Skocz do pozycji: 1.

Tytuł:

Eventy i projekty. Transfery innowacji pomiędzy polem sztuki a życiem codziennym i gospodarką w XX i XXI wieku
Events and Projects. Transfers of Innovation Between the Field of Art, Everyday Life, and Economy in the 20th and 21st Century

Autorzy:

Możdżyński, Paweł

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2150772.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet w Białymstoku. Wydawnictwo Uniwersytetu w Białymstoku

Tematy:

circulation of art pieces
post-Fordism
postmodern art
sociology of art

Opis:

The structural aspects of artistic production are the main topic of Możdżyński’s text. The author explores the notions of post-Fordist society, late capitalism, postmodern aestheticisation of everyday life, and the new rules for the production and circulation of art pieces under these conditions. The last section of the article is focused on the transfers of innovation between the economy, management, and field of art.

Źródło:

Pogranicze. Studia Społeczne; 2018, 34; 7-18
1230-2392

Pojawia się w:

Pogranicze. Studia Społeczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 2.

Tytuł:

Problematyka kształtowania (w rozumieniu Augusta Zamoyskiego) odniesiona do multimedialności
The problem of shaping (in August Zamoyski’s definition) related to multimedia

Autorzy:

Graf, Paweł

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28409282.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Associazione Italiana Polonisti (AIP)

Tematy:

August Zamoyski
Theory of Art
Philosophy of Art
Formism
Avant-Garde

Opis:

The author of the article presents the project of August Zamojski, a Polish artist and theoretician of art, who created his own, very modern idea of artistic experience. This project was discussed in the context of mediumistics and in the confrontation with new tendencies within the theory of literature. It is the first so spacious interpretation of this project.

Źródło:

pl.it / rassegna italiana di argomenti polacchi; 2018, 9; 28-46
2384-9266

Pojawia się w:

pl.it / rassegna italiana di argomenti polacchi

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 3.

Tytuł:

Wejście smoka

Autorzy:

Poprzęcka, Maria

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909505.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

history of art history
conference
Poznań
Association of Art Historians
institutional critique

Opis:

The paper is a reminiscence of my first meeting with the colleagues from the Institute of Art History of Adam Mickiewicz University, which took place at an annual conference of the Association of Art Historians in 1974, titled “Reflection on Art.” Choosing an unusual title, I wanted to convey the impetus with which a group of young art historians from Poznań entered the decent and somewhat stagnant stage of Polish art history. The critique they presented was directed against Polish academic institutions, the problematic of the conference, the empty rituals of academic life, etc. Even though I did not accept all their objections, the heated debate suddenly turned out for me to be a liberating factor, stimulating continuous critical thinking which is an antidote for spiritual and intellectual captivity.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 393-398
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 4.

Tytuł:

Enter the Dragon

Autorzy:

Poprzęcka, Maria

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909520.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

history of art history
conference
Poznań
Association of Art Historians
institutional critique

Opis:

The paper is a reminiscence of my first meeting with the colleagues from the Institute of Art History of Adam Mickiewicz University, which took place at an annual conference of the Association of Art Historians in 1974, titled “Reflection on Art.” Choosing an unusual title, I wanted to convey the impetus with which a group of young art historians from Poznań entered the decent and somewhat stagnant stage of Polish art history. The critique they presented was directed against Polish academic institutions, the problematic of the conference, the empty rituals of academic life, etc. Even though I did not accept all their objections, the heated debate suddenly turned out for me to be a liberating factor, stimulating continuous critical thinking which is an antidote for spiritual and intellectual captivity.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 237-242
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 5.

Tytuł:

Klaunada – sztuczki czy sztuka?
Clowning – the trick of art or the art of tricks?

Autorzy:

Bisko, Agata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/636982.pdf

Data publikacji:

2011

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Wydawnictwo Uniwersytetu Jagiellońskiego

Tematy:

clowning
trick of art

Opis:

The article based on scientific studies and literature is an attempt to describe and analyze this type of circus arts as a response to the title question whether while talking about clowning we are dealing with the actual expression of artistry or with simple tricks intended primarily for middlebrow audience and children. For this purpose various literary sources ranging from textbook for students of clowning, by recognized works of world literature like The Clown of Nobel Prize for Literature winner, Heinrich Böll and The Smile at the Foot of the Ladder of Henry Miller or studies on the circus of Polish authors, to the anthropological essays on the figure of clown are analyzed. The article is conventionally divided into two parts. The first one – so to say – disassembles the clown’s performance to show the workshop of this circus artist. It focuses also on the matter of appearance and props, lists the types of clowns and his shows and describes disciplines involved in his work. The second part introduces briefly the scientific reflection on the scenic character in its three scenes, which are the concept of scapegoat, Savior and troublemaker, at the same time highlighting its ambivalence.

Źródło:

Przegląd Kulturoznawczy; 2011, 2(10); 31-40
1895-975X
2084-3860

Pojawia się w:

Przegląd Kulturoznawczy

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 6.

Tytuł:

Istnienie dzieła sztuki a jego tożsamość hermeneutyczna według Hansa-Georga Gadamera
The existence of a work of art and its hermeneutical identity according to Gadamer

Autorzy:

Sołtysiak, Marek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/426853.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Papieski Jana Pawła II w Krakowie

Tematy:

H. G. Gadamer
work of art
hermeneutical identity
autonomy of a work of art
occasional character of a work of art

Opis:

The first part of the article attempts to reconstruct Gadamer’s ideas concerning auto – presentation as the ontological essence of a work of art. It also addresses the claim that relates art to the nature of truth. The second part of the article touches on the analysis of the autonomy of a work of art and connected with it – its hermeneutical identity. For Gadamer, this hermeneutical identity of the work of art is characterized by three main features: The first, and principal feature, is the consistency of a repetition of the same features of each presentation that is, the repetition of an established truth concerning reality. The second feature is the continuity of the presentation of the work of art in relation to the tradition of its interpretation. While the third feature contained within a work of art is its occasional character, that is, the specific reason for its origin and its purpose.

Źródło:

Logos i Ethos; 2013, 2(35); 7-25
0867-8308

Pojawia się w:

Logos i Ethos

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 7.

Tytuł:

Facing the Work of Art. Memories of My Student Years

Autorzy:

Skubiszewski, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909539.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

University of Poznań – art history
University of Poitiers – art history
methodology of art history
art history around 1950

Opis:

The present essay includes the author’s memories of his university studies and the intellectual formation that he received as a student of art history at the University of Poznań in 1949-1954. His first professor who opened to him the door to art history and exerted on him a strong intellectual influence, was Szczęsny Dettloff, a disciple of Heinrich Wölfflin in Munich and Max Dvořák in Vienna. Dettloff taught his students that the foundation of studying art in history is the study of the form of an individual artwork He believed that without a proper analysis of form it is impossible to construct appropriate series of the works of art and specify their position in the culture of the times of their origin. Similar sensitivity to form and the understanding of its significance for the art historian’s work were represented by two other professors important for the author, both educated by Dettloff already before World War II: Gwido Chmarzyński and Zdzisław Kępiński. When in 1957-1968 the author was a postgraduate student in the Centre d’Études Supérieures de Civilisation Médiévale at the University of Poitiers (CÉSCM), it turned out that the local methodological tradition was similar to what he had learned in Poznań before. The CÉSCM was founded as a multidisciplinary institute for the study of the Middle Ages, combining history, art history, literary history, and the history of ideas. It was important that one of them could shed light on an object studied by another, but each of them, including art history, kept its material and methodological identity. In the French tradition, art history had an “autonomous” status, focusing on artistic creation as a special sphere of human activity. That idea influenced also quite strongly the study of medieval architecture, originated in the early 19th century by Arcisse de Caumont, and continued until today by many generations of French scholars. What is characteristic of their research is meticulous analysis of form, articulated with a precise, detailed, and comprehensive specialist vocabulary. The lectures of French scholars on medieval architecture, which the author attended in Paris and Poitiers, taught him precision in the analysis of the artwork’s structure and its components, as well as responsibility for every single statement made on art. For a young art historian who did not specialize in architecture but in representational arts, that French experience was a lesson of methodological rigor necessary in the intellectual pursuits of the humanities scholar.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 7-20
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 8.

Tytuł:

Adorno and practically useless art, or autonomy instead of avant-garde

Autorzy:

Czekaj, Rafał

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593853.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

Adorno
autonomy
logic of art
content of art
autonomia
logika sztuki
treść sztuki

Opis:

Adorno’s aesthetic theory allows us to treat him as an anti-theorist of the avant-garde. We can find in his work many accurate observations grasping the essence of the changes that were introduced by this artistic formation. Adorno himself used the term “avant-garde” in a slightly different meaning – as denoting artistic production going against the traditional aesthetic tastes, but also resistance to commercialization and reification. In the context of Adorno’s whole philosophy such resistance is illusory. The mechanisms governing the sphere of culture are total and efficiently pacify any aesthetic rebellions. Therefore, it is not in the formal experiments that Adorno saw the rebellion of art against the existing system. According to the German philosopher, the critical function of art – its main vocation – is realized in the antithetic attitude to reality and is due to the so-called “ideal of transformation”. And those are only conditioned by the autonomy of art. In the present paper I discuss the points in Adorno’s aesthetic theory at which he shows art as autonomous.
Teoria estetyczna Adorna pozwala na traktowanie go jako teoretyka awangardy. Znajdziemy u niego wiele trafnych analiz dotykających istoty zmian, jakie wprowadziła ze sobą ta formacja artystyczna. Sam Adorno jednak używał terminu „awangarda” w nieco szerszym znaczeniu – jako produkcja artystyczna, która nie tylko łamie tradycyjne gusta estetyczne, ale także stawia opór komercjalizacji i reifikacji. W kontekście całej filozofii Adorna taki opór jest jednak iluzoryczny. Mechanizmy rządzące sferą kultury są totalne i skutecznie pacyfikują wszelkie bunty estetyczne. Dlatego to nie w formalnych eksperymentach Adorno widział rebelię sztuki przeciwko panującemu systemowi. Funkcja krytyczna sztuki – wedle frankfurtczyka naczelne jej powołanie – spełnia się w antytetycznym stosunku do rzeczywistości i dzięki tzw. ideałowi przetworzenia. Ich warunkiem z kolei jest autonomia sztuki. W niniejszym tekście przedstawiam te momenty teorii estetycznej Adorna, w których ukazuje on sztukę jako autonomiczną właśnie.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2017, 19; 121-130
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 9.

Tytuł:

Przed dziełem sztuki. Wspomnienia ze studiów

Autorzy:

Skubiszewski, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909541.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

University of Poznań – art history
University of Poitiers – art history
methodology of art history
art history around 1950

Opis:

The present essay includes the author’s memories of his university studies and the intellectual formation that he received as a student of art history at the University of Poznań in 1949-1954. His first professor who opened to him the door to art history and exerted on him a strong intellectual influence, was Szczęsny Dettloff, a disciple of Heinrich Wölfflin in Munich and Max Dvořák in Vienna. Dettloff taught his students that the foundation of studying art in history is the study of the form of an individual artwork He believed that without a proper analysis of form it is impossible to construct appropriate series of the works of art and specify their position in the culture of the times of their origin. Similar sensitivity to form and the understanding of its significance for the art historian’s work were represented by two other professors important for the author, both educated by Dettloff already before World War II: Gwido Chmarzyński and Zdzisław Kępiński. When in 1957–1968 the author was a postgraduate student in the Centre d’Études Supérieures de Civilisation Médiévale at the University of Poitiers (CÉSCM), it turned out that the local methodological tradition was similar to what he had learned in Poznań before. The CÉSCM was founded as a multidisciplinary institute for the study of the Middle Ages, combining history, art history, literary history, and the history of ideas. It was important that one of them could shed light on an object studied by another, but each of them, including art history, kept its material and methodological identity. In the French tradition, art history had an “autonomous” status, focusing on artistic creation as a special sphere of human activity. That idea influenced also quite strongly the study of medieval architecture, originated in the early 19th century by Arcisse de Caumont, and continued until today by many generations of French scholars. What is characteristic of their research is meticulous analysis of form, articulated with a precise, detailed, and comprehensive specialist vocabulary. The lectures of French scholars on medieval architecture, which the author attended in Paris and Poitiers, taught him precision in the analysis of the artwork’s structure and its components, as well as responsibility for every single statement made on art. For a young art historian who did not specialize in architecture but in representational arts, that French experience was a lesson of methodological rigor necessary in the intellectual pursuits of the humanities scholar. 

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 307-321
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 10.

Tytuł:

Emocje w polu dóbr symbolicznych. Od Leonarda da Vinci do Jerzego Dudy-Gracza
Emotions in the Field of Symbolic Goods

Autorzy:

Matuchniak-Krasuska, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/623096.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

sociology of art, sociology of emotions
emotions in art
field of art
Leonardo da Vinci’s Mona Liza

Opis:

Rozważania przestawione w tym artykule sytuują się na pograniczu socjologii sztuki i socjologii emocji. Analizowana jest problematyka emocji związanych z istnieniem dzieła sztuki i pojawianiem się jego nowych wersji, pastiszów, adaptacji, co wymaga, zgodnie z koncepcją Pierre’a Bourdieu, odwołania się do miejsca w polu dóbr symbolicznych (awangarda, klasyka, kultura masowa) oraz podmiotów w tym polu (twórców, krytyków, odbiorców). Stosowane jest wielokrotne studium przypadku; w tym tekście przedmiotem analiz jest Mona Liza Leonarda da Vinci oraz jej wersje awangardowe i rozrywkowe, poczynając od Marcela Duchampa i Salvadora Dali, Fernanda Botero, Jerzego Dudy-Gracza (ujęcia artystów awangardowych) aż do licznych ujęć twórców nieznanych, ukazujących Monę Lizę jako kulturystkę, rugbystkę, łysą, utrefioną, małpę, kocicę lub wcielenie wielkich uczonych, polityków, gwiazd popkultury. Mona Liza Leonarda da Vinci sytuowała się zawsze w polu kultury prawomocnej, stanowiąc idealny przejaw wartości uznawanych, odczuwanych i realizowanych – według terminologii Stanisława Ossowskiego. Tysiące pastiszów, o różnej wartości artystycznej, usytuowanych w trzech różnych subpolach dóbr symbolicznych, świadczy o żywotności dzieła i „grach z kanonem”, choć budzi zróżnicowane emocje odbiorców współczesnych.
The consideration is a borderline case combining sociology of art and sociology of emotions. The problems concerning emotions associated with a piece of art as such, its new versions, pastiches, and adaptations have been analyzed in the paper. The analysis involves reference to the position in the field of symbolic goods (the avant-garde, classic, mass culture) and the subjects in this field (creative artists, critics, recipients). A multiple case study has been applied and it is essential to use the reproductions of the pieces of art that have been discussed (Mona Liza by Leonardo da Vinci, Marcel Duchamp, Salvador Dali, Fernando Botero placed in avant-garde field, and numerous versions done by unknown creators from mass culture field).

Źródło:

Przegląd Socjologii Jakościowej; 2013, 9, 2; 46-69
1733-8069

Pojawia się w:

Przegląd Socjologii Jakościowej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 11.

Tytuł:

Zakres sztuk wizualnych w Indiach klasycznych
The Field of Visual Art in Classical India

Autorzy:

Banasik, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/914957.pdf

Data publikacji:

2016-06-15

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Classical India
visual arts
field of art
theory of art
theory of taste
theory of the senses

Opis:

The objective of this paper is to identify and define the main differences in modern Western and Classical Indian approaches to the theory of art, and by extension to the work of art itself. It is important in research on the history of art to avoid a cultural bias resulting from different theoretical approaches towards art and the basis of visual culture. Three main areas are examined: the classification of art or art disciplines, the theory of the senses and strategies in the perception of art. The first part analyses concerns about the origin of art, its boundaries and inner divisions. This serves top identify the scope of the Field of Art, connections between disciplines (theatre, music, painting, sculpture, etc.), and their position in the Art World. The following Sanskrit treatises serve as a basis: Nāṭya-śāstra, Kāma-sūtra, Viṣṇu-dharmôttara-purāṇa. A significant distinction can be found in the theory of the senses. Based on Saṃyutta Nikāya, Nyāya-sūtra, Vaiśeṣika- sūtra, etc. classical concepts of sensual perception and their roles are examined, with special emphasis on the position of the mind (manas) as a sixth sense or inner organ linked to senses. With that background, a brief analysis of the theory of taste (rasa), including the roles of emotion (bhāva) and mind (manas), is presented.

Źródło:

Studia Azjatystyczne; 2016, 2; 7-19
2449-5433

Pojawia się w:

Studia Azjatystyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 12.

Tytuł:

Displaced Objects and Meanings. A Few Remarks on the Fang Mask, Masawa Canoes and Kachina Dolls

Autorzy:

Kisielewski, Andrzej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1985614.pdf

Data publikacji:

2018-06-30

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

cultural anthropology
art history
anthropology of art

Opis:

Each of the artefacts mentioned in the title is an exemplification of products of the anthropological “Other”. Each of them comes from a distinct geographical region and represents an entirely different culture. However, all of them have been connected together in the Western culture realia as a result of a particular type of displacements. The first displacement involved their physical migration – first to European museums of natural history and ethnological museums. The next one resulted in their emergence on the market of exotic “oddities” whereas yet another displacement located them within the conceptual framework delimited by the artistic discourse. This last displacement shows that it is very difficult to understand or “translate” one culture into another because the conceptual framework of the “translator” is always determined by their own culture.

Źródło:

Kultura i Edukacja; 2018, 2(120); 97-112
1230-266X

Pojawia się w:

Kultura i Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 13.

Tytuł:

Czy chory człowiek może być inspiracją dla artysty?
Should a Sick Person Be an Inspiration for An Artist?

Autorzy:

BŁACHUTA, Monika

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1033816.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Zakład Opieki Zdrowotnej Ośrodek Umea Shinoda-Kuracejo

Tematy:

affective disorders
history of art
psychiatry

Opis:

This article highlights the role of psychiatric illness, mainly the affective disorders, in the work of famous painters throughout the centuries. Especially paintings from well-known artists such as Pieter Bruegel, Albrecht Dürer, Henri de Toulouse – Lautrec, Vincent van Gogh, Edward Munch, Ernst Ludwig Kirchner, Frida Kahlo and Lucian Freud are discussed in detail. While pain and disease are unavoidable parts of human life artists are especially sensitive to suffering and melancholy. Artists should create honest and true art which gives a reflection of the times they live in. Through their art they should give a reason to look closer and understand people and circumstances. Overidentification of the artist with that mission may, however, lead to overwhelmingly deep compassion and may cause depression. On the positive side art may contribute to higher awareness concerning many diseases and thus provide a strong impulse to more intense research activity or social tolerance, which finally will considerably improve the situation of the patients.

Źródło:

Medicina Internacia Revuo; 2013, 25, 101; 243- 252
0465-5435

Pojawia się w:

Medicina Internacia Revuo

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 14.

Tytuł:

Pedagogical and neuropsychological aspects of prisoner creativity

Autorzy:

Gajewski, Mariusz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2106012.pdf

Data publikacji:

2020-03-11

Wydawca:

Fundacja Edukacji Medycznej, Promocji Zdrowia, Sztuki i Kultury Ars Medica

Tematy:

creation
emotions
work of art
communication

Opis:

Detention in a prison is the isolation of an individual from society, placing him in an isolated space, where the punishment is not only the lack of contact with family or loved ones, but also being with other - often not easy in coexistence - prisoners. The reduced level of external stimuli makes internal life (experiences, emotions) a priority. Undertaking any creative activity reduces a prisoner’s concentration on the matter of isolation and any health problems and issues: real or imaginary. This process counteracts chaos and contributes to a gradual stabilization of the emotional system. Creative activity, by strengthening emotional stability, helps the regaining of balance and influences the prisoner’s adaptation to the life situation in which he finds himself. The initiation of creative activity by prisoners promotes the reintegration of the individual and social (here including cultural) self. The first part of this article will explain why introducing the arts is not only desirable, but natural given the setting, and inmates’ propensity for creative expression. The next part will present the examples of unstructured and structured programs developed for the creative revalidation of prisoners. Studies have revealed that undertaking creative activity on the part of prisoners plays an important role in the proces of revalidation. At the same time, analysis of works of art produced by prisoners gives an insight into the neuropsychological mechanisms of creation and provides important information for planning therapeutic programs.

Źródło:

Acta Neuropsychologica; 2020, 18(1); 97-125
1730-7503
2084-4298

Pojawia się w:

Acta Neuropsychologica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 15.

Tytuł:

The art of failure – the victory of the losers
Sztuka porażki – zwycięstwo przegranych

Autorzy:

Szczepanek, Tomasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593929.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

art of failure
end of art
queer
sztuka porażki
koniec sztuki

Opis:

The article describes the phenomenon of the art of failure. Traditional narrative focuses on the experience of winning, while marginalizing everything that is weak, mediocre, lost. The change comes with the end of art understood as a decomposition of the historical structures organizing artistic discourse (cf. Arthur C. Danto, Gianni Vattimo, Jean-Luc Nancy). In the post-historical plurilogue, the art of failure becomes a means of expression of the groups which have been traditionally excluded (Judith Halberstam). This in turn leads to a multi-level game between the participants of cultural life and its institutions. The author goes on to present and analyse specific examples of the art of failure accentuating their subversive-emancipatory potential.
Przedmiotem artykułu jest opis zjawiska sztuki porażki. Tradycyjna narracja stawia w centrum doświadczenie sukcesu, marginalizując jednocześnie to, co słabe, przeciętne, przegrane. Zmiana następuje wraz z końcem sztuki rozumianym jako rozpad historycznych struktur organizujących dyskurs artystyczny (Arthur C. Danto, Gianni Vattimo, Jean-Luc Nancy). W posthistorycznym wielogłosie sztuka porażki staje się środkiem ekspresji grup zwyczajowo wykluczanych (Judith Halberstam), co prowadzi do wielopoziomowej gry między uczestnikami życia kulturalnego, a jego instytucjami. W dalszej części artykułu autor przedstawia i analizuje poszczególne przykłady sztuki porażki, akcentując ich subwersywno-emancypacyjny potencjał.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2015, 17; 181-194
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 16.

Tytuł:

Contemporary Art and its Boundaries: Permeation or Pervasion?
Przenikanie czy przekraczanie? O granicach we współczesnej sztuce

Autorzy:

Jagnicka, Olga

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593911.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

granice sztuki
sztuka współczesna
etyka
definicja sztuki
zwierzęta w sztuce
dzieło sztuki
boundaries of art
contemporary art
ethics
definition of art
animals in art
a work of art

Opis:

Artykuł omawia znaczenie warstwy etycznej oraz granic we współczesnej sztuce. W tekście przy¬wołane zostają dzieła, które powstały w wyniku torturowania bądź zabicia zwierząt. Prace te zostały uznane za przekraczające etyczne granice, wywołały oburzenie i liczne protesty publicz¬ności. Omówione zostają konsekwencje tych reakcji oraz skandalu, jaki powstał wokół przywoła¬nych prac, co zmusza do zadania pytania nie tylko o granice dzieła sztuki, znaczenie estetyki, ale również o definicję pojęcia „sztuka”, które poddawane wielu redefinicjom utrudnia, lub nawet uniemożliwia, ustanowienie czytelnych zasad. Analiza jest nie tylko próbą odpowiedzi na pytania o granice sztuki współczesnej, ale również o zasadność samego pojęcia „sztuka” wobec współcze¬snych działań artystycznych.
The article discusses the significance of the ethical aspects and limits in contemporary art. The text refers to the collection of works that were created based on torturing or killing ani¬mals. Those particular works have been considered as breaking ethical limits, evoked indignation and numerous protests of the public. The paper touches the issue of consequences resulting from such reactions, and the scandal that was born around the referred works. This forces me to pose a question not only on the reasonable limits of works of art and the importance of aesthetics, but also on the definition of the term ‘art’. The word ‘art’, having been applied to a number of redefinitions, makes it difficult or even impossible to set up clear rules. My analysis is not only attempted at answering questions on the limits of the contemporary art, but also on the justifica¬tion of the term ‘art’ itself in relation to today’s artistic creations.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2019, 21; 149-160
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 17.

Tytuł:

Sztuka pierwotna w czterech odsłonach. Uwagi o antropologii sztuki Lewisa H. Morgana, Franza Boasa, Aby’ego Warburga i Ruth F. Benedict
Four views of “primordiality”. Remarks on the anthropology of art by Lewis H. Morgan, Franz Boas, Aby Warburg and Ruth F. Benedict

Autorzy:

Kisielewski, Andrzej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/566365.pdf

Data publikacji:

2020-01-10

Wydawca:

Akademia Pomorska w Słupsku

Tematy:

sztuka pierwotna
sztuka awangardowa
teoria sztuki
historia sztuki
antropologia sztuki
studia kulturowe
primordial art
avant-garde art
theory of art
history of art
anthropology of art
cultural studies

Opis:

These remarks are intended as to recall testimonies of the contact of people of the West with art called primordial or primitive in its natural cultural environment. The goal is here also to “refresh” thinking about art, as well as to look at the ways of recognition of primordial art at the turn of the twentieth century, the representation of which are the classic texts by the field researchers referred to in the title of these remarks. The selection of the texts is not accidental here, because they are connected primarily by the thread of the art of Indigenous communities of North America.

Źródło:

Ars inter Culturas; 2019, 8; 15-34
2083-1226

Pojawia się w:

Ars inter Culturas

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 18.

Tytuł:

W ciemnościach. Historia sztuki i sztuka dotyku
In the Dark. History of Art and the Art of Touch

Autorzy:

Świtek, Gabriela

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1934171.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

percepcja sztuki
recepcja sztuki
doświadczenie taktylne
dotyk
perception of art
reception of art
tactile experience
touch

Opis:

A dark room is a “research field” where an art historian moves with uncertainty. The strongest sensual experience that an art historian develops when his/her competence grows is seeing. The most valued trait of an art expert - a collector, museum specialist or an exhibition manager - is his/her “sharp eye”. The methodological paradigm that has dominated in art. history since the 1970s established the accepted “ways of seeing” art. The choice of touch for the subject matter of this paper is not meant as a challenge to the established hierarchy of senses underlying the above-mentioned research paradigm. The eye will stay in the centre of our research, even though not all art is created to be experienced through this sense only. This paper ventures an interpretative analysis of a selection of works which are not to be experienced solely through sight, but mostly by touch. Mirosław Bałka's installation entitled How It Is (2009-2010), exhibited in the London Tate Modern, Anthony McCalls works in his exhibition at the Serpentine Gallery (2007-2008), or Filippo Tommaso Marinetti's project called “the art of tactilism”, reaching back to the 1920s – these are examples of creations which make art. history grope around in the dark. The author does not aim to juxtapose sight and touch in art. interpretation, or to seek some "new empiricist" methodology. The paper is more of an attempt to criticise research tradition that favours sight over touch. Immediacy and elimination of distance are features that distinguish tactile experience from the visual one. In view of the fact that contemporary artistic practices strive to integrate and consolidate all sensual experiences in a holistic fashion, one can pose a crucial question of how to grasp and record the immediate tactile experience in the process of art-historical interpretation.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2010, 58, 4; 269-289
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 19.

Tytuł:

The history of architecture and art and how it is seen by tourists

Autorzy:

Kaczmarek, Sylwia

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/627863.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

tourism
architecture
painting
history of art

Opis:

The article presents the relation between the presence of works of art (buildings, sculptures, paintings) at different locations in the world, and tourism. The main theoretical and practical questions include the following: How important is knowledge of the history of art for seeing works of art? What other factors make modern travellers visit places where they can find these works of art?

Źródło:

Turyzm; 2013, 23, 2; 9-13
0867-5856
2080-6922

Pojawia się w:

Turyzm

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 20.

Tytuł:

Odbiór i społeczny obieg sztuki współczesnej a demokratyzacja kultury
Reception and Social Circulation of Contemporary Art and Democratisation of Culture

Autorzy:

Franckiewicz-Olczak, Izabela

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2150776.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet w Białymstoku. Wydawnictwo Uniwersytetu w Białymstoku

Tematy:

democratisation of culture
modern art
modern museum
reception of art

Opis:

The article focuses on the changes of the art world in the context of democratisation of culture. Democratisation is connected with the development of popular culture, and the increase in social participation. There are different aspect of art taken into consideration in the article: artists, arts recipients, museums, artworks. In the centre of the reflection, the museum is placed, as an institution which takes part in the process of communication between the artist and arts recipients. The article is an attempt to answer the question about the role of the museum in the dedistanciation of art.

Źródło:

Pogranicze. Studia Społeczne; 2018, 34; 85-99
1230-2392

Pojawia się w:

Pogranicze. Studia Społeczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 21.

Tytuł:

Reverse logistics as a trend of XXI century – state of art

Autorzy:

Kosacka-Olejnik, Monika
Werner-Lewandowska, Karolina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/409652.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

STE GROUP

Tematy:

literature review
reverse logistics
state of art

Opis:

On the basis of legal, environmental, social, and economic factors, reverse logistics and closed-loop supply chain issues have attracted attention among both academia and practitioners. A growing number of publications is an expression of reverse logistics trend in the literature which has been lasted for around 40 years. Hence, a comprehensive literature review of recent and state-of-the-art papers is vessential to draw a framework of the past, and to support researchers in their works by indicating journals or adequate references. The aim of this paper was to prepare appropriate literature review procedure and following it to review all papers whose main topis was reverse logistics. The papers were analyzed and categorized to construct a useful foundation of past research with respect to the scale of number of research on reverse logistics, considering stages of reverse logistics development, targeted journals, main research centres and leading countries. Moreover there were reccommended the most valuable papers as references.

Źródło:

Management Systems in Production Engineering; 2020, 1 (28); 9-14
2299-0461

Pojawia się w:

Management Systems in Production Engineering

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 22.

Tytuł:

DZIEŁA SZTUKI JAKO AKTYWA KATEGORII INWESTYCJI ALTERNATYWNYCH ORAZ PRZEDMIOT USŁUG Z ZAKRESU WEALTH MANAGEMENT

Autorzy:

Paweł, Dziekański,
Izabella, Stąpor,

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/891714.pdf

Data publikacji:

2018-08-21

Wydawca:

Wyższa Szkoła Bezpieczeństwa Publicznego i Indywidualnego Apeiron w Krakowie

Tematy:

works of art
alternative investments
wealth management

Opis:

The instability of global financial markets results in the growth of popularity of alternative investments, especially among works of art. Being in a group of objects that have timeless value, they support the building process of an optimal investment portfolio, they are also resistant to phenomenon of inflation, they create owner’s image and - in combination with traditional instruments – they have a potential to generate relatively high rates of return. The purpose of this publication is to show the essence and potential of works of art in the context of wealth management services and to show them as assets that belong to emotional investments. Based in the literature of the subject and available branch reports, the analysis of the global and Polish auction markets of works of art in the years 2010-2013 was made.

Źródło:

Kultura Bezpieczeństwa. Nauka – Praktyka – Refleksje; 2014, 16; 141-153
2299-4033

Pojawia się w:

Kultura Bezpieczeństwa. Nauka – Praktyka – Refleksje

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 23.

Tytuł:

Pomiędzy adaptacją a edukacją. Sztuka mediów jako wprowadzenie do technokultury
Between adaptation and education. Media art as an introduction to technoculture

Autorzy:

Kluszczyński, Ryszard W.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1856710.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Narodowe Centrum Kultury

Tematy:

sztuka mediów
sztuka nowych mediów
art & science
adaptacyjna funkcja sztuki
poznawcza funkcja sztuki
edukacyjna funkcja sztuki
media art
new media art
adaptive function of art
cognitive function of art
educational function of art

Opis:

Next to its fundamental artistic and aesthetic properties and functions, perceived as entirely intrinsic and thus developed only through experience that it itself calls into existence, art also serves multiple social purposes. Among the latter, a set of interconnected cognitive, educational and adaptive roles seems to come to the foreground. This article discusses forms in which these functions manifest themselves along with their mutual relationships that may be observed in the field of progressive avant-garde art. It focuses on selected phenomena in the art of experimental cinema, analogue and digital synthesis, as well as contemporary artistic forms that use the techniques of augmented reality and biotechnology, producing a myriad of diversified hybrid constructs.

Źródło:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka; 2019, 105, 2; 12-21
1230-4808

Pojawia się w:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 24.

Tytuł:

O twórczym przekraczaniu granic. Przetworzenia i reprezentacje w przestrzeni sztuki
On creative border crossing. Transformations and representations in art

Autorzy:

Szczęsna, Ewa

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1039381.pdf

Data publikacji:

2019-12-06

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

adaptation
representation
transformation
digital art
theory of literature
theory of art

Opis:

The paper analyzes the thesis that constantly transgressing boundaries in art is a fundamental principle and essential condition for artistic progress. Crossing external (the art – other discourses) and internal (between various art genres) boundaries is analyzed on the basis of transformations (especially adaptation) and representations. Dialogue relations initialized by art crossing the boundaries are analyzed as well: reinterpretations, polemics, extensions and supplementations. There is also a discussion of the ways in which semiotic and media boundaries are trangressed, especially the semiotic and media borders that are essential for the semiotic sphere of one artistic genre for the semiotic and media sphere of the other. The article refers to examples taken from literature, film, sculpture and painting.

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2019, 31; 209-226
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 25.

Tytuł:

Shaftesbury V. Richardson: a Counterfactual Exercise
Shaftesbury Versus Richardson: Ćwiczenie Kontrfaktyczne

Autorzy:

Mount, Harry

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2082085.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

art theory
social history of art
aesthetic theory
18th Century British aesthetics
taste
beginnings of art history
neoclassicism

Opis:

This article considers what might have happened had the 3rd Earl of Shaftesbury lived long enough to see his planned book of art theory, Second Characters, into publication. It suggests that Second Characters would have challenged, and perhaps supplanted, Jonathan Rich- ardson the Elder’s Theory of Painting (1715) as the first substantial and original British contribution to the theory of art. Much of the article consists of a comparison between Richardson’s Theory of Painting and the ‘Plasticks’ section of Second Characters, for which Shaftsbury’s notes survive. This comparison suggests that the theory of painting which Shaftesbury would have offered to his compatriots would have dif- fered from that offered by Richardson in certain important respects. Primarily addressing his text to his fellow aristocratic patrons rather than to painters, Shaftesbury’s vision for the future of British art was both more high-minded and more narrow than that offered by Richardson. For Shaftesbury the moral subject matter of painting was all-important, and the artistic traits he most admired, including historical subjects, grandeur of scale and austerity of style, were those he saw as best placed to transmit that moral subject matter. Richardson, by contrast, was for more tolerant of the extant British taste for portraits and more sensual styles and offered a theory of art which was in part formalist. The article also stresses the importance of the equation Shaftesbury made between the social and political health of a society and the quality of its art, and suggests that had Second Characters been published at the time when it was written we might now consider Shaftesbury, rather than Winckelmann, as the father of the social history of art. The article ends by considering two possible outcomes had Second Characters been published in the early eighteenth century, in one of which it had a profound impact on British art and British attitudes to art, and in the other of which Shaftesbury’s refusal to compromise with current British tastes condemned his text to no more than a marginal status.
Autor rozważa, co mogłoby się stać, gdyby trzeci hrabia Shaftesbury żył na tyle długo, aby ujrzeć publikację swojej planowanej książ- ki z teorii sztuki, Second Characters. Sugeruje, że Second Characters zakwestionowałyby i być może zastąpiłyby Theory of Painting (Teorię malarstwa) Jonathana Richardsona starszego (1715) jako pierwszy znaczący i oryginalny brytyjski wkład w teorię sztuki. Dużą część swych rozważań autor poświęca na porównanie Theory of Painting Richardsona i tekstu Plasticks z Second Characters, do którego zachowały się notatki Shaftesbury’ego. Porównanie to pozwoliło na wysunięcie tezy, że teoria malarstwa, którą Shaftesbury zaproponowałby swoim rodakom, różniłaby się pod pewnymi względami od tej przedstawionej przez Richardsona. Shaftesbury, zwracając się przede wszystkim do arystokratycznych mecenasów, a nie do malarzy, miał wizję przyszłości sztuki brytyjskiej bardziej wzniosłą, ale równocześnie bardziej zawężoną niż ta zaproponowana przez Richardsona. Dla Shaftesbury’ego najważniejsza była moralna tematyka w malarstwie, najbardziej cenił tematy historyczne, które najlepiej było pokazywać w dużej skali i z zastosowaniem surowego stylu. Richardson natomiast był bardziej tolerancyjny wobec brytyjskiego upodobania do portretów oraz zmysłowego malarstwa i proponował teorię sztuki, która była po części formalistyczna. Autor podkreślił również znaczenie zrównania przez Shaftesbury’ego zdrowia społecznego i politycznego społeczeństwa z jakością jego sztuki oraz wysunął przypuszczenie, że gdyby Second Characters zostały opublikowane w czasie, gdy powstały, mogliby- śmy teraz uznać Shaftesbury’ego, a nie Winckelmanna za ojca społecznej historii sztuki. Artykuł kończy się założeniem dwóch możliwych skutków opublikowania Second Characters na początku XVIII w. – jednym mógł być silny wpływ na brytyjską sztukę i brytyjski stosunek do sztuki, drugim zaś mogłaby być marginalizacja tego tekstu z powodu bezkompromisowego podejścia Shaftesbury’ego do ówczesnych gustów brytyjskich.

Źródło:

Rocznik Historii Sztuki; 2020, 45; 5-17
0080-3472

Pojawia się w:

Rocznik Historii Sztuki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 26.

Tytuł:

Rzeczy stają się sztuką-rzeczy tworzą sztukę. O zachowaniu upartych obiektów

Autorzy:

Dietmar Rübel, Dietmar

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909483.pdf

Data publikacji:

2019-05-07

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Materiality
work of art
art object
thing
Andreas Slonimski

Opis:

Translation into Polish of a text, originally published in German, by the German scholar Dietmar Rübel. He analyzes and theorizes issues related to materiality of an art work and art object in contemporary art. His account is an important voice in the recently topical debate in the humanities on the materiality or “thingness” of artworks, sometimes described as the “material turn”.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2018, 29; 229-257
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 27.

Tytuł:

Cele i treści edukacji plastycznej w kształceniu studentów Wydziału Pedagogicznego Uniwersytetu Warszawskiego. Wybrane zagadnienia

Autorzy:

Adam, Malinowski,

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/892476.pdf

Data publikacji:

2018-02-07

Wydawca:

Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego

Tematy:

art education
person
building sensitivity
purpose of art activities

Opis:

The article is devoted to the process of preparing students of the Faculty of Education at the University of Warsaw to conduct art classes in educational institutions. It contains an analysis of several selected issues that are key for this subject: justification of the presence of visual arts in education, the characteristics that accompany the presence of educational processes, the relevance of the child’s visual artistic activity as an important issue for pedagogical practice. In addition, the article contains a brief description of the visual artistic activity of students during workshops.

Źródło:

Kwartalnik Pedagogiczny; 2017, 62(4 (246)); 134-138
0023-5938

Pojawia się w:

Kwartalnik Pedagogiczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 28.

Tytuł:

Examining the Boundaries of Contemporary Art: An Exploratory Study of Institutional Critique in Poland 1990–2015

Autorzy:

Płucienniczak, Piotr P.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/508826.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Slawistyki PAN

Tematy:

contemporary art
institutional critique
sociology of art
visual arts

Opis:

Examining the Boundaries of Contemporary Art: An Exploratory Study of Institutional Critique in Poland 1990–2015The article explores the practices of institutional critique in Polish contemporary art. A quantitative survey of cases of institutional critique reveals major problems faced by artists and their perceptions of the autonomy of the visual arts. Badanie granic sztuki współczesnej: Eksploracyjne studium krytyki instytucjonalnej w Polsce 1990-2015Artykuł prezentuje wyniki eksploracyjnych badań nad praktykami krytyki instytucjonalnej w polskiej sztuce współczesnej. Ilościowa analiza epizodów takiego rodzaju działań artystycznych ujawnia najważniejsze problemy twórców i twórczyń oraz ich percepcję autonomii sztuk wizualnych.

Źródło:

Colloquia Humanistica; 2019, 8
2081-6774
2392-2419

Pojawia się w:

Colloquia Humanistica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 29.

Tytuł:

Le rôle créateur de la memoria rhétorique dans la théorie des arts à l’époque des Lumières

Autorzy:

Sebastian, Zacharow,

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/897085.pdf

Data publikacji:

2020-01-13

Wydawca:

Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego

Tematy:

Rhetoric
Theory of art
Diderot
French literature

Opis:

The article addresses the issue of one of the parts of rhetoric – memory (memoria) in relation to fine arts (beaux-arts), a term invented by Charles Batteux. In the classical understanding of the rhetorical discourse, memoria is a set of rules allowing the speaker to remember his speech and then to deliver it in the best possible way. In terms of aesthetics and art, the mentioned term takes on many new meanings, to the extent that Diderot’s Encyclopedia does not use it at all. In order to explain the role of memory as a creative process, the French theoreticians of the Age of Enlightenment (Batteux, Dubos, Voltaire) use many other terms, which only shows the complexity of the term memoria. The aim of the article is to show the adaptation of the rhetorical term to the area of poetics and theory of art, and to present how this rhetorical concept becomes one of the foundations of the fine arts.

Źródło:

Przegląd Humanistyczny; 2019, 63(4 (467)); 7-14
0033-2194

Pojawia się w:

Przegląd Humanistyczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 30.

Tytuł:

Jak „czytać” dzieło sztuki plastycznej?
How to „read” a work of art?

Autorzy:

Steliga, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1288868.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Uniwersytet Rzeszowski. Wydawnictwo Uniwersytetu Rzeszowskiego

Tematy:

a work of art
education through art
analysis of painting artworks

Opis:

Education through art is one of the most important and necessary forms of knowledge and human experience. A work of art is a result of the creator’s artistic activity, an objectification of his design and it includes a series of activities. This article discusses the core curriculum for the subject of fine arts, the basic categories of fine arts’ works, and also presents examples of analyses of painting artworks.

Źródło:

Dydaktyka Polonistyczna; 2017, 3(12); 135-146
2451-0939

Pojawia się w:

Dydaktyka Polonistyczna

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 31.

Tytuł:

Realistyczna koncepcja sztuki
The Realistic Conception of Art

Autorzy:

Kiereś, Henryk

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2013206.pdf

Data publikacji:

2008

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

realizm – idealizm
prywatywna teoria sztuki
ejdetyczna teoria sztuki
maniczno-ekspresyjna teoria sztuki
realism – idealism
privative theory of art
eidetic theory of art
manic and expressive theory of art

Opis:

This paper shows some key aspects and main theses of the so-called “privative” theory of art founded on philosophical realism. For the sake of contrast, idealism is discussed and its theories of art: “eidetic” (rationalism) and “manic”-expressive (irrationalism). The presentation of the two traditions is crowned with a thesis according to which the realistic theory of art is universal and cognitively neutral. The tradition of idealism, for that matter, does not explain art, but projects its vision and is entangled in a debate between so-called essentialism and anti-essentialism, the debate that cannot be solved.

Źródło:

Roczniki Filozoficzne; 2008, 56, 1; 141-151
0035-7685

Pojawia się w:

Roczniki Filozoficzne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 32.

Tytuł:

Artysta w koncepcji Jana Pawła II w Liście do artystów
An Artist in the Concept of John Paul II in The Letter to Artists

Autorzy:

Tytko, Marek Mariusz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/440894.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Fundacja Naukowa Katolików Eschaton

Tematy:

Jan Paweł II
człowiek
artysta
sztuka
List do artystów
teoria sztuki
teologia sztuki
filozofia sztuki
filozofia człowieka
pedagogika sztuki
John Paul II
man
artist
art
The Letter to artists
theory of art
theology of art
philosophy of art
philosophy of man
pedagogy of art

Opis:

Tekst ukazuje koncepcję człowieka artysty w twórczości papieża Jana Pawła II. Artykuł jest tekstem opartym o źródła. Głównym źródłami jego myśli na temat artysty są dla nas dwa teksty: tzw. „Ewangelia a sztuka” i tzw. „List do artystów”. Inne teksty Jana Pawła II są tylko dopełnieniem (uzupełnieniem) dla tych dwóch głównych tekstów źródłowych. Autor artykułu analizuje idee (koncepcje) człowieka-artysty w Liście do artystów, specjalnie w kontekście ogólnej koncepcji (ogólnego zarysu) kultury w opisach dokonanych przez Jana Pawła II (to jest nowością w tekście). W artykule znajdują się bardzo ważne cytaty (cytowania) z jego oryginalnego polskiego tekstu. Autor użył historiograficznej metody w swoim studium.
The text shows the idea of an artist in creativity according to Bl. John Paul II. This article is a source-based text. Main sources of his thought about an artist are for us two texts: so called „Ewangelia a sztuka” (“Gospel and Art”) and so called “The letter to artists”. Another texts of John Paul II are only complement (supplement) for this two mainly sourced texts. An author of this article analyses ideas of a man – an artist, especially in the context of general outline of culture in descriptions done by John Paul II (this is novelty in this text). There are some very important quotations (citations) from his original Polish texts in the article. The author used historiographical method in his study.

Źródło:

Religious and Sacred Poetry: An International Quarterly of Religion, Culture and Education; 2013, 2(2); 117-142
2299-9922

Pojawia się w:

Religious and Sacred Poetry: An International Quarterly of Religion, Culture and Education

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 33.

Tytuł:

Odzyskiwanie dzieł sztuki – regulacje międzynarodowe systemu ochrony dóbr kultury
Recovery of Lost Works of Art – International and Domestic Regulations

Autorzy:

Sasin, Robert

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/416443.pdf

Data publikacji:

2017-12

Wydawca:

Najwyższa Izba Kontroli

Tematy:

recovery of lost works of art
stolen works of art
war losses database
restitution
National Institute for Museums and Public Collections

Opis:

The process of recovery of works of art lost during the Second World War was not audited by the Supreme Audit Office before. However, the information that appeared about recovered cultural achievements is broadly presented and commented on in the public media, which shows that the issue is very important from the perspective of the social interest and cultural heritage. Taking this into account, NIK has carried out an audit at the Ministry of Culture and National Heritage, the Ministry of Foreign Affairs and the National Institute of Museology and Protection of Monuments. The objective of the audit was to evaluate whether the process of recovery of lost works of art is organised and financed in an appropriate manner. The article presents the main findings of the audit.

Źródło:

Kontrola Państwowa; 2017, 62, 6 (377); 92-103
0452-5027

Pojawia się w:

Kontrola Państwowa

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 34.

Tytuł:

State of the art in landing gear shock absorbers
Amortyzatory podwozi lotniczych

Autorzy:

Wolejsza, Z.
Kowalski, W.
Lafitte, A.
Mikulowski, G.
Remmers, L

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/213657.pdf

Data publikacji:

2005

Wydawca:

Sieć Badawcza Łukasiewicz - Instytut Lotnictwa

Tematy:

state of art in landing gear shock absorbers

Opis:

This report describes the state of the art inlanding gear design with a particular focus on shock absorbes. It gives an overview on the general design solutions and installation of landing gears into the airframe. An emphasis is placed on the function and calculation of loads acting on oleopneumatic shock absorbers, which are the main type of shock absorber considered within ADLAND. One part of this dokument covers the requirements which are the basis of the shock absorber design, materials used and related future developments within aerospace industry. A brief summary is given on research performed on active shock absorber so far.
Opracowanie przedstawia zagadnienia związane z konstrukcjami podwozi lotniczych, ze szczególnym uwzględnieniem problematyki amortyzatorów cieczowo-gazowych. Podano ogólne wskazówki dotyczące rozwiązań konstrukcyjnych różnych rodzajów amortyzatorów i ich adaptacji do pozostałej struktury samolotu. Szczególny nacisk położono na analizę obciążeń generowanych w amortyzatorach cieczowo-gazowych, które aktualnie są przedmiotem szczegółowych badań w ramach programu UE ADLAND. W opracowaniu opisano także wymagania stawiane obecnie nowo projektowanym konstrukcjom amortyzatorów lotniczych, a także wymieniono materiały z których są one wykonane. Przedstawiono zakres dotychczas zrealizowanych badań w obszarze podwozi adaptacyjnych oraz kierunki dalszego rozwoju i zastosowań amortyzatorów w lotnictwie.

Źródło:

Prace Instytutu Lotnictwa; 2005, 2(181); 1-54
0509-6669
2300-5408

Pojawia się w:

Prace Instytutu Lotnictwa

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 35.

Tytuł:

Tadeusz Bonifacy Chrzanowski (1926-2006)

Autorzy:

Węcławowicz, T.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/218042.pdf

Data publikacji:

2007

Wydawca:

Stowarzyszenie Konserwatorów Zabytków

Tematy:

Chrzanowski Tadeusz Bonifacy
historia sztuki
history of art

Opis:

Już wszystko zrobiłem, co miałem zrobić i więcej nie mam nic do powiedzenia - mawiał u schyłku swego życia.
It's all I've done what I had done and I have nothing more to say - he would say at the end of his life.

Źródło:

Wiadomości Konserwatorskie; 2007, 21; 103
0860-2395
2544-8870

Pojawia się w:

Wiadomości Konserwatorskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 36.

Tytuł:

"De prospectiva pingendi" Piera della Francesca - perspektywa dla "opornych"
Piero della Francescas "De prospectiva pingendi" - perspective for "dummies"

Autorzy:

Salwa, Mateusz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/707110.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

Francesca
perspective
theory of art
perspektywa
teoria sztuki

Opis:

This article is an introduction to the accompanying translation of selected fragments of Piero della Francesca’s (1412?-1492) treatise De Prospectiva Pingendi (mid-1470s). Although Piero was rediscovered as a mathematician in the nineteenth century (his dissertation on perspective was first published in 1899), it was only in the second half of the twentieth century that his theories were systematically examined. As a result, Piero is now regarded as one of the greatest mathematicians of his time, who contributed to the development of studies on ancient geometry. From the point of view of art history, his most important treatise is De Prospectiva Pingendi, but this is only one part of Piero’s theoretical achievements, which also include Trattato d’Abaco (mid-1460s) and Libellus de Quinque Corporibus Regularibus (first half of the 1480s). All three works grew out of the same tradition of applied mathematics taught in schools for merchants and craftsmen (scuole d’abaco). At the same time, however, Piero was innovative in the way he greatly emphasised geometry. De Prospectiva Pingendi is a dissertation, which on the one hand shows painting as a craft, but on the other, offers a theory based on geometry, which according to Piero, was essential to painters. For this reason, the treatise is a unique example of a meeting point between art and science, craft and theory. Although not published during the Renaissance, it was well known as evidenced by the fact that later dissertations on perspective (eg. by A. Dürer) adopt definitions and issues introduced by Piero. Furthermore, some of his processes herald solutions that came to be known from more advanced and later-developed geometry (G. del Monte, G. Monge).

Źródło:

Rocznik Historii Sztuki; 2014, 39; 7-20
0080-3472

Pojawia się w:

Rocznik Historii Sztuki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 37.

Tytuł:

Entre texte et image : réflexions sur la traduction des titres de tableaux de Paul Gauguin
Between text and image: reflections on the translation of Paul Gauguin’s painting titles

Autorzy:

Walkiewicz, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2143411.pdf

Data publikacji:

2021-12-22

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

translation
titles of art works
paintings
translation strategies

Opis:

The aim of this article is to analyse the translation strategies used to translate Paul Gauguin’s painting titles from Tahitian and French to Polish. We will analyse the titles that the artist painted directly on the canvases by making them invariant just like the image itself. The translations analysed come from works on Gauguin’s art and Impressionism, published in Polish since the 1960s of the 20th century.

Źródło:

Studia Romanica Posnaniensia; 2021, 48, 4; 91-106
0137-2475
2084-4158

Pojawia się w:

Studia Romanica Posnaniensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 38.

Tytuł:

En finir avec le fétichisme de l’œuvre, surmonter le mythe de l’artiste. Pratique populaire et œuvre reproductible chez Ad Reinhardt

Autorzy:

Leszek, Brogowski,

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487704.pdf

Data publikacji:

2019-08-04

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Tematy:

AD REINHARDT
MIT ARTYSTY
REPRODUKOWALNOŚĆ DZIEŁA + PARADYGMAT SZTUKI NOWOCZESNEJ
HISTORYCZNA ŚWIADOMOŚĆ SZTUKI
MYTH OF AN ARTIST
REPRODUCTIVITY OF AN ART WORK + PARADIGM OF MODERN ART
HISTORICAL CONSCIOUSNESS OF ART

Opis:

Ad Reinhardt (1913–1967) znany jest zwłaszcza jako malarz czarnych ob- razów, wysokich na pięć stóp i szerokich na pięć stóp – jedynych obrazów, jakie malował przez ostatnie siedem lat swego życia. Jest to bez wątpie- nia jedna z najbardziej radykalnych w historii sztuki praktyk malarskich. Otoczony w latach sześćdziesiątych aurą wyjątkowego prestiżu, zarówno artystycznego, jak i etycznego, zwłaszcza w kręgach pokolenia młodych artystów, którzy tworzyli w tamtych latach sztukę konceptualną, pozo- stawał on w krytycznym dystansie wobec ekspresjonizmu abstrakcyjne- go. Jego postawa w stosunku do artystów-kompanionów swego pokole- nia nie wynikała jednak z negatywnej oceny estetycznej ich malarstwa: ostrze jego krytyki zwrócone było przeciwko temu, co na jego temat mó- wili, a także przeciwko ich postawom wobec rynku sztuki i handlu sztuką. Reinhardt uważał, że dzieło nie jest autonomicznym przedmiotem, ale że ma sens i wartość ze względu na projekt sztuki, jaki realizuje, na idee, jakim służy oraz na polityczne i intelektualne źródła, z jakich wypływa. Nikt chyba nigdy nie był surowszy niż on w ocenie poetyckich pseudo- uzasadnień, często o motywach romantyczno- i mistyczno-religijnych, jakimi artyści – a w szczególności malarze ekspresjonistyczni – próbo- wali uprawomocnić swe malarskie praktyki. Jego lewicowa wrażliwość polityczna pozwalała mu jasno oceniać użyteczność tego fetyszyzującego dyskursu dla potrzeb promocji rynkowej; czytelnik Marksa, rozumiał sens pojęcia fetyszyzmu towaru rynkowego. Zaskakujące pisma Reinhardta są właśnie jednym z najbardziej radykalnych przyczynków do krytyki dzieła- -fetyszu jako towaru na rynku sztuki. W publikowanych począwszy od lat czterdziestych pismach, często krótkich i o szczególnej, ostrej i niepozba- wionej poetyckiego uroku retoryce, w formach manifestów, opracowywał on jednocześnie nie mniej radykalną koncepcję sztuki-jako-sztuki, która jest nawiązaniem do rozmaitych antysubiektywistycznych tradycji sztuki i twórczości artystycznej, oraz próbą uaktywnienia tego typu dyskursu o sztuce. Sztuka konceptualna wiele zawdzięcza tej Reinhardtowskiej pracy u podstaw. Mimo że jego pozycja w historii sztuki nowoczesnej jest niekwestio- nowalna, niewiele poświęcono jego pracy poważnych analiz, a teksty jego zbywane są milczeniem; niejednokrotnie – zaprzeczając najbardziej podstawowej uczciwości – próbowano podporządkować Reinhardta fe- tyszyzującym i mistycyzującym koncepcjom sztuki, nazywając go „czar- nym mnichem”, dopatrując się w jego trójdzielnych obrazach symbolu krzyża, podkreślając jego przyjaźń z trapistą Thomasem Mertonem itp. Trudno o lepsze dowody aktualności jego krytycznej postawy wobec ide- ologii rynku sztuki i wobec intelektualnej i politycznej dymisji aktorów obecnego systemu instytucji artystycznych. Przedrukowany tutaj roz- dział z książki Ad Reinhardt. Nowoczesne malarstwo i odpowiedzialność estetyczna, która ukazała się w roku 2011 w éditions de la transparence, przynosi kilka przykładów niekompatybilności projektu sztuki Reinhardta z dominującą ideologią i powszechnie akceptowanym dyskursem na jej temat oraz szkicuje kilka najważniejszych pojęć jego teorii, związanych w szczególności z historyczną świadomością artystyczną. W istocie, o ile malarzowi ekspresjonistycznemu wydawać się może, że niepowtarzalna oryginalność jego obrazów jest efektem subiektywnego wyrazu ich form, o tyle, porównane z innymi seriami obrazów z danego okresu jego twór- czości, obrazy jego wpisują się w ciągłość form, którą nazywamy sty- lem i którą trudno wyjaśnić subiektywnymi źródłami ekspresji; a kiedy porównuje się twórczość malarzy danego okresu historycznego, trudno oprzeć się wrażeniu, że wszystkie są trochę do siebie podobne i że poję- cie oryginalności poddać trzeba krytycznej analizie. Dlatego oryginalność twórczości artystycznej ujawnia się w całkiem innym świetle świadomo- ści, która sztukę ujmuje jako zjawisko historyczne. W książce, z której pochodzi przedrukowany poniżej fragment, po raz pierwszy podjęta została próba mówienia o pracy Ada Reinhardta jako o nierozłącznej całości, to znaczy łącząc sens i zmysłową postać jego malarstwa z pojęciami, które konstruują się w jego pismach. Starałem się w niej dogłębnie przeanalizować teoretyczną spójność i intelektualną dynamikę tego pisarstwa. Naznaczone charakterystyczną retoryką, czę- sto powtarzającą jeden schemat frazeologiczny, pisma te zawierają wiele cytatów, ale nieliczne tylko podane są w cudzysłowach, z rzadka jedynie wskazując na autora. Jest to znak antysubiektywnego projektu Reinhard- ta, który unikać chciał zbyt łatwej, jego zdaniem, oryginalności subiek- tywnej, traktując ją jako rodzaj kaprysu; przeciwnie, chciał konstruować oryginalność na poziomie intelektualnym i w horyzoncie historycznym. Oryginalność jest dla niego oryginalnością koncepcji sztuki, gdzie myśle- nie i malowanie łączą się spójnie w jednym dziele. Reinhardt pragnął po- wtarzać jedynie to, co zostało już wypowiedziane przez innych artystów, ale artystów-jako-artystów, to znaczy przez artystów, których wypowie- dzi dają się pogodzić z ich historyczną misją, a nie są wypowiedziami jed- nostek; usiłował ogarnąć spoistym horyzontem całość tych wypowiedzi. Analiza tekstów Reinhardta pozwoliła mi zidentyfikować dwa główne źródła intelektualne, z których zdają się pochodzić wspomniane cytaty lub kryptocytaty. W artykule Ad Reinhardt: la peinture et l’écrit, opubli- kowanym w piśmie Recherches poïétiques (n° 5, hiver 1996, s. 106–129), analizowałem, porównując jedne z drugimi, fragmenty jego tekstów z wy- branymi fragmentami Georga W.F. Hegla. Na tej podstawie starałem się określić rolę filozofii historii oraz teorii postępu w myśleniu Reinhardta, a zwłaszcza w jego koncepcji sztuki. Kiedy dziesięć lat później studium to zostało przełożone na język amerykański i opublikowane w piśmie „The Open Space Magazine”, n° 7, fall 2005, 199–224, pt. Ad Reinhardt: Painting and Writing, sygnalizowałem już konieczność poszerzenia tego porów- nawczego studium dyskursów o całe pole intelektualne, które odpowiada tradycji i filozofii lewicy, a zwłaszcza anarchizmu. W istocie, zaskakujące podobieństwa odkryć można porównując teksty Ada Reinhardta z wy- branymi fragmentami pism Pierre-Joseph Proudhona, Michała Bakunina, Benjamina Péreta, Alberta Camusa, Oscara Wilde’a itd. Z porównania tego wyciągnąłem wniosek o centralnej roli całej serii wartości, wokół których konstruują się u Reinhardta takie pojęcia, jak twórcza jednostka i jej nieograniczony rozwój w popularnych praktykach sztuki, a zatem filo- zofia działania, a wreszcie bunt i rewolta. Jak pisał Joris-Karl Huysmans, zastosowana do sztuki, teoria środowiska Taine’a jest słuszna, ale słuszna na wspak, gdy idzie o wielkich artystów, gdyż środowisko działa na nich poprzez sprzeciw i nienawiść, jaką w nich wyzwala1. U swych źródeł lewica to projekt przezwyciężania pasywności i „brania w ręce rzeczywistości” w imię nieograniczonego szacunku dla każdej jednostki. Nakładanie się u Reinhardta tych dwóch tradycji, heglizmu i anarchi- zmu, nadaje sens modernistycznemu modelowi sztuki: studium historii uczy artystę mówić „nie”, tak jak fotografia wskazywała Picassowi na wszystko to, czego nie było już sensu malować. Historia jest bowiem je- dyną miarą prawdziwej nowości w sztuce, czyli miarą twórczych wyna- lazków. Taka zarysowuje się w pismach Reinhardta i w jego malarstwie filozofia sztuki: rekapitulować całą powszechną historię form (Reinhardt wiele podróżował po świecie i realizował tysiące slajdów, które organi- zował według typów form), zacząć malować byle co, stopniowo odrzu- cać wszystkie zbędne elementy (przedstawienie, gest, teksturę, zmienne formaty, kolor itp.), aby zrealizować w ten sposób ostatnią i ostateczną w historii postać malarstwa. Reinhardt oznajmia, że robi po prostu ostatnie obrazy, jakie ktokol- wiek może zrobić2. Czy jest to wyraz zarozumiałości? Z pewnością nie, jeśli przyjąć punkt widzenia historycznej świadomości sztuki. Zacyto- wane powyżej jego trzy krótkie teksty zdają się antycypować protokoły sztuki konceptualnej: w najistotniejszym sensie tego słowa, twórczość nieuchronnie związana z analizą historyczną i wynalazkami wprowadza- jącymi nowe wartości w kulturową tkankę. Dokonuje się ona zawsze i je- dynie w materii języka. Cała pierwsza część wywiadu Reinhardta z Bruce Glaserem z roku 1967 poświęcona jest pytaniom, czy ktoś inny mógłby malować dla niego te czarne obrazy. Odpowiedź jest skomplikowana, ale jasna. Oczywiście, że mógłby: tylko w jakim celu i jaki byłby takiego za- biegu sens? Każdy powinien malować swoje własne malarstwo, tak jak Reinhardt maluje swoje. Zacytowany opis czarnych obrazów mógłby być instrukcją dla kogoś, kto mimo wszystko chciałby wykonać takie same czarne obrazy... tyle, że nie będą one w żadnym wypadku dziełami Re- inhardta, bo przedmioty te wynikać będą z całkiem innych motywacji i z innej świadomości artystycznej. Dzieło zostałoby wówczas sprowa- dzone do przedmiotu, gdy tymczasem jest ono całością projektu sztuki i przedmiotu, który zeń wynika, nierozdzielnym stopem malarskiego ob- razu i jego znaczenia (jak u Hegla). W tym Reinhardt różni się od koncep- tualistów, którzy, jak Sol LeWitt czy Lawrence Weiner, wprowadzili te językowe ekwiwalenty dzieła w obieg rynku sztuki. Otóż nawet jeśli ktoś namalowałby takie same czarne obrazy z taką samą świadomości arty- styczną, jak Ad Reinhardt, praca ta i tak nie miałaby już sensu dla sztuki: tego, co już raz zostało dokonane nie ma sensu powtarzać. Reinhardt cy- tuje Gauguina: w sztuce jest się rewolucjonistą albo plagiatorem. W pracy nad tą poświęconą Reinhardtowi książką poza tekstami opublikowanymi przez Barbarę Rose korzystałem z wielu dotychczas nie- publikowanych dokumentów: listów, notatek, konferencji i wywiadów, które udostępniła mi Ad Reinhardt Foundation. Miałem także dostęp do katalogu biblioteki artysty, który (katalog) nie pozwolił mi wszelako po- twierdzić hipotez na temat źródeł Reinhardtowskich koncepcji i pojęć; nie znalazłem w nim książek3, z których pochodzą cytaty, na podstawie których ustalałem intelektualne pokrewieństwa. Po pierwszym rozczaro- waniu stwierdziłem jednak, że tym lepiej broni się przyjęta przeze mnie metoda analizy, bo zbiegają się tym sposobem pojęciowe logiki autorów i całych pól teoretycznych, unieważniając zarazem ewentualny argument przypadkowego cytatu. Ad Reinhardt. Peinture moderne et responsabilité esthétique to pierw- sza, jak dotąd, próba ujęcia twórczości artysty w horyzoncie jego wypo- wiedzi teoretycznych. Pierwsza także, która jako ilustracjami posłużyła się jego komiksami i rysunkami satyrycznymi, jakich równolegle do pracy malarskiej wykonał olbrzymie ilości i które stanowią całe spektrum roz- ciągające się od zaangażowanych karykatur politycznych po wspaniałą serię How to Look at..., (How to Look at Modern Art itd.). Książka moja nie zawiera ani jednej reprodukcji obrazów Reinhardta, zaś jego satyry o sztuce, często śmieszne i trafne, ale także krytyczne i złośliwe, potraktowałem jako interesującą przeciwwagę dla radykalnej „idealności” jego malarstwa, nie- reprodukowalnego, jak sam twierdził; są one także malowniczym i trafnym komentarzem na temat sytuacji sztuki w przestrzeni społecznej; sytuacji, na którą, jak widzieliśmy, Reinhardt był bardzo wrażliwy. Oto główne tezy mojej książki. Według Reinhardta, to nie sfera prze- życia, uczuć i „doświadczenia wewnętrznego”, lecz wiedza historyczna i transmisja kulturowa są źródłami sztuki: artyści pochodzą od artystów, formy sztuki pochodzą od form sztuki, malarstwo pochodzi od malarstwa4. Są to jednak źródła w szczególnym sensie – „ na wspak”, jak mówił Huy- smans – źródła odrzucone lub odnowione. Sztuka to selektywnie skon- struowana tradycja przez nowoczesnych artystów, którzy nauczyli się mówić jej „nie”. Bycie twórczym to wytwarzanie nowych wartości, a za- tem nieuchronna konfrontacja z historią. Ale po to, by interpretować hi- storię, trzeba przejść przez doświadczenie języka, który staje się właści- wym „miejscem” twórczości i wynalazczości, nawet w malarstwie. Taki jest głęboki sens desubiektywizacji procesów twórczych opracowanych i stosowanych przez Ada Reinhardta. Nie pozwala ona uniknąć pewnej formy powtórzenia, a nawet – jak widzieliśmy – plagiatu5. Potępienie nad- miernego subiektywizmu to przyjęcie punktu widzenia sztuki-jako-sztuki, czyli podporządkowanie się jej historycznej – i zmiennej – istocie. Nie bez pewnej ironii i prowokacji, wielokrotnie Reinhardt przyznawał, że powta- rza jedynie to, co artyści już wcześniej mówili, jako artyści-jako-arty- ści. Ta istota sztuki, to – w tamtych czasach – jej nowoczesność; pojęcie, schemat i metoda Reinhardta są właśnie jej ilustracją, a nawet uciele- śnieniem. Sztuka Reinhardta jest paradygmatem sztuki nowoczesnej. Nowoczesność jest, jego zdaniem, epoką rozumu, a zatem etyki: ujmowa- nie historii jaki całości otwiera perspektywę spójnego i konsekwentnego myślenia, nie tylko na temat sztuki, ale także na temat rzeczywistości. Nowoczesność domyka bowiem historyczny proces emancypacji i rozu- mienia świata i otwiera epokę wolności i odpowiedzialności. Takie są też zadania artystów, takie były Reinhardta liczne boje... przede wszystkim z artystami. W takim właśnie kontekście wprowadził on pojęcie estetycz- nej odpowiedzialności artysty. Bowiem sztuka to doświadczenie autono- mii, czyli wolności – ale dzieła sztuki nie są autonomiczne. Nie są one autonomiczne, bo nie da się ich oddzielić ani od historii, ani od znaczenia. 48 Leszek Brogowski jakie nadał im artysta. Z tej ich dwuwartościowości wynikają najbardziej wywrotowe, często przemilczane, aspekty sztuki Ada Reinhardta: — przekonanie, że malarstwo mogłoby się stać praktyką popularną — przemalowywanie czarnych obrazów, kiedy powracały one do atelier, naznaczone aktami wandalizmu lub materialnymi śladami transportu i wystaw — założenie, że malarstwo jest realizacją idei6 pociąga za sobą to, że jak każda idea, i ta może – a nawet powinna – zostać wyrażona słownie... — ... ale w przeciwieństwie do konceptualistów, nikt inny nie mógłby za- miast Reinhardta realizować dzieł-przedmiotów według opisanych przez niego protokołów — reprodukowanie w katalogach i pismach jego czarnych obrazów jest zatem czczym pragnieniem, bo skoro nie da się ich nawet sfotografować, to są siłą rzeczy niereprodukowalne.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2019, 27; 6-48
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 39.

Tytuł:

Identyfikacja wartości na drodze aksjologii semiologiczno-ikonograficznej
Identification of values by means of semiologic-iconographic axiology

Autorzy:

Szajda, Mariusz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/431183.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie

Tematy:

work of art
axiology
determining values
interpretation of a work of art
visual art
dzieło sztuki
aksjologia
określanie wartości
interpretacja dzieła sztuki
sztuka wizualna

Opis:

The aim of this article is to draw attention to the axiological dimension of the interpretation of the works of visual art. The recognition of this dimension becomes possible through the use of an appropriate method that enables the identification of values in the space of a given work of art. The original contribution of the present article consists in developing a method based on the identification of values through semiological-iconographic axiology. Applying this method allows one to discover the content and meaning of the artwork itself, as well as a whole wealth of symbols, allegories or metaphors. Above all, it enables one to identify values, including moral and religious values that are so important in human life.
Celem niniejszego studium jest zwrócenie uwagi na płaszczyznę aksjologiczną interpretacji dzieła sztuki wizualnej. Wyróżnienie tej sfery staje się możliwe dzięki zastosowaniu odpowiedniej metody, która umożliwia identyfikację wartości w przestrzeni danego dzieła. Innowacyjnym wymiarem prezentowanych treści jest opracowanie metody polegającej na wyodrębnianiu wartości na drodze aksjologii semiologiczno-ikonograficznej. Pozwala ona nie tylko odkryć treść samego dzieła, jego znaczenie, całe bogactwo symboli, alegorii czy metafor, ale przede wszystkim zidentyfikować wartości, w tym tak istotne dla ludzkiej egzystencji wartości moralne i religijne.

Źródło:

Studia Philosophiae Christianae; 2018, 54, 2; 31-59
0585-5470

Pojawia się w:

Studia Philosophiae Christianae

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 40.

Tytuł:

Personalistic View of John Paul II on the Humanizing Function of Art in the Context of Dialogue between the Church and Artists

Autorzy:

Gorban, Richard

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/29752833.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Uniwersytet Papieski Jana Pawła II w Krakowie

Tematy:

dialogue
humanis
person
depersonalization
dehumanization
philosophy of art

Opis:

This article presents the way John Paul II, the head of the Vatican at the beginning of the third millennium, theologically and philosophically substantiates and establishes the principles of a new humanism through the dialogue between the Church and art as the most personalized sphere of human activity. The conceptual essence of the key idea of the humanizing function of art, in the personalistic philosophy of art of John Paul II is revealed from the methodological standpoint of religious studies. It determines the particular nature and tasks of the renewed dialogue between the Church and artists, aimed to overcome the processes of  depersonalization and dehumanization of culture, caused by atheistic humanism and growing increasingly during the 20th century. The author ponders on The Letter of Pope John Paul II to Artists and Towards a Pastoral Approach to Culture, two papal documents. Their appearance on the eve of the 2000th anniversary of Christianity became symbolic. These documents draw attention because, firstly, although the idea of a dialogue between the Church and artists as a way of embodying spiritual values of a new humanism in the theological and philosophical discourse of John Paul II had been formed over several decades, it found its conceptual solution precisely in these two papal documents. Secondly, it is in these two documents that the essence of the cultural policy of the 264th Pope is consistently set forth, meant to overcome the consequences of atheistic humanism and create a new humanism, and thus to overcome the civilizational anthropological crisis and develop a new ideological paradigm of the third millennium.

Źródło:

The Person and the Challenges. The Journal of Theology, Education, Canon Law and Social Studies Inspired by Pope John Paul II; 2022, 12, 2; 53-67
2391-6559
2083-8018

Pojawia się w:

The Person and the Challenges. The Journal of Theology, Education, Canon Law and Social Studies Inspired by Pope John Paul II

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 41.

Tytuł:

“A History of Polish Art” by Michał Walicki and Juliusz Starzyński in Poland between the World Wars. The West, Poland, the East

Autorzy:

Labuda, Adam S.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909536.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

history of art history
overview of the history of Polish art
national art
transhistorical status of a national artistic form
center and periphery

Opis:

Writing an academic history of Polish art was an urgent task of art historians after World War I, when the country regained its political independence. An important and creditable achievement in that respect was a study by Michał Walicki and Juliusz Starzyński, published in 1934 as a kind of supplement to the monumental Geschichte der Kunst von der altchristlichen Zeit bis zur Gegenwart by the Marburg historian Richard Hamann, translated at that time into Polish. In 1936, the work of the Polish scholars was published again in the form of a separate book. The paper focuses on three problems that were addressed in it: the cultural and artistic ties of Poland to the West, the vernacular features of Polish art, and the presence of the “Eastern art” in Polish artistic heritage. The author examines also the question whether those issues were related to the political, social, and cultural reality of the Second Polish Republic.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 65-91
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 42.

Tytuł:

Umění a religiozita v esteticko-filozofickém systému Dmitrije Sergejeviče Merežkovského
Art and Religiosity in the Aesthetic-Philosophical System of Dmitry Sergeyevich Merezhkovsky

Autorzy:

Vorel, Jan

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/635944.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Russian symbolism
theurgy
aesthetic-philosophical approaches
Hegelian concept of art
art and religion
synthesis in modern culture
work of art of D.S. Merezhkovsky
historiosophic prose

Opis:

The study is aimed on traces of religiosity in aesthetic-philosophical system of a Russian symbolistic poet,  prosaic  writer  and  thinker  D.S.  Merezhkovsky.  The  study  analyses  selected Merezhkovsky’s works with focus on aesthetics, his essays, historiosophic prose and philosophic religious treatises. For Russian spiritual and art culture, importance of Merezhovsky is obvious, especially in connection with his effort to overcome crisis processes in religious, philosophical and art sphere, realized by means of synthesis and transcendence in modern culture.
The study is aimed on traces of religiosity in aesthetic-philosophical system of a Russian symbolistic poet,  prosaic  writer  and  thinker  D.S. Merezhkovsky.  The  study  analyses  selected Merezhkovsky’s works with focus on aesthetics, his essays, historiosophic prose and philosophic religious treatises. For Russian spiritual and art culture, importance of Merezhovsky is obvious, especially in connection with his effort to overcome crisis processes in religious, philosophical and art sphere, realized by means of synthesis and transcendence in modern culture.

Źródło:

Poznańskie Studia Slawistyczne; 2015, 8
2084-3011

Pojawia się w:

Poznańskie Studia Slawistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 43.

Tytuł:

Koncepcja odbiorcy sztuki w estetyce Romana Ingardena
Концепция восприятия искусства в эстетике Ромaна Ингардена
The Concept of the Recipient of Art in Roman Ingaredn’s Aesthetics

Autorzy:

Suchodolski, Przemysław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/497171.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Stowarzyszenie Filozofów Krajów Słowiańskich

Tematy:

эстетический опыт
художественное произведение восприятие искусства
przeżycie estetyczne
dzieło sztuki
odbiór sztuki
aesthetic experience
a work of art
reception of art

Opis:

Темой работы является анализ восприятия в эстетике польского феноменолога Ромaна Ингардена, возникшей в первой половине ХХ века. Автор резюмирует основные идей феноменолога, в том числе его теорию восприятия искусства и сложность акта эстетического опыта искусства. Кроме того, автор сопоставляет теорию Ингардена с гедонистическим восприятием произведения искусства. В заключении, автор переносит эстетическую теорию польского философа на избранные течения в современном искусстве.
The subject of the article is the analysis of perception in the aesthetic created by polish phenomenologist Roman Ingarden in the first half of the twentieth century. The author's intention was to show the basic ideas of the philosopher about art reception, the complexity of the act of aesthetic experience and comparison of Ingarden’s theory with hedonistic art reception. In the concluding remarks of this article there is an attempt to transfer Ingarden's aesthetic theory on the selected contemporary trends in art.

Źródło:

ΣΟΦΙΑ. Pismo Filozofów Krajów Słowiańskich; 2016, 16; 177-191
1642-1248

Pojawia się w:

ΣΟΦΙΑ. Pismo Filozofów Krajów Słowiańskich

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 44.

Tytuł:

Ingardenowskie rozumienie pojęć treść i forma dzieła sztuki literackiej
Ingarden’s understanding of the notions of content and form of a literary work of art

Autorzy:

Garlej, Beata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/445546.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

content and form of a literary work of art
formal ontology
layers of a literary work of art
intentional objects
phenomenology
Roman Ingarden

Opis:

The article reconstructs the development of Ingarden’s viewpoint on the notions of content and form of a literary work of art. The author of the article thus calls up a specific methodological proposition formulated by the phenomenologist, emphasizing the fact that he presented an innovative and original understanding of both these notions. He built his own understanding of content and form on the basis of the layered structure of literary works of art. Assumptions of the latter became the source of concrete and precise formulations of the meaning of both categories, which – in accordance with the message of the article – seem commendable and worth of being employed by the contemporary researchers of literature.

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Poetica; 2013, 1; 31-47
2353-4583
2449-7401

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Poetica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 45.

Tytuł:

Wiedza o kulturze wiedzą o sztuce. Wybrane zagadnienia z zakresu badań nad sztuką
The Knowledge about Culture as the Knowledge about Art: Selected Issues Related to Research on Art

Autorzy:

Mazurczak, Urszula Małgorzata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1807341.pdf

Data publikacji:

2020-01-02

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

forma
treść
psychologia sztuki
regionalizm sztuki
wartości tradycja
form
content
the psychology of art
the regionalization of art
values
tradition

Opis:

Wiedza o sztuce w kontekście wiedzy o kulturze pozostawała od wczesnych ustaleń metodologicznych w kręgu tworzenia systemu opisu, tworzenia adekwatnych pojęć i nazw, które oddają formę dzieła sztuki i stanowią podstawę badań treści. Dzieła sztuk plastycznych i architektury wymagały badania środowiska kulturowego, w którym powstawały, z racji mecenatu fundatora i odbiorcy. Badania historyczne legły u podstaw tworzenia pierwszych korpusów porządkujących rodzaje sztuk, chronologie w ramach krajów, regionów i konkretnych artystów. Tworzenie języka opisów dzieł sztuki łączyło się z badaniami językowymi, religijnymi oraz techniką i technologią dzieł sztuki. Nauki przyrodnicze, chemiczne, optyka wspomagały powstawanie podstaw naukowej konserwacji dzieł sztuki, niezbędnej w procesie badawczym i w muzealnictwie. Wiedza o sztuce wprowadzała również do obszaru wiedzy o kulturze, określanej przez wybitnych badaczy początku XX wieku, np. M. Dworaka czy F. Saxla, jako historia ducha lub jako forma symboliczna, której filozoficzne podstawy sformułował E. Cassirer, a dla sztuk plastycznych rozwinął E. Panofsky. Historia kultury i historia sztuki, literatury, odsłoniły wartości kultury religijnej i społecznej, wskazując na treści zawarte w dziełach sztuki. Poprawnie określona w swoim opisie forma znajdowała w badaniach sztuki swoje powinowactwo z innymi dziedzinami kultury, życia religijnego, społecznego oraz odniesienia do określonej grupy odbiorców, określanych jako grupa elitarna lub popularna, utożsamiana z ludową. W dziełach sztuki, podobnie jak i w przejawach kultury odkrywano kondycję psychologiczną człowieka, ludzkie emocje, fascynacje, szeroko rozumianą psychologię twórczości i jej recepcji. Wykładnia określona przez A. Riegla jako Kunstwollen była kontynuowana przez innych badaczy, np. E. Gombricha. W najnowszych badaniach zyskuje ponownie swoje miejsce w szeroko rozumianej antropologii sztuki. W obrębie współczesnych badań sztuki i kultury zarysował się wyraźny nurt badań skierowanych na kulturę i sztukę regionów Europy i konkretnych obszarów geograficznych, które łącząc się z szerokimi nurtami w kulturze, wyrażają własne cechy przynależne do kultury i tradycji regionu.
The knowledge about art in the context of the knowledge about culture, since the earliest methodological findings, has remained in the realm of creating the description system, creating the appropriate notions and names, which reflect the form of a work of art and constitute the basis of research on content. Works of plastic arts and architecture demanded research on cultural milieus where they were created because of the sponsorship of their founder and recipient. Historical research formed the basis for creating the first systems putting in order different kinds of art, chronologies within countries, regions and specific authors. The creation of the language describing works of art was combined with research on religious language and with technique and technology of works of art. Natural science, chemistry and optics supported the development of scientific basis of the conservation of works of art which is indispensable in the research process and in museology. The knowledge about art was also an introduction to the realm of the knowledge about culture, defined as a history of spirit by the renowned researchers of the beginning of the 20th century such as M. Dvorak and F. Saxl, or as a symbolic form for which the philosophical bases were formulated by E. Cassirer, and for plastic arts the bases were developed by E. Panofsky. The history of culture and the history of art and literature revealed the values of religious and social culture pointing out the contents incorporated into works of art. The form, correctly defined in its description, found out in research of art its affinity with other fields of culture, religious and social life as well as references to a specific group of recipients defined as an elite or popular group, which was identified with a folk one. In works of art and, similarly, in manifestations of culture, human psychological condition, human emotions, fascinations and widely understood psychology of creation and its reception were discovered. The interpretation defined by A. Riegl as Kunstwollen was continued by other researchers, such as E. Gombrich. In the most recent research it regains its place in widely understood anthropology of art. Within the realm of modern research on art and culture a distinct trend of research appeared covering the culture and art of European regions and specific geographical areas, which, blending with wide trends in culture, express their own features belonging to the culture and tradition of a region.

Źródło:

Roczniki Kulturoznawcze; 2014, 5, 1; 101-124
2082-8578

Pojawia się w:

Roczniki Kulturoznawcze

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 46.

Tytuł:

Lech Kalinowski (1920-2004)

Autorzy:

Węcławowicz, T.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/218307.pdf

Data publikacji:

2004

Wydawca:

Stowarzyszenie Konserwatorów Zabytków

Tematy:

Kalinowski Lech
historia sztuki
historyk sztuki
history of art

Źródło:

Wiadomości Konserwatorskie; 2004, 15; 142
0860-2395
2544-8870

Pojawia się w:

Wiadomości Konserwatorskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 47.

Tytuł:

A few remarks based on the works of Stefan Morawski and The End of Art by Donald Kuspit
Kilka uwag opartych na pracach Stefana Morawskiego oraz Końcu sztuki Donalda Kuspita

Autorzy:

Przybysz, P. J.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/222331.pdf

Data publikacji:

2008

Wydawca:

Akademia Marynarki Wojennej. Wydział Dowodzenia i Operacji Morskich

Tematy:

Morawski Stefan
Donald Kuspit
globalizacja
end of art
globalisation

Opis:

The paper presents the origins of the category of end of art and two views taking into account this kind of processes in the area of arts. The first one represented by Stefan Morawski, like the view of C. Danto - an outstanding American philosopher and art critic, is derived from culture-history relationism. The other one represented by Donald Kuspit is a response to the art which atively participates in globalisation processes. The paper deals with successive stages leading both outstanding theoreticians of art to opposite conclusions. Both of them take neo-vanguard art (especially conceptual art) as empirical evidence justifying the diagnosis of death of art. Both of them also believe that the feature confirming the diagnosis is the lack of quality and aesthetic values in this kind of works. The paper ends with conclusions based on deepening globalization processes in the area of culture and arts.
Artykuł przedstawia genezę kategorii końca sztuki i dwa wybrane stanowiska uwzględniające tego typu procesy w obszarze sztuki. Pierwsze Stefana Morawskiego, podobnie jak Arthura C. Danto, wybitnego amerykańskiego filozofa i krytyka sztuki, wynika z relacjonizmu kulturowo-historycznego. Drugie Donalda Kuspita stanowi reakcję na sztukę, która aktywnie bierze udział w procesach globalizacyjnych. Artykuł przedstawia kolejne etapy prowadzące obu wybitnych teoretyków sztuki do diametralnie odmiennych rozstrzygnięć. Obaj uznają sztukę neoawangardową (a w niej szczególnie sztukę konceptualną) za dowód empiryczny na zasadność diagnozy śmierci sztuki. Obaj również uznają, że właściwością potwierdzającą tę diagnozę jest brak jakości i wartości estetycznych w tego typu dziełach. Dla pierwszego powrót twórców do takiej jakości w sztuce postmodernistycznej to w większości przypadków kicz, pastisz lub zabieg eklektyczny. Dla drugiego to powrót do konstytutywnej właściwości sztuki - dostarczanie odbiorcy przeżyć natury estetycznej. Artykuł kończą wnioski, których podstawą są pogłębiające się procesy globalizacyjne w obszarze kultury, także sztuki.

Źródło:

Zeszyty Naukowe Akademii Marynarki Wojennej; 2008, R. 49 nr 1 (172), 1 (172); 145-160
0860-889X

Pojawia się w:

Zeszyty Naukowe Akademii Marynarki Wojennej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 48.

Tytuł:

Turning Points, Crises, Evolutions

Autorzy:

Bałus, Wojciech

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909538.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

turning point
crisis
evolution
kairos
methodology of art history

Opis:

When Aristotle asked at what particular moment we can say that an army is fleeing, which is certainly not when individual soldiers start leaving the battlefield, he formulated a problem that is important also for today’s art history: are there any moments in the history of art that can be called turning points? In individual artistic careers, such points are related to crises, allowing the artist to overcome an impasse and find a way toward reaching a goal. Quite often, such a turn occurs suddenly, at some particular moment which ancient Greeks called the kairos. The changes in art approached en bloc also happen thanks to the background of values and some goal of artistic creation. A turning point may imply overcoming a crisis or a period of decline and decadence – always a state of affairs defined in negative terms. A separate case is definitely a political decree that triggers off a change, which implies violence committed on culture. Finally, in academic art history a turning point may be related not only with a crisis, but also with evolution. It’s perception is relative, but because of that the history of art can be rewritten.  

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 21-35
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 49.

Tytuł:

Przełomy, kryzysy, ewolucje

Autorzy:

Bałus, Wojciech

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909540.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

turning point
crisis
evolution
kairos
methodology of art history

Opis:

When Aristotle asked at what particular moment we can say that an army is fleeing, which is certainly not when individual soldiers start leaving the battlefield, he formulated a problem that is important also for today’s art history: are there any moments in the history of art that can be called turning points? In individual artistic careers, such points are related to crises, allowing the artist to overcome an impasse and find a way toward reaching a goal. Quite often, such a turn occurs suddenly, at some particular moment which ancient Greeks called the kairos. The changes in art approached en bloc also happen thanks to the background of values and some goal of artistic creation. A turning point may imply overcoming a crisis or a period of decline and decadence – always a state of affairs defined in negative terms. A separate case is definitely a political decree that triggers off a change, which implies violence committed on culture. Finally, in academic art history a turning point may be related not only with a crisis, but also with evolution. It’s perception is relative, but because of that the history of art can be rewritten. 

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 323-337
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 50.

Tytuł:

Migracja aury lub jak badać oryginał poprzez jego faksymile
The Migration of the Aura, or How to Explore through its Facsimiles

Autorzy:

Latour, Bruno
Lowe, Adam
Lipiński, Filip

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/32349258.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

reproduction
original
work of art
digital photography
aura
facsimile

Opis:

The text offers enlightening reflections on issues concerning reproductions of works of art, the status of an original and a copy, the problem of conservation, and the role of digital photography. Latour and Lowe raise the contentious issue of how good and bad reproductions can affect the original, participate in what they call “the migration of the aura”. This is primarily a case study of a production, presentation, reception and the meaning of a facsimile of a Veronese work, Nozze di Cana at its original location, San Giorgio in Venice. The second part of the text (the appendix) is a meticulous, technical description of the stages of production of the picture by Lowe.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2022, 33; 239-260
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 51.

Tytuł:

Leon Chwisteks Theory of the Plurality of Realities in Art - Psychological Foundations

Autorzy:

Bednarz, Gabriel

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/647114.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Akademia Górniczo-Hutnicza im. Stanisława Staszica w Krakowie

Tematy:

Chwistek
theory of art
theory of manifold reality
logic
axiom

Opis:

In my article, I briefly present the axioms of Leon Chwistek’s theory of manifold reality (TMR). This theory is the basis of his theory of art (TMRA). The aim of my article is to present and discuss psychological foundations of Chwistek’s theory of art. In particular, I present and discuss: (1) two meanings of the notion “work of art” derived on the basis of two relations: work – experience of enthusiasm, and work – aesthetic experience; (2) two meanings of the notion “content of the work of art”; (3) relations between the axioms (beliefs) of TMR and means of every type of art contained in TMRA.

Źródło:

Studia Humanistyczne AGH; 2018, 17, 1
2084-3364

Pojawia się w:

Studia Humanistyczne AGH

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 52.

Tytuł:

Estetyczne aspekty tworzenia i odbioru sztuki przez osoby z wadami słuchu
The aesthetic aspects of creation and reception of art by people with hearing impairments

Autorzy:

Woźniak-Czech, Ewelina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1039401.pdf

Data publikacji:

2019-12-06

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

aesthetics
deafness
reception of work of art
sign language
polysensory perception

Opis:

The aim of the article is to analyse the aesthetic aspects of the reception and creation of art by people with hearing impairments. For most people, hearing loss is unimaginable and is often understood only in the context of communication problems. Meanwhile, deaf people perceive their otherness completely differently. Deafness is a total experience, affecting not only the physical aspect, but also changing the perception of reality as a whole. Divergences in the way of perceiving the world, resulting from the exclusion of one of the basic senses, are particularly visible in the field of art, especially in those areas that use sound effects. The large variety of types of deafness does not allow for broad generalizations or building some kind of universal theory of reception. Therefore, from the perspective of deaf people, contact with art is very individual and intimate, which also affects the issue of their artistic creation. The author of the article touches upon the problem of the visuality of sign language and its artistic possibilities. She analyses the perception preferences of people with hearing impairments, exposing the issue of polysensory perception, and presents the most interesting artistic projects created both by the deaf and those that allow to build multidirectional relations between the parallel worlds of the deaf and hearing people.

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2019, 31; 271-292
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 53.

Tytuł:

Guidebooks in the context of the development of knowledge about art in the ‘Polish lands’ of the 19th century

Autorzy:

Ziarkowski, Dominik

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/627592.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

travel guidebooks
history of tourism
history of art
19th century

Opis:

Former guidebooks are an important category of historical source that allows for the reconstruction of many aspects of the history of tourism. The dynamic development of guidebook literature began in the 19th century when a modern type with descriptions according to routes and containing much practical information was developed. The guidebooks also presented a lot of other information of a general nature, such as geography, ethnology, natural science, as well as descriptions of monuments and works of art. The importance of Polish guidebooks for writing about art is very high yet underestimated. The aim of this paper is to define the role that these publications played in the field of artistic historiography, and to indicate the relationships between the guidebooks and the development of academic research on art. These problems are undoubtedly an interesting area of interdisciplinary relation between the historical development of tourism and academia, with a particular focus on art history in this case.

Źródło:

Turyzm; 2019, 29, 1; 83-96
0867-5856
2080-6922

Pojawia się w:

Turyzm

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 54.

Tytuł:

Primary development directions for a network of art centres in Ukraine

Autorzy:

Kostiuchenko, Olha

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/369420.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Zachodniopomorski Uniwersytet Technologiczny w Szczecinie. Wydawnictwo Uczelniane ZUT w Szczecinie

Tematy:

art centre
conceptual models
network of art centres
architectural and planning structure

Opis:

The article analyses the development directions of architectural thought with regard to establishment of art centres on the territory of Ukraine. It is established that existing national art centres are located in integrated premises and need improvement. The article emphasize the necessity of holistic development of a modern network of art centres in Ukraine based on developed conceptual models.

Źródło:

Przestrzeń i Forma; 2020, 41; 35-42
1895-3247
2391-7725

Pojawia się w:

Przestrzeń i Forma

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 55.

Tytuł:

Michała Walickiego i Juliusza Starzyńskiego „Dzieje sztuki polskiej” w II Rzeczypospolitej. Zachód, Polska, Wschód

Autorzy:

Labuda, Adam S.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909507.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

history of art history
overview of the history of Polish art
national art
transhistorical status of a national artistic form
center and periphery

Opis:

Writing an academic history of Polish art was an urgent task of art historians after World War I, when the country regained its political independence. An important and creditable achievement in that respect was a study by Michał Walicki and Juliusz Starzyński, published in 1934 as a kind of supplement to the monumental Geschichte der Kunst von der altchristlichen Zeit bis zur Gegenwart by the Marburg historian Richard Hamann, translated at that time into Polish. In 1936, the work of the Polish scholars was published again in the form of a separate book. The paper focuses on three problems that were addressed in it: the cultural and artistic ties of Poland to the West, the vernacular features of Polish art, and the presence of the “Eastern art” in Polish artistic heritage. The author examines also the question whether those issues were related to the political, social, and cultural reality of the Second Polish Republic.  

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 339-365
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 56.

Tytuł:

Projekt malarstwa nowożytnego jako synteza sztuk plastycznych i badań z zakresu filozofii przyrody. Casus Leonarda da Vinci

Autorzy:

Konik, Roman

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2195333.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Uniwersytet Papieski Jana Pawła II w Krakowie

Tematy:

painting, aesthetics
philosophy of nature
psychology of perception
history of art
philosophy of art
Renaissance
malarstwo
estetyka
filozofia przyrody
psychologia percepcji
historia sztuki
filozofia sztuki
renesans

Opis:

Początek malarstwa nowożytnego wiąże się z nową koncepcją obrazu, głównie dzięki zastosowaniu nowych metod kompozycji konstruowanej w oparciu o zasady perspektywy zbieżnej i światłocienia. Należy jednak pamiętać, że zastosowanie nowatorskich technik budowy obrazu nie ograniczało się wyłącznie do zmian kompozycyjnych w obszarze formowania struktury obrazu, lecz dotyczyło przede wszystkim zastosowania zupełnie odmiennego podejścia do aktu twórczego. Dlatego też propozycje renesansowych artystów wykraczają dalece poza kwestie warsztatowe i redefiniują dotychczasową relację reprezentowania przedmiotu w obrazie. W nowatorskiej formule zmienia się zatem funkcja i cel malarstwa. W Traktacie o malarstwie Leonardo da Vinci przekonuje, że akt poznania winien wyprzedzać akt tworzenia. Jeżeli celem nowego malarstwa ma być wierne oddanie kształtów materii, należy przede wszystkim poznać reguły, wedle których skonstruowany jest świat widzialny. Z tego też powodu renesansowa wizja implementacji natury w świat znaków graficznych bierze swój początek w akcie poznawczym, czyli w rozpoznaniu prawideł budowy świata materialnego. Poszukiwanie cech istotowych, eliminacja tego, co przypadkowe i jednostkowe na rzecz ogólnych prawideł, wiązały się określoną wiedzą, która później miała zastosowanie w „odtworzeniu” tego, co zaobserwowane w przestrzeni obrazu. Artysta, wedle Leonarda da Vinci, miał się stać przede wszystkim badaczem przyrody, by potem na wzór antycznego Demiurga, z niekształtnej materii uformować na nowo świat przedmiotów. Przesunięcie akcentów w akcie twórczym (z tworzenia symboli graficznych na rzecz mimetycznego podobieństwa do świata postrzeganego) wynikało z przekonania, że zastosowanie prawideł matematycznych (perspektywa zbieżna) i fizykalno-optycznych (reguły chromatyki) pozostaje narzędziem prawomocnego poznania świata natury. Renesans, wprowadzając w kompozycję obrazu perspektywę rzutu środkowego, wypracował nowatorskie reguły przedstawiania przestrzeni trójwymiarowej na dwuwymiarowej powierzchni. Od czasu renesansu zasada ta została powszechnie przyjęta jako narzędzie racjonalnej rekonstrukcji rzeczywistości widzialnej. Opisana i zastosowana autonomia poznania artystycznego w malarstwie nowożytnym wprowadza nową jakość w relację wzoru i jego graficznego odwzorowywania. Materialny nośnik, którym pozostaje obraz, u Leonarda da Vinci przybiera formę notacji tego, co za pomocą reguł geometrycznych zostało odkryte w przyrodzie. Leonardo da Vinci w obserwacji i badaniu przyrody oraz w zastosowaniu geometrii widzi gwarant prawomocności wydobycia piękna z natury. Tak ustawiona struktura aktu twórczego sytuuje artystę malarza w gronie badaczy prawideł natury, filozofów przyrody, przełamując średniowieczną tradycję zaliczającą plastyków do grona rzemieślników, których trud pracy zaliczany był do grupy sztuk pospolitych (artes vulgares). Leonardo da Vinci, w Codex Urbinas latinas daje wyraz temu, że akt malowania związany jest bezpośrednio z myślą, za którą stoi akt poznawczy, dlatego artysta pracuje najpierw umysłem, a dopiero potem dłońmi.
The very idea that painting in a picture could be a recognizable representation of nature is quite a philosophical issue. It assumes an in-depth knowledge not only of nature itself but also of the principles of knowing it. The entire scientific and artistic activity of Leonardo da Vinci was associated with an attempt to extract from the visible nature something similar to a graphic scheme, so universal that a given class of objects could be represented in the general scheme. A general scheme (or graphic universality) should be understood here as the graphic skeleton of things, a kind of scaffolding which, during the creation of the image, could have been equipped with particular graphic attributes. This predilection to capture the world of nature in a schematic view allowed us to capture and embrace the multitude of objects, the infinite variety of the appearance of things, was an attempt to control the chaotic world of nature. The most important issue that he brings at the threshold of modern painting by Da Vinci is the strong belief that the creation of illusionist painting is conditioned not only by talent but above all by in-depth knowledge of the secrets of nature. This in-depth reflection based on empirical research and observation is to anticipate all artistic activities.

Źródło:

Logos i Ethos; 2020, 53, 1; 141-161
0867-8308

Pojawia się w:

Logos i Ethos

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 57.

Tytuł:

Works of Art, Produced from Concrete, Installed in Public Spaces from the 1950’s to the 1980’s in the former Czechoslovakia – Technologies and Surveys
Dzieła sztuki produkowane z betonu, instalowane w przestrzeniach publicznych od lat 1950-1980 w byłej Czechosłowacji – technologie i badania

Autorzy:

Cervinka, J.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/319033.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Przeróbki Kopalin

Tematy:

dzieła sztuki
beton
Czechosłowacja
works of art
concrete
Czechoslovakia

Opis:

The article discusses techniques applied to artworks created from concrete in the period from 1950 until 1989. The aim of submitted text is to broaden view on the surveyed objects as to their future repairs and restoration. In addition, the paper wishes to draw attention to topical issues of heritage preservation. The introduction highlights technological questions related to terminology. Surveys, characterizing a specific type of use of concrete material, including detected damage indicators, are introduced on examples of the selected concrete objects. The article follows topographic and archive survey of the mentioned artwork fund.
W artykule omówiono techniki stosowane do dzieł stworzonych z betonu w okresie od 1950 do 1989 roku. Celem artykułu jest poszerzenie analizy obiektów o ich przyszłe remonty i renowacje. Ponadto, praca pragnie zwrócić uwagę na aktualne problemy ochrony dziedzictwa. Wprowadzenie zwraca uwagę na kwestie technologiczne związane z terminologią. Ankiety, charakteryzujące określony rodzaj wykorzystania materiału betonowego, w tym wykryte wskaźniki uszkodzeń, są wprowadzane na przykładach wybranych obiektów betonowych. Artykuł zawiera analizę topograficzną i archiwalną wspomnianego funduszu graficznego.

Źródło:

Inżynieria Mineralna; 2018, R. 20, nr 2, 2; 327-336
1640-4920

Pojawia się w:

Inżynieria Mineralna

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 58.

Tytuł:

Scalanie i percepcja wizualna. Kognitywne warunki odbioru dzieł sztuki (malarstwo, rzeźba, literatura)
Merging and visual perception. Cognitive conditions for the reception of works of art (painting, sculpture, literature)

Autorzy:

Saja, Krystian

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1039387.pdf

Data publikacji:

2019-12-06

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

reception of art
cognitive science
visual perception
literary theory

Opis:

This article aims to indicate universal cognitive diagrams for the process of interpreting and creating works of art. This text deals primarily with issues such as visual perception, neural representations and mental maps. Each of these concepts has a direct connection with the reception of works of art (painting, sculptural and literary). A certain scope of cognitive processes may constitute a cognitive universe with respect to works of visual art. In every field of art, a set of similar, if not identical patterns with regard to a specific realization is noticed. We can therefore speak of generalizations, mutations and emanations in culture. This article is only a research proposal, which requires a wider study.

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2019, 31; 227-246
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 59.

Tytuł:

Pamięć Włoch Wojciecha Karpińskiego w perspektywie teorii neuroestetycznej Semira Zekiego
Memory of Italy by Wojciech Karpiński in the prospect of neuroaesthetic theory of Semira Zeki

Autorzy:

Trygar, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1041347.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

neuroaesthetic theory
Semir Zeki
works of art
emotions
beauty

Opis:

The aim of this article is to analyse Memory of Italy by Wojchech Karpinski in the in the prospect of the neuroaesthetic Semira Zeki theory. A works of art is an appropriately fabricated stimulus which is aimed at reprimanding the recipient. Evoking emotions at the spectator defined is included in nature of the works of art. The travel to Italy lets the hero experience the beauty, to find out the truth about world and about oneself, as well as to commune with the transcendental dimension.

Źródło:

Poznańskie Studia Polonistyczne. Seria Literacka; 2018, 34; 107-120
1233-8680
2450-4947

Pojawia się w:

Poznańskie Studia Polonistyczne. Seria Literacka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 60.

Tytuł:

Derelict architecture: Aesthetics of an unaesthetic space

Autorzy:

Nieszczerzewska, Małgorzata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/437321.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie. Instytut Filozofii i Socjologii

Tematy:

derelict architecture; ruinophilia; formativity; work of art; time; temporality

Opis:

The main focus of this article is the question of the aesthetics of an unaesthetic ruined space. The author also pays particular attention to the ambivalence that exists in contemporary derelict architecture, referred to as ‘modern ruins’, and tries to show that such locations can be viewed as an ‘in‑between’ space.

Źródło:

ARGUMENT: Biannual Philosophical Journal; 2015, 5, 2; 387-397
2083-6635
2084-1043

Pojawia się w:

ARGUMENT: Biannual Philosophical Journal

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 61.

Tytuł:

DE PARASITES SOCIAUX AU FAMEUX SAPEUR La désobéissance civile de l’art
FROM ‘SOCIAL PARASITE’ TO ‘FAMOUS SAPPER’. THE ART OF CIVIL DISOBEDIENCE
OD „PARAZYTA SPOŁECZNEGO” DO „SŁYNNEGO SAPERA”. O CYWILNYM NIEPOSŁUSZEŃSTWIE SZTUKI

Autorzy:

Brogowski, Leszek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487688.pdf

Data publikacji:

2016-11-07

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Tematy:

FUNKCJA SZTUKI PASOŻYTNICTWO SPOŁECZNE NIEPOSŁUSZEŃSTWO OBYWATELSKIE
ANARCHIZM
ALIENACJA DEZALIENACJA SZTUKI
FUNCTION OF ART
SOCIAL PARASITISM
CIVIL DISOBEDIENCE ANARCHISM
ALIENATION / DE-ALIENATION OF ART

Opis:

OD „PARAZYTA SPOŁECZNEGO” DO „SŁYNNEGO SAPERA”. O CYWILNYM NIEPOSŁUSZEŃSTWIE SZTUKI W eseju zderzają się dwie płaszczyzny rozważań: jedna dotyczy praktyk artystycznych zwanych „pasożytniczymi” w sztuce ostatnich lat (temat sympozjum w Amiens w roku 2006), druga – dezalienacyjnej funkcji sztuki, w sensie, w jakim postrzega ją i praktykuje Laurent Marissal, którego książka (Pinxit. Malarstwo 1997–2003, Rennes, Éditions Incertain Sens, 2005) jest tutaj przedmiotem rozważań. Ich celem jest powiązanie zagadnień, jakie wyłaniają się z tego zderzenia, z historią polityczną i intelektualną po to, by lepiej uchwycić ich sens i aktualność. W pierwszej części eseju pojęcie pasożytnictwa interpretowane jest przez pryzmat złowieszczych, a czasem zbrodniczych następstw koncepcji „pasożyta społecznego” u nazistów i w krajach bloku radzieckiego; skonfrontowana jest ona z odniesieniami do pasożytnictwa w ekonomii politycznej (Adam Smith, Karol Marks, Pierre-Joseph Proudhon, Stanislav Andreski). Okazuje się wtedy, że „pasożyt społeczny” nie jest pojęciem, ale niespójnym zbiorem przeciwstawnych sensów, które zależą od ideologicznego punku widzenia. W drugiej części, wychodząc od społeczno-ekonomicznego kontekstu pracy artysty, a także od politycznych implikacji posługiwania się terminem „pasożyt” w kontekście sztuki, analiza praktyki artystycznej Laurent Marissala, prowadzi do historycznej rekonstrukcji pojęcia alienacji oraz sposobów filozoficznego pojmowania sztuki jako doświadczenia dezalienującego. Łączy się w tej rekonstrukcji kilka tradycji filozoficznych: pisarze Oświecenia (Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau, Maxime de Robespierre, Friedrich Schiller), filozofowie anarchizmu (Max Stirner, Pierre-Joseph Proudhon, Michał Bakunin, Lew Tołstoj), ale także, w nieco bardziej zaskakujący sposób, Karol Marks i Umberto Eco, którego teoria otwartego dzieła jest w istocie odpowiedzią na kwestię alienacji w sensie, w jakim zdefiniował ją Marks. Zagadnienia wyłaniające się z tych analiz łączą konsekwencje zarówno estetyczne, jak i polityczne: nieposłuszeństwo obywatelskie (kiedy wolność wypowiedzi prowadzi artystów na skraj legalności: Krzysztof Wodiczko, Alfredo Jaar, Francis Alÿs, Gianni Motti, Pierre Huyghe, Clido Mereiles, itd.), dezalienacyjna funkcja sztuki (edukacja estetyczna według modelu Schillera czy akcja polityczna – w tym również w sztuce – według teorii Marksa?), koncepcja czasu w doświadczeniu alienacji, zwłaszcza w przypadku artystów, których praca zarobkowa nie pokrywa się z działalnością artystyczną (pisał o tym między innymi Witold Gombrowicz), a wreszcie teoria własności (oparta na użytkowaniu czy na posiadanie?, niedająca się wyalienować własność ufundowana na prawie autora do swojego dzieła czy na nieograniczonym prawie do posiadania?). Francuski termin „jouissance”, mający zarówno sens prawny, jak i egzystencjalny, oznaczający zarazem „prawo do użytkowania” i „przyjemność”, a nawet „orgazm”, jest przedmiotem pasjonującej analizy Diderota w Encyklopedii. W roku 1997 Laurent Marissal zostaje zatrudniony jako członek personelu pilnującego kolekcję obrazów w Muzeum Gustawa Moreau; sytuacja typowa dla młodych artystów, bo Marissal właśnie otrzymał dyplom Akademii Sztuk Pięknych w Paryżu. W takim właśnie kontekście opracowuje swoją koncepcję i praktykę sztuki jako sposobu na odzyskiwanie czasu swojej egzystencji sprzedanego pracodawcy, a instrumentem tej praktyki czyni związek zawodowy. W roku 2003 podaje się do dymisji, a w 2005 publikuje Pinxit. Malarstwo 1997–2003, jako dokument, opowieść i wyraz doświadczenia artystycznego, w którym sztuka i praca zrosły się na dobre z życiem.
FROM ‘SOCIAL PARASITE’ TO ‘FAMOUS SAPPER’. THE ART OF CIVIL DISOBEDIENCE In the essay, there are two planes which collide: one concerning artistic practice of recent years considered as ‘parasitic’ in art (see: the symposium in Amiens in 2006), the second – de-alienating function of art as interpreted by Laurent Marissal, whose book (‘Pinxit: Painting from 1997 to 2003’ Rennes, Éditions Incertain Sens, 2005) is under consideration here. Their aim is to link the issues which emerge from the clash with political and intellectual history in order to bet-ter grasp their meaning and relevance. In the first part of the essay, the notion of parasitism is interpreted through the prism of sinister, sometimes murderous consequences of ‘social parasite’ – the ideas by the Nazis and the Soviets. It is confronted with references to parasitism in political economy (Adam Smith, Karl Marx, Pierre-Joseph Proudhon, Stanislav Andreski). It turns out then that ‘social parasite’ is not a idea, but an inconsistent set of contradictory meanings, which depend on the ideological point of view. In the second part, starting from the socio-economic context of the artist’s work, as well as the political implications of the use of the term ‘parasite’ in the context of art, the analysis of the artistic practice by Laurent Marissal leads to the historical reconstruction of the concept of alien-ation and ways of philosophical understanding of art as de-alienating experience. The recon-struction combines several philosophical traditions, including the following traditions: the writ-ers of the Enlightenment (Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau, Maxime de Robespierre, Frie-drich Schiller), the philosophers of anarchism (Max Stirner, Pierre-Joseph Proudhon, Mikhail Bakounine, Leo Tolstoy), but also in a bit more surprising way, Karl Marx and Umberto Eco, whose theory of open work is in fact the answer to the question of alienation in the sense de-fined by Marx. Issues emerging from these analyzes combine both aesthetic and political consequences: civil disobedience (when freedom of speech leads artists to the edge of legality: Krzysztof Wodiczko, Alfredo Jaar, Francis Alÿs, Gianni Motti, Pierre Huyghe, clido Mereiles, etc.), de-alienation of the function of art (aesthetic education by Schiller and/or political action – including in art – according to Marx’s theory?), the concept of time in the experience of alienation, especially in the case of artists whose paid work does not coincide with artistic activities (Witold Gom-browicz and other writer wrote about this problem), and finally the theory of property (based on the use or the possession ?, not-be-alienated property based on the right of the artist or to the unlimited right to own?). French term ‘jouissance’, having both the sense of the legal and exis-tential, meaning both ‘right to use’ and ‘pleasure’ and even ‘orgasm’, is the subject of a fascinat-ing analysis by Diderot in ‘Encyclopedia’. In 1997, Laurent Marissal was employed as a staff member to watch the collection of paintings at the Museum of Gustav Moreau; a situation typical for young artists, because Marissal just graduated from the Academy of Fine Arts in Paris. It is in this context he developed his idea and practice of art as a way of recovering the time sold to his employer, and he used unions as the instrument of that practice. In 2003, he resigned, and in 2005, he publishes ‘Pinxit: Paintings from 1997 to 2003’, as the document – story and expression of artistic experience, where art and work merge with life.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2016, 21; 48-83
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 62.

Tytuł:

Wpływ osoby i kultu błogosławionej Doroty na życie duchowe parafii i wyposażenie kościoła w Mątowach Wielkich od średniowiecza do współczesności
The influence of the person and the cult Dorothea’s of Montau over the spiritual life of the parish and the interior of the Church in Mątowy Wielkie from Middle Ages till the present time

Autorzy:

Grabowska-Lysenko, Alicja

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2165720.pdf

Data publikacji:

2013-12

Wydawca:

Wyższe Seminarium Duchowne Diecezji Elbląskiej w Elblągu

Tematy:

Dorothea of Montau
Mątowy Wielkie
History of Art
Middle Ages
Piety

Opis:

The aim of this paper is to show the influence of the blessed Dorothy and her spirituality at the religious life of the parish and the shape and meaning of the interior of the Saint Peter and Paul church in Great Montau. The most important elements in the Dorothy’s spirituality were the passion piety and Eucharistic cult. The works of art from the Middle Ages, preserved in the church, confirm their important role also in the religious live of the parish community (Sacrament House, Pieta, Christ on the Cold Stone). In the modern times, when the Dorothy’s cult was renewed in the Kulm Diocese, the interior of the church was enlareged with three elements connected with Dorothy – the Latin inscrioption about her life, the procession paiting depicting her mystical communion, as well as her image within the southern side altar. Also in the 19th and in the beginning of the 20th Century the cult of the Recluse was living in the parish. After 1945 it was less cultivate. The cult was renewed in the 70’s of the 20th Century. Today is the Dorothy’s cult again living, and an important part of it are the works of art (procession painting, baptismal font). The temple in Montau is an extraordinaryexample among others Prussian churches, because here some cult continuity was preserved and thanks the works of art is it possible, to follow its history.

Źródło:

Studia Elbląskie; 2013, 14; 47-61
1507-9058

Pojawia się w:

Studia Elbląskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 63.

Tytuł:

Fizyka we współczesnych badaniach i konserwacji dzieł sztuki
Physics in modern investigations and conservation of works of art

Autorzy:

Marczak, J.
Koss, A.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/217787.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Stowarzyszenie Konserwatorów Zabytków

Tematy:

konserwacja
dzieło sztuki
fizyka
conservation works
work of art
physics

Opis:

W artykule przedstawiono i omówiono współczesne, nieniszczące fizyko-chemiczne i strukturalne metody analizy dzieł sztuki i obiektów zabytkowych w architekturze, wykorzystujące technikę laserową i optoelektroniczną. Omówiono również zalety i wady współczesnej technologii renowacji - czyszczenia obiektów za pomocą impulsowego promieniowania laserowego.
The paper presents and discusses contemporary nondestructive physical-chemical and structural methods of the analysis of works of art and antique objects in architecture, with the use of laser and optoelectronic techniques. Advantages and disadvantages of the present technology of renovation - cleaning of objects with the help of impulse laser radiation have also been discussed.

Źródło:

Wiadomości Konserwatorskie; 2009, 26; 65-76
0860-2395
2544-8870

Pojawia się w:

Wiadomości Konserwatorskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 64.

Tytuł:

Vasari, Bellori, Lanzi – trzy filary włoskiej historiografii artystycznej
Vasari, Bellori, Lanzi – three pillars of Italian artistic historiography

Autorzy:

Michałowicz, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1901962.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

historiografia
sztuka włoska
historia historii sztuki
piśmiennictwo o sztuce
żywoty
cykliczny model rozwoju sztuki
historiography
Italian art
history of history of art
writing on art
lives
the cyclical model of art development

Opis:

From the middle of the 16th century, when the first edition of Giorgio Vasari's Lives of the Most Eminent Painters, Sculptors, and Architects appeared, until the threshold of modernity, the unusually influential conceptions concerning the development of art contained in the book, albeit criticized from various angles, were not in fact undermined as far as their foundations are concerned. Nevertheless, the 17th and 18th century Italian artistic historiography, as one that was formed in a different context and tried to describe and indicate the origin of art created by artists who started setting different goals, differed from the 16th century art in many details. They are shown in the article by confronting Vasari’s ideas with the visions of art presented by his great successors: Gian Pietro Bellori in his Lives of the Artists (1672) and Luigi Lanzi’s History of Painting in Italy; From the Period of the Revival of the Fine Arts to the End of the Eighteenth Century (1796). Special attention is paid to the changing conception of art, the changing artistic ideas and the historical awareness that was being born, leaning towards reformulating the time-honored vision of history.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2012, 60, 4; 177-204
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 65.

Tytuł:

Miejsce i rola sztuki sakralnej w rozwoju wiary wspólnoty parafialnej : zarys problematyki

Autorzy:

Krwaczyk, Michał

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1047346.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Instytut Teologiczno-Pastoralny im. św. bpa Józefa Sebastiana Pelczara

Tematy:

sztuka sakralna
teologia sztuki
estetyka
piękno
religious art
theology of art
aesthetics
beauty

Opis:

The paper presents the role of religious art in the parish community life and recognizes its significance in faith transmission. The beauty of art is to point to the eternal Beauty, emphasise the sacral dimension of the place of worship and be a culture forming factor. The need for formation through art, especially in an aesthetic sense, has also been shown.

Źródło:

Resovia Sacra : Studia Teologiczno-Filozoficzne Diecezji Rzeszowskiej; 2018, 25; 191-197
1234-8880

Pojawia się w:

Resovia Sacra : Studia Teologiczno-Filozoficzne Diecezji Rzeszowskiej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 66.

Tytuł:

Na styku Zachodu i Wschodu, czyli o wielowiekowym dziedzictwie Kultury architektonicznej Łotwy
The meeting of West and East i.e. the centuries-old heritage of architectonic culture of Latvia

Autorzy:

Pawlicki, B. M.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/217556.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Stowarzyszenie Konserwatorów Zabytków

Tematy:

Łotwa
sztuka
urbanistyka
architektura
historia sztuki
Latvia
art
planning
architecture
history of Art

Opis:

Sekret każdej książki tkwi w jej powszechnym odbiorze społecznym. Pochwalając zamysł ukazania się na polskim rynku wydawniczym nowatorskiego opracowania naukowego na temat mało poznanej esencji dziejów kultury, sztuki architektury i urbanistyki Łotwy należy podkreślić, że książka ta jest autorstwa dwojga wybitnych postaci z kręgu nauki polskiej, wychowanków Uniwersytetu Jagiellońskiego (historyka sztuki, profesora historii architektury i doktora nauk humanistycznych), wieloletnich wytrawnych badaczy i popularyzatorów wiedzy na tematy filozofii, estetyki, psychologii odbioru i kultury.
The secret of every book lies in its general social perception. Commending the plan year on the Polish market innovative studies, learned little about the essence of the history of culture, art, architecture and urbanism of Latvia should be noted that this book is written by two prominent figures from the circle of Polish science, pupils at the Jagiellonian University (art historian, professor of history of architecture and Ph.D.), perennial seasoned scholars and popularizers of knowledge on the subjects of philosophy, aesthetics, psychology and cultural acceptance.

Źródło:

Wiadomości Konserwatorskie; 2013, 35; 101-102
0860-2395
2544-8870

Pojawia się w:

Wiadomości Konserwatorskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 67.

Tytuł:

Architektura jako tworzywo. Sztuka instalacji w przestrzeni publicznej
Architecture as a creation material. The art of installation in public space

Autorzy:

Sobuś, K.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/294035.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Politechnika Wrocławska. Oficyna Wydawnicza Politechniki Wrocławskiej

Tematy:

sztuka instalacji
pogranicze architektury i sztuki
installation art
borderland of art and architecture

Opis:

Sztuka instalacji nie jest już tylko domeną artystów. Zajmują się nią również architekci, tworząc mikroprzestrzenie na pograniczu sztuki i architektury. Czerpiąc z obydwu dziedzin, kreują miejsca, które mogą zmieniać kontekst i transformować odbiór przestrzeni. Mnogość rozwiązań powoduje, że instalacje w miejskiej przestrzeni mogą mieć różne znaczenie, funkcje i odbiór. Od symbolicznych, czasowych, które są manifestem i krytyką kondycji architektury, po użytkowe, wielofunkcyjne, będące miejscem spotkań i aktywizujące przestrzeń, w której się pojawiają.
Installation art is a fi eld no longer reserved for artists only. There are architects, who create micro-spaces on the border of art and architecture. Deriving from both domains, they create spaces which may change the context and transform the perception of their surroundings. Immense design solutions make public space installations ambiguous and versatile. Starting from symbolic, temporary ones, which may become a manifesto or the critique of architecture condition, to multi-functional ones, being a meeting place and activating the space in which they appear.

Źródło:

Architectus; 2013, 4(36); 53-66
1429-7507
2084-5227

Pojawia się w:

Architectus

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 68.

Tytuł:

Od „bibliotek fotograficznych” do "fototek". O epistemologicznym potencjale historyczno-artystycznych kolekcji fotografii
From 'Photo Libraries' to "Photo Archives". On the Epistemological Potential of Art-Historical Photo Collection

Autorzy:

Caraffa, Constanza
Lipiński, Filip

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/32348483.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

photo archive
photograph
reproduction of a work of art
Photothek
materiality of photography

Opis:

This text is a translation from English into Polish of a fundamental text for research into reproductions of works of art, written by Constanza Caraffa, the leading theorist of the field. It is an introductory chapter of her important volume Photo Archives and the Photographic Memory of Art History (2011), in which she elucidates the meaning of a photo-archive as a site of research into photographs of works of art as individual, material objects. Using examples and her work experience in the Photothek at the Kunsthistorische Institut in Florence, she presents the complexity and abundance of information that photographic reproductions of works of art can carry, over and above the traditional understanding of a photograph as a document transparent onto the object it represents.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2022, 33; 183-238
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 69.

Tytuł:

„Negatyw świata”. Inspiracje techniką graficzną jako źródło refleksji metaliterackiej – na przykładzie wiersza Ewy Lipskiej Albatros i grawer
“Negative of the World”. Graphic Technique as a Source of Metaliterary Reflection in a Poem Albatros i Grawer (‘The Albatross and the Engraver’) by Ewa Lipska

Autorzy:

Szewczyk-Haake, Katarzyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/32051463.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Ewa Lipska
literature and graphic art
modernist art in literature
ethical criticism of art

Opis:

The paper presents an analysis of Ewa Lipska’s poem Albatros i grawer [‘The Albatross and the Engraver’], which is a rare example of evoking a work of graphic art in a poem. The metaphors used in the text, exploiting the field of meaning related to graphics, become the basis for metaliterary reflection. Important interpretative contexts indicated in the article are, on one hand, the history of graphic art and its technical arcana, and on the other, the poem The Albatross by Charles Baudelaire, alluded to in the poem and, by the same token, modernist ideas about the art and the artist. The poem’s consideration of the problem of ‘a negative’ and ‘an imprint’ leads to questions about the relationship between art and reality, a relationship which, radically transformed in the modern era, demands an ethical evaluation, just as the poem suggests.

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2022, 37; 83-95
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 70.

Tytuł:

Redefining the Concepts of the Avant-Garde as an Example of a Possible Return to Modernism
Redefinicja pojęć awangardy jako przykład możliwości powrotu do modernizmu

Autorzy:

Jabłońska, Karolina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593759.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

avant-garde
autonomy of art
art of the 20th century
neomodernism
awangarda
autonomia sztuki
sztuka XX wieku
neomodernizm

Opis:

The paper is an attempt to demonstrate that expanding the definition of the terms relating to 20th century art makes it possible to return it to modernism. Such an approach is possible in relation to the issues that were topical both before the avant-garde and in postmodernism. This analysis was inspired mainly by the inconsistency of the views on the avant-garde content, further expanded by postmodern theories. Pluralism, both modernist and postmodernist, does not preclude references to the modernist ideas in contemporary scholarship. I have based my reflections on the issue of autonomy in avant-garde art. The multidimensional character of this concept and the transformation of its scope in the 20th century, as well as the 20th-century pluralization of theories, directions and concepts makes it possible to analyze the problem from different perspectives, visible today from the post-postmodern perspective. Starting from the views of Immanuel Kant and Friedrich Schiller, I take into account the views of theo-reticians as well as artists. Taking into account the many meanings and contexts in which terms are used in modernism and postmodernism provides an opportunity to reexamine them. It also allows us, as I have demonstrated, to verify some of the views on the avant-garde, such as the notion of the end of art, the tendency of the avant-garde art to self-destruct, or the association of high art with hermeticism and elitism. It also validates the discussion on neomodernism.
W tekście tym staram się wykazać, że rozszerzenie definicji pojęć odnoszących się do sztuki w XX w. pozwala na powrót do modernizmu. Podejście takie jest możliwe w odniesieniu do tych zagadnień, które aktualne były zarówno przed awangardą, jak i w postmodernizmie. Do analizy takiej skłania przede wszystkim niespójność poglądów na awangardowe treści, pogłębiona teoriami postmodernistycznymi. Pluralizm, zarówno modernistyczny, jak i postmodernistyczny, nie wyklucza jednak możliwości odniesienia się we współczesnej nauce do idei modernistycznych. Swoje rozważania przeprowadzam na przykładzie zagadnienia autonomii w sztuce awangardowej. Wieloaspektowość tego pojęcia i transformacja jego zakresu w XX w., przy jednoczesnej dwudziestowiecznej pluralizacji teorii, kierunków i pojęć pozwala na przeanalizowanie tego problemu z różnych perspektyw, które dziś, z popostmodernistycznej pozycji, są widoczne. Wychodząc od poglądów Immanuela Kanta i Fryderyka Schillera, biorę pod uwagę poglądy zarówno teoretyków, jak i artystów. Uwzględnienie wielu znaczeń i kontekstów, w których pojawiają się pojęcia występujące w modernizmie i postmodernizmie daje możliwość ponownego odniesienia się do nich. Pozwala również, jak wykazuję, na weryfikację niektórych poglądów dotyczących awangardy m.in. tezy o końcu sztuki, o tendencji sztuki awangardowej do samounicestwienia, związanie sztuki wysokiej z hermetyzmem i elitaryzmem. Upoważnia także do mówienia o neomodernizmie.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2016, 18; 37-53
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 71.

Tytuł:

The Key to M. K. Ciurlioniss Synthesis of the Arts
Klucz do syntezy sztuki M. K. Ciurlionisa

Autorzy:

Siechowicz, Paweł

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/707103.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

Ciurlionis
music
painting
theory of art
muzyka
malarstwo
teoria sztuki

Opis:

Muzyczny tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów litewskiego malarza i kompozytora Mikołaja Konstantego Ciurlionisa (1875–1911) – Fugi – przyczynił sie do wielu jego interpretacji, których autorzy starali sie odniesc muzyczna idee fugi do wykreowanej przez Ciurlionisa malarskiej rzeczywistosci. Interpretacje te czesto rónia sie od siebie jedynie w szczegółach, czasem jednak dotycza kwestii podstawowych. adna z rozwaanych przez badaczy interpretacji nie jest jednak satysfakcjonujaca. Autor przedstawia róne moliwosci patrzenia na obraz Ciurlionisa: przez spojrzenia Dorothee Eberlein, Vladmira Fedotova, Jacka Szerszenowicza, Petera Vergo, Genovaitë Kazokas i Eero Tarastiego, by na koniec zaproponowac własne, róniace sie od poprzednich. Wykazuje te zwiazek malarskiej Fugi z Fuga op. 34 skomponowana przez Ciurlionisa w pół roku po ukonczeniu obrazu. Zwiazek ten opiera sie na pokrewienstwie tematycznym (w sensie formalnym) – oba dzieła osnute sa wokół tej samej idei, scislej – wokół tego samego uprzywilejowanego punktu ciekosci kompozycji, a w utworze muzycznym zostaje wykorzystany jako kształt melodii tematu. Ciurlionis tworzy wiec dwa całkowicie autonomiczne dzieła, wychodzac od tej samej idei. W tym spostrzeeniu kryje sie klucz do zrozumienia sposobu, w jaki artysta starał sie rozwiazac problem syntezy sztuk. Rozpoczynał od linii, która jawiac sie raz jako malarski kontur, raz jako dzwieczna melodia, stanowiła wspólny mianownik dla obu sztuk. Opierajac sie na tej linii kształtował forme dzieła jako skonczonej całosci, nadajac obrazom rygor klasycznych form muzycznych, jednoczesnie respektujac własciwe tylko dla malarstwa prawa percepcji wzrokowej. Nie układał malarskich kompozycji na wzór muzyki, ale tworzył je tak, jakby komponował – na sposób podobny do muzycznego. Dlatego te element przedstawieniowy w malarstwie Ciurlionisa zostaje podporzadkowany wzajemnym zalenosciom miedzy barwami a konturami płaszczyzn wypełniajacych przestrzen jego obrazów.

Źródło:

Rocznik Historii Sztuki; 2013, 38; 59-70
0080-3472

Pojawia się w:

Rocznik Historii Sztuki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 72.

Tytuł:

Historic Gardens as Places of Conflicting Values

Autorzy:

Salwa, Mateusz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/781167.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Gardens
restoration
Alois Riegl
ecology
value conflict
history of art

Opis:

The aim of the article is to present historical gardens as phenomena inevitably pervaded by an ongoing clash of values. The conflict stems from the twofold character of gardens where art (or in broader terms: culture) and nature are combined, which results in a tension between the tendency to remain static and durable that human culture seeks, and the changeability and dynamics that are inherent in nature. This conflict can be characterized by referring to a theory proposed by Austrian art historian Alois Riegl, one of the founders of modern monument restoration theory who identified three types of values associated with monuments: historical value, age value, and present-day values. What is more, one can assume that gardens can be treated as particular tokens of landscape. Thus, the conflict of values within a garden may be seen as a more limited example of the same clash going on at the more general level oflandscape. The argument is illustrated by a short case study of the recent debate over the restoration of the historic Krasinski Garden in Warsaw, Poland.

Źródło:

Ethics in Progress; 2014, 5, 1; 96-112
2084-9257

Pojawia się w:

Ethics in Progress

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 73.

Tytuł:

“Se fede merta nostra maggior musa” : Virgilio e la mitologia virgiliana nella Commedia allo specchio del cristianesimo dantesco

Autorzy:

Maślanka-Soro, Maria

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/638177.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Wydawnictwo Uniwersytetu Jagiellońskiego

Tematy:

Dante, Virgil, Divine Comedy, Aeneid, mythology, intertextuality, conception of art

Opis:

The Aeneid is the most important intertext for the opus magnum of Dante; and Virgil, sometimes metonymically identified with his work, plays a relevant, or indeed crucial part as one of the characters in it. The main purpose of this article is, on the one hand, an analysis and interpretation of certain, only rarely investigated aspects of the relation between Virgil and Dante the pilgrim, in particular those which deal with the defeat of the former as an authority and guide for Dante on the road to spiritual perfection. They result mainly from Virgil’s excessive rationalism. In the critical moments of their journey through the otherworld Dante the author shows the frailty of Virgil’s Christian faith, attained only after his death and not illuminated by divine Grace; he also discloses the deficiencies in Virgil’s understanding of good and evil. On the other hand the author of the article analyses the intertextual “dialogue” that the Comedy conducts with the Aeneid on the basis of the Dantean conception of art in general, and of poetry in particular, taking selected examples into consideration. An essential component of this dialogue is Dante’s reinterpretation of Virgil’s masterpiece, which assumes the form of an aemulatio and tends to reveal the Christian potentiality in the Aeneid, of which Virgil the poet was, of course, utterly unaware.

Źródło:

Romanica Cracoviensia; 2013, 13, 4
2084-3917

Pojawia się w:

Romanica Cracoviensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 74.

Tytuł:

Produkowanie estetyk, produkowanie podmiotu. Początki odwilży i wolność twórcza w sztukach wizualnych na przykładzie wystawy w Arsenale

Autorzy:

Dąbrowski, Jakub

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909478.pdf

Data publikacji:

2019-05-07

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

freedom of art in communist Poland
censorship
“thaw”
“Arsenał” exhibition

Opis:

In Polish art history, there are two approaches to the “Arsenał” exhibition of August 1955. One, rooted in the debates around it, presents the “Arsenał” as the beginning of a political “thaw” – an act of emancipation, a demonstration of young artists who rebelled against the socialist realism. The other approach to the show or, rather, to the “thaw” as a whole, rejects an interpretation of artistic processes and choices as autonomous activities. Instead, with reference to the theory of Michel Foucault, the “Arsenał” is considered as a result of a reconfiguration of scattered power relations, stimulated by the changing strategies of the institutional power system. The present paper follows the latter approach. Foucault claims that power relations are combined with three interconnected types of human relations: defining the hierarchy of tasks and division of labor, compelling obedience, and performing “communicative binding,” i.e. purposeful action that affects the actors’ knowledge of the world and of themselves. After 1954, power relations in Poland were strategically changing: the system of labor division and the distribution of art, including all the related benefits, was still centralized, but the ineffective administrative control relaxed, while the production of meaning changed as well – the communist party modified its rhetoric referring to art and the range of artistic choice grew together with the options of communication. Still, the liberalization of the system and abandoning the Moscow version of the socialist realism in cultural policy did not mean any real increase of the freedom of choice. Using state exhibition institutions and the press, which was the main channel of communication between the authorities and the masses, the communist regime continued to control the aesthetic consciousness of the artists. An analysis of both printed and visual messages found in the press of the period, specialist periodicals and daily newspapers alike, has revealed a surprising similarity of the official discourse and the aesthetic choices made by the participants of the “Arsenał” – in particular those choices which were later interpreted as attempts to reject the socialist realism and launch a new beginning. It seems that the young artists were “positively censored,” i.e. the regime succeeded in creating an aesthetic reality which they accepted. What is more, they considered it subversive as an emanation of liberty. The selection of the aesthetic modes favored by the authorities took place in an unconscious way already at the stage of creation, before particular works of art were accepted by the ”Arsenał” jury and before they were actually controlled by the institutions of censorship.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2018, 29; 381-408
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 75.

Tytuł:

1968: In Search of “Socialism with Human Face” in Czech Art History

Autorzy:

Bartlová, Milena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909521.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

history of art history
Czechoslovakia 1968
humanist Marxism
Marxist iconology

Opis:

The five or eight years leading up to the failed “Prague Spring” represent the most important period of Czech humanities tradition during the Communist Party dictatorship. Art history did not directly participate in either of the most prominent period discourses, but it was able to develop its own specific methodologies following the Czech continuation of the Vienna School legacy. The contribution analyzes the discourse of Marxist Iconology, developed by J. Neumann and R. Chadraba, and presents the case of F. Šmejkal and his concept of Imaginative Art, which was, interestingly, the sole case during the whole 40 years of the Communist Party rule when the highest Party officials became directly involved in Czech art historical practice. From the point of view of art historical practice, the most important feature of the brief period 1963–1969 was the new possibility of contacts with foreign art historians and of traveling abroad.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 225-236
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 76.

Tytuł:

Dramaturgia sztuki
The dramaturgy of art

Autorzy:

Krajewska, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1039293.pdf

Data publikacji:

2019-12-06

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

dramaturgy of art
human and non-human actors
entangled objects

Opis:

In this Introduction, the author discusses the other articles contained in this volume and attempts to present the processess involved in art as stage preformance of both human and non-human actors. She not only examines the objects and persons but also aesthetic categories and the mechanisms involving categories in art. The author proposes a new language that allows for the description of art as a phenomenon of entangled objects, subjects, media, processes and events.

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2019, 31; 7-12
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 77.

Tytuł:

SZTUKA ZAANGAŻOWANA ARTURA ŻMIJEWSKIEGO
‘INVOLVED ART’ BY ARTUR ŻMIJEWSKI

Autorzy:

Tryka, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487778.pdf

Data publikacji:

2016-11-07

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Tematy:

ENGAGED ART
ALIENATION OF ART
PARTICIPATION
AESTHETICISM
SZTUKA ZAANGAŻOWANA ALIENACJA SZTUKI PARTYCYPACJA
ESTETYZM

Opis:

‘INVOLVED ART’ BY ARTUR ŻMIJEWSKI Tryka describes a relationship between Artur Żmijewski’s artistic practice and his theoretical deliberations on involved art. Żmijewski’s conception of art, expressed in a manifesto Applied Social Arts, is discussed in the context of aesthetical conception of art. Tryka starts with the description of his artistic manifesto entitled ‘Applied social arts’, which is one of most influential voice in the debate on the role of involved art in contemporary culture in Poland. Theoretical questions from the manifesto connected with the metaphor of art as algorithm, the alienation of art and possibilities of its overcoming fill the first paragraphs of the paper. In the second part, Tryka described two projects by Żmijewski entiltled ‘Democracies’ and sculptural plain-air entitled ‘Memories of Celulose’. She compared them with Żmijewski’s ideas and interpreted them in philosophical context. Żmijewski believed that the value of art cannot be measured in the context of aesthetics but only in the context of its ability to influence social and political events. He considered art as social tool which could be used to studying and forming social relations. Moreover, artists should contribute to people’s involvement in artistic activities, and in forming people’s worldviews. They should be able to develop and explore creative potential of people who aren’t yet interested in art and they should be able to properly evaluate cooperation between people.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2016, 21; 124-152
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 78.

Tytuł:

Przepływy dzieł sztuki między Polską a krajami Unii Europejskiej
The Movement of Works of Art Between Poland and European Union Countries in 1992-2004

Autorzy:

Białynicka-Birula, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/575821.pdf

Data publikacji:

2007-03-31

Wydawca:

Szkoła Główna Handlowa w Warszawie. Kolegium Analiz Ekonomicznych

Tematy:

movement of works of art
artwork exports and imports
Polska
European Union

Opis:

The paper analyses the exportation and importation of works of art between Poland and the European Union prior to Poland’s entry into the bloc on May 1, 2004. The author presents a dynamic analysis of artwork exports and imports data according to Poland’s Central Statistical Office (GUS) in 1992-2004. She identifies the main artwork export and import markets in Europe and estimates the share of the private sector in artwork trade. The analysis yields several conclusions. The value of artwork exports and imports between Poland and the EU-15 was characterized by major changes. EU countries accounted for a high percentage of Poland’s artwork trade in 1992-2004. This applies to both exports and imports. In the analyzed period, the value of Polish artwork exports was higher than the value of imports. Moreover, the analysis revealed that the movement of artwork between Poland and the EU was strongly concentrated in the case of several countries, with a clear marginalization of the remaining member states. France, Germany, Britain and Italy had the greatest share in Poland’s artwork trade. The share of the private sector in artwork trade was considerable, exceeding 75 percent in exports and 58 percent in imports.

Źródło:

Gospodarka Narodowa. The Polish Journal of Economics; 2007, 214, 3; 99-112
2300-5238

Pojawia się w:

Gospodarka Narodowa. The Polish Journal of Economics

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 79.

Tytuł:

Lomografii - konteksty funkcjonowania ruchu lomograficznego
On Lomography - Contexts of Functioning

Autorzy:

Górski, Przemysław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/985759.pdf

Data publikacji:

2013-03-01

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

lomography
field of art
sociology of photography
lomografia
pole sztuki
socjologia fotografii

Opis:

The author’s main aim is to present the lomography movement: an international society whose identity is built on the old Soviet Lomo camera (and camera equipment with similar technical parameters). The author indicates the various possible interpretive and analytical contexts whereby the movement could be set in the broader social environment and viewed in categories of marketing strategy or of activities with the hallmarks of artistic work. Lomography’s characteristics and the questions about its identity that arise require considering the border between the movement and the art and photographic worlds: to what degree do these worlds intertwine and to what degree are they constructed in mutual opposition?

Źródło:

Kultura i Społeczeństwo; 2013, 57, 1; 175-190
2300-195X

Pojawia się w:

Kultura i Społeczeństwo

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 80.

Tytuł:

Co się dzieje z estetyką?
What is happening to aesthetics?

Autorzy:

Kiereś, Henryk

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2015977.pdf

Data publikacji:

2002

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

estetyka
filozofia sztuki
dzieje pojęć
aesthetics
philosophy of art
history of notions

Opis:

In order to answer the question 'What is happening to aesthetics?' in the title of the article one has to decide what the problem of aesthetics consists in. The discipline is in a crisis, and sometimes its 'death' is announced and the rule of anti-aesthetics is proclaimed whereas the debate 'Aesthetics or anti-aesthetics?' ends up in a cognitive stalemate: aesthetics is tainted with the error of normativism and reductionism; and anti-aesthetics finishes in relativism. Hence a return is necessary to the classical philosophy (metaphysics) of art (Aristotle, Thomas Aquinas) that avoids errors of the aesthetic tradition and works out a universal and neutral criterion for evaluating purposefulness in art, and also does not interfere with the competence of humanities or of art criticism.

Źródło:

Roczniki Filozoficzne; 2002, 50, 1; 333-343
0035-7685

Pojawia się w:

Roczniki Filozoficzne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 81.

Tytuł:

The Effect of Experimental Presentation of Images of Women in Magazine Advertising and Works of Art on Body (Dis)satisfaction in Adolescent Girls

Autorzy:

Mirucka, Beata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1985611.pdf

Data publikacji:

2018-06-30

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

body (dis)satisfaction
images of women
media influence
perception of art
adolescence

Opis:

The present study was the first to investigate the influence of artistic images of women on adolescent girls’ body attitude. The results have shown that a 10-minute exposure to artistic images of women by such great masters as Titian, Botticelli or Degas significantly changed body attitude in teenage girls, which was expressed through increased body satisfaction, decreased body dissatisfaction, and weakening of negative body emotion. Those outcomes have also confirmed the results of the existing studies exploring the negative influence of magazine advertising on teenage girls’ body experiencing. The comparison of two study groups has shown that girls looking at women in works of art expressed a significantly higher level of body satisfaction than girls exposed to women in advertisements.

Źródło:

Kultura i Edukacja; 2018, 2(120); 113-130
1230-266X

Pojawia się w:

Kultura i Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 82.

Tytuł:

Między sacrum a profanum: relacje wolności religijnej i wolności sztuki w orzecznictwie ETPCz
Between sacrum and profanum: the relationship of religious freedom and the freedom of art in the jurisprudence of the ECHR

Autorzy:

Banaś, Hanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/684727.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

human rights
freedom of religion
freedom of art
European Court of Human Rights

Opis:

Formerly, art was closely connected to religion. Nowadays, art is such a far-reaching, controversial phenomenon, that the recipient no longer knows what he is looking at. Religion (as an aim) is a great example. It applies to the most intimate sphere of the individual’s life and it is difficult to legally regulate this issue. There is no definition of art, nor of religion, which is sufficiently precise to be a basis for judgments. The European Court of Human Rights has partly dealt with this matter in its judgments but this is still not enough to solve the problem.

Źródło:

Adam Mickiewicz University Law Review; 2015, 5; 69-84
2450-0976

Pojawia się w:

Adam Mickiewicz University Law Review

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 83.

Tytuł:

„Jakiego skarbu my Polacy nigdyśmy przedtym nie mieli”. Ślady lektury Żywotów świętych Piotra Skargi w katolickich drukach z końca XVI wieku
„The Treasure We, The Polish People, Have Never Had Before”. Traces of Lives of the Saints by Piotr Skarga in Catholic Printed Matters Dating Back to the Late 16th Century

Autorzy:

Sitkowa, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/967567.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

Piotr Skarga
The Lives of Saints
reception of the literary work of art
hagiology

Opis:

Four Polish printed matters from the end of 16th century were highlighted in the article. Three of them, The Life and Death of a Princess from Parma (1581); Republic (1594); Joseph the Righteous (1596) refer to Lives of the Saints by Piotr Skarga. This is proof that the book was highly appreciated by the author’s contemporaries as a counter-reformation speculum, outstanding reading for women, and a point of reference for clergymen who wanted to prepare their own speeches. The forth printed matter is another sign of The Lives of Saints popularity (The Benedictine Rule circa 1597). What we find there is a slightly altered version of St. Benedict’s life, which does not mention the name of Piotr Skarga.

Źródło:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Litteraria Polonica; 2013, 21, 3
1505-9057
2353-1908

Pojawia się w:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Litteraria Polonica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 84.

Tytuł:

The notion of nature in modern music theory and history as seen hy Carl Dahlhaus and Karol Berger

Autorzy:

Jarzębska, Alicja

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780323.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

music theory
music history
aesthetics of music
theory of art
the notion of nature

Opis:

Modern music theory, ignoring the problems connected with the subject’s auditive experience but referring to the objective laws of nature, was criticised by Carl Dahlhaus, although he accepted - to a certain extent - the hypothesis of historical determinism. Dahlhaus links this turning point in the history of reflection on music with the transition from the ‘ontological contemplation’ of the Tonsystem to the ‘aesthetic contemplation’ of the Tonkunstwerk, the fundamental characteristic of which is the idea of ‘wholeness’ (die Idee der Ganzheit). The new conception of the discourse on the theory and history of modern music proposed by Karol Berger in his book A Theory of Art (2000) bears testimony to crucial changes in the contemporary humanities linked to the so-called ‘cognitive revolution’. According to Berger, the fundamental characteristic distinguishing modern art from premodern art is its autonomy. Berger distances himself from the modern tradition of theoretic- aesthetic discourse treating the work of art, including the work of music, as an axiologically neutral entity independent of ‘human nature’, that is, of the functioning of our memory, imagination and cognitive mechanisms, and also not having a specific social function. At the centre of Berger’s theoretical interests is aesthetics, as broadly understood, coupled with ethics and history, poetics and hermeneutics. He is not interested - like Dahlhaus - in considering ‘what art is’ or ‘what music is’ , but poses the question: ‘What should the function of art be, if art is to have a value for us ?’

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2009, 8; 93-108
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 85.

Tytuł:

Rzeźbiarz i filozof. Constantin Brâncuşi w interpretacjach Constantina Noiki
Sculptor and philosopher. Constantin Brâncuşi in Constantin Noica’s interpretations

Autorzy:

Zawadzki, Andrzej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1040112.pdf

Data publikacji:

2019-01-31

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Constantin Noica
Constantin Brâncuşi
ontology
philosophy of art
sculpture
Romanian culture

Opis:

The article Sculptor and philosopher deals with the Romanian thinker Constantin Noica’s interpretations of Constantin Brâncuşi’s work. These interpretations are presented with regard to Noica’s philosophical concepts, in particular his reflections on Romanian culture and the sense of being manifested within it. Of fundamental importance in his interpretations is the category of becoming within being – the most important idea developed by Noica and which he applied in many fields of philosophy. 

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2018, 29; 315-328
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 86.

Tytuł:

Discursiveness of art as a philosophical problem
Dyskursywność sztuki jako problem filozoficzny

Autorzy:

Lorenc, Iwona

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2041840.pdf

Data publikacji:

2021-11-25

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

discourse of art
discursiveness of art
language
literature
painting
the visible
the invisible
visuality
dyskurs sztuki
dyskursywność sztuki
język
literatura
malarstwo
widzialne
niewidzialne
wizualność

Opis:

Is it still possible to speak of an opposition of linguistic discourse and art after the notions of language, as well as discourse and the discursive have undergone a significant reformulation and expansion? To answer this question, I distinguish between the notions of discourse and the discursive. I transpose this distinction onto the level of reflection on art as one of signifying practices. I show how the deconstruction of Western discourses on art is accompanied by the recognition of discursiveness of art by Heidegger, Derrida and Marin; like Merleau-Pointy, I search for the conditions of significant production underneath or “before” historically established discourses, expanding the idea of discursiveness of art in the sense that I adopt. I connect Lyotard’s concept of visuality with the understanding of discursiveness of art that I propose: as a field of productivity of meanings, a primary impulse of discourse; the thing that enables spe- aking and imaging, without which speech and image are impossible
Czy w sytuacji, gdy przeformułowaniu i poszerzeniu uległy zarówno pojęcia języka, jak i dyskursu oraz dyskursywności, można jeszcze rysować opozycję językowego dyskursu i sztuki, przeciwstawiać dyskursywność temu, co artystyczne? Aby odpowiedzieć na to pytanie, odróżniam pojęcia dyskursu i dyskursywności. Przenoszę to odróżnienie na poziom refleksji nad sztuką jako jedną z praktyk znaczących. Pokazuję, jak dekonstrukcja zachodnich dyskursów o sztuce towarzyszy rozpoznaniu dyskursywności sztuki przez Heideggera, Derridę, Marina; jak Merleau-Ponty poszukuje warunków produktywności znaczeniowej pod lub „przed” historycznie ustalonymi dyskursami i tym samym poszerza pojęcie dyskursywności sztuki w przyjętym przeze mnie rozumieniu; wiążę pojęcie wizualności u Lyotarda z proponowanym przez siebie rozumieniem dyskursywności sztuki: jako pola produktywności znaczeń, jako pierwotnego impulsu dyskursu; tego, co umożliwia mówienie i obrazowanie, bez czego nie da się mówić i obrazować.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2021, 23; 29-47
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 87.

Tytuł:

Botanical Microphotography in the Perspective of Philosophy of Culture

Autorzy:

Bogaczyk-Vormayr, Małgorzata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/781360.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

microphotography
botanic
Bio Art
alterity studies
environmental ethics
posthumanism
fine-art photography
philosophy of art
philosophy of culture

Opis:

The aim of this article is to briefly outline my own cognitive experience, characterized by knowledge transfer and aesthetic experience, which arises from making BioArt. Specifically, I do nature photography, using the micro-photography technique. In this article, I distinguish – in terms of methodology and value - between interdisciplinary research in the social sciences and the postulate of transdisciplinary research, which leads me to reject the so-called plantality model - a linguistic concept employed by G. Deleuze and F. Guattari (Rhizome). I argue for a critical approach to this line of post-humanist reflection on non-human life that is not characterized by knowledge transfer. The article includes a report on the course of my research (parts 2 and 3), and a reflection of its relevance to the philosophy of art and philosophy of culture (parts 1, 3, 3.1, 4). The report from my own research and artistic activity includes a description of the transformation of my working space, the process of acquiring new disciplinary tools and skills - an experience that I call a change of attitude - and a presentation of nature microphotography (mainly plant photography). I provide a technical commentary on the presented photographs with regard to the process of their creation (e.g. botanical and optical information related to the microscopic slides and equipment), as well as philosophical comments. The philosophical reflection includes the postulate of alterity, which, in my view, is endemic to post-humanist thought, as well as a postulate called the primacy of abstraction, which reflects the non-naturalistic, anti-illustrative, and interpretative character of artistic microphotography (in contrast to the illustrative nature of “the plantality discourse of philosophy”).

Źródło:

Ethics in Progress; 2019, 10, 2; 135-154
2084-9257

Pojawia się w:

Ethics in Progress

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 88.

Tytuł:

Towards science-based conservation of objects of cultural heritage

Autorzy:

Krajewska, Barbara
Pawcenis, Dominika

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/472486.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

cultural heritage,
aging and degradation,
art conservation,
education of art
conservators,
conservation chemistry,
postgraduate course of study

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia ad Didacticam Biologiae Pertinentia; 2017, VII; 5-9
2083-7267
2450-3487

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia ad Didacticam Biologiae Pertinentia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 89.

Tytuł:

Pierre Bourdieu on Art As Social Practice. The Defence of the Concept of the Autonomous Field of Cultural Production
Pierre Bourdieu o sztuce jako praktyce społecznej. Obrona koncepcji autonomicznego pola produkcji kulturowej

Autorzy:

Piotrowska, Maja

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593796.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

Pierre Bourdieu
teoria praktyki
autonomiczna produkcja kulturowa
poststrukturalizm
obrona autonomii sztuki
reguły sztuki
theory of practice
autonomous cultural production
poststructuralism
defence of the autonomy of art
the rules of art

Opis:

Celem artykułu jest namysł nad poststrukturalistyczną konceptualizacją praktyk społecznych i autonomicznych pól produkcji kulturowej w późnej twórczości Pierre'a Bourdieu, zmierzający w kierunku wyodrębnienia specyfiki autonomicznego pola sztuki i uchwycenia nastawienia auto¬ra wobec własnych konstrukcji teoretycznych. Autonomiczne pole sztuki rysuje się w tym kontek¬ście jako jedna z takich trwających wciąż struktur o charakterze historycznym, które umożliwiają produkcję i reprodukcję kultury; jako stosunkowo wolne od zewnętrznych nacisków, autonomicz¬ne pola produkcji kulturowej sprzyjają akumulacji wiedzy i wzmacniają potencjał refleksji. Jako takie – pole sztuki jest diagnozowane u Bourdieu jako współczesna wartość wymagająca obrony. Autorka wydobywając z konceptualizacji Bourdieu tę diagnozę, z którą się zgadza, stara się tak¬że wskazać najważniejsze tradycje humanistyczne, które, według niej, umożliwiły nowoczesne i współczesne ujęcia teorii praktyki oraz rozwój myśli Bourdieu w kierunku emancypacyjnym.
The article’s aim is to reflect on the late poststructuralist conceptualisations of social practices and autonomous fields of cultural production by Pierre Bourdieu in order to distin¬guish the specificity of the autonomous field of art and to grasp the author’s attitudes to these theoretical constructions. The autonomous field of art is being drawn in the late thought of the French thinker as one of the still existing structures of historical character enabling cultural production and reproduction that is relatively free from external pressures, favours the accu¬mulation of knowledge and enhances reflection. As such – it is diagnosed as a contemporary value in need of defence. The author of these considerations tries to extract this diagnosis, with which she agrees, form Bourdieu’s thought. She also attempts to point out the most important, according to her, humanistic traditions which enabled some selected approaches to the theory of practice of modernity and late modernity, and thus the development of Bourdieu’s ideas towards emancipation.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2019, 21; 69-83
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 90.

Tytuł:

Implementacje teoretycznych założeń wychowania estetycznego w pozainstytucjonalnej edukacji plastycznej w latach 80. XX wieku na przykładzie działalności grupy pARTner
Implementations of theoretical assumptions of aesthetic education in non-institutional arts education in the 1980’s based on the example of pARTner group activity

Autorzy:

Florczykiewicz, Janina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2216467.pdf

Data publikacji:

2018-02-09

Wydawca:

Akademia Humanistyczno-Ekonomiczna w Łodzi

Tematy:

wychowanie estetyczne
praktyka edukacji plastycznej
grupa pARTner
nowatorskie metody edukacji plastycznej
aesthetic education
the practice of art education
the pARTner group
innovative methods of art education

Opis:

W tekście zaprezentowano ideę nowatorskich działań z zakresu edukacji plastycznej, rozwijanych w latach 80. przez członków grupy pARTner. Proponowane przez nich działania, respektując postulaty rozwijanych wówczas w Polsce koncepcji wyrosłych na gruncie wychowania estetycznego znacznie wykraczały poza instytucjonalne formy zajęć plastycznych. Różnice dotyczyły również stawianych im celów i poglądów na rolę procesu twórczego w edukacji. Poprzedzająca te rozważania analiza statusu sztuki we współczesnej teorii wychowania, tworzy teoretyczny kontekst dla prezentowanego zagadnienia.
The article presents the idea of innovative actions in the field of artistic education, which were developed in the eighties in the twentieth century by members of the pARTner group. Proposed actions, while respecting demands developed the concept in Poland grown on the basis of aesthetic education, went beyond institutional forms of art classes. Differences also focused on its objectives and views on the role of the creative process in education. Analysis of the status of art in the contemporary theory of aesthetic education, which preceded these considerations, create the theoretical framework for the presented problem.

Źródło:

Kultura i Wychowanie; 2017, 12; 147-164
2544-9427
2083-2923

Pojawia się w:

Kultura i Wychowanie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 91.

Tytuł:

WYSCHNIĘTE ŁZY Pamięć Zagłady w sztuce współczesnej

Autorzy:

Nieczyporowski, Roman

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487661.pdf

Data publikacji:

2017-12-12

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Tematy:

Auschwitz
Holocaust
monument motive of death art

Opis:

The smoke stacks of Auschwitz have changed our perception of the world for ever, and even though so many years have passed since the end of the 2nd world war, the memory of the Holocaust is still alive. A great merit can be attributed to the artists, who constantly remind us of the time of Shoah with their works. The most visible here are the „monument” realizations in Treblinka (by Franciszek Duszeńko and Adam Haupt), Belżec (by Zdzisław Pidek with the team: Marcin Roszczyk and Andrzej Sołtyga), Buchenwald (by Horst Hoheisel and Andreas Knitz), as well as Berlin (Peter Eisenman’s project), in which the main emphasis was put not only on the sculptural form, but rather on the commemorative aspect of each concept. The memory of Shoah and the motif of death have become one of the main factors changing the aesthetics of the second part of the 20th century. Wywód otwiera analiza najważniejszych założeń pomnikowych, następnie autor omawia wybrane realizacje artystyczne, zarówno malarskie jak i instalacyjne, całość kończy zaś przykładami podejmowania tego tematu w książkach obrazkowych dla dzieci. The disquisition is started with the analysis of the most important monument concepts, then the author discusses selected artistic realisations, both from the field of painting and installation art, while the whole is concluded with examples of treating this subject in picture books for kids.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2017, 24; 64-84
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 92.

Tytuł:

Why Do We Need the Term “Art”?
Dlaczego jest nam potrzebny termin „sztuka”?

Autorzy:

Sztabiński, Grzegorz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593845.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

niedefiniowalność pojęcia „sztuka”
„koniec sztuki” (A. Danto)
sztuka po końcu sztuki
teoretyzowanie z niepewnością
„sztuka” jako kategoria integrująca
indefinability of the term “art”
“end of art” (A. Danto)
art after the end of art
theorizing with uncertainty
“art” as an integrative category

Opis:

W artykule podjęta została refleksja nad współczesną sytuacją, w której termin „sztuka” jest szeroko stosowany, ale bez podejmowania prób uściślenia jego znaczenia lub definiowania go. Sytuacja ta dotyczy zarówno obszaru estetyki, gdzie rozważania nad pojęciem sztuki zanikły od kilku dekad, jak wypowiedzi krytyków i artystów. Punktem wyjścia prowadzonych tu rozważań jest stan, jaki miał miejsce w latach 50. i 60. XX wieku. W myśli estetycznej pojawiły się wówczas poglądy wskazujące na niedefiniowalność pojęcia „sztuka” (np. stanowisko Morrisa Weitza) oraz tendencje do wskazywania innych sposobów użycia tego terminu, niż poznawczy – uwzględnienia jego charakteru oceniającego, perswazyjnego itp. W latach 90. ważnym głosem w tej sprawie były teksty Arthura C. Danto, który ujmował zagadnienie w kontekście swojej teorii „końca sztuki”. Koniec ten nie oznaczał kresu twórczości artystycznej, a tylko zmianę polegającą na zakończeniu się ery sztuki jako problemu teoretycznego. W XX wieku zarówno w tworzonych dziełach, jak pisanych tekstach, próbowano ustalić, czym jest „sztuka prawdziwa”. Dziś natomiast wszystkie znaczenia słowa „sztuka” stają się ważne. Życie artystyczne, według Danto, układa się więc bardziej pokojowo, bez „czystek etnicznych”. Jak zatem motywuje się włączanie poszczególnych praktyk do obszaru sztuki? Uważam, że często następuje to na zasadzie podobnej do gry w domino. Ilustruję tę tezę za pomocą polskiego przykładu - koncepcji „sztuki ze społeczeństwem” realizowanej od 2011 roku w warszawskiej dzielnicy Ursus. Tekst kończą refleksje odnoszące się do współczesnego „teoretyzowania z niepewnością”. Pojawia się teza, że termin „sztuka” pełni dzisiaj przede wszystkim rolę integrującą wobec różnorodnych działań, dla których inaczej trudno byłoby znaleźć stosowną kategorię.
The article reflects on the contemporary situation in which the term “art” is broadly used, albeit without attempting to clarify its meaning or define it. This situation concerns both the area of aesthetics, where the deliberations on the concept of art have been abandoned for several decades, as well as the statements of critics and artists. The starting point of the reflections presented here is the situation that occurred in the 1950s and 1960s. In the aesthetic thought there appeared views pointing to the indefinability of the term “art”. (e.g. the stand of Morris Weitz) and the tendencies to indicate other usages of this term, than cognitive – to consider its evaluative, persuasive, etc. character, etc. In the 1990s, Arthur C. Danto's texts were an important contribution to this issue, commenting on the subject in the context of his theory of the “end of art”. That “end” did not mean the end of artistic crea-tivity, but only a change consisting in the end of the era of art as a theoretical problem. In the 20th century, both in created works and in written texts, attempts were made to establish what “true art” is. Today, however, all meanings of the word “art” become important. Artistic life, according to Danto, is therefore more peaceful, free from “ethnic cleansing”. How, then, do we motivate the inclusion of particular practices in the area of art? I believe that it often happens on a similar basis to playing dominoes. I illustrate this thesis with the use of the Polish example – the concept of “art with community” implemented since 2011 in the Warsaw district of Ursus. The text ends with reflections on contemporary “theorizing with uncertainty”. There is an assertion that the term “art” plays an integrating role in the face of various activities, for which otherwise it would be difficult to find an appropriate category.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2019, 21; 19-35
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 93.

Tytuł:

Art brut oder die Überwindung der Biomacht

Autorzy:

Bogaczyk-Vormayr, Małgorzata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/781434.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Art brut
outsider art
philosophy of art
biopolitics
art therapy
alterity
inclusion
clinics
illness
trauma
creativity
self-unfolding

Opis:

In this comprehensive paper, I present the thesis that the clinical biopower-which means biopouvoir according to Michel Foucault-can be countered with the help of artistic ability. In this sense, the psychiatric clinic may turn into a space of inclusion, respect, and true self-unfolding. Following Jean Dubuffet, I give a definition of art brut and analyze some works of German and Austrian outsiders of the 20th century, who succeeded in overcoming life-crises, such as childhood poverty, experiences of war, psychical illness, or social ostracism. I match the biopolitical character of psychiatry clinics against the most recent ideas of art therapy. The remainder of the article is organized in four parts: (1) Introduction: Raw Art, (2) Alterity: Beyond of Normality and Pathology, (3) Talent for Sovereignty, (4) Conclusion: The Between.

Źródło:

Ethics in Progress; 2014, 5, 2; 77-102
2084-9257

Pojawia się w:

Ethics in Progress

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 94.

Tytuł:

Leon Chwistek; many realities; manifold reality; model theory; ontological relativism; ontology; logic

Autorzy:

Mirek, Ryszard

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/437169.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie. Instytut Filozofii i Socjologii

Tematy:

philosophy of art
perspective in painting
geometry in art perception
reasoning and aesthetic perception

Opis:

My goal here is to provide a detailed analysis of the methods of inference that are employed in De prospectiva pingendi. For this purpose, a method of natural deduction is proposed. The treatise by Piero della Francesca is a manifestation of a union between the fine arts and the mathematical sciences of arithmetic and geometry. He defines painting as a part of perspective and, speaking precisely, as a branch of geometry, which is why we find advanced geometrical exercises here.

Źródło:

ARGUMENT: Biannual Philosophical Journal; 2014, 4, 2; 425-438
2083-6635
2084-1043

Pojawia się w:

ARGUMENT: Biannual Philosophical Journal

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 95.

Tytuł:

Chwasty i ruiny. O związkach krajobrazu i pamięci w projekcie Chwasty Karoliny Grzywnowicz

Autorzy:

Anna, Gańko,
Anna, Wandzel,

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/897627.pdf

Data publikacji:

2018-08-01

Wydawca:

Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego

Tematy:

plants
weeds
anthropology of art
field study
landscape
memory
materiality
environment

Opis:

The article describes Karolina Grzywnowicz’s Chwasty (Weeds) project. In order to provoke the recipients to reflect on the life of the resettled people, the artist cut out a piece of the Bieszczady meadow and transferred it to Warsaw, where the installation was accidentally mowed. Attempting to answer the question why Weeds were destroyed, we examine how accurate the artist’s recognition is that the Bieszczady landscape is a carrier of memory of the resettled people, and then we prove that the part of the meadow, which in the Bieszczady co-created the keenly practiced landscape, is alienated and transformed into a commodity, and thus it loses its culture-forming functions. The project and the concept of landscape closely related to it are analysed from two complementary perspectives: field experience and anthropology of art.

Źródło:

Przegląd Humanistyczny; 2018, 62(1 (460)); 105-120
0033-2194

Pojawia się w:

Przegląd Humanistyczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 96.

Tytuł:

Repräsentative Kunstwerke aus dem deutschsprachigen Raum im DaF-Projektunterricht

Autorzy:

Gorąca, Gabriela
Jourdy, Natascha

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/917982.pdf

Data publikacji:

2011-01-01

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Works of art in a FLT
Competences
Project
Workshops
Teamwork
German

Opis:

Project is one of the most stimulating and motivating form of working in group, so therefore it should be considered as an important element of a FLT. To prove this statement, it was conducted a project with students of Applied Linguistics, whose main idea was connected with the description of an inside and outside perspective of the representative paintings from the German speaking countries. The results of this initiative were fertile for both, lecturer and students and they will be described in the presented paper.

Źródło:

Glottodidactica. An International Journal of Applied Linguistics; 2011, 37, 1; 107-116
0072-4769

Pojawia się w:

Glottodidactica. An International Journal of Applied Linguistics

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 97.

Tytuł:

Poezja i malarstwo o starości kobiet – wiersze Anny Świrszczyńskiej w dialogu z wybranymi obrazami
Poetry and Painting about the Old Age of Women – Poems by Anna Świrszczyńska in Dialogue with Selected Paintings

Autorzy:

Gajak-Toczek, Małgorzata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1848107.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej

Tematy:

Anna Świrszczyńska
old woman
works of art
stara kobieta
dzieła sztuki

Opis:

Celem artykułu jest ogląd tożsamości starej kobiety na przykładzie utworów Anny Świrszczyńskiej, które porównano z wybranymi pracami malarskimi. Podkreślono, że specyfika kreacji artystycznej poetki, jej sposób prezentacji kobiecego punktu widzenia na wszelkie zjawiska i uczucia, nie prowadziła do negacji rzeczywistości męskiej, lecz stanowiła jej uzupełnienie. Zamierzona interdyscyplinarność dyskursu ma uzasadnienie w przekonaniu, że różnorodność językowego przekazu zwielokrotnia siłę oddziaływania sztuki oraz empatycznie orientuje odbiorców na niepowtarzalność i jednostkowość doświadczenia egzystencjalnej relacji podmiotu ze światem w dziełach sztuki.
The aim of the article is to look at the identity of an old woman on the example of works by Anna Świrszczyńska, which were compared with selected paintings. It was emphasized that the specificity of the poet’s artistic creation, her way of presenting a woman’s point of view to all phenomena and feelings, did not lead to the negation of male reality, but constituted its complement. The intended interdisciplinary nature of discourse is justified by the belief that the diversity of linguistic message multiplies the strength of art’s influence, empathically orientates recipients to the uniqueness as well as the individuality of the subject’s existential relationship with the world in works of art.

Źródło:

Annales Universitatis Mariae Curie-Sklodowska, sectio N – Educatio Nova; 2020, 5; 252-264
2451-0491

Pojawia się w:

Annales Universitatis Mariae Curie-Sklodowska, sectio N – Educatio Nova

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 98.

Tytuł:

Architektoniczne notacje
Architectural notations

Autorzy:

Słuchocka, Katarzyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1835732.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Politechnika Wrocławska. Oficyna Wydawnicza Politechniki Wrocławskiej

Tematy:

obrazowanie architektury
obiekt
dzieło sztuki
architecture imaging
object
work of art

Opis:

Artykuł podejmuje zagadnienia związane z percepcją architektury, z uwzględnieniem procesów sensorycznych, w głównej mierze służących do wyodrębniania cech obiektów (kolor, forma, wielkość, faktura, temperatura itd.) a implikujących dialog poznawczy zachodzący pomiędzy odbiorcą-użytkownikiem i przestrzenią. Uznawana za symbol podstaw oraz komfortu egzystencji przestrzeń egzystencjalna, w kontekście poznawczym, jest elementarną składową większych w skali zespołów, które poszerzając zasięg oddziaływania, anektują w swoją strukturę poszczególne części, by oscylować wokół najistotniejszych dla człowieka potrzeb i ich realizacji. Celem prowadzonych badań jest zwrócenie uwagi na istotną funkcję zobrazowanych przestrzeni, odgrywających rolę komunikatu w kodzie językowym, w którym duże znaczenie ma charakter danej przestrzeni, zwrotnie przekładając się na jakość samego obrazu. Obiekt architektoniczny, traktowany jako dzieło sztuki, warunkuje formę przedstawienia-zobrazowania, jednocześnie wzmacniając relacje pomiędzy odbiorcą a konkretną przestrzenią lub jej fragmentem. Niezależnie od stopnia nasycenia związku emocjonalnego autora kreacji z kontekstem obraz przestrzeni (przestrzeń zobrazowana) kieruje uwagę na walory, szczegóły, zjawiska przynależne ściśle do określonych miejsc. Współzależność działań plastycznych oraz technicznego charakteru pracy architekta wzbogaca ofertę możliwości sposobu prowadzenia procesów projektowych, podkreślając wagę zależności pomiędzy dziedziną nauk technicznych i sztuk plastycznych.
The article presents the processes involved in the perception of architecture, including the sensory processes inherent in the differentiation of features of facilities (colour, form, size, texture, temperature, etc.) which imply a cognitive dialogue between space and its user. Existential space deemed as a designator of basic living conditions and comfort assumes another meaning in the cognitive context, where it constitutes a basic component of larger forms which expand by annexing individual components within its structure to address and meet the most vital needs of man.The research aims to highlight the important function of space represented in images. Such images then play certain roles in our verbal communication, which is predetermined with the nature of the portrayed space, and as such translates into the quality of the picture/drawing/image itself. An architectural facility perceived as a piece of art underlies the form of its representation/imaging and strengthens the relations between particular space or a part thereof and its user. Irrespectively of the degree of emotional saturation existing between the designer and the context, the image of space (space imaging) attracts the viewers’ attention to the qualities, details or phenomena closely correlated with particular places. The process of transforming independent ideas of the author into the artistic expression effectively reveals the purposefulness of the application of the cognitive approach which allows for self-corrections of the design processes. Such an approach simultaneously demonstrates correlations between engineering and fine arts.An image of an architectural facility can be a source of extensive information thereon and, in the form of design documentation, it can further, testify to individual approaches of the globally renowned leaders in the field and evidence the interdisciplinary nature of the profession of an architect. Therefore, the communicative and educative values of such images need to be particularly exposed and protected. As such they should rank higher both in the design process and collections of works classified as our national heritage.The adopted research methods consist in the observations and the analysis of hand-made drawings and pictorials combined with the heuristic approach to architectural designing. This methodology assumes that the selection of observations made in the specific conditions of perception of architecture and its designing transposed upon autonomous artistic activities in fine arts in relation to a specific goal – being the optimisation of architectural output – will define the efficiency of interdependencies and correlations between the input data and, thus, will form a logical continuum, which implies the compliance with the guidelines discussed herein.

Źródło:

Architectus; 2020, Nr 4 (64); 23-36
1429-7507
2084-5227

Pojawia się w:

Architectus

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 99.

Tytuł:

The Transformation of Ugly into Beautiful in the Literature of Decadence

Autorzy:

Fuchs, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/504782.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Komisja Nauk Filologicznych Polskiej Akademii Nauk, Oddział we Wrocławiu

Tematy:

Decadence
beauty
ugliness
Anti-classicism
Anti-naturalism
the power of art

Opis:

The transformation of ugly into beautiful is a feature of decadent literature. The embellishment of ugliness was important for the decadents to distinguish themselves from the followers of Classicism, who rejected the close representation of ugliness, from the naturalists who inserted ugliness in their works for the sake of a faithful representation of reality, and from such writers and theorists, who allowed the representation of ugliness only on condition that it turns the attention to its opposite, i.e. the beauty. The decadents, by inserting ugly subjects in their works, wanted to prove the power of art, which can embellish ugliness too. By their artistic solutions, the decadents showed that ugly subjects need not be banished from literature, because the form of a work is more interesting than the subject. Huysmans writes on his hero, Duke Des Esseintes: “only the work of his brain [the writer’s] insterested him, regardless of the subject” (2009: 244). The decadent embellishment of ugliness had influence on the later periods of literature too. Even if there are important differences between Decadence and Avant-garde, the concept that art can embellish ugliness was a prior condition of the birth of the historical Avant-garde trends.

Źródło:

Academic Journal of Modern Philology; 2015, 4; 33-40
2299-7164
2353-3218

Pojawia się w:

Academic Journal of Modern Philology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 100.

Tytuł:

Inscenizacje Parsifala Richarda Wagnera na Festiwalu w Bayreuth. Od sekularyzmu do postsekularyzmu
Stage productions Parsifals of Richard Wagner at The Festival in Bayreuth: From secularism to postsecularism

Autorzy:

Kaczmarek, Jerzy

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/546204.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Religioznawcze

Tematy:

sekularyzm
postsekularyzm
Richard Wagner
socjologia sztuki
secularism
postsecularism
sociology of art

Opis:

In this article, I would like to analyse two stage productions Parsifals of Richard Wagner at the Festival in Bayreuth. The first production from the years 2008-2012 is made by Stefan Herheim and has in the center the problems of history, politics and psychoanalysis. The second production from the years 2016-2019 is made by Uwe Eric Laufenberg and has in the center the problems of religions and faith. The both productions can be indicators for the processes of secularism and postsecularism in the contemporary world and I would like to show that we can observe this processes also in art.
Richard Wagner był jednym z największych kompozytorów w historii muzyki, twórcą przede wszystkim dzieł operowych, a jednocześnie teoretykiem sztuki. Jego ostatnim utworem muzycznym jest misterium sceniczne w trzech aktach Parsifal, którego premiera odbyła się 26 lipca 1882 r. podczas Festiwalu w Bayreuth. Po śmierci Wagnera, która nastąpiła rok później, Parsifal był dramatem muzycznym cieszącym się do dziś niezwykłą popularnością i wystawianym niezliczoną ilość razy – najpierw w Bayreuth, a potem na całym świecie.

Źródło:

Przegląd Religioznawczy; 2018, 1/267
1230-4379

Pojawia się w:

Przegląd Religioznawczy

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce