Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "art paintings" wg kryterium: Wszystkie pola

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 54
Tytuł:
Genetic diseases and other unusual disorders presented in art paintings
Choroby genetyczne i inne rzadkie zaburzenia przedstawiane na obrazach
Autorzy:
Laskowska, Magdalena
Krześlak, Anna
Forma, Ewa
Jóźwiak, Paweł
Bryś, Magdalena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1032594.pdf
Data publikacji:
2012
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
genetics diseases
art paintings
down syndrome
spondyloepiphyseal dysplasia congenita
marfan syndrome
myotonic dystrophy
paget’s disease
tetralogy of fallot
choroby genetyczne
malarstwo
zespół downa
wrodzona
dysplazja kręgosłupowo-nasadowa
zespół marfana
dystrofia miotoniczna
choroba pageta
tetralogia fallota
Opis:
Genetic disorders are a diseases caused by abnormalities in an individual’s genetic material. A good source providing purported evidence of the existence of genetic diseases in the past, before their identification by medicine, are European artists’ paintings. Such paintings quite frequently depicted human anomalies and disorders. In this work we present the examples of paintings depicting people suffering from diseases such as Down Syndrome, spondyloepiphyseal dysplasia congenital, Marfan syndrome, myotonic dystrophy, Paget’s disease and tetralogy of Fallot.
Choroby genetyczne człowieka są wynikiem zaburzeń w materiale genetycznym. Źródłem historycznym dostarczającym dowodów na istnienie tych schorzeń w przeszłości, zanim zostały one zidentyfikowane, są obrazy dawnych europejskich malarzy. Artyści często w sposób bezwiedny uwieczniali w swoich pracach ludzi obarczonych anomaliami. W prezentowanej pracy zamieszczone zostały przykłady dzieł przedstawiających ludzi dotkniętych chorobami takimi jak zespół Downa, dysplazja kręgosłupowo-nasadowa, zespół Marfana, dystrofia miotoniczna, choroba Pageta oraz tetralogia Fallota.
Źródło:
Folia Medica Lodziensia; 2012, 39, 1; 5-19
0071-6731
Pojawia się w:
Folia Medica Lodziensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Breast Cancer in Art Painting
Autorzy:
Forma, Ewa
Bernaciak, Magdalena
Bryś, Magdalena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/764935.pdf
Data publikacji:
2010
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
breast cancer
art paintings
famous painters
Opis:
Breast cancer is an emotive cancer. It is a disease that affects a visible sexual organ and it is the commonest single cause of death of women between 40 and 60 years of age. Nevertheless, this type of cancer was infrequently depicted in art paintings. In this article the themes from the breast cancer in famous art paintings are discussed.
Źródło:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Biologica et Oecologica; 2010, 6; 61-68
1730-2366
2083-8484
Pojawia się w:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Biologica et Oecologica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Obrazy i kolekcje dzieł sztuki u Strabona
Paintings and Art Collections in Strabo’s Geographica
Autorzy:
Ławińska-Tyszkowska, Janina
Szastyńska-Siemion, Alicja
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2127712.pdf
Data publikacji:
2007
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
Filostrat Starszy
stoicka teoria dzieła sztuki
Strabon
Geographica
Philostratus the Elder
Stoic theory of the work of art
Strabo
Opis:
The article’s premise is a Stoic-based idea of the work of art, featured in the Eikones of Philostratus the Elder. The pair of authors examines the issue of whether, and to what degree, Strabo (himself also an adherent to Stoical philosophy) shares similar views on the work of art, or whether he is partial to the view prevalent in ancient Greece, which consisted in a kind of naïve awe at the execution of ideal likeness (as exemplified, for instance, by the approach of the heroines of Herondas’ mimiambus IV). A thorough analysis of all descriptions of works of art contained in Strabo’s work leads to the conclusion that Strabo’s was not impressed by “barbarians’ art”. In fact, he begins to pay any attention to works of art as late as in Book 8, describing Greece’s sundry lands. Strabo’s views on the work of art fall into the following categories: 1. a mere note of the object combined with a description of its single feature, usually its size; 2. a thoroughgoing description of works of illustrative character (an antique Biblia Pauperum); and 3. a description of peregrinations of works of art after the latter were seized by the Romans. The last category appears to be of particular interest to Strabo, perhaps due to his view that the Greeks were culturally superior to all Romans (see Daniela Dueck, Strabo of Amasia, London and New York, 2000). In conclusion, it appears that Strabo was a dilettante in his reception of the works of art. No element of his views can be construed to prefigure the later Stoic theory of Philostratus the Elder. In Strabo’s work, the works of art serve to adorn the world and to vivify his often very dry geographical descriptions; their existence was made merely to exemplify the superiority of the Greek spirit over the remaining world.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2007, 54-55, 3; 65-75
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Arte Popular, Arte Ingenuo y Arte Figurativo en la obra pictórica de Bárbaro Rivas
Popular Art, Primitive Art and Figurative Art in the paintings by Bárbaro Rivas
Sztuka ludowa, prymitywizm i figuratywizm w malarstwie Bárbaro Rivasa
Autorzy:
Dimeo, Carlos
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2177480.pdf
Data publikacji:
2013-12-31
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Opis:
Bárbaro Rivas (1893–1967) is considered to be the first ‘primitivist’ and ‘figurativist’ in Venezuela. Local and ludic elements create the central axis of popular and figurative Venezuelan art transformation from the late 19th to the mid-20th century. It was when a sign in painting was redefined – resignified and became an element binding main forms of popular art, reality of artist’s world, simplicity of life transformed into an idea of primitivism. Like other artists of his times (Armando Reverón), Bárbaro Rivas derived his art from life of local society and his own experience. His art is marked with autobiographical elements, which constitute a borderline between common sense and madness. Presented world is permeated with religiousness, magic and superstitions. In visualization, it is important to present reality from a double perspective; his artworks contain twoand three-dimensional grounds embraced in a single depiction. Plastic poetics of Bárbaro Rivas contains contradictory elements, inconsistent prima facie, yet containing in their nature rudimentary elements rooted in popular imagination, religious beliefs, etc. The world, being a mixture of elements, becomes a peculiar metisage expressed through the simplicity of primitivism, in the context of searching and describing new worlds and experience. This article aims not only at explaining how Venezuelan artist imagines and plans his art, but also at describing his approach to popular and local elements in Venezuela, which then spread across the whole Latin America as a form of artistic expression.
Bárbaro Rivas (1893–1967) jest uznawany za pierwszego prymitywistę i „figuratywistę” w Wenezueli. Elementy miejscowe i te o charakterze ludycznym tworzą centralną oś przemian sztuki ludowej i figuratywnej w Wenezueli od końca XIX aż do połowy XX wieku. Znak w malarstwie uległ w tym czasie zmianie znaczenia – resygnifikacji i stał się elementem łączącym główne formy sztuki ludowej, rzeczywistość świata artysty, prostotę życia przekształconą w ideę prymitywizmu. Bárbaro Rivas podobnie jak inni artyści jego epoki (Armando Reverón) wyprowadzał swoją twórczość z życia społeczności lokalnej i swoich własnych doświadczeń życiowych. Sztuka naznaczona została elementami autobiograficznymi, które stanowią granicę między rozsądkiem a szaleństwem. Ukazany świat jest przepojony religijnością, magią, przesądami. W obrazowaniu ważne jest ukazanie rzeczywistości w ujęciu podwójnej perspektywy, w dziełach odnajdujemy plany dwuwymiarowe i trójwymiarowe zamknięte w jednym przedstawieniu. Poetyka plastyczna Bárbaro Rivasa to elementy sprzeczne, nieprzystawalne prima facie, mające jednakże w swej istocie elementy rudymentarne zakorzenione w wyobraźni ludowej, wierzeniach religijnych itp. Świat, będący mieszaniną elementów, staje się swoistym metysażem, wyrażony zostaje prostotą prymitywizmu w kontekście wynajdywania i opowiadania o nowych światach i doświadczeniach. Artykuł ma na celu nie tylko wyjaśnienie, w jaki sposób wenezuelski artysta wyobraża sobie i planuje sztukę, lecz także jaki był jego stosunek do elementów ludowych i lokalnych w Wenezueli, które następnie rozprzestrzeniły się na całą Amerykę Łacińską jako formy artystycznego wyrazu.
Źródło:
Sztuka Ameryki Łacińskiej; 2013, 3; 139-158
2299-260X
Pojawia się w:
Sztuka Ameryki Łacińskiej
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
O nieznanym wkładzie Karola Soczyńskiego do nauki o konserwacji malowideł i grafiki
AN UNKNOWN CONTRIBUTION BY KAROL SOCZYŃSKI TO CONSERVATION OF PAINTINGS AND GRAPHIC ART
Autorzy:
Ślesiński, Władysław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/539018.pdf
Data publikacji:
1973
Wydawca:
Narodowy Instytut Dziedzictwa
Tematy:
Karol Soczyński
rękopisy Soczyńskiego
werniksowanie
nauczanie konserwacji malowideł
Opis:
Our knowledge in the field of history of conservation is being permanently extended and with every passing year grows more and more deep. So, for ex ample, for a further step on the way to its enriching we are greatly indebted to I. Bobrowska, Chief Conservator, National Museum, Cracow who during the German occupation of Poland from among the cultural property and works of art robbed by the Nazis managed to pick up and to safeguard a valuable manuscript. The manuscript in question coming from the year 1840 and bearing a somewhat lengthy title „The Art of Restoration of Paintings, of Engravings and Woodcuts nevertheless of Their Cleaning, Stretching and That of Preparing Varnishes etc. etc., According to Various Italian, French and German Authors translated into Polish Language and furnished with Remarks and Supplements” is a work of Karol Soczyński. In his present article the author made an attempt to point to importance of the above manuscript and to give a portrait of its author. Karol Soczyński (died 1862), Med. Dr., a Professor at the Yaghiellonian University, a Senator of the Free Republic of Cracow and a member of the Cracow Scientific Society belonged to a group of the outstanding art connoisseurs in Poland of his time. He possessed quite large, in proportion to those in the first half of the nineteenth century, library and was a freelancing contributor to the then widely read periodical „PIAST or the Technological Thesaurus” where he had published more than one thousand contributions. However, the most interesting for the technological ex perts and conservators of works of art items forming his extremely abundant oeuvre were never printed and thus considered as those lost for ever. According to Soczyński himself it seemed that they have been swallowed up by the great fire of Cracow in 1850. It may, therefore, be said that the recovered manuscript „The Art of Restoration...” was until recently not known from the subject literature and it does, no doubt, constitute a new and remarkable contribution to the history of conservation of paintings and graphic art. This exceptionally high historical importance of Soczyński’s manuscript consists at least in two basic factors, namely that it constitutes one of the rare in the mid-nineteenth-century Europe (and at the same time the first among the Polish) so comprehensive manuals in the area of conservation and, in addition, that it is not simply a compilation made of materials found in one or two works dating from the same time. While briefly reviewing the general situation in conservation of paintings within the period of 1800—40 the author supplies a number of warrants for his claims that are in turn followed by a confrontation of fragments quoted from the nineteenth-century conservation manuals with the text of manuscript by Soczyński. As a result the conclusion can be drawn that for a manual with such comprehensive contents an analogy may be found only in a few most comprehensive works published within the span between 1800 and 1840 as, for instance, those by Lucanus or Pranger. A more detailed analysis of problems discussed by Soczyński in his „Art of Restoration...” on the background of other books and the practice of conservation will be presented by the author in his next article.
Źródło:
Ochrona Zabytków; 1973, 3; 176-180
0029-8247
Pojawia się w:
Ochrona Zabytków
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Prices of paintings on Polish art market in years 2007-2010 - hedonic price index application
Ceny malarstwa na rynku sztuki w Polsce w latach 2007-2010 - zastosowanie indeksów hedonicznych
Autorzy:
Witkowska, D.
Kompa, K.
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/37157.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Szkoła Główna Gospodarstwa Wiejskiego w Warszawie. Wydawnictwo Szkoły Głównej Gospodarstwa Wiejskiego w Warszawie
Opis:
Art market in post-communist Poland has been developing for 25 years now although it has been still small with total turnover in 2012 estimated as 0.2% of the world sales of artworks. Therefore the aim of the research is to describe the present state of the art market in Poland and to evaluate prices of paintings produced by 11 Polish artists whose artworks were traded the most often in years 2007–2010. In the research, employing data concerning 750 objects sold on auctions that held in Poland, hedonic index methodology is applied to estimate changes of prices at the paintings market. The results of authors’ investigation show that the hedonic quality adjustment essentially infl uences evaluation of artworks’ prices.
Rynek sztuki w postkomunistycznej Polsce rozwija się już od 25 lat, chociaż jest to wciąż rynek mały, którego obroty w 2012 roku stanowiły 0,2% światowego rynku. W związku z tym celem badań jest opis aktualnego stanu rynku sztuki w Polsce oraz oszacowanie indeksu cen malarstwa na podstawie prac 11 artystów, których dzieła najczęściej znajdowały nabywców na aukcjach, które odbyły się w Polsce w latach 2007–2010. W artykule zbudowano indeksy hedoniczne, wykorzystując dane dotyczące 750 sprzedanych obrazów, które pozwoliły oszacować zmiany cen na rynku polskiego malarstwa. Wyniki analiz pokazały, że hedoniczna korekta jakościowa istotnie wpływa na ocenę cen dzieł.
Źródło:
Acta Scientiarum Polonorum. Oeconomia; 2014, 13, 3
1644-0757
Pojawia się w:
Acta Scientiarum Polonorum. Oeconomia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Królestwo Boże (Józefa Czapskiego podróż do Hiszpanii w roku 1930)
Kingdom of God (Józef Czapski’s journey to Spain in 1930)
Autorzy:
Franaszek, Andrzej
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2080504.pdf
Data publikacji:
2021-12-23
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
Józef Czapski
malarstwo polskie XX wieku
związki kultury polskiej i hiszpańskiej w XX wieku
oddziaływanie malarstwa Goi i El Greca na sztukę polską w XX wieku
tematyka mistycyzmu w kulturze polskiej XX wieku
Polish painting of the 20th century
Polish and Spanish cultural relationships in the 20th century
the influence of Goya’s and El Greco’s paintings on Polish art in the 20th century
mysticism in Polish culture of the 20th century
Opis:
The author of the article describes a trip to Spain made by Józef Czapski in 1930. This outstanding painter and essayist, witness to the Katyń massacre, co-creator of the Parisian magazine "Kultura" [Culture] and Polish intellectual life in exile, at the time of visiting Madrid and its nearby areas for nearly two months was still a young artist, looking for the painting poetics closest to his soul. The visits to the Prado brought him two great discoveries: the works of El Greco and Goya. For Czapski, El Greco is a captivating example of religious painting and simultaneously - fidelity to the vision, the way of seeing the world. Goya fascinated Czapski with the thematic and stylistic range of his art - from “official” court portraits to dramatic records of nearly surreal visions, reflecting the artist’s fundamental belief in human depravity. The trip to Spain also had another meaning for Czapski - it was in a way a journey in the footsteps of St. Teresa of Avila, broadly: a reflection on the role of mystical experience in the spiritual life of man. From these two perspectives: artistic and religious, the encounter with the Spanish culture appears to be one of the more important and fateful episodes in the biography of Józef Czapski.
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria; 2021, 21; 256-271
2081-1853
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Recepcja twórczości Francisa Bacona w sztuce polskiej lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XX wieku. Rozpoznanie wstępne
Reception of Francis Bacon’s Paintings in the Polish Art. Introductory Reconnaissance
Autorzy:
Zychowicz, Karolina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2121221.pdf
Data publikacji:
2009
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
polska sztuka po 1945 roku
malarstwo polskie
rzeźba polska
figuracja
„nowa figuracja”
nouvelle figuration
realizm
pop-art
sztuka zaangażowana
deformacja
groteska
egzystencjalizm
angoisse
Angst
recepcja
intertekstualność
Polish art after 1945
Polish painting
Polish sculpture
figuration
New Figuration
Realism
Pop-art
Engaged Art
deformation
grotesque
existentialism
reception
intertextuality
Opis:
In the mid Sixties New Figuration appeared in Poland. Researchers interested in this chapter of polish art consider the reception of Francis Bacon's paintings as one of the sources of this kind of art. The subject of this article is mainly the painters, whose works show this reception, but also the sculptors. It concentrates on the Sixties and Seventies in Polish painting. At that time in the Polish art we can see a group of artists connected with existentialism. One of the most interesting phenomena is the painting of Teresa Pągowska (1926-2007), this artist, whom was older than others who were also working in the area of New Figuration, already had concrete artistic experience. In spite of similarities between many works of Francis Bacon and Teresa Pągowska, mainly in the composition and shot of the figure (deformed, not complete, dismembered), the works of Pągowska should be considered in their own right particular to her own style. Pągowska processed Bacon's art in an original way. Her distinction from other painters belonging to New Figuration comes from her experience, on the one hand Colorism (polish Postimpresionism), on the other hand – Abstraction, which led her to understand figures as a plastic sign, moving, full of color. In the second half of the Sixties we can find the inspiration of Francis Bacon's art in the paintings of Janusz Przybylski (1937-1998). Bacon in his compositions used spatial frame which was interpreted in different ways. It had been seen as a usual glass cage, confined the human being. The artist admitted that he uses this endeavour to expose a man in a better way. This solution became a kind of an artistic hook and it was taken by other artists. It spread so much that it became a kind of a manner. To avoid narration Bacon sometimes used a form of triptych. This was typically used by him and was imitated almost as often as placing people in a spatial frame. Both hooks were used by Przybylski, whose art in a different way fits in as a style of existentialism. The deformed human beings in the cages should show alienation and the drama of man. This aspect of polish artists' paintings more than others highlights connections with the English master's art. The polish painter of the Sixties and Seventies was not an artist who could be described as self-sufficient from what we can see by viewing their paintings and reading art critics. The reception of Bacon's painting we can also find in the art of a group from Cracow called “Wprost”, especially in the one of their member's art – Zbylut Grzywacz (1939-2004). Grzywacz confirmed that his interest in Bacon's art can be seen in his paintings created in the Seventies. The nature of these adaptations lay mainly in getting compositional solutions typical to Bacon and the original look of the deformed human being. However, the artist also underlined that used by him endeavours of body's deformation were connected with politics so they had a different context than in the work of Bacon. This highlights the large gap between English artists who's art concentrated on universal cases and the public art of the polish artist. Grzywacz painted with speed, carelessly, he just wanted to give us a short message, he didn't care about particular artistic problems. He wasn't a member of this group interested in Francis Bacon. Next to him we should remember Jacek Waltoś (born 1938). In his paintings we won't find such a direct connection with Bacon's art like as is the case with Grzywacz. Waltoś was fascinated by Bacon but he took from him just the ideas concerning problems of a painting's composition. This artist, contrary to other members of “Wprost” was mostly interested in the representation of emotional states, of what is inside the human being. Waltoś, a creator of existential art, feeling incomplete, the loneliness of human being, found in the Irish artist a kind of brother. There was also Wiesław Szamborski (born 1941) who was among the painters inspired by Bacon. In the first years after he finished his studies he exhibited often with Marek Sapetto (born 1939; until 1974). The art of both artists joins with Bacon's art color standardisation of painted surfaces and putting on them strongly deformed human beings. More painters were regarded as inspired by Bacon but there is not a description of their art in this article which is just an introductory reconnaissance of this problem. The image of a human being which was proposed by Francis Bacon turned out to be very interesting also for sculptors centred on existential reflection. The dramatically deformed face occurred to be the best medium to express people's anxieties, their feelings of emptiness and loneliness (Jacek Waltoś, Jan Kucz – born 1936, Wiktor Gajda – 1938, Adam Myjak – born 1947). The Eighties did not have such rich artistic material as can confirm a permanent fascination of Bacon's painting in Poland. It seems that in a world dominated by New Expressionism there is no place for it. Enough to say that the most interesting artist in dialogue with the English painter seems to be Grzegorz Bednarski (born 1954), consequently belonging to Figuration, connected with Cracow's environment. After his debut he moved to the area of existentialism. Nowadays Bacon's work is regarded as a classic. Artists quote his paintings in a conscious way (for example Marek Przybył, born 1961). Bacon happened to be a very popular artist in Poland in the Sixties and Seventies which corresponds with general trends in European art. At this time came after return to show a human being. It appeared New Figuration, antidote on the Abstraction, Conceptual Art and metavisual experiments of the Sixties. Bacon became the father to these new phenomena in art because he brought about a renewed artistic imagination and created a new image of the human being. Moreover, Bacon was regarded as a main representative of art identified with existential philosophy. This painting in a very good way expressed spirits of the time. It reflected Zeitgeist, that climate which was then best shown in the philosophy of existentialism. Bacon's reception in Poland had also local color. English artist's art was assimilated by polish painters, who were interested in politics, what was unfamiliar with Bacon who concentrated on universal problems. It seems that polish artists like thematic art, taking problems concerning a human being and his immediate environment, what constitutes the heritage of our history.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2009, 56-57, 4; 55-79
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Forgotten artworks by Johann Christoph Lischka. The conservator’s examination of the baroque paintings
Zapomniane dzieła Johanna Christopha Lischki. Badania konserwatorskie obrazów barokowego malarza
Autorzy:
Kłoda, E.
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/217439.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Stowarzyszenie Konserwatorów Zabytków
Tematy:
Silesia
Bohemia
Baroque
painting
technical art historical research
restoration
technical art history
Śląsk
Czechy
barok
malarstwo
badania konserwatorskie
restauracja
techniczna historia sztuki
Opis:
The article presents the results of the technical art historical research conducted on paintings ascribed to the Silesian artist Johann Christoph Lischka (ca. 1650–1712). It tackles the question of the painting techniques, the characteristics of the painter’s manner, and the authenticity of the works of art. It comprises the traditional methods of the art history with research into the materiality of the paintings. During the research, seven paintings were chosen for the investigation. They come from different periods of Lischka’s life and the majority of them were forgotten or discredited as copies of the originals. The four paintings from Czech Republic Saint Joseph, Saint Mary of Egypt, Saint Charles Borromeo and Lamentation of Christ were commissioned by the religious Orders in Bohemia in 1690/1710. The three paintings from Silesia (Lamentation of Christ, Discovery of the True Cross, Angel) were produced after 1708, when Lischka was in charge of his step-father Michael Willmann’s workshop in Lubiąż. The paintings served as the basis for the analysis of Lischka’s painting technique and the later changes in the painting layers. Moreover, the technical art historical study enabled the comparative analysis of the painting techniques used by Lischka and Willmann in search of the factors distinguishing the artists’ works.
W artykule prezentowane są wyniki analiz fizykochemicznych wykonanych na polskich i czeskich obrazach przypisywanych śląskiemu malarzowi Johannowi Christophowi Lischce (ok. 1650–1712). Dzięki przeprowadzonym badaniom możliwe stało się opisanie stosowanej przez artystę techniki i maniery malarskiej oraz weryfi kacja atrybucji wybranych dzieł. Opracowanie łączy tradycyjne metody analizy historycznej, ikonografi cznej i stylistycznej z badaniami konserwatorskimi materialnego tworzywa obrazów. Do badań wytypowano siedem obrazów, które pochodzą z różnych etapów twórczości Lischki i są większości nieznane lub uważane za słabe kopie nieistniejących już realizacji malarza. Cztery obrazy z Czech (Święty Józef, Św. Maria Egipska, Św. Karol Boromeusz i Opłakiwanie Chrystusa) zostały zamówione przez czeskie środowiska zakonne w ostatniej dekadzie XVII i pierwszej dekadzie XVIII wieku. Trzy obrazy ze Śląska (Opłakiwanie Chrystusa, Znalezienie Krzyża Świętego i Anioł) pochodzą z lat 1708–1712, kiedy Lischka kierował lubiąskim warszatatem swojego ojczyma Michaela Willmanna. Obrazy stały się postawą do analizy techniki malarskiej Lischki oraz historii konserwacji i renowacji jego dzieł. Co więcej, analiza fi zykochemiczna umożliwiła porównanie technik malarskich używanych przez malarza i jego ojczyma Willmanna w poszukiwaniu obiektywnego narzędzia pozwalającego rozróżnić dzieła ucznia i mistrza.
Źródło:
Wiadomości Konserwatorskie; 2018, 53; 16-30
0860-2395
2544-8870
Pojawia się w:
Wiadomości Konserwatorskie
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Synagogue paintings as indicating a developing conception of national redemption
Autorzy:
Orgad, Zvi
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/923286.pdf
Data publikacji:
2019-06-15
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Synagogue art
wall paintings
interior decoration
national redemption
Opis:
This article compares the interior paintings in the ‘Ades and Ohel Moshe synagogues, both of which are non-Ashkenazi, in the Naḥlaot neighborhood in Jerusalem. Although the synagogues were decorated 50 years apart, there are similarities in the painted motifs and drawing schemes, but also some differences. I suggest that these differences reflect the development of a Jewish concept of national redemption during the 50 years that elapsed between the adornment of the two synagogues.
Abstract. Orgad Zvi, Synagogue paintings as indicating a developing conception of national redemption. “Images” vol. XXV, no. 34. Poznań 2019. Adam Mickiewicz University Press. Pp. 15–27. ISSN 1731-450X. DOI 10.14746/i.2019.34.01. This article compares the interior paintings in the ‘Ades and Ohel Moshe synagogues, both of which are non-Ashkenazi, in the Naḥlaot neighborhood in Jerusalem. Although the synagogues were decorated 50 years apart, there are similarities in the painted motifs and drawing schemes, but also some differences. I suggest that these differences reflect the development of a Jewish concept of national redemption during the 50 years that elapsed between the adornment of the two synagogues.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2019, 25, 34; 15-27
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Obrazy do Czytania. Rauschenberg, Rosenquist, Salle, Brauntuch
Paintings to Read. Rauschenberg, Rosenquist, Salle, Brauntuch
Autorzy:
Pręgowski, Filip
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1015486.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
pop-art
the pictures generation
reprezentacja
palimpsest
alegoria
pop art
representation
allegory
Opis:
Tekst dotyczy współczesnego malarstwa, które wizualnym elementom kompozycji nadaje charakter tekstualny. Jest to między innymi przypadek tzw. combines i sitodruków Roberta Rauschenberga z lat 50. i 60. XX wieku, w których artysta stosował specyficzną formę kolażu. Zestawiając szereg wizerunków pochodzących z różnych obszarów stylistycznych, Rauschenberg zmusił widza do odczytywania jego prac kawałek po kawałku. Powstałych w ten sposób kompozycji nie sposób odbierać jako jednorodnego Gestalt, jak w przypadku powstającego w tym czasie malarstwa abstrakcyjnego (np. Kennetha Nolanda), ponieważ wykorzystują one doświadczenie dyskursywne, polegające na szukaniu relacji syntaktycznych pomiędzy znakami /obrazami. W eseju podjęto wątek dyskursywnego zwrotu i jego wpływu na recepcję amerykańskiego pop-artu na przykładach prac Rauschenberga i Jamesa Rosenquista, a także artystów należących do nurtu wywodzącego się po części z pop-artu, czyli The Pictures Generation — Davida Salle’go i Troya Brauntucha. Jako narzędzia metodologiczne wykorzystano między innymi pojęcia palimpsestu i alegorii łączące elementy wizualne z tekstualnymi. Pozwoliło to traktować wybrane przykłady współczesnego malarstwa nie tylko w kategoriach produktu kultury masowej w dobie mechanicznej (a także cyfrowej) reprodukcji, ale odczytać je jako strukturę dyskursywną, dokonującą dekonstrukcji kulturowych mitów i ich wewnętrznych sprzeczności.
The essay investigates the category of contemporary painting which transforms the visual component into textual. This is the case of Robert Rauschenberg’s combined paintings and silkscreens from 1950s and 1960s, which offer the viewer a specific kind of collage. By juxtaposing images derived from various aesthetic modes, Rauschenberg enforced the reading of his work part-by-part. Such a composition did not remain a holistic unity — a Gestalt — as was the case of the abstract painting from that period (eg. Kenneth Noland’s), since it evoked a strictly discursive experience based on syntactic relations between the signs / images. The article focuses on the discursive turn and its impact on the reception of both pop-art such as Rauschenberg’s and James Rosenquist’s paintings, and the work of artists from the American movement partly deriving from pop-art, that is The Pictures Generation, with David Salle and Troy Brauntuch among them. The aim is to employ allegory and palimpsest as a conceptual frame to read contemporary painting not only as a product of mass culture in the age of mechanical (and digital) reproduction, but also as discursive structures, deconstructing cultural myths and their essential internal contradictions
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2020, 23; 215-229
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
MMedieval Representation of the Legend of Saint Ladislaus in Comitatus Gömör
Autorzy:
Szakalos, Ewa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/449865.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie
Tematy:
Saint Ladislaus
frescoes
art history
wall paintings
Opis:
The aim of the article is to carry out detailed analysis of the frescoes of Saint Ladislaus legend in comitatus Gomor. Basing on new research as well as on the examination of the two recent discoveries the Authoress casts new light on the issue of mural painting’s dating and on the circumstances connected with theirs creation. The article starts with an introduction on pictorial representation and written sources of the legend of Saint Ladislaus. The main part of the text contains survey on the frescoes from Rimabanya, Rakos, Kovi, Szilice.
Źródło:
Saeculum Christianum. Pismo Historyczne; 2018, 25; 113-123
1232-1575
Pojawia się w:
Saeculum Christianum. Pismo Historyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Memy internetowe na stronach Classical Art Memes i Sztuczne Fiołki w opinii użytkowników portalu Facebook
Autorzy:
Kokoszka, Jolanta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1812175.pdf
Data publikacji:
2021-09-30
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
Classical Art Memes
Malarstwo
Mem
Mem internetowy
Sztuczne Fiołki
Paintings
Internet Memes
Opis:
Omówiono wyniki badania ankietowego przeprowadzonego od 5 do 9 maja 2020 roku wśród 178 członków trzech grup na Facebooku: Sekcja Estetyczna, Dictator of good taste i Jak będzie na płótnie? Celem przeprowadzonej ankiety było zanalizowanie znajomości wśród internautów dwóch stron na Facebooku – Classical Art Memes oraz Sztuczne Fiołki. Pytania zawarte w ankiecie miały na celu określenie jak często użytkownicy odwiedzają strony, komentują treści, udostępniają posty publikowane na stronach, ale również czy identyfikują autorów obrazów oraz jak oceniają treści na stronach. Przeprowadzone badanie miało wskazać zainteresowanie internautów memami oraz udzielić odpowiedzi na kluczowe dla badania pytania – Jaki jest odbiór memów opracowanych na podstawie dzieł sztuki? oraz Czy mogą się one stać elementem edukacji artystycznej?
Discussed the results of survey conducted from May 5th to 9th, 2020 among 178 members of three Facebook groups: Sekcja Estetyczna, Dictator of good taste and Jak będzie na płótnie? The goal of this survey was to analyze the knowledge among users about two Facebook pages – Classical Art Memes and Sztuczne Fiołki. Questions from the survey were supposed to establish how often users visit, comment and share posts published on the pages and at the same time ask the participants if they recognize authors of the original paintings and how they evaluate the content on these pages. Conducted examination was supposed to show the interest in memes among users and to answer the key question – what is their reception of the memes based on the peace of art and if so, could they become an element of art education?
Źródło:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Librorum; 2021, 1, 32; 69-97
0860-7435
2450-1336
Pojawia się w:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Librorum
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
On the Peripheries of Contemporary Paintings: Impact of Frame Decorativeness on the Reception of Abstract Artwork
Autorzy:
Koniak, Paweł
Szubielska, Magdalena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2124230.pdf
Data publikacji:
2022-06-03
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
frame
contemporary art
experimental aesthetics
context effects
peripheral cues
reactance
art interest
Opis:
By applying persuasion and consumer research findings to art appreciation we have checked whether and how artwork framing affects the evaluation of non-representational, abstract contemporary paintings. The frame can be treated as a cue signaling the value of the framed work—the more expensive it seems, the greater the value attached to the painting. However, the frame can be also seen as a means of exhibiting or promoting the picture. Exhibiting a painting in a frame that is perceived as excessively expensive can lead to a lowered rating of this painting. Both of these effects can be moderated by the perceivers’ interest in art. We conducted one experimental study, where participants evaluated paintings viewed either without a frame or framed in a simple or decorative frame. The results showed that decorative frames make paintings seem less valuable. Moreover, although simple frames do not affect the evaluation of the paintings by respondents with little interest in art, they impair the evaluation made by more interested participants. It seems that in certain conditions (highly visible frame or engaged perceivers) the frame can be treated as a form of promotion for the framed painting. And such attempts can backfire and negatively impact the evaluation of the painting.
Źródło:
Roczniki Psychologiczne; 2022, 25, 2; 121-136
1507-7888
Pojawia się w:
Roczniki Psychologiczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Some comments on the diversity of Vermeer paintings depicted on postage stamps
Autorzy:
Baksalary, Oskar
Styan, George
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/729934.pdf
Data publikacji:
2008
Wydawca:
Uniwersytet Zielonogórski. Wydział Matematyki, Informatyki i Ekonometrii
Tematy:
artemetrics
Jerzy K. Baksalary (1944-2005)
Dutch paintings and works of art
Fisher's α index of biodiversity
topical philately
Johannes Vermeer (1632-1675)
Opis:
We present some comments on the diversity of the paintings by Johannes Vermeer (1632-1675) depicted on postage stamps. We have found 20 of the 36 "recognized" Vermeer paintings depicted on postage stamps issued by 29 "countries"; by country we mean here a stamp-issuing region that issues or has issued its own postage stamps. We apply Fisher's α index of biodiversity [11] to compare the diversity of Vermeer paintings depicted on postage stamps with the diversity of two other data sets [26]. We illustrate our article with images of 7 Vermeer paintings depicted on 10 postage stamps issued by 5 different countries.
Źródło:
Discussiones Mathematicae Probability and Statistics; 2008, 28, 1; 65-83
1509-9423
Pojawia się w:
Discussiones Mathematicae Probability and Statistics
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 54

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies