluation of the painting.

Źródło:

Roczniki Psychologiczne; 2022, 25, 2; 121-136
1507-7888

Pojawia się w:

Roczniki Psychologiczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 15.

Tytuł:

Some comments on the diversity of Vermeer paintings depicted on postage stamps

Autorzy:

Baksalary, Oskar
Styan, George

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/729934.pdf

Data publikacji:

2008

Wydawca:

Uniwersytet Zielonogórski. Wydział Matematyki, Informatyki i Ekonometrii

Tematy:

artemetrics
Jerzy K. Baksalary (1944-2005)
Dutch paintings and works of art
Fisher's α index of biodiversity
topical philately
Johannes Vermeer (1632-1675)

Opis:

We present some comments on the diversity of the paintings by Johannes Vermeer (1632-1675) depicted on postage stamps. We have found 20 of the 36 "recognized" Vermeer paintings depicted on postage stamps issued by 29 "countries"; by country we mean here a stamp-issuing region that issues or has issued its own postage stamps. We apply Fisher's α index of biodiversity [11] to compare the diversity of Vermeer paintings depicted on postage stamps with the diversity of two other data sets [26]. We illustrate our article with images of 7 Vermeer paintings depicted on 10 postage stamps issued by 5 different countries.

Źródło:

Discussiones Mathematicae Probability and Statistics; 2008, 28, 1; 65-83
1509-9423

Pojawia się w:

Discussiones Mathematicae Probability and Statistics

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 16.

Tytuł:

Granice poznania dzieła malarskiego jako dzieła „sztuki” pradziejowej. Na kanwie rozważań Romana Ingardena

Autorzy:

Minta-Tworzowska, Danuta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1023784.pdf

Data publikacji:

2015-01-01

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Roman Ingarden
prehistoric art
cave paintings
phenomenology
interpretation in archaeology

Opis:

The aim of the article is to discuss how phenomenological method might be applied for interpretation of rock paintings as works of prehistoric “art”. Polish phenomenologist, Roman Ingarden’s deliberations will be referred to, his diagnosis of cognitive attitudes towards works of music, with the aim of illustrating their usefulness on the ground of archaeology for interpretation of works of prehistoric “art”.

Źródło:

Folia Praehistorica Posnaniensia; 2015, 20; 339-356
0239-8524
2450-5846

Pojawia się w:

Folia Praehistorica Posnaniensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 17.

Tytuł:

Michelangelo Merisi da Caravaggio and multimedia presentations - a marriage of beauty of art and the art of presentation
Michelangelo Merisi da Caravaggio i prezentacje multimedialne - mariaż piękna sztuki i sztuki prezentacji

Autorzy:

Szyłak-Szydłowski, M.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/106374.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Towarzystwo Chemii i Inżynierii Ekologicznej

Tematy:

art
background
Caravaggio
color
multimedia
paintings
presentations
barwa
obrazy
prezentacje
sztuka
tło

Opis:

In this paper, the evolution of the style of Caravaggio had been traced and, focusing on the selected images it had been proved that the methods used by that eminent painter can successfully be applied during the creation of modern, effective multimedia presentations. The strength of Caravaggio was in its simplicity and mundane. For indicated formal measures may be included, inter alia: the elimination of tonally extended second plan and replace it with a dark, uniform background. Caravaggio calmed down composition painting almost monochromatic paintings, which emphasizes the foreground, as well as the keynote message. In the paper it was emphasized that exactly the same objectives should be guided in the creation of multimedia presentations, extracted from unnecessary embellishments that irrupt to the fore dispersing attention. Based on the analysis of selected paintings, in the article, review of procedures associated with the colors of multimedia presentations, extremely important in creating multimedia presentations and highlighting media had been proposed. Several theories related to the psychology of color had been also presented, and also sought to answer the question of why we should not trust psychologists boundlessly.
W artykule, prześledziwszy ewolucję stylu Caravaggio i skupiwszy się na wybranych obrazach, dowiedziono, że metody stosowane przez tego wybitnego malarza z powodzeniem mogą zostać wykorzystane podczas tworzenia współczesnych, efektywnych prezentacji multimedialnych. Napisano, że siła tego wybitnego malarza tkwiła w prostocie i przyziemności. Do wspomnianych środków formalnych zaliczone mogą być między innymi: eliminacja rozbudowanego tonalnie drugiego planu i zastąpienie go ciemnym, jednolitym tłem. Caravaggio „uspokoił” kompozycję, malując niemal monochromatyczne obrazy uwypuklające plan pierwszy, przekaz i myśl przewodnią. W artykule podkreślono, że dokładnie te same cele przyświecać powinny w tworzeniu prezentacji multimedialnych, wyekstrahowanych z ozdobników wdzierających się niepotrzebnie na pierwszy plan, rozpraszając uwagę odbiorcy. Na podstawie analizy wybranych obrazów zaproponowano przegląd zabiegów związanych z kolorystyką w prezentacjach multimedialnych, niezmiernie istotną przy tworzeniu prezentacji multimedialnych i uwypuklaniu przekazu. Przedstawiono tu kilka teorii związanych z psychologią barw, a zarazem starano się odpowiedzieć na pytanie, dlaczego nie należy bezgranicznie ufać psychologom.

Źródło:

Chemistry-Didactics-Ecology-Metrology; 2014, 19, 1-2; 47-57
2084-4506

Pojawia się w:

Chemistry-Didactics-Ecology-Metrology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 18.

Tytuł:

Narodziny Witkacego z ducha Witkiewicza
The birth of Witkacy from the spirit of Witkiewicz

Autorzy:

Tarnowski, Józef

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2142648.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet w Białymstoku. Wydawnictwo Uniwersytetu w Białymstoku

Tematy:

aesthetics
art
naturalism
philosophy
paintings
estetyka
filozofia
malarstwo
naturalizm
sztuka

Opis:

Stanisław Witkiewicz (1851-1915) himself taught his son Stanisław Ignacy (1885-1939), known later as Witkacy, helped by his wife and friends, among whom there were scientists, artists and professional teachers. The results of such education were amazing. At the age of eight, the boy could paint using different techniques, play the piano and compose music. His father desired for him to become a naturalist painter like himself. At a young age Witkacy became an outstanding artist, not only a painter, but also a writer. However, in opposition to his father’s teaching, when he matured artistically, he rejected naturalism and joined the artistic avant-garde. Just after the first world war he published a long philosophical essay inspired probably by the work of his father’s great intellectual enemy – the Neo-Hegelian Polish philosopher Henryk Struve. Thus, Witkacy shaped himself, both in the respect of art and philosophy, in the opposition to his father, Stanisław Witkiewicz.

Źródło:

IDEA. Studia nad strukturą i rozwojem pojęć filozoficznych; 2018, 30/1; 111-121
0860-4487

Pojawia się w:

IDEA. Studia nad strukturą i rozwojem pojęć filozoficznych

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 19.

Tytuł:

Collective Memory and Colloquial Aesthetic Experience. Remarks on the Functions of Digitalized Paintings in Second Life

Autorzy:

Kaźmierczak, Marek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/920921.pdf

Data publikacji:

2015-06-13

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

art
colloquial thinking
Second Life
aesthetics
new media
decontextualisation

Opis:

The article addresses the representation of art in Second Life. There is an interesting dichotomy between collective memory and colloquial aesthetic experience in virtual reality. The article consists of two main parts: the first pertains to decontextualisation as a paradigm in art; the second refers to the features of daily aesthetic experience. The main hypothesis of this paper is: digitalized images of paintings reveal changes in thinking about art in a world dominated by new media (and thus also by Second Life). This hypothesis confirms the presumption that collective memory nowadays is dominated by colloquial thinking about art, aesthetic and beauty.

Źródło:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2015, 17, 26; 27-37
1731-450X

Pojawia się w:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 20.

Tytuł:

Sacred Art in Painting by Nafaa Teachers of 1980s-1990s Period

Autorzy:

Polishchuk, Alla

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1930513.pdf

Data publikacji:

2021-09-30

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

Kyiv painting of the late twentieth century
paintings of NAFAA
teachers
sacred in Kyiv painting of 1980–1990
influence of sacred art on the
Ukrainian painting

Opis:

In the article an influence of sacred art on Ukrainian painting of the late twentieth century, as exemplified by works of NAFAA teachers, was studied. In the professional literature, an idea was established that Ukrainian art, including painting, in the late twentieth century is closely connected with popular art and folklore, sometimes it is also about the influences of fine arts of previous epochs. Herewith, the influence of sacred art on the formation of a new art is mentioned only cursorily or its significance is completely neutralized. The goal of the work was, first of all, to determine the influence of sacred art on the creation of Kyiv painters in the late twentieth century. To achieve the targeted goal the works of painters, who were representatives of different generations and different stylistic trends, were reviewed and formally analyzed. The pieces of art presented in the work give grounds to state that the influence of sacred art on the formation of Kyiv painting is significantly underestimated. Even a cursory overview of the works suggests that sacred art responded not only narratively. Artists examined and actively used icon-painting and composition building, turned to specific recognizable images and combined them with modern themes. In the study, a special attention is paid to M.A. Storozhenko, the founder of the Department of Sacred Painting, who was not only a prominent artist, but also a teacher, and he managed to educate a number of artists who continue the work of the mentor, teaching sacred painting to a new generation of artists.

Źródło:

Krakowskie Studia Małopolskie; 2021, 3(31); 160-170
1643-6911

Pojawia się w:

Krakowskie Studia Małopolskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 21.

Tytuł:

Kawaii Friend or Mythical Beast. Dragons and Other Animals in the Art of Takano Aya
可愛い友達あるいは神秘的野獣。

Autorzy:

Furmanik-Kowalska, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1597318.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Stowarzyszenie Badań Japonistycznych

Tematy:

mythical animals
dragon
kawaii
contemporary art
paintings
manga
anime
神話的動物
龍
カワイイ
現代美術
絵画
マンガ
アニメ

Opis:

The aim of this article is to indicate the kinds of animals and their symbolic function in the works of the Japanese artist Takano Aya (b. 1976, Saitama). Her works may be interpreted as illustrative of the current attitude towards animals prevailing in contemporary Japanese society, especially its part that is deeply permeated by local pop culture. After all, her art fits into the Superflat movement and the girly aesthetics of kawaii at the same time. Takano’s paintings are full of images of cute household pets: dogs, fish, cats and rabbits, which accompany the female characters in both everyday activities and extraordinary moments (Doggy Drive, 2005; Summoning Her Owls, She Looked Yonder. The Buildings Shone, 2007; Crane Island, 2009). In her paintings there are also mythological animals, which were so commonly represented in the ancient artwork of Japan. Takano depicts cranes, tigers and dragons (Rising Dragon (Rainbow) with Lucky Omens, 2015) in the same style as household pets.
タカノ綾の芸術作品における龍とその他の動物」本論の目的は、日本のアーティストであるタカノ綾（1976年埼玉生まれ）の作品における、ある種の動物達と彼らの象徴的な役割を指摘することである。彼女の作品は、日本現代社会の中でも特にポップカルチャーに深く浸透している動物に対する姿勢を映し出していると解釈できる。そして彼女の芸術作品は、「カワイイ」少女的美学と同時にスーパーフラット・ムーブメントに合致する。タカノの絵画には、犬、魚、猫、そして兎など多くの可愛いペットのイメージが、女性のキャラクターと共に、日常的な活動や非日常的な瞬間の中に描かれる（Doggy Drive, 2005; The Buildings Shone, 2007; Crane Island, 2009）。彼女の絵画の中には、日本の古くから伝わる芸術に頻繁に見られる神話的な動物もまた現れる。鶴、虎、龍（Rising Dragon (Rainbow) with Lucky Omens, 2015）といった動物達はタカノによって、ペットと同様のスタイルで表現されているのである。

Źródło:

Analecta Nipponica; 2018, 8; 123-134
2084-2147

Pojawia się w:

Analecta Nipponica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 22.

Tytuł:

Attributes, Vestments, Context and Inscription in the Identification of Nubian Paintings: Proposing the ‘Multi-Layer’ Image Recognition Method

Autorzy:

Łaptaś, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/484134.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Kultur Śródziemnomorskich i Orientalnych PAN

Tematy:

Attribute
vestment
context
iconography
identification
method
Nubian painting
Byzantine art

Opis:

The aim of this paper is to present a method that enables identification of Nubian paintings whose tituli have not been preserved or are incomplete. This method is reminiscent of the laborious piecing together of mosaics from scattered and incomplete tesserae. The attributes, vestments or contexts are such tesserae, which taken into consideration together enable the composing of a mosaic, piece by piece. Some interpretations of the paintings were made during excavations, without time for deeper analysis. Identifications created in this way have become so merged with the images, and then repeated frequently, that it was very difficult to change them and introduce a new perspective on already widely accepted opinions. In this article, I have focused on a few select examples that show how one can identify individual paintings, but also how one can fall into the trap of too easy comparisons and attributions. A scholar studying Nubian art has to be cautious as its iconography is sometimes so original that it cannot be easily compared to Byzantine or any other cultural patterns.

Źródło:

Études et Travaux (Institut des Cultures Méditerranéennes et Orientales de l’Académie Polonaise des Sciences); 2019, 32; 161-179
2084-6762
2449-9579

Pojawia się w:

Études et Travaux (Institut des Cultures Méditerranéennes et Orientales de l’Académie Polonaise des Sciences)

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 23.

Tytuł:

Obrazy i rysunki w wychowaniu dzieci starszych do patriotyzmu
Paintings and drawings in the education of older children to patriotism

Autorzy:

Szubartowska, Alicja
Juzwa, Artur
Chałupniak, Radosław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1591900.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Szczeciński. Wydawnictwo Naukowe Uniwersytetu Szczecińskiego

Tematy:

patriotic education
education through art
patriotic paintings
patriotic attitudes
education for values
wychowanie patriotyczne
wychowanie przez sztukę
obrazy patriotyczne
patriotyczne postawy
wychowanie do wartości

Opis:

Obrazy patriotyczne budzą, uświadamiają, uczą i umacniają miłość do ojczyzny. Wielkie sceny batalistyczne czy przedstawienia wydarzeń związanych z historią, dla wielu odbiorców powiązane z kształtowaniem postawy miłości do rodzinnego kraju, często miały dodawać sił i motywować do większego zaangażowania w pracę dla Polski. W patriotycznym formowaniu dzieci starszych pomagają wybitne obrazy Jana Matejki. Kazanie Skargi oraz Rejtan skupione zostały na krytyce wad rodaków, natomiast Grunwald na zaletach, które mogą służyć ojczyźnie. Malowidła poruszają wyrazistością ukazanych postaci, żywiołowością barw, złożoną kompozycją oraz bogatą symboliką. Dorastającym dzieciom zaprezentowano dzieła Artura Grottgera, który tworzył skromne cykle rysunkowe związane z powstaniem styczniowym. Polonia i Lithuania to wynik bezpośredniej reakcji na współczesne artyście wydarzenia. O ile Grottger skupia uwagę widza na dramatycznej treści, o tyle Maksymilian Gierymski „pisze” jakby reportaż z powstania i przedstawia codzienność jego uczestników. Kompozycja dzieła Pikieta powstańcza w roku 1863 w sposób naturalistyczny przetwarza doświadczaną rzeczywistość na estetyczny pejzaż. Analiza dzieła sztuki może przekazywać ważne informacje na temat świata i pomagać w jego kreatywnym postrzeganiu. Dziecięca wrażliwość na piękno wymaga metodycznej otwartości. Wśród metod aktywizujących zaproponowano m.in.: puzzle, tajemnice osób na obrazie, domalowywanie obrazu czy teatralizację. Dzieła sztuki wykorzystane w wychowaniu zarówno szkolnym, jak i pozaszkolnym, mogą być ważnym przyczynkiem do tworzenia i pogłębiania relacji z rodzimym krajem, do odkrywania swoich korzeni i budowania własnej tożsamości. Ojczyźnie, po Bogu i rodzinie, człowiek zawdzięcza najwięcej: język, tradycję, kulturę etniczną, osobowość, przekonania moralne i religijne. Naród kształtuje osobę ludzką biologicznie, intelektualnie i duchowo.
Patriotic paintings awaken, enlighten, teach, and strengthen love towards the Fatherland. For many addressees, great battle scenes or the representations of events connected with history are linked to shaping the attitude of love towards the home country and they often have been aimed to add strength and motivate to be more engaged in the work for Poland. In the process of patriotic education of older children, the outstanding paintings of Matejko are very helpful. “The Sermon of Skarga” or “Rejtan” were focused on the criticism of the faults of the compatriots, while “Grunwald” on the merits that can serve the Fatherland. The paintings are moving with the clarity of the presented figures, vivacity of colours, complex composition, and rich symbolism. The works of Artur Grottger who created modest drawing cycles referring to the January insurrection were presented to growing children. “Polonia” and “Lithuania” are the result of the artist’s direct reaction to the events contemporary with him. While Grottger draws his addressees’ attention to dramatic contents, Maksymilian Gierymski “writes” a kind of report on the uprising and presents its participants’ daily life. The composition of the work titled “The Insurrectionary Picket in 1863” in a naturalist way transforms the experienced reality into an aesthetic scenery. Analysing a work of art can transfer important information on the world and help in perceiving it in a creative way. Children’s sensitivity to beauty requires methodical openness. Among the activating methods the following were proposed: puzzles, mysteries of people in a painting, completing a painting, or theatricalisation. The works of art used in both school and after-school education can be an essential contribution to building and deepening the relation with one’s home country, discovering one’s roots, and building one’s own identity. After God and family, man owes the most to his Fatherland, namely, language, tradition, ethnic culture, personality, moral and religious convictions. A nation shapes a person biologically, intellectually, and spiritually as well.

Źródło:

Colloquia Theologica Ottoniana; 2019, 2; 85-100
1731-0555
2353-2998

Pojawia się w:

Colloquia Theologica Ottoniana

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 24.

Tytuł:

Norwidowski sąd o sztuce na przykładzie aluzji do ostatnich obrazów Paula Delarochea
Norwid’s opinion about art on the example of his allusions to Paul Delaroche’s last paintings

Autorzy:

Pniewski, Dariusz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2116926.pdf

Data publikacji:

2005

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Opis:

The text is an analysis of an excerpt from Norwid's Czarne kwiaty (Black Flowers) connected with Paul Delaroche's last paintings. The author points to differences between Norwid's description of the painter's last work and the painting itself. The differences are also concerned with the facts connected with Delaroche's last series of pictures. There are a lot of mistakes, but – as the author points out – they constitute a logical whole. They were supposed to serve Norwid as proof that Delaroche was one of the most outstanding painters of his epoch – according to the hierarchy set up by the poet. The author expresses his opinion, based on the example of Black Flowers, that Norwid often applied this method. He willingly used biographies of artists that were popular at the end of the 18th and in the first half of the 19th centuries; he also used their works, as well as well-known and much discussed currents in art, or artistic schools, in this way making his meanings sharper or multiplying them. For correct understanding of the meanings present in this type of presentations it is necessary to turn to the knowledge that all people in the times of Norwid had; people who were interested – even as amateurs – in art, that is. The author reproduces that knowledge (in the degree that is limited to the needs of this short article) using a variety of documents and other evidence. Owing to this, strange and often obscure allusions to Delaroche’s works become much clearer. Norwid proves to have a great knowledge from the area of history of art and to know a lot about contemporary debates and about artistic life. He used the information he had in a consistent, logical – and hence convincing – way. The interpretation made in the text also points to possible causes of the artistic choices he made. An additional important conclusion is the statement that it is impossible to charge Norwid with obscurity since he used the knowledge that was common in his times.

Źródło:

Studia Norwidiana; 2005, 22-23; 27-47
0860-0562

Pojawia się w:

Studia Norwidiana

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 25.

Tytuł:

Graeco opere w królewskim teatrze władzy Władysława Jagiełły. Wprowadzenie do badań

Autorzy:

Walkowiak, Marcin

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/631920.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej

Tematy:

Byzantine-Ruthenian paintings
graeco opere
Władysław Jagiełło
Jagiellonians
Jagiellonian art
malowidła bizantyńsko-ruskie
Jagiellonowie
sztuka Jagiellonów
patronat artystyczny Jagiellonów

Opis:

The Polish King Władysław II Jagiełło requested the creation of a set of Byzantine wall paintings, described by the historian Jan Długosz as graeco opere, pictura graeca or sculptura graeca. The paintings were located in places of particular political and religious significance for the Kingdom of Poland. Byzantine painting decoration was thoughtfully adapted to Gothic interiors.The scientific reflection on Jagiellonian polychromes, conducted for over 150 years, still does not give full clarity as to the reasons for this unique artistic synthesis. Given the current state of knowledge about the role of art in the Middle Ages, the concept of the King’s private predilection for Byzantine-Ruthenian painting, well established in the Polish medieval studies, is no longer convincing.The author of this paper believes that this issue calls for new questions and a fresh research perspective. The study analyses the paintings in question in the context of the backdrop of the King’s political theology and the importance of art in shaping the image of the monarch in the Late Middle Ages. On the basis of the latest historical research, the author presents King Władysław II Jagiełło primarily as an effective ruler and competent politician rather than an art enthusiast.
Z inicjatywy króla polskiego Władysława Jagiełły wykonano zespół bizantyńskich malowideł ściennych, które Jan Długosz określa w swoich dziełach terminami: graeco opere, pictura graeca lub sculptura graeca. Malowidła te powstały w miejscach o szczególnym polityczno-religijnym znaczeniu dla Królestwa Polskiego a bizantyńską dekorację malarską dostosowano w przemyślany sposób do wnętrz gotyckich. Naukowa refleksja poświęcona jagiellońskim polichromiom, prowadzona od przeszło 150 lat, nadal nie daje pełnej jasności co do przyczyn tej oryginalnej syntezy artystycznej. Ugruntowana w polskiej mediewistyce teza o prywatnych upodobaniach króla Władysława Jagiełły do malarstwa bizantyńsko-ruskiego, wydaje się przy obecnym stanie wiedzy o roli sztuki w średniowieczu, tezą nie przekonującą. W opinii autora prezentowanego tekstu, przedstawiony wyżej problem wymaga postawienia nowych pytań i odświeżenia perspektywy badawczej. Autor, w swoich badaniach, analizuje omawiane malowidła przez pryzmat królewskiej teologii politycznej i znaczenia sztuki w procesie kształtowaniu wizerunku późnośredniowiecznego monarchy. Korzystając z najnowszych badań i ustaleń historyków, postrzega króla Władysława Jagiełłę przede wszystkim jako skutecznego i sprawnego polityka, a nie miłośnika sztuki.

Źródło:

Res Historica; 2019, 48
2082-6060

Pojawia się w:

Res Historica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 26.

Tytuł:

Edukacyjne wartości sztuki - aksjologiczny wymiar malarstwa polskiego przełomu XIX/XX wieku (wybrane przykłady)
EDUCATIONAL VALUE OF ART – AXIOLOGICAL DIMENSION OF THE POLISH XIX/XX CENTURY PAINTINGS (CHOSEN EXAMPLES)

Autorzy:

Stawoska-Jundziłł, Bożena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/579432.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Kujawsko-Pomorska Szkoła Wyższa w Bydgoszczy

Tematy:

Olga Boznańska
malarstwo XIX/XX w.
źródła ikonograficzne
dziecko
wychowanie
analiza
kształcenie
XIX/XX century paintings
iconography sources
child
upbringing
analyses
education

Opis:

Artykuł dotyczy znaczenia analizy źródeł ikonograficznych w kształceniu na kierunku pedagogika, zwłaszcza w ramach historii wychowania. Przykładowej analizie poddane zostały treści wybranych obrazów Olgi Boznańskiej (1865–1940) przedstawiające dziewczynki. Wbrew rozwijającym się za jej czasów ideom dowartościowania dzieciństwa, lepszego teoretycznie rozumienia psychiki i zachowań dzieci, m.in. w ramach ‘nowego wychowania’, malarka pokazuje osamotnienie dziecka, brak z nim kontaktu, dążenie, aby jak najszybciej stały się ludźmi dorosłymi. Aby przekazać swoje krytyczne stanowisko wobec takich postaw stosuje różne techniki malarskie, kolorystykę i symbolikę, którą należy odczytać wchodząc głębiej w treść obrazów, a nie postrzegać tylko powierzchowny obraz sympatycznego dziecka. Takie postępowanie ze źródłem uczy przyszłych pedagogów odczytywania, często niejednoznacznych sygnałów wysyłanych przez wychowanków, dochodzenia do źródeł ich zachowań. Uczy krytycyzmu i pogłębionej analizy posiadanych danych. Wtedy cel założony przez O. Boznańską, aby odsłonić hipokryzję w stosunkach z dzieckiem, pozorne ich dowartościowanie przy lekceważeniu ich prawdziwych potrzeb zostanie osiągnięty.
This article applies to values in pedagogical education the approach of iconography sources analysis. One of examples are meanings of Olga Boznańska’s (1865–1940) paintings of girls. Unlike present for Boznańska’s ideas that idealise childhood, theoretical ‘better’ understanding of psychic and behaviour of children, e.g. ‘new upbringing’, as a Painter she shows loneliness, lack of contact and forced need to be mature of child. To present her critical attitude, she uses various painting technics, colour and symbols. It should not be shallowly be interpreted as just picture of child. Such use of sources teaches future pedagogues, reading not obvious signals sent by the pupils. Also it teaches criticism and deep analysis of acquired data. Then Olga Boznańska’s objective to show hypocrisy in treating of child will be shown.

Źródło:

Rocznik Naukowy Kujawsko-Pomorskiej Szkoły Wyższej w Bydgoszczy. Transdyscyplinarne Studia o Kulturze (i) Edukacji; 2016, 11; 329-352
1896-5903

Pojawia się w:

Rocznik Naukowy Kujawsko-Pomorskiej Szkoły Wyższej w Bydgoszczy. Transdyscyplinarne Studia o Kulturze (i) Edukacji

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 27.

Tytuł:

L’hypopeinture greuzienne et ses palimpsestes narratifs au XVIIIe siècle
Hypopicture of Greuze and its narrative palimpsests in the 18th century

Autorzy:

Langbour, Nadège

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/483677.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Wydawnictwo Werset

Tematy:

paintings of Greuze
writings on art of Diderot
moral tale
literary transposition

Opis:

In the 18th century, the paintings of Greuze had much success. The literature took against these paintings. It transposed them in narrative texts. Diderot and Aubert, described paintings of Greuze by using the literary kind of the moral tale. Thus, they respected moral spirit of the painting of Greuze. But when paintings of Greuze were transposed in the novels, this moral spirit had been perverted : the novels respected stating of Greuze, but they used it to produce a different statement.

Źródło:

Quêtes littéraires; 2015, 5; 23-32
2084-8099
2657-487X

Pojawia się w:

Quêtes littéraires

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 28.

Tytuł:

Pobożne chrześcijanki czekają na zmartwychwstanie – wizerunki kobiet w rzymskim malarstwie katakumbowym
Pious Christian Women Awaiting the Resurrection: Images of Women in Roman Catacomb Painting

Autorzy:

Iwaszkiewicz-Wronikowska, Bożena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2056544.pdf

Data publikacji:

2022-05-16

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

portrety zmarłych
orantki
sztuka wczesnochrześcijańska
sztuka sepulkralna
katakumby Rzymu
malarstwo katakumbowe
portraits of the dead
orants
Early Christian art
sepulchral art
the catacombs of Rome
catacomb paintings

Opis:

Preferowaną w malarstwie katakumbowym Rzymu formą autoprezentacji, ale zapewne też upamiętnienia zmarłych chrześcijanek było przedstawianie ich w postawie modlitewnej – w pobliżu lokulusów i arkosoliów niemal na każdym kroku spotkać można było postaci kobiece, z czasem coraz bardziej zindywidualizowane i wyraziste, które modliły się, kierując ręce ku górze lub rozpościerając je na boki na wzór postawy Jezusa na krzyżu. Gest modlitewny, wyeksponowany również w portretach w formie popiersi, miał przekonywać o pobożności (pietas), jaka cechowała zmarłe chrześcijanki za życia i która pozwalała im żywić nadzieję, że za sprawą Chrystusa-Dobrego Pasterza zmartwychwstaną i osiągną życie wieczne tam, gdzie nadal trwać będą w nieustającej modlitwie (uwielbienia? dziękczynienia? błagalnej?).
In Roman catacomb paintings, the preferred form of self-presentation, and undoubtedly also of commemoration, of deceased Christian women, was to present them in a praying position – near the loculi and arcosolia, at almost every step of the way, one could encounter female figures (over time more and more individual and expressive), who prayed by raising their hands upwards or extending them in imitation of Jesus’s posture on the cross. The prayer gesture, also displayed in portraits in the form of busts, was to convince people of the piety (pietas) that characterised these deceased Christian women during their lives, and which allowed them to hope that thanks, to Christ-the Good Shepherd they would be resurrected and achieve eternal life, where they would continue in their incessant prayer (praise? thanksgiving? pleading?).

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2022, 70, 4; 7-34
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 29.

Tytuł:

Entre texte et image : réflexions sur la traduction des titres de tableaux de Paul Gauguin
Between text and image: reflections on the translation of Paul Gauguin’s painting titles

Autorzy:

Walkiewicz, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2143411.pdf

Data publikacji:

2021-12-22

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

translation
titles of art works
paintings
translation strategies

Opis:

The aim of this article is to analyse the translation strategies used to translate Paul Gauguin’s painting titles from Tahitian and French to Polish. We will analyse the titles that the artist painted directly on the canvases by making them invariant just like the image itself. The translations analysed come from works on Gauguin’s art and Impressionism, published in Polish since the 1960s of the 20th century.

Źródło:

Studia Romanica Posnaniensia; 2021, 48, 4; 91-106
0137-2475
2084-4158

Pojawia się w:

Studia Romanica Posnaniensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 30.

Tytuł:

Carlo di Prevo – un pittore ticinese in Polonia. Prova di approccio monografico
CHARLES DE PREVO − ITALIAN PAINTER IN POLAND. AN ATTEMPT AT A MONOGRAPH

Autorzy:

Gurba, Stanisław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/490102.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Instytut Teologiczno-Pastoralny im. św. bpa Józefa Sebastiana Pelczara

Tematy:

Karol de Prevo
malarstwo włoskie
sztuka włoska w Polsce
sztuka nowożytna
mecenat artystyczny w Polsce
Charles de Prevo
Italian paintings
Italian art in Poland
modern art
artistic patronage in Poland

Opis:

Charles de Prevo was the north Italian painter working in Poland at the turn of the seventeenth and eighteenth centuries. The article shows the artistic live of Charles de Prevo, in particular his whereabouts in Poland and his paintings. The study of article has been used publications about the painter and his works, correspondence painter from his patrons and other archives. So far there is no publication showing the overall artistic activity of Charles de Prevo. On the example of this painter was presented socio-political situation and artistic phenomenon in the XVI - XVIII centuries in Europe.

Źródło:

Resovia Sacra : Studia Teologiczno-Filozoficzne Diecezji Rzeszowskiej; 2016, 23; 75-93
1234-8880

Pojawia się w:

Resovia Sacra : Studia Teologiczno-Filozoficzne Diecezji Rzeszowskiej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 31.

Tytuł:

Rodzinna wieś – nostalgiczne źródło malarskich inspiracji Mariana Kępińskiego
The family village – a nostalgic source of Marian Kępiński’s painting inspirations

Autorzy:

Kępiński, Marcin

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/27280383.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

sztuka
malarstwo
wiejskie sacrum i mit
nostalgia
rodzinna wieś
art
paintings
rural sacrum and myth
nostalgy
family village

Opis:

Artykuł jest próbą omówienia zjawiska nostalgii w malarstwie profesora Mariana Kępińskiego, uznanego twórcy i pedagoga łódzkiej ASP im. Władysława Strzemińskiego, przejawiającej się w portretowaniu natury, pejzażu i ludzi związanych z rodzinną wsią artysty. Okazją do podjęcia rozważań jest niedawna rocznica pięćdziesięciolecia pracy twórczej. Ich cel stanowi ukazanie, w jaki sposób artysta, posługując się symboliką związaną ze światem natury, portretuje mityczną pamięć przestrzeni swego dzieciństwa i młodości – rodzinnej wsi Kamionka.
The article is an attempt to discuss the phenomenon of nostalgia in the paintings of Professor Marian Kępiński – artist and pedagogue of the Władysław Strzemiński Academy of Fine Arts in Łodź. The nostalgia manifested in portraying nature, landscape and people associated with the artist’s family village. The opportunity to reflect is the recent anniversary of the 50th anniversary of his work. The article’s aim is to show how the artist – using symbolism related to the world of nature – portrays the mythical memory of the space of his childhood and youth – his family village of Kamionka.

Źródło:

Zeszyty Wiejskie; 2022, 28, 2; 71-100
1506-6541

Pojawia się w:

Zeszyty Wiejskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 32.

Tytuł:

The impact of reading or listening to a contextual information relating to contemporary paintings on the evaluation by non-experts in the field of art

Autorzy:

Szubielska, Magdalena
Francuz, Piotr
Niestorowicz, Ewa
Bałaj, Bibianna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1165493.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet Kazimierza Wielkiego w Bydgoszczy

Tematy:

informacja kontekstowa
malarstwo abstrakcyjne i figuratywne
ocena estetyczna
sztuka współczesna

Opis:

Celem badania była analiza wpływu zapoznania się z opisem katalogowym w różnych warunkach: przeczytania lub wysłuchania opisu przed obejrzeniem obrazu, wysłuchania opisu w trakcie oglądania obrazu, braku opisu (warunek kontrolny) na ocenę abstrakcyjnego i figuratywnego malarstwa współczesnego. W badaniach uczestniczyli studenci, którzy nie byli ekspertami w dziedzinie sztuki. Badani oglądali reprodukcje obrazów, znając bądź nie ich opisy katalogowe. Obrazy oceniano z perspektywy formy, treści i aksjologii, z wykorzystaniem kwestionariusza oceny dzieła malarskiego. Jego konstrukcję wywiedziono z teorii estetyki Romana Ingardena. Za podstawę teoretyczną badań posłużyły koncepcje: (1) pamięci roboczej, (2) podwójnego kodowania oraz (3) płynności przetwarzania i przyjemności estetycznej. Weryfikowano hipotezy, zgodnie z którymi nieprofesjonalni odbiorcy oceniają wyżej na wymiarze aksjologicznym obrazy, jeśli zapoznają się z ich opisami katalogowymi (zwłaszcza w sytuacji jednoczesnego oglądania obrazu i słuchania opisu); a także jeśli są to obrazy figuratywne. Okazało się, że nieprofesjonalni odbiorcy sztuki bardziej doceniają współczesne obrazy figuratywne niż abstrakcyjne – co potwierdza przyjętą hipotezę. Stwierdzono też, że wartościowanie dzieła przez niedoświadczonego widza zależy nie tyle od podania mu informacji katalogowej, ale od sposobu zapoznania się odbiorcy z tą informacją. Odkryciem nowym w stosunku do wcześniejszych badań jest ustalenie, iż nieprofesjonalnym odbiorcom sztuki współczesne obrazy podobają się bardziej i w większym stopniu wzbudzają pozytywne emocje, gdy ich oglądaniu towarzyszy wysłuchanie informacji katalogowej, niż gdy informacja katalogowa wysłuchana jest tuż przed oglądaniem dzieła. Rezultat ten jest ważny aplikacyjnie i może zostać wykorzystany m.in. przez działy edukacji galerii i muzeów.

Źródło:

Polskie Forum Psychologiczne; 2018, XXIII, 3; 610-627
1642-1043

Pojawia się w:

Polskie Forum Psychologiczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 33.

Tytuł:

Sztuka jako nośnik wartości oraz narzędzie do przekazywania prawd religijnych na przykładzie obrazów Michaela Willmanna
Art as a means of conveying values and a tool for communicating religious truths on the example of the images of Michael Willmann

Autorzy:

Lekka, Dorota

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/972803.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Uniwersytet Szczeciński. Wydział Teologiczny

Tematy:

sztuka
barok
reformacja
kontrreformacja
prawdy religijne
Michael Willmann
obrazy Michaela Willmanna
Art
baroque
reformation
counterreformation
religious truth
paintings by Michael Willmann

Opis:

Artykuł jest interdyscyplinarnym przedsięwzięciem łączącym zagadnienia z zakresu historii sztuki, nauk o sztuce, historii powszechnej oraz teologii. Rozpoczyna się od zaprezentowania specyfiki baroku na tle historycznych, społecznych i religijnych wydarzeń jakie miały miejsce w ówczesnej dobie, a mianowicie kontrreformacji jako odpowiedzi Kościoła katolickiego na szerzoną naukę protestantów. Ukazuje równocześnie rolę sztuki jako nośnika wartości i narzędzie do przekazywania prawd religijnych. W tym ożywionym czasie Kościoła sztuka stała się jednym z głównych głosicieli prawd chrześcijańskich, a w dzieło to wpisał się śląski artysta okresu baroku Michael Willmann (1630-1706), który na zlecenie cystersów tworzył monumentalne obrazy o treściach religijnych. Szczególnej uwadze poświęcony został cykl martyriów, a zwłaszcza kluczowy obraz „Podniesienie krzyża” stanowiący teologiczny punkt odniesienia dla pozostałych dzieł. Tematyka przedstawień, zawierająca program potrydencki i antyprotestancki, miała przekazywać prawdy wiary katolickiej, negowane wówczas przez protestantów i zachęcać wiernych do wytrwania w wierze.
This article is an interdisciplinary undertaking combining the issues of art history, art sciences, world history and theology. It begins with presenting the character of the Baroque relating to historical, social and religious events which took place at that time, that is the Counter-Reformation as a reply of the Roman Catholic Church to the theory promoted by Protestants. At the same time it shows the role of art as a means of conveying values and a tool for communicating religious truths at the same time. In this active time of the Church art became one of the chief preachers of Christian truths. Michael Willmann (1630-1706), a Silesian artist of the Baroque period, became part of this work. Commissioned by the Cistercians, he created monumental images with reli-gious contents. Particular attention has been paid to the cycle of martyrdoms, especially the crucial image The Elevation of the Cross constituting a theological point of reference for the remaining works. The subject matter of the images, containing the after-Trident and anti-Protestant programme, was supposed to communicate the truths of the Catholic faith, negated then by Protestants, and to encourage the faithful to persevere in their faith.

Źródło:

Studia Paradyskie; 2017, 27; 207-224
0860-8539

Pojawia się w:

Studia Paradyskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 34.

Tytuł:

Zwizualizowany imperializm i narodowa identyfikacja. Kilka przykładów kościelnego malarstwa w Gruzji od 1801 do 1918 roku
Visualised imperialism and national identity. Some examples of the church painting in Georgia between 1801 and 1918

Autorzy:

Khosroshvili, Tamar

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/689145.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

sztuka nowożytna
sztuka chrześcijańska
kościelne malarstwo naścienne
studia postkolonialne
odrodzenie narodowe
art of the early modern period
Christian art
church wall paintings
Postcolonial studies
national revival

Opis:

In different periods, Christian wall paintings have visualised various attitudes towards programmes, images and iconographies that were closely linked with the religious identities of communities. Following the emergence of nationalism in Georgia in the mid-19th century, wall paintings of this period also began to respond to national identity. The chronological limits of this article are determined by crucial events in the history of the country, such as the conquest of East Georgia by the Russian Empire in 1801 and the proclamation of the independence of the Democratic Republic of Georgia in 1918. Between these two events, a number of church paintings was created throughout Georgia. Some of them fully intended to promote the Russian imperial identity and served to consolidate the power of the Empire over the conquered country. While others, reflected the ideas and aspirations of Georgian nationalism. They are very different from the medieval examples displaying a growing interest in national saints and the events of Christian Georgian history. This paper is focused on the most significant examples.
W różnych okresach chrześcijańskie malarstwo naścienne wizualizowało różnoraki stosunek do programów, obrazów, ikonografii i było blisko połączone z religijną identyfikacją społeczeństwa. Pod wpływem rozwoju nacjonalizmu w Gruzji w połowie XIX w. malarstwo naścienne również zaczęło odpowiadać potrzebom identyfikacji narodowej. Ramy czasowe artykułu zakreślają najważniejsze wydarzenia z historii tego kraju, takie jak podbój Wschodniej Gruzji przez Imperium Rosyjskie w 1801 r. i proklamowanie niepodległości przez Demokratyczną Republikę Gruzji w 1918 r. Pomiędzy tymi dwoma wydarzeniami w Gruzji powstało wiele malowideł sakralnych. Niektóre z nich miały na celu promowanie poczucia przynależności do Rosji i służyły konsolidacji władzy imperium nad podbitym krajem. Inne odzwierciedlały idee i aspiracje gruzińskiego nacjonalizmu. Różniły się one od średniowiecznych realizacji, ukazując wzrastające zainteresowanie narodowymi świętymi i wydarzeniami z historii gruzińskiego chrześcijaństwa. W artykule omówiono najbardziej znaczące ich przykłady.

Źródło:

Przegląd Nauk Historycznych; 2019, 18, 2; 247-261
1644-857X
2450-7660

Pojawia się w:

Przegląd Nauk Historycznych

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 35.

Tytuł:

Murals make (Our) history: paintings on the wall as media of cultural memory. Interpreting the current state of Warsaw’s commemorative murals
Murale tworzą (naszą) historię: Obrazy na ścianie jako nośniki pamięci kulturowej. Analiza obecnego stanu warszawskich murali upamiętniających

Autorzy:

Upalevski, Ilija

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1373462.pdf

Data publikacji:

2017-12-28

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

pamięć kulturowa
street art / murale
twórcy pamięci
historia Polski
Warszawa
cultural memory
street art
memory makers
Polish history
Warsaw

Opis:

The aim of this paper is to closely examine the ways in which the outdoor mural as a form of art. has been used for commemorative purposes in the context of the Polish capital. Drawing on content analysis this paper will argue that regardless of their democratic potential and potential to act subversively in the public domain, the commemorative murals in the case of Warsaw are predominantly reflecting the official narrations/representations of the past and thus reproducing the state-supported, nation-centered, male-dominated perspective of history. Referring to Wulf Kansteiner methodological instructions, the paper introduces the notion of “secondary” memory makers in order to describe the position the mural makers are occupying in the field of Warsaw’s cultural memory. It will also be argued that mural makers, by adapting their works to the demands of the cultural institutions responsible for the memory production and dominant discourses of memory from mainly pragmatic reasons, are forgoing a fair portion of the democratic and subversive potential of the murals. As such, the paintings on the walls are, intentionally or not, further involved in more complex state-sponsored strategies of nationalizing the public space.
Celem niniejszego artykułu jest analiza sposobów wykorzystania muralu jako formy artystycznej służącej upamiętnianiu (przypominaniu) wybranych historycznych narracji w stolicy Polski. W oparciu o analizę treści postaram się pokazać, że niezależnie od ich demokratycznego potencjału oraz potencjału wprowadzania treści subwersywnych w przestrzeni publicznej, murale upamiętniające – w przypadku Warszawy – przeważnie odzwierciedlają oficjalne narracje/wyobraźnie przeszłości, odtwarzając w ten sposób propagowaną przez instytucje publiczne, opartą na egoizmie narodowym męskocentryczną perspektywę historii narodowej. Odwołując się do instrukcji metodologicznych Wulfa Kansteina, wprowadzone zostanie pojęcie „drugorzędnych” twórców pamięci (secondary memory makers) w celu opisania pozycji, jaką twórcy murali zajmują w polu pamięci kulturowej Warszawy. Autorzy murali, z przyczyn głównie pragmatycznych, dostosowują swoje prace do wymagań instytucji publicznych odpowiedzialnych za produkcję pamięci oraz hegemonicznych dyskursów pamięci, rezygnując w ten sposób z możliwości bardziej demokratycznego działania w przestrzeni publicznej oraz w polu pamięci kulturowej. Obrazy na ścianach powstałe w ten sposób, celowo lub nie, stają się częścią bardziej złożonych, sponsorowanych przez państwo strategii „unarodowienia” przestrzeni publicznej.

Źródło:

Przegląd Socjologii Jakościowej; 2017, 13, 4; 114-135
1733-8069

Pojawia się w:

Przegląd Socjologii Jakościowej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 36.

Tytuł:

Korelacje ludzi i natury we współczesnych obrazach znad basenu Morza Czarnego, Śródziemnego i Bałtyckiego
Correlations of People and Nature in the Contemporary Paintings From the Basin of the Black Sea, Mediterranean Sea and Baltic

Autorzy:

Borcz, A.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1188074.pdf

Data publikacji:

2011

Wydawca:

Uniwersytet Przyrodniczy we Wrocławiu

Tematy:

natura
ogród
sztuka
nature
garden
art

Opis:

The Article Analyzes the Correlation of People and Nature Portrayed in the Contemporary Painting from the Seas of Europe: Black Sea, Mediterranean and Baltic. Painting examples show symbolically that our life is governed by similar periodicity as the world of plants and animals. And simultaneously these three worlds influence mutual and constantly on each other. A man shapes in landscape architecture the park-palace complexes such as the eighteenth-century complex Sanssouci in Germany or, Tsarskoye Selo in Russia. Their plan can inspire artists to create an abstract picture. Whereas, a top view of port, built on the Black Sea, among bays of large liman of Dniester, becomes a decorative painting. In the works of the Ukrainian artists presentation of coloring of the Crimean Peninsula refers to a variety of styles: Baroque Grand Masters of the Netherlands, the Russian marine painter Aivazovsky or French impressionists. In the paintings of the selected here Russian and Polish painters synthesis of shapes and colors brings them closer to mainstream of Fauvists and expressionism. The paper presents also a novel interpretation of the plant and the land of the Black Sea in the styling of Orthodox icons and art-deco. Mediterranean landscapes of Italy, Montenegro and Croatia are distinguished by the proximity of mountains and sea. Painting from these countries emphasizes the traditional architecture, which combined functional ism with the beauty. It paid attention to the communication with the surrounding nature.

Źródło:

Architektura Krajobrazu; 2011, 1; 87-101
1641-5159

Pojawia się w:

Architektura Krajobrazu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 37.

Tytuł:

The Prince, the Noblemen and the Painter: Collections of Works of Art in Copenhagen Between 1800 and 1848

Autorzy:

Christensen, Charlotte

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/32353623.pdf

Data publikacji:

2023

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Copenhagen
collections in the first half of the 19th century
Kunstkammer
ing Christian VIII
Dutch paintings in Denmark
artists’ art collections
Christian Albrecht Jensen

Opis:

The history of collecting in Denmark and Norway in the 19th century is intimately connected with the history of the painters and sculptors active during that period. Only in Copenhagen were the Royal and private collections accessible to the artists, for whom copying paintings by Old Masters formed an important part of their curriculum. Major collectors of the Age were Prince Christian Frederik (later King Christian VIII of Denmark), who mainly acquired paintings and sculptures by contemporary artists, and the portrait painter Christian Albrecht Jensen, whose preference was to buy and sell the works of Old Masters. In Copenhagen, the collections of the Counts Moltke, which mainly consisted of works by Dutch painters, was open to the public, while the Royal Collection (today a part of Statens Museum for Kunst) could only be visited from 1827 onwards. None of the three collections dealt with in the present article have survived until today, while the works of art and the antiques belonging to the sculptor Bertel Thorvaldsen are at present housed in the museum bearing his name.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2023, 34; 81-109
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 38.

Tytuł:

Fundacja Keddigów i ich kolekcja malarstwa w szczecińskim muzeum. Kulisy pozyskiwania i finansowania zbiorów
The Keddig Foundation and their art collection in Szczecin museum. The real story behind assembling and financing museum collections

Autorzy:

Kozińska, Bogdana

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/440446.pdf

Data publikacji:

2018-12-27

Wydawca:

Muzeum Narodowe w Szczecinie

Tematy:

Szczecin
museum
collections of paintings
Keddig collection
muzeum
zbiory malarstwa
kolekcja Keddigów

Opis:

The article discusses circumstances of assembling and financing art collections in Szczecin at the turn of the 19th and 20th centuries. The first institutional city museum was established there as early as in 1857 by the city taking over the Pomeranian Art Association (Kunstverein für Pommern) collection which had been compiled since 1843 from works purchased during art exhibitions organized by Kunstverein and from individual gifts and bequests. However, in 1913 only when the museum building was erected and Dr Walter Riezler was appointed as a director, the collection started to look professional, although still there was not enough means to implement his ambitious plans. The history of the Keddig foundation and collection is an example of activities of financial and intellectual elites which supported amassing museum collections at the turn of the centuries.

Źródło:

Materiały Zachodniopomorskie; 2018, 14; 265-274
0076-5236

Pojawia się w:

Materiały Zachodniopomorskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 39.

Tytuł:

Poezja i malarstwo o starości kobiet – wiersze Anny Świrszczyńskiej w dialogu z wybranymi obrazami
Poetry and Painting about the Old Age of Women – Poems by Anna Świrszczyńska in Dialogue with Selected Paintings

Autorzy:

Gajak-Toczek, Małgorzata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1848107.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej

Tematy:

Anna Świrszczyńska
old woman
works of art
stara kobieta
dzieła sztuki

Opis:

Celem artykułu jest ogląd tożsamości starej kobiety na przykładzie utworów Anny Świrszczyńskiej, które porównano z wybranymi pracami malarskimi. Podkreślono, że specyfika kreacji artystycznej poetki, jej sposób prezentacji kobiecego punktu widzenia na wszelkie zjawiska i uczucia, nie prowadziła do negacji rzeczywistości męskiej, lecz stanowiła jej uzupełnienie. Zamierzona interdyscyplinarność dyskursu ma uzasadnienie w przekonaniu, że różnorodność językowego przekazu zwielokrotnia siłę oddziaływania sztuki oraz empatycznie orientuje odbiorców na niepowtarzalność i jednostkowość doświadczenia egzystencjalnej relacji podmiotu ze światem w dziełach sztuki.
The aim of the article is to look at the identity of an old woman on the example of works by Anna Świrszczyńska, which were compared with selected paintings. It was emphasized that the specificity of the poet’s artistic creation, her way of presenting a woman’s point of view to all phenomena and feelings, did not lead to the negation of male reality, but constituted its complement. The intended interdisciplinary nature of discourse is justified by the belief that the diversity of linguistic message multiplies the strength of art’s influence, empathically orientates recipients to the uniqueness as well as the individuality of the subject’s existential relationship with the world in works of art.

Źródło:

Annales Universitatis Mariae Curie-Sklodowska, sectio N – Educatio Nova; 2020, 5; 252-264
2451-0491

Pojawia się w:

Annales Universitatis Mariae Curie-Sklodowska, sectio N – Educatio Nova

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 40.

Tytuł:

Pawła Althamera i Artura Żmijewskiego obrazy (nie)ostateczne
Paweł Althamer and Artur Żmijewskis (in)final paintings

Autorzy:

Wróbel, Szymon

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/32443977.pdf

Data publikacji:

2023

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

Paweł Althamer
Artur Żmijewski
sztuka
antropologia
art
anthropology

Opis:

Prezentowany tekst jest swobodną interpretacją 32 montaży „wytworzonych” podczas letniego pobytu Pawła Althamera i Artura Żmijewskiego w Kaliszu w Galerii Sztuki im. Jana Tarasina. Omawianą serię kolaży autor nazywa Obrazami (nie)ostatecznymi. Autor stawia tezę, zgodnie z którą „maszyna montażowa” o nazwie „Althamer-Żmijewski” w sposób udany, ale i przewrotny, łączy pracę przy dwóch stołach. Jeden to „stół prosektoryjny” (table d’opération). Na tym stole rodzi się leksykon i encyklopedia świata współczesnego. To stół „sekcji zwłok” naszego świata. Drugi stół pozwala nam ujrzeć obraz-montaż w momencie narodzin. Przy tym stole pracuje „akuszerka życia” pozwalająca śledzić momenty rodne myśli, skurcze rzeczywistości, tj. obrazy w chwili ich wyłaniania się. Stół akuszerski nie jest stołem prosektoryjnym, ale jest „stołem porodowym” (table d’accouchement). Obie maszyny przyjaźnią się tak jak przyjaźni się Eros i Tanatos, życie i śmierć. Przy obu stołach jednak dokonuje się jeden i ten sam proces – rozpruwania i ponownego zszywania świata.
The presented text is a free interpretation of 32 montages "created" during the summer stay of Paweł Althamer and Artur Żmijewski in Kalisz at the Art Gallery. Jan Tarasin. The author calls the discussed series of collages "(non-)final Images". The author puts forward a thesis that the "assembly machine" called "Althamer-Żmijewski" successfully, but also perversely, combines work at two tables. One is the “dissection table” (table d’opération). The lexicon and encyclopedia of the modern world are born on this table. This is the “autopsy” table of our world. The second table allows us to see the image-montage at the moment of birth. The "midwife of life" works at this table, allowing us to track the birth moments of thoughts, the contractions of reality, i.e. images as they emerge. The midwife's table is not a "dissection table", but a "delivery table" (table d'accouchement). The two machines are friends just like Eros and Thanatos, life and death. However, at both tables, one and the same process takes place - the unraveling and re-stitching of the world.

Źródło:

Konteksty. Polska Sztuka Ludowa; 2023, 343, 4; 250-260
1230-6142
2956-9214

Pojawia się w:

Konteksty. Polska Sztuka Ludowa

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 41.

Tytuł:

Ciało cierpiące jako widowisko w malarstwie Igora Podolczaka i Wasylija Cagolowa
Suffering body as a spectacle in paintings of Igor Podolchak and Vasily Cagolov
Страждання тіла, як видовище, у живописі Василя Цаголова та Ігора Подольчака

Autorzy:

Zambrzycka, Marta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2178918.pdf

Data publikacji:

2015-12-31

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

contemporary art
painting
suffering
pain
body
sight
сучасне мистецтво
живопис
страждання
біль
тіло
видовище

Opis:

The topic of this article is a way of presenting suffering in paintings of Vasily Cagolov and Igor Podolchak - Ukrainian contemporary artists. In the paintings of Cagolov suffering and causing pain are shown in the convention of popular culture (crime story film style). In art of Podolchak human body is represented as an object of experiments. Both painters try to analyze the place and role of images of suffering and Violence in the contemporary culture.
Темою статті є зображення страждання в живописі Василя Цаголова та Ігора Подольчака - українських сучасних художників. У живописі Цаголова страждання вписується у стилістику масово'і культури (фільми типу детектив та бойовик), у Подольчака людське тіло представлене як об'єкт, який піддається експериментам. Обидвоє художників, шукають у своїй творчості відповідь на запитання, про місце і роль образів страждання і насильства в сучасній культурі.

Źródło:

Pomiędzy. Polonistyczno-Ukrainoznawcze Studia Naukowe; 2015, 1; 137-146
2543-9227

Pojawia się w:

Pomiędzy. Polonistyczno-Ukrainoznawcze Studia Naukowe

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 42.

Tytuł:

Spatium initii i spatium transitionis w obrazach Bogdana Kraśniewskiego
Spatium initii and spatium transitionis in paintings of Bogdan Kraśniewski

Autorzy:

Niciejewska, Natalia

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/564006.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Katedra Porównawczych Studiów Cywilizacji

Tematy:

betwixt and between
Victor Turner
Dark night of the Soul
John of the Cross
positive disintegration
space
art
Bogdan Kraśniewski
Kazimierz Dąbrowski
faza liminalna
dezintegracja pozytywna
Jan od Krzyża
przestrzeń
sztuka

Opis:

This essay shows drawings and paintings of Bogdan Krasniewski (artist from Toruń) compared to idea of betwixt and between made by Victor Turner, concept of Dark night of the Soul Saints` John of the Cross and theory of positive disintegration compile by Kazimierz Dąbrowski . This confrontation present space in Kraśniewski's paintings not only as material space, but more as space of internal growth, spiritual progress. This way of progress is divided into two parts: spatium initiati – where man chooses between material or spiritual way of life and spatium transitionis where took place constant progress. This article shows how that spaces function in art of Krasniewski
Artykuł prezentuje twórczość plastyczną Bogdana Kraśniewskiego (artysty z Torunia) i jej związki z opisywanym szczegółowo przez Victora Turnera pojęciem fazy liminalnej, koncepcją „nocy ciemnej” św. Jana od Krzyża oraz teorii dezintegracji pozytywnej, stworzonej przez Kazimierza Dąbrowskiego. Takie zestawienie pokazuje, że przestrzeń w twórczości Kraśniewskiego można rozumieć nie tylko w znaczeniu fizycznym, lecz również jako przestrzeń wewnętrznego wzrostu i duchowego rozwoju. Rozwój ten podzielony jest na dwie części: spatiuminitiati, gdzie człowiek dokonuje wyboru między życiem skupionym na sferze cielesnej albo na duchowej, oraz spatiumtransitionis, gdzie ma miejsce ciągły progres. Artykuł pokazuje, jak te dwie przestrzenie funkcjonują w twórczości Kraśniewskiego.

Źródło:

Magazyn antropologiczno-społeczno-kulturowy MASKA; 2013, 17; 77-92
1898-5947

Pojawia się w:

Magazyn antropologiczno-społeczno-kulturowy MASKA

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 43.

Tytuł:

Obrazy Stanisława Żukowskiego (1873-1944) w państwowych i prywatnych kolekcjach dzieł sztuki Imperium Rosyjskiego
Paintings by Stanisław Żukowski (1873-1944) in the State and Private Art Collections of the Russian Empire

Autorzy:

Syzonenko, Iryna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2056554.pdf

Data publikacji:

2022-05-16

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

Stanisław Żukowski
Galeria Tretiakowska
Muzeum Aleksandra III Muzeum Rumiancewa
Muzeum Sztuk Pięknych im. A. S. Puszkina
Muzeum Sztuki Teatralnej
Bołogowski Kompleks Muzealny
Tretyakov Gallery
Russian Museum of His Imperial Majesty Alexander III
Rumyantsev Museum
Pushkin State Museum of Fine Arts
Theatre Art Museum
Bologovski Museum Complex

Opis:

W okresie pobytu polskiego malarza Stanisława Żukowskiego (1873-1944) w Rosji (1892-1923) jego twórczość mogła rozwijać się dzięki pomocy wielu mecenasów i kolekcjonerów sztuki. Druga połowa XIX i początek XX wieku zostały określone jako „złoty wiek mecenatu rosyjskiego”, czas powstania muzeów i galerii o znaczeniu europejskim. W XX wieku, jeszcze za czasów Imperium Rosyjskiego, obrazy Stanisława Żukowskiego pojawiły się w rosyjskich prywatnych i państwowych galeriach. W gronie jego mecenasów i kolekcjonerów znaleźli się przedstawiciele rodów arystokratycznych Imperium Rosyjskiego, a także przedstawiciele kręgów kupieckich, przemysłowych i bankowych ówczesnego społeczeństwa rosyjskiego.
During the stay of the Polish painter Stanisław Żukowski (1873-1944) in Russia (1892-1923), his work was able to develop thanks to the help of many patrons and art collectors. The second half of the 19th century and early 20th were defined as the “golden age of Russian patronage,” a time when museums and galleries of European importance were established. In the 20th century, but still during the time of the Russian Empire, Stanisław Żukowski’s paintings appeared in Russian private and state galleries. Its patrons and collectors included representatives of the aristocratic families of the Russian Empire, as well as representatives of the merchant, industrial and banking circles of Russian society at that time.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2022, 70, 4; 163-183
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 44.

Tytuł:

Młodzi konserwatorzy w kulturowym tyglu, czyli praktyki w Libanie studentów Wydziału Konserwacji i Restauracji Dzieł Sztuki, Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie
Young conservators in the crucible of culture - work experience in Lebanon of students from the Department of Conservation and Restoration of Art Works at the Academy of Fine Art, Warsaw

Autorzy:

Tomkowska, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/459622.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Fundacja Pro Scientia Publica

Tematy:

konserwacja; restauracja; prace konserwatorskie w Libanie; praktyki studenckie; średniowieczne malowidła ścienne
conservation, restoration, restoration works in Lebanon, student’s in-
ternship, medieval wall paintings

Opis:

Purpose of research. A summary of achievements and effects of conservation work, as well as a look at the wider aspects of the educational practices of internship of the Faculty of Conservation and Restoration of Works of Art Academy of Fine Arts in Warsaw carried out in the country fundamentally culturally different than Poland. The method of research. Evaluation and analysis of results of the activities in situ and research of literature relevant to the topic. Results. Based on analysis presented, results of work and research of literature relevant to the topic, the text summarizes the up to date results of conservation work carried out within the framework of internship of the Department of Conservation and Restoration of Works of Art Academy Fine Arts in Warsaw. Conclusions. As a result of many years of work it has been managed to preserve the valuable medieval wall paintings. Moreover, many years of experience conducting student placements represent developed and proven actions in the field of vocational training while achieving the objectives of intercultural education.
Cel badań. Podsumowanie dotychczasowych osiągnięć w postaci efektów prac konserwatorskich, jak również spojrzenie na szerszy aspekty edukacyjny praktyk studenckich Wydziału Konserwacji i Restauracji Dzieł Sztuki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie realizowanych w kraju, odmiennym kulturowo od Polski. Metoda badań. Ocena i analiza efektów prac in situ oraz badania literatury tematu. Wyniki. W oparciu o analizę przedstawionych efektów prac oraz badania literatury tematu, dokonano podsumowania dotychczasowych wyników prac konserwatorskich, prowadzonych w ramach misji studenckich Wydziału Konserwacji i Restauracji Dzieł Sztuki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Wnioski. W efekcie wieloletnich prac udało się zakonserwować cenne średniowieczne malowidła ścienne. Ponadto wieloletnie doświadczenia prowadzenia praktyk studenckich prezentują wypracowane i sprawdzone działania z zakresu kształcenia zawodowego przy jednoczesnej realizacji założeń edukacji międzykulturowej.

Źródło:

Ogrody Nauk i Sztuk; 2017, 7; 237-248
2084-1426

Pojawia się w:

Ogrody Nauk i Sztuk

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 45.

Tytuł:

Painting on metal in the art culture of Kyiv: history, collections, stylistics, technique and technology of paintings
Malarstwo na metalu w kulturze artystycznej Kijowa – historia, zbiory, stylistyka, technika i technologia obrazów

Autorzy:

Ryzhova, Olga
Ivakina, Inna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/21151081.pdf

Data publikacji:

2023

Wydawca:

Narodowy Instytut Dziedzictwa

Tematy:

Painting on metal support
Kyiv
Ukraine
history
stylistics
technique
technology
malarstwo na metalowym podłożu
Kijów
Ukraina
historia
stylistyka
technika
technologia

Opis:

The article is a review of Kyiv paintings on metal supports dating from the end of the seventeenth to the first quarter of the twentieth century. The review of the surviving artworks includes both iconostasis complexes in situ and icons and paintings, once removed from ensembles and preserved in the central Kyiv museum collections: the National ‘Kyiv-Pechersk Lavra’ Preserve and the National Art Museum of Ukraine. The selection criteria for the study were based on documentary evidence (mainly archival and bibliographic) that the artworks belonged to Kyiv. As a result of this comprehensive study on the paintings on metal supports in Kyiv and Kyiv collections, these artworks acquires the status of a reference base and becomes available for a wide range of researchers.
Artykuł stanowi przegląd kijowskiego malarstwa na metalowych podłożach datowanego od końca XVII do pierwszej ćwierci XX wieku. Analiza zachowanych dzieł sztuki obejmuje zarówno zespoły ikonostasów in situ, jak i ikony czy obrazy, które zostały usunięte z zespołów i włączone do głównych kolekcji muzealnych Kijowa: Narodowego Rezerwatu „Ławra Kijowsko-Peczerska” i Narodowego Muzeum Sztuki Ukrainy. Kryterium wyboru obiektów do badań była ich przynależność do Kijowa potwierdzona dokumentami (głównie archiwalnymi i bibliograficznymi). W wyniku kompleksowego badania kijowskiego malarstwa na metalowych podłożach oraz kijowskiej kolekcji, badane dzieła zyskują status bazy referencyjnej i stają się dostępne dla szerokiego grona badaczy.

Źródło:

Ochrona Zabytków; 2023, 1; 131-162
0029-8247
2956-6606

Pojawia się w:

Ochrona Zabytków

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 46.

Tytuł:

Chińska esencja, zachodni trik. Malarstwo tuszu i wody w filmie animowanym
Chinese Essence, Western Trick: Ink and Water Paintings in Animated Film

Autorzy:

Bobrowska, Olga

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/31341358.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

kino chińskie
animacja chińska
sztuka chińska
Chinese cinema
Chinese animation
Chinese art

Opis:

Artykuł jest próbą zrekonstruowania koncepcji ideologicznych oraz metod artystycznych, jakie postulowali oraz praktykowali twórcy chińskich filmów animowanych inspirowanych tradycyjnym malarstwem, stanowiących realizację odgórnie narzuconego wyzwania o charakterze ideologicznym. Analizie zostaje poddany proces realizacji filmów wykonanych w malarskiej technice tuszu i wody. Autorka odwołuje się do czterech filmów, które powstały w Szanghaju w latach 1960-1988 i zajmują ważną pozycję w utrwalonym kanonie. Rozwój historyczny chińskiej animacji zostaje ujęty w ramach koncepcji zasadniczych dla współczesnej myśli estetycznej oraz praktyki artystycznej: zhongti, xiyong (chińska substancja, zachodni środek), minzu (sztuka narodowa) oraz meishu (sztuki piękne).
This article attempts to reconstruct the ideological concepts and artistic methods postulated and practiced by makers of Chinese animated films inspired by traditional painting, which are the implementation of a top-down ideological challenge. The process of making films made in the ink and water technique is analysed. The author refers to four films that were made in Shanghai between 1960 and 1988 and occupy an important position in the established canon. The historical development of Chinese animation is considered in the context of ideas central to contemporary aesthetics and artistic practice: zhongti, xiyong (Chinese substance, Western means), minzu (national art) and meishu (fine art).

Źródło:

Kwartalnik Filmowy; 2017, 99; 161-170
0452-9502
2719-2725

Pojawia się w:

Kwartalnik Filmowy

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 47.

Tytuł:

Metalowe aplikacje w formie szat z przedstawieniami fundatorów
Metal appliqué in the form of vestments with representations of founders

Autorzy:

Wojtacha, Przemysław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1887850.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

polski barok
sztuka baroku XVII i XVIII w.
rzemiosło artystyczne
złotnictwo
aplikacje na obrazy
metalowe aplikacje
Polish Baroque
Baroque art of the 17th and 18th century
decorative arts
goldsmithery
apliqué in paintings
metal apliqué

Opis:

The article depicts a votive character of a appliqué in the form of vestments, deriving them from the XVth century popular votive badges, which- according to the founders- were to be tokens of gratitude for the miracles and graces, as well as help to gain intercession expected by the founders. The author describes four forms of increasing of the appliqué in paintings. There are also four preserved metal appliqué with fundato representation shown here. They are presented chronologically starting from the appliqué from the painting of Mother of God from the monastery attached to the church of St. John in Cracow from 1683 (ilustr. 1-5), on the appliqué from the painting of Mary of God with an Infant from the church of St. Peter and Paul in Stare Miasto from 1773 (ilustr. 6, 7), the appliqué from the painting of Rosary Mother of God from the church of St. John the Baptist in Parczew from 1744 (ilustr. 8-10), and finishing with the appliqué from the painting of Mother of God with an Infant from church in the village of Ulan from 1758 (ilustr. 11-13). The way of placing the founders in the lower part of the vestment was to provide them with protection ensured by the robe of Mary of God – a popular and widely used motif in the art of Polish Baroque.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2013, 61, 4; 291-312
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 48.

Tytuł:

Wybrane aspekty artystyczne, teologiczne i historyczne w obrazach „Alegoria Wiary” i „Adoracja Chrystusa jako Odkupiciela” z kościoła pw. św. Apostołów Piotra i Pawła w Pucku
Selected artistic, theological and historical aspects in the paintings „Allegory of Faith” and „Adoration of the Christ the Redeemer” from St. Peter and Paul Church in Puck

Autorzy:

Rumanowski, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1023860.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II

Tematy:

historia
teologia
sztuka sakralna
history
theology
sacral art

Opis:

This paper describes two seventeenth-century paintings in St. Peter and Paul Church in Puck. The works are placed next to each other and they have the form of discs fitting into the arches of the Gothic vault of the church. The images are consistent in terms of composition and content. Allegorical paintings symbolize the significance of faith, the communion of saints and mediation in salvation. The anonymous works are creative transformation of the Gothic tradition of painting in the service of the post-tridentine Catholic Church fighting with the Reformation. The paintings are overloaded with excessive content of iconography and raise a number of issues about which the Reformation spoke critically or towards which it had a negative attitude. The images depict characters from the Bible and the Gospel. To bring people closer to the scenes on canvas, the painters included elements of familiar realities and the characters of the time. Works form Puck in terms of iconography and composition make use of the experience of artists from Gdańsk and painters working with the Cistercians and the Jesuits. Described paintings cannot be placed in a catalogue of relics as high-quality works. They refer to the paintings, which were characterized by dignity and simplicity. The value of these paintings is remarkable from theological and iconographic point of view; as it is an example of an attempt to spread counter-reformation ideas among the faithful.  

Źródło:

Archiwa, Biblioteki i Muzea Kościelne; 2013, 99; 209-233
0518-3766
2545-3491

Pojawia się w:

Archiwa, Biblioteki i Muzea Kościelne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 49.

Tytuł:

Obraz, słowo i ornament jako nierozłączna całość w polichromii cerkwi św. Mikołaja Cudotwórcy w Michałowie autorstwa Adama Stalony-Dobrzańskiego
An Image, a Word and an Ornament as an Inseparable Whole in the Wall Paintings of the Orthodox Church of St. Nicholas the Wonderworker in Michałowo by Adam Stalony-Dobrzański

Autorzy:

Pawlicka, Inga

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2169993.pdf

Data publikacji:

2021

Wydawca:

Akademia Supraska

Tematy:

Adam Stalony-Dobrzański
polichromie
sztuka cerkiewna
Michałowo
polychrome
Orthodox art

Opis:

Created in the years 1954–1955, polychrome of the church of St. Nicholas the Wonderworker in Michałowo is important work of Orthodox art. The interior decoration, both in design and execution, is an individual and complete work of Adam Stalony-Dobrzański. It reveals the most important features of his style, which crystallized in the 50’s. The paintings are filled with quotes from medieval traditions, both Byzantine and Gothic. Adam Stalony-Dobrzański introduced new interpretative qualities and made a synthesis of two traditions – the East and the West, unprecedented in contemporary sacred painting, translated into the language of modernity, and illustrated in his own, innovative way. Along the ornamental stripes of the ornamental decoration, the artist placed hand-painted sequences of letters forming inscriptions – quotations from the Holy Bible, explaining the meaning of figural representations. They complement, explain and develop the ideological meanings shown in the form of an image. The iconographic arrangement of the wall decorations, which is a transformation of the canon formed after iconoclasm in the spaces of cross-domed temples, was adapted to the architecture of the interior of the wooden church, creating a homogeneous and coherent ideological program.

Źródło:

Latopisy Akademii Supraskiej; 2021, Obraz - Słowo - Litera, 12; 265-281
2082-9299

Pojawia się w:

Latopisy Akademii Supraskiej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 50.

Tytuł:

“I am going to paint your picture, nobody but you, always you”: Portrait paintings of women in the literature of the Young Poland period
„Będę malował ciebie, tylko ciebie, zawsze ciebie. O kobietach na obrazach w literaturze Młodej Polski

Autorzy:

Kamińska, Lidia

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2087609.pdf

Data publikacji:

2021

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

Polish literature of the late 19th and early 20th century
the Young Poland period
literature and art
ekphrasis
portrait paintings of women
Stanisław Przybyszewski (1868–1927)
Kazimierz Przerwa-Tetmajer (1865–1940)
Jan August Kisielewski (1876– 1918)
Karol Irzykowski (1873–1944)
Wacław Berent (1873–1940)
Stanisław Grudziński (1852–1884)
Młoda Polska
kobieta
obraz
sztuka
artysta
malarstwo
ekfraza
Nauki Humanistyczne i Społeczne

Opis:

Ekphrases are fairly common in the literature of the Young Poland movement, with descriptions of paintings of women making up a notable portion of such visual representations. This article examines the functioning of the motif of a woman’s portrait in the work of writers of the late 19th and early 20th century, including Stanisław Przybyszewski, Kazimierz Przerwa-Tetmajer, Jan August Kisielewski, Karol Irzykowski, Wacław Berent and Stanisław Grudziński. The analyses, guided by feminist literary theory, focus on the implied artist's control over the painted figure (man over woman, but also the woman artist over the male recipient), the ways in which the work of art can becomes a vehicle of subconscious truths, the correspondences between emotions and colours.

Źródło:

Ruch Literacki; 2021, 4; 513-532
0035-9602

Pojawia się w:

Ruch Literacki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce