Skocz do pozycji: 1.

Tytuł:

Tomorrow is the fear. Lęk przed technologią w twórczości grup rockowych i metalowych
Tomorrow is the fear. Fear of technology in rock and metal groups’ works

Autorzy:

Małczyński, Bartosz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1853757.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Narodowe Centrum Kultury

Tematy:

kultura rocka
metal music studies
audiowizualność
katastrofizm
kultura popularna
rock music culture
audio-visuals
catastrophism
popular culture

Opis:

This sketch analyses the series of images used by rock and metal bands (King Crimson, Voivod, Pestilence) on their selected album covers. They depict a distinctive motif of a face wincing because of some extreme traumatic sensation. Sources of theses extreme emotions are various, but one of the most significant is a sudden awareness of threats deriving form the unstoppable development of technology. Selected lyrics focusing on ominous and dystopian themes are also reflected upon and analysed. Their content clearly confirms the presence of fears and obsessions embedded in rock and metal music.

Źródło:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka; 2018, 101, 2; 157-173
1230-4808

Pojawia się w:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 2.

Tytuł:

Dryfujemy w stronę niezrównoważonego rozwoju
Drifting towards unsustainable development

Autorzy:

Janukowicz, Maria

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/629059.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Uniwersytet Humanistyczno-Przyrodniczy im. Jana Długosza w Częstochowie. Wydawnictwo Uczelniane

Tematy:

cyberkultura
techno
człowieczeństwo
cyberczłowiek
cyberculture
humanity
cyber addict
techno music culture

Opis:

For a long time now, the sustainable development theory has been considered to be of fundamental importance in today’s world. It is usually viewed in terms of sociocultural, environmental and economic aspects. In this context, the significance of integral development of personality has been emphasised by the author. However, she finds it increasingly difficult, even impossible to achieve its goals. It should be noted that virtual madness can be seen as an attempt to strip individuals of their humanity. Nowadays, individuals tend to rush to adopt new technologies and to acquire the skills of gathering information and benefiting from technological innovations, completely overlooking another man. Consequently, interpersonal relationships recognised as exerting a profound influence on shaping an individual’s spirituality may weaken. Moreover, bold attempts to conquer the virtual world seem to be made in isolation from the real world, which does not promote sustainable human development.
Od dawna teorię zrównoważonego rozwoju uważa się za pryncypialną dla istnienia świata. Zwykle postrzegana jest ona w perspektywie społeczno-kulturalnej, środowiskowej i ekonomicznej. Na tym tle mówi się też o potrzebie integralnego rozwoju osobowości człowieka. Niestety, staje się on coraz bardziej niemożliwy, na co wskazuje autorka tekstu. Nietrudno zauważyć, że jesteśmy świadkami wirtualnego szaleństwa, które odziera istotę ludzką z jej człowieczeństwa. Pędzimy w kierunku nowych technologii, nabieramy coraz większych umiejętności zdobywania informacji, korzystania z nowinek technologicznych, nie dostrzegając obok siebie drugiego człowieka. Zawężeniu ulegają kontakty interpersonalne, które w największym stopniu kształtują naszą duchowość. Dokonujemy coraz śmielej podboju świata wirtualnego, izolując się od realnie otaczającej nas rzeczywistości, a to nie sprzyja znów zrównoważonemu rozwojowi człowieka.

Źródło:

Podstawy Edukacji; 2016, 9; 97-111
2081-2264

Pojawia się w:

Podstawy Edukacji

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 3.

Tytuł:

Mecenat muzyczny Habsburgów na jezuickim Śląsku
The Music Patronage of the House of Habsburg in the Jesuit Silesia

Autorzy:

Jeż, Tomasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2036971.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

Jezuici
Habsburgowie
Śląsk
kultura muzyczna
Athanasius Kircher
polityka
Jesuits
Habsburgs
Silesia
music culture
politics

Opis:

W procesie rozpowszechniania w Europie nowego stylu barokowej muzyki włoskiej istotną rolę odegrał mecenat Habsburgów. Jego historyczne i kulturowe znaczenie spotęgowały związki tej rodziny z Towarzystwem Jezusowym. Bliskie relacje między władzą świecką a elitami duchownymi epoki potrydenckiej stworzyły specyficzny rodzaj symbiozy społecznej, która pozwala na lepsze rozumienie kultury nowożytnej. Zjawisko to można obserwować na obszarach intensywnej konfrontacji konfesyjnej i politycznej, np. takich jak Śląsk, który był przedmiotem zarówno świeckiej i religijnej rekonkwisty. Ważnym jej elementem była muzyka wykonywana przez uczniów jezuickich konwiktów, finansowanych przez Habsburgów. Muzyka służyła jako język reprezentacji społecznej i medium rekonstrukcji tożsamości społeczności lokalnych na poziomach: parafii, miast, księstw, państw i całego imperium. Stymulowany przez Habsburgów i jezuitów mecenat muzyczny nie ograniczał się do pałaców i kościołów; dotyczył także muzyki wykonywanej w przestrzeni publicznej. Muzyka służyła więc potrzebom pragmatycznym i reprezentacyjnym; miała też niemałą wartość artystyczną.
In the process of dissemination in Europe of the new, early-seventeenth-century Italianate style in music, an important role was played by the House of Habsburg. Its historic and cultural significance was increased by close contacts of the members of this family, ruling in many lands on our continent, with the Society of Jesus, one of the most important religious circles in this period. Long-term relationships between the secular authorities and the spiritual elites of the post-Tridentine era created a kind of social symbiosis of the highest importance for a proper understanding of the early modern culture. This phenomenon can easily be observed in areas of confessional and political confrontation, such as Silesia, which was the subject of both secular and religious reconquest. One of the weapons in this cultural war was the music performed by the students of the Jesuit boarding schools in this region and financed by the foundations established by the Habsburgs: by the successive emperors and their children, who played important political functions in the area. Both sides of this relationship regarded music as a language of social representation and a medium for the reconstructed identity of the local communities on various levels: parishes, cities, duchies, countries, the Empire and the university. The repeated efforts at music patronage, stimulated by the House of Habsburg and undertaken in the Jesuit circles, were not limited to their residences and churches. The new soundscape of this culture quickly gained dominance in the city councils, schools, streets and squares. The music performed in this context was to be first of all very pragmatic and answer the current needs, which was not favourable to its later preservation. Aware of the musical taste of Habsburg family members, one should not, however, underestimate its artistic value. The archival records that correspond to the preserved music sources from this environment seem to confirm the above claims.to its later preservation. Aware of the musical taste of Habsburg family members, one should not,

Źródło:

Roczniki Teologiczne; 2017, 64, 13; 23-43
2353-7272

Pojawia się w:

Roczniki Teologiczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 4.

Tytuł:

Pieśń żydowska na estradach koncertowych Pragi czeskiej w dwudziestoleciu międzywojennym
Jewish songs performed in concert venues in Prague during the period between the two world wars

Autorzy:

Jaczyński, Michał

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28408937.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

kultura muzyczna
Europa Środkowa
Praga
pieśń żydowska
muzyka synagogalna
music culture
Central Europe
Prague
Jewish song
Synagogue music

Opis:

Charakterystyczną cechą międzywojennej kultury muzycznej Pragi – jednego z czołowych ośrodków kultury muzycznej w ówczesnej Europie Środkowej, była wielokulturowość. Miasto – szczególnie jego część niemieckojęzyczna – było otwarte m.in. na kulturę żydowską. Już we wczesnych latach 20. XX wieku można obserwować nastanie w Pradze mody na pieśń żydowską. Wykonywali ją w czołowych salach koncertowych Pragi (Urania, Mozarteum, Pałac Lucerna, sala niemieckiego teatru i in.) w języku hebrajskim oraz jidysz miejscowi i przyjezdni kantorzy oraz zawodowi śpiewacy specjalizujący się w żydowskim repertuarze, w tym liczni przybysze z terenów byłej Rosji. W pierwszej części artykułu autor nakreśla genezę zjawiska popularności pieśni żydowskiej (szerzej zaś: muzyki żydowskiej) na estradach koncertowych Pragi w okresie międzywojennym (wśród omawianych czynników wymienić można m.in. ruch koncertowy kantorów, zwiększenie popularności badań nad muzyką synagogalną i żydowską muzyką ludową, działalność promocyjną europejskich wydawców muzycznych oraz stanowisko czeskiej prasy wobec muzyki żydowskiej), a ponadto wskazuje prawdopodobne źródła żydowskiego repertuaru pieśniowego wykonywanego w Europie Środkowej. Dalszą część artykułu stanowi kronika prezentacji pieśni żydowskiej, zarówno w jej wersji synagogalnej, artystycznej, jak i ludowej (w postaci występów tak żydowskich, jak i nieżydowskich artystów: kantorów, śpiewaków operowych i kabaretowych, recytatorów) na praskich estradach dwudziestolecia międzywojennego, obejmująca listę wykonawców oraz – w miarę możliwości – wykonywane utwory. Zebrane materiały prasowe dotyczące recepcji tych występów zostały poddane analizie jako dokumenty ilustrujące stosunek praskiej publiczności, także „nieżydowskiej” (termin ten autor wprowadza jako kalkę stosowanego w ośrodkach niemieckojęzycznych przed wojną określenia Nichtjuden, nichtjüdisch) do muzyki żydowskiej i szerzej – żydowskiej społeczności. Kwerenda prasowa objęła międzywojenne dzienniki praskie („Prager Presse” i „Prager Tagblatt”) oraz czołowe muzyczne czasopismo Pragi „Tempo. Hudební Listy”.
A distinguishing characteristic of the music culture of Prague, which was then one of the leading centres of music culture in Central Europe, was its multiculturalism. The city, and its German-speaking part in particular, was receptive – among other influences – to Jewish culture. As early as in the 1920s, it could be observed that Jewish songs were becoming in vogue in Prague. They were performed in the major concert halls in Prague (Urania, Mozarteum, The Lucerna Palace, the hall of the German theatre, and others) in Hebrew and in Yiddish by local and visiting cantors and professional singers specializing in Jewish repertoire, including many newcomers from the territories of former Russia. In the first part of the article, the author discusses the origins of the popularity of Jewish songs (or, broadly speaking, Jewish music) in the concert venues of Prague during the period between the two world wars (the contributing factors included cantors' concert movement, the rising popularity of research into synagogue music and Jewish folk music, the marketing activities of European music publishers and the stance of Czech press on Jewish music); also, the author identifies the probable sources of the repertoire of Jewish songs performed in Central Europe. In the latter part of the article, the author chronicles the performances of Jewish songs in their synagogue, art and folk versions (performed by both Jewish and non-Jewish artists: cantors, opera and cabaret singers, or reciters) in the Prague venues during the prewar period, listing the performers and, where possible, the compositions. The gathered press materials concerning the reception of those performances have been analyzed as documents of the attitude of the Prague audiences, including non-Jewish listeners (the author uses the term 'non-Jewish' as a loan translation of the German words 'Nichtjuden', 'nichtjüdisch', used by German-speaking circles before the Second World War), to Jewish music and, in broader terms, to the Jewish community. The preliminary search of press materials covered daily newspapers published in Prague during the pre-war period (Prager Presse and Prager Tagblatt) and the then-leading music periodical in the city, Listy Hudební Matice and Tempo.

Źródło:

Muzyka; 2018, 63, 2; 27-42
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 5.

Tytuł:

Max Filke (1855–1911) i jego warsztat kompozytorski na przykładzie preludiów organowych ze zbioru Eduarda Stehlego
Max Filke (1855–1911) and his compositional workshop on the example of organ preludes from the collection of Eduard Stehle

Autorzy:

Szendzielorz, Ewelina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/570377.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Uniwersytet Opolski. Diecezjalny Instytut Muzyki Kościelnej. Katedra Muzykologii Uniwersytetu Opolskiego

Tematy:

Max Filke
śląska kultura muzyczna
muzyka religijna
twórczość organowa
preludia na organy
Silesian music culture
religious music
organ creativity
preludes for organs

Opis:

Looking at the tradition and heritage of the Silesian land, it can be concluded that over the centuries it has become a culturally distinct European borderland formed by the influence of three mutually interpenetrating cultures: Polish, Czech and German, as well as different religions: Catholic and Protestant. All these factors have made the map of Silesia a peculiar mosaic of multicultural colors, thanks to which this area was marked by the unusually rich legacy of centuries-old activities of distinguished figures for whom the mentioned diversity was a source of creative inspiration. The nineteenth century became an extremely interesting historical moment. Europe was overwhelmed by the spreading romantic current, filled with strong emotionality, and new currents coming from various directions. Various musical styles, forms and genres began to develop and transform. At the same time, however, this century was dominated by one more rapidly developing trend, which was the then Cecilian movement, postulating the renewal of church music and a return to the roots by modeling on Gregorian chorale and Palestrina's polyphony. It should be noted that it was the Silesia where the Cecilian ideas were widely disseminated and implemented in the common composing practice. Max Filke (1855–1911), a composer, musician, conductor, bandmaster and teacher, lived and carried out his extensive activities between these two poles. He was born in Ściborzyce Małe near Głubczyce in the Opole region, where he took his initial steps in the field of music under the supervision of native authorities, and his first teacher was Moritz Brosig (1815-1887) - a titled organist of the Wrocław cathedral with outstanding composing skills. He studied in Regensburg - a city that is a center of Cecilianism, drawing on local church music patterns, and then practicing in various German environments as a conductor of choirs and instrumental ensembles. In the end, however, he returned to the Silesian land, due to the job of the bandmaster of the Wrocław cathedral, and he remained there for the rest of his life. Looking through the rich opus vite of Filke, one can find confirmation of the mentioned bipolar reality. His work includes compositions referring to Palestrina's exemplary style, which is evident not only in the chamber cast, but also in the manner in which the voices are conducted and the exposed vision of Renaissance harmony is built. This style, however, is intertwined with songs externalizing a completely different, more monumental sound mass, characterizing typical romantic sound. Thus, Filke's compositions show a gradual evolution of his style. He began his creative work as a faithful follower of Cecilianists, but as soon as he took the Wrocław position, he began to combine existing patterns with local tradition. The influences of the New German school and the achievements of the most outstanding artists of the Romantic era were also certainly indifferent. It should be emphasized, however, that the composer's overall activity was undoubtedly guided by the overriding purpose of liturgical service to God. The era of Romanticism and the reforms of church music resulting from it contributed to the increased interest in organ composing, after relatively little interest in this instrument in the second half of the 18th century. Both concertos and virtuoso compositions were created, as well as utilitarian compositions closely related to liturgy and the then popular practice of "preluding" during services. It should also be noted that Silesia was a special area in the field of organ building development. It was in these areas that multi-generational organ companies were active, which built numerous opuses of high-quality instruments, taking into account the latest trends and tendencies arising in pan-European organ craftsmanship. The nineteenth century, in turn, contributed to the development of organ factories that built instruments on a larger scale. Thanks to this, many smaller parishes gained organs at that time, which in turn contributed to more effective propagation of church singing and music in Silesia. In turn, equipping the temples with noble instrumentation generated a demand for valuable music, properly fitting into liturgical celebrations, as well as performed at the appropriate level. Although in Silesia there were two different religious denominations next to each other: Catholicism and Protestantism, in both cases organs and organ music played an important role in celebrating rituals. Wrocław was the leading Silesian center for organ music. Outstanding organists, virtuosos, composers and pedagogues gathered around individual churches and the Institute of Church Music of the University of Wrocław. In the nineteenth century, organ music was an extremely important element of Silesian music culture, becoming at the same time one of the determinants of its wealth. In 1892, a collection under the editorship of Santgallen bandmaster Eduard Stehle entitled Praeludia organi ad singulas partes cantus gregoriani quem Graduale Romanum authenticum exhibit was printed. It contains compositions of 30 authors, including the name of Filke. The publication contains organ preludes composed on the basis of Gregorian processional chants of the Holy Mass, such as: Introit, Offertorium i Communio, for Sunday and holiday days of the liturgical year. Max Filke's preludes included in the collection are in the form of short organ miniatures, each of which can fit a maximum of one printed page. Such requirements set them a liturgical purpose, to which the composer fully surrounded, while making every effort to create sound constructions. For this purpose, he does not use melodic material faithful to Gregorian chant, which would consist of more or less developed harmonization of cantus firmus, thanks to which the prelude becomes a peculiar composition, inspired by a specific liturgical form and mass antiphon text, with a motivational reference to the Gregorian melody. It should be noted that, although Filke points to a specific Gregorian modus in each of the songs, he does not use pure modality, which was a common practice during this period. His works, however, are characterized by modal cadences, or rather more precisely - they refer to modal cadences. The composer uses harmony efficiently, successfully uses imitative, figurative and polyphonic techniques, as well as motivational correspondence between voices. The structural-tonal basis, dictated by a close relationship with a specific composition, having its source in the Gregorian chant, affects the expression and emotional side of the song, and also builds its symbolism, as Gregorian singing and the content it brings are rooted in centuries-old history and Church heritage. Although the presented preludes are only small instrumental miniatures, they fulfill an extremely important liturgical space. The practice of "preluding" was once an integral part of the liturgy celebrated in Latin, which was a common phenomenon. So the composers wrote numerous songs referring to individual parts of the Mass. Organ music thus entwined almost the entire liturgy, acting as an important and inseparable element of liturgical celebrations. And in this context, one could treat Max Filke's preludes, even in modern times. This music, inspired by the first and most important singing of the church, and at the same time by its spirituality and deeply rooted tradition, fully with its character fits into the frames of sacred rites, being able to successfully reach the hearts of the faithful and accompany them in prayer meditations.

Źródło:

Folia Organologica. International yearbook of organ and organ music; 2020, 3; 115-141
2657-6082
2719-3284

Pojawia się w:

Folia Organologica. International yearbook of organ and organ music

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 6.

Tytuł:

Muzyka w służbie klasztornej dyplomacji
Music in the service of monastic diplomacy

Autorzy:

Walter-Mazur, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28408352.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

kultura muzyczna w XVIII wieku
benedyktynki
Marianna Siemianowska
kasaty
Sandomierz
18th-century music culture
Benedictine Nuns
dissolution

Opis:

W XVII i XVIII wieku status ksieni żeńskiego klasztoru był zbliżony do statusu feudalnego władcy. Reprezentowała ona klasztor wobec władzy duchownej i świeckiej, oraz czuła się odpowiedzialna za jego materialny dobrostan, skąd nierzadko wynikała konieczność utrzymywania dobrych relacji i pertraktowania z osobami, od których klasztor był w jakimś względzie zależny. Dobre stosunki należało utrzymywać także z opiekunami potencjalnych bogatych kandydatek do zakonu, które mogły wnieść pokaźny posag, ważny z punktu widzenia materialnego funkcjonowania wspólnoty, a także z własnymi koligatami i wszelkimi osobami, które mogły wywierać wpływy w częstych sporach majątkowych. Nadciągający okres kasat klasztorów wymagał tego, by decydentom zaprezentować klasztor jako dobrze uposażony i wzorowo funkcjonujący. Wreszcie, w niespokojnych czasach, nieraz przychodziło się ksieniom układać z dowódcami przemaszerowujących przez ich ziemie lub miasta wojsk. Wychodząc od opisu wydarzeń utrwalonych w kronice benedyktynek sandomierskich, spisywanej w latach 1762-1780, ukazuję w jaki sposób w prowadzonych przez przełożoną działaniach dyplomatycznych była wykorzystywana muzyka wykonywana przez klasztorną kapelę. Przykłady, jakie chciałam tu przywołać, ukazują funkcję reprezentacyjną i „towarzyszącą” muzyki w klasztorze benedyktynek sandomierskich,  a także rolę koncertu jako „daru” powodującego zaciągnięcie zobowiązania.
In the 17th and 18th centuries, a prioress or abbess at a nunnery had a status similar to that of a feudal lord. She represented the monastery in contacts with the ecclesiastic and secular authorities, and felt responsible for its material well-being, which frequently entailed the need to maintain good relations and to negotiate with persons on whom the convent was to some extent dependent, as well as with the parents or guardians of potential rich candidates for the cloistered life. The latter could bring in a large dowry, which was important for the material functioning of the monastic community. Another group of persons to remain on good terms with were the prioress’s relatives and all those who might influence the frequent disputes concerning property. In the period of monastic order dissolutions, it was important to prove to the decision-makers that the given convent was well-off and perfectly organised. Finally, in those turbulent times prioresses frequently had to negotiate with the commanders of troops passing through their lands or cities. I have used the description of events found in the chronicle of the Benedictine Nuns of Sandomierz, compiled in the years 1762–1780, to illustrate the ways in which music performed by the convent’s ensemble was used by the abbess in her diplomatic efforts. I give examples of the representative and ‘accompanying’ functions of music at the Benedictine Nuns’ Monastery in Sandomierz, as well as of the role of a concert as a ‘gift’ which creates an obligation.

Źródło:

Muzyka; 2019, 64, 2; 3-19
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 7.

Tytuł:

Życie i aktywność Wacława Raszka (1764–1837) w świetle źródeł
The Life and Work of Wacław Raszek (1764–1837) in the Light of Historical Sources

Autorzy:

Bujas-Poniatowska, Jolanta
Godek, Andrzej Edward
Poniatowski, Kamil

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/25806086.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

Wacław Raszek
muzyka religijna
religijna kultura muzyczna XIX w.
Kancjonał muzyki kościelnej
Instytut Muzyczny w Puławach
muzyka w Kościele katolickim
sacred music
nineteenth-century sacred music culture
Music Institute in Puławy
music in the Catholic Church

Opis:

Działający na przełomie XVIII i XIX w. Wacław Raszek należy do grona muzyków, o których – mimo zainteresowania ze strony badaczy – wiadomo nader niewiele. Niejasności dotyczące właściwie wszystkich podstawowych informacji na temat muzyka, tj.: jego imienia, lat życia, ośrodków, w których przebywał czy przypisywanych mu utworów muzycznych, doprowadziły do licznych nieścisłości, pomyłek i niesprawdzonych hipotez. Zgodnie z obecną wiedzą można stwierdzić, że Wacław (a właściwie Ignacy Wacław) Raszek urodził się w Rychnovie nad Kněžnou w północnych Czechach, jako drugie z dwojga bliźniąt ochrzczonych pierwszego lutego 1764 roku. Wiadomo, że już w połowie lat osiemdziesiątych jego utwory przepisywane były dla zespołu działającego przy dominikańskim kościele w Gidlach – prawdopodobnie w tym czasie kompozytor też był już aktywny na terenach polskich, pracując jako kapelmistrz w Żarkach oraz dorywczy organista kapeli gidelskiej. W 1789 r. w Żarkach poślubił Klarę Szretter, jednak już dwa lata później był wdowcem, a w 1793 r. ponownie się ożenił, z Joanną Sytniowską (zmarłą w 1797 r. w Koziegłowach). Na przełomie XVIII i XIX w. centrum życia i aktywności zawodowej Wacława Raszka stała się Warszawa, w której pracował jako nauczyciel fortepianu konwiktu pijarskiego na Żoliborzu (1812–17), prawdopodobnie podejmując też współpracę z Teatrem Narodowym. Być może uczestniczył w muzyce uprawianej przy kościele św. Benona. W 1815 r. ożenił się po raz  trzeci z rodowitą warszawianką Elżbietą Lewicką. Po roku urodziło im się pierwsze dziecko, Ludwik Wacław. W latach 1818 i 1819 odnotowano aktywność muzyka w Opolu Lubelskim, gdzie miał być kapelmistrzem i gdzie urodziła się, a po roku zmarła jego córka Rozalia Kaliksta. Jednak już pod koniec 1819 r. Wacław Raszek przeniósł się do Puław, gdzie został zatrudniony w charakterze dyrektora muzyki w Instytucie Nauczycieli Elementarnych i Organistów. W szkole tej działał aktywnie prawdopodobnie do końca 1825 r., kształcąc kilkudziesięciu chłopców oraz ucząc śpiewu dziewczęta w szkółce parafialnej. Uważano go za sumiennego, pracowitego i odnoszącego sukcesy nauczyciela oraz organizatora życia muzycznego. W Puławach Raszek napisał swoje opus magnum, Kancjonał Muzyki Kościelnej, wydany w Warszawie w 1825 roku. Tam też urodziło się kolejnych dwóch synów kompozytora. Po opuszczeniu Puław Wacław Raszek powrócił do Warszawy, gdzie współpracował z Archikonfraternią Warszawską oraz dawał prywatne lekcje fortepianu. Zmarł 29 I 1837 r. i został pochowany na Cmentarzu Powązkowskim, a wraz z nim dwójka jego synów, zmarłych odpowiednio sześć i siedem lat po ojcu.
Wacław Raszek, active in the late eighteenth and early nineteenth century, is one of those musicians whose life and work, despite scholarly interest, remains largely unknown. Virtually all the basic information concerning this musician, including his first name, date of birth and death, the places he lived and worked in, and the compositions attributed to him, has remained ambiguous, leading to numerous inaccuracies, mistakes and unverified hypotheses. According to the current state of knowledge, Wacław (actually Ignacy Wacław) Raszek was born in Rychnov nad Kněžnou, in Bohemia, as one of twins baptised on 1 February 1764. We know that in the mid-1780s his works were being copied for the ensemble active at the Dominican church in Gidle, in central southern Poland. At that time, he was most likely already active in Poland, as the Kapellmeister in Żarki, in the Polish Jura, and occasionally as an organist working with the Gidle ensemble. In 1789, in Żarki, he married Klara Szretter, but just two years later he was widowed. He remarried in 1793, to Joanna Sytniowska (d. Koziegłowy, 1797). Around the turn of the nineteenth century, Warsaw became the focus of Raszek’s life and professional activity. He worked as a piano teacher at the Piarist boarding school in Żoliborz, now a district of Warsaw (1812–17), probably also working with the National Theatre and taking part in the performance of music at the Church of St Benno. In 1815 he got married for the third time, to Elżbieta Lewicka, a native of Warsaw. Their first child, Ludwik Wacław, was born a year later. For 1818 and 1819 we have record of his work as a Kapellmeister in Opole Lubelskie, where his daughter Rozalia Kaliksta was born and died a year later. Towards the end of 1819, however, Raszek moved to Puławy, where he was taken on as director of music at the Institute of Elementary School Teachers and Organists, where he probably worked till the end of 1825, teaching several dozen boys and training girls to sing in the parish school. He was regarded as a diligent, hardworking and successful teacher and organiser of musical life. It was in Puławy that he wrote his opus magnum, the Kancjonał muzyki kościelnej [Church hymnal and songbook], published in 1825 in Warsaw. Two sons were born to him in Puławy. Having left that town, Raszek returned to Warsaw, where he worked with the Warsaw Archconfraternity and privately gave piano lessons. He died on 29 January 1837 and is buried in Powązki Cemetery, along with two of his sons, who died respectively six and seven years after their father.

Źródło:

Muzyka; 2022, 67, 1; 20-38
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 8.

Tytuł:

Ustawiacze automatycznego carillonu ratusza Głównego Miasta w Gdańsku — Franciscus de Rivulo i jego następcy
Setters of the automatic carillon at the Main Town Hall in Gdańsk — Franciscus de Rivulo and his successors

Autorzy:

Popinigis, Danuta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/521944.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Akademia Muzyczna im. Stanisława Moniuszki w Gdańsku

Tematy:

music culture of old Gdańsk
automatic carillon of the Main Town Hall in Gdańsk
setters of the Gdańsk Main Town Hall
automatic carillon
Franciscus de Rivulo
Gdańsk
carillon tablatures

Opis:

In 1561 an automatic carillon was installed at the Main Town Hall in Gdańsk. The mechanism was programmed by so-called town hall bell setters, who were employed by the City Council. We know the names of over twenty people who held this post. The fi rst was Franciscus de Rivulo — a composer most probably originally from the Netherlands. Out of all the bell setters that followed, he turned out to be the most signifi cant musician and outstanding composer. Later, the mechanism was programmed by other musicians, chiefl y organists, as well as members of the city orchestra and musicians’ guild. As many as ten of tchem were professional organists: Michael Colrep, Jacob Tetius, Franz Tetius, Andreas Neunaber, Jacob Neunaber, Christian Bühn, Theodor Friedrich Gülich, Rudolph Liebegott Liebendey, Julius Krieschen and Paul Krieschen. Members of the city chapel included Philipp Schönberg, Bartel Biehn and Johann Georg Borowski, while the musicians’ guild was represented by Hans Neunaber and Peter Bewersdorff. In the fi nal decades of the 17th century, the post was for the fi rst time held by a clockmaker, Johann Eichstedt. In the 19th century, the post of bell setter was held by two other members of this profession — Paul Friedrich Knaack and Carl Anton Kaschlinsky. On account of their professional training, these clockmakers were very familiar with the mechanism of the ‘singing device’ and they had no problems with setting music on the carillon drum. The article focuses on those setters whose activities had in some way infl uenced the musical culture of Gdańsk. It also points to the work of as yet not so well-know setters. Nevertheless, research is underway and in near future it promises to shed light on many of these currently unclear matters.

Źródło:

Aspekty Muzyki; 2012, 2; 67-79
2082-6044

Pojawia się w:

Aspekty Muzyki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 9.

Tytuł:

Teodor Leszetycki. Notatki z biografii artysty i pedagoga w świetle stosunków z rodziną, przyjaciółmi i uczniami (część I)
Theodor Leschetizky. Notes on the biography of an artist and educator, in the light of his relations with the family, friends and pupils (Part I)

Autorzy:

Chmara-Żaczkiewicz, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28411999.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

Teodor Leszetycki
pianistyka XIX i XX wieku
kultura muzyczna w Wiedniu
Annette Essipoff
Theodor Leschetizky
pianism in 19th and 20th century
music culture in Vienna

Opis:

Urodzony w 1830 r. w rezydencji Ernesta Potockiego w Łańcucie, a zmarły w 1915 r. w Dreźnie, Teodor Leszetycki zajmował w muzyce polskiej i europejskiej XIX w. miejsce szczególne. Pochodząc z czesko-polskiej rodziny od pokoleń uzdolnionej artystycznie, interesował się niemal wszystkimi rodzajami muzyki, preferując przede wszystkim twórczość fortepianową. Studia pianistyczne odbył w Wiedniu u Carla Czernego i Simona Sechtera, zainteresował się też poważnie dydaktycznymi i kompozytorskimi doświadczeniami Antona Rubinsteina i Franza Liszta. Był koncertującym pianistą, kompozytorem i dyrygentem, przede wszystkim jednak jednym z najsłynniejszych w Europie XIX w. nauczycieli gry na fortepianie (miał podobno około 1000 uczniów; do dziś zidentyfikowano około trzystu nazwisk). Karierę pianistyczną rozpoczął jako piętnastolatek, występując w Wiedniu i okolicach. Kilka lat później, w 1852 r., wraz z ojcem, Józefem, wyjechał do Petersburga, gdzie m.in. mieszkał zaprzyjaźniony z nim Rubinstein. W Petersburgu spędził blisko piętnaście lat: był ulubieńcem i protegowanym księżnej Heleny Pawłownej, grywał w teatrze Michajłowskim, dyrygował dworskimi i publicznymi koncertami, nadzorował przebieg nauki muzycznie uzdolnionych panien ze słynnego Instytutu Smolnego oraz – także wraz z Rubinsteinem – przyczynił się do utworzenia petersburskiej Akademii Śpiewaczej, Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego i – w 1862 r. – Konserwatorium; pod koniec pobytu w Petersburgu otrzymał tytuł honorowego profesora tej uczelni. W tych latach odbywał też liczne podróże artystyczne: co najmniej dwukrotnie wystąpił w Paryżu, ponadto w Austrii, Niemczech, Anglii i Holandii, gdzie występował w roli solisty i kameralisty. W Petersburgu związał się najpierw ze śpiewaczką Anną Friedebourg, a następnie z Annette Essipoff, swoją uczennicą, z którą od 1878 r. zamieszkał w Wiedniu. Często razem koncertowali, wykonując m.in. repertuar na cztery ręce lub dwa fortepiany i w tej roli święcili prawdziwe triumfy. Często Teodor kierował też orkiestrą towarzyszącą Annette w jej występach koncertowych. Essipoff, która kilkakrotnie występowała też sama przed polską publicznością, znana była w tym czasie jako doskonała interpretatorka twórczości Chopina i mistrzyni tempa rubato.Leszetycki przez krótko związany był z Konserwatorium wiedeńskim, jednak ze względu na zwiększającą się lawinowo liczbę uczniów, rozpoczął organizować lekcje prywatne. Długoletnim przyjacielem z tego okresu był Ludwig Bösendorfer, znany fabrykant fortepianów; listy do niego z prośbami o zaopatrzenie wychowanków w dobre instrumenty stanowią cenne źródło do biografii i pedagogicznej działalności Leszetyckiego. Przełom lat siedemdziesiątych i osiemdziesiątych XIX w. to okres wielkiej koncertowej aktywności Teodora, kiedy to wspólnie z Annette uczestniczył w kilku słynnych europejskich seriach tzw. koncertów „nadzwyczajnych”, obok takich sław, jak Eugen d’Albert, Clara Schumann, Hans von Bülow, Camille Saint-Saëns czy Emil von Sauer. Leszetycki dobrze znał repertuar romantyczny, miał jednak zwyczaj prezentowany utwór „wzbogacać” własnymi dodatkami i skreśleniami, co wśród wykonawców było wówczas częstą praktyką. Miał poglądy zdecydowanie konserwatywne. Nie interesował do Wagner, Bruckner czy Brahms (którego zresztą podziwiał), ale też Bach (chyba że w wirtuozowskich opracowaniach). Cenił natomiast Webera, Mendelssohna, Dvořáka, Griega, Czajkowskiego, Saint-Saënsa.
Born in 1830 at Ernest Potocki’s residence in Łańcut, died in 1915 in Dresden – Theodor Leschetizky (in Polish spelling: Teodor Leszetycki) holds a special place in Polish and European 19th-century music. He belonged to a Czech-Polish family whose members demonstrated artistic talents for many generations. He was interested in nearly all kinds of music, but had a special preference for the piano, which he studied in Vienna with Carl Czerny and Simon Sechter. He also exhibited serious interest in the educational and compositional heritage of Anton Rubinstein and Franz Liszt. Leschetizky was a concert pianist, composer and conductor. First and foremost, however, he was known as one of Europe’s most famous piano teachers in the 19th century. He is believed to have had about a thousand pupils, c. 300 of whom have been identified to date. He embarked on a pianistic career as a 15-year-old, giving performances in Vienna and the neighbouring area. Several years later, in 1852, he left with his father Józef for Petersburg, where, among others, his friend Rubinstein lived. He spent 15 years in that city, becoming a favourite and a protégé of Grand Duchess Elena Pavlovna. He gave performances at the Mikhailovsky Theatre, conducted court and public concerts, and supervised the education of musically gifted young girls – students of the famous Smolny Institute. Together with Rubinstein, he likewise contributed to the establishment of Petersburg’s Singers’ Academy, the Russian Musical Society and – in 1862 – the Petersburg Conservatory, of which he became an honorary professor toward the end of his stay in that city. He also undertook numerous concert tours, with at least two performances in Paris, as well as appearances in Austria, Germany, England and the Netherlands, in the roles of both soloist and chamber musician. In Petersburg his partner was the singer Anna Friedebourg, and later his pupil Annette Essipoff, with whom in 1878 he settled in Vienna. They gave concerts together, playing, among others, repertoire for four hands or two pianos – which brought them tremendous success. Theodor also frequently conducted the orchestra that accompanied Annette in concerts. Essipoff performed several times for the Polish audience as well, and was renowned at that time as an excellent interpreter of Chopin’s music and a mistress of the rubato. For a short time, Leschetizky was associated with Vienna Conservatory, but the rapidly growing number of pupils made him focus on private lessons. Ludwig Bösendorfer, the well-known piano manufacturer, was his long-time friend. Leschetizky’s letters to him, requesting good instruments for his students, are a valuable source for the pianist’s biography as an educator. In the late 1870s and early 1880s, Theodor led an extremely busy concert life, and together with Annette took part in several series of so-called “extraordinary concerts”, along with such celebrated musicians as Eugen d’Albert, Clara Schumann, Hans von Bülow, Camille Saint-Saëns, and Emil von Sauer. Though Leschetizky was well versed in the Romantic repertoire, he had the habit of “enriching” the presented pieces with his own additions or deletions – which was a common practice among performers in that period. His views were resolutely conservative. He was not interested in Wagner, Bruckner and Brahms (though he admired the latter), nor even Bach (except for some virtuosic arrangements). On the other hand, he valued highly Weber, Mendelssohn, Dvořák, Grieg, Tchaikovsky, and Saint-Saëns.

Źródło:

Muzyka; 2018, 63, 4; 88-112
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 10.

Tytuł:

Kultura i edukacja muzyczna. Kierunki zmian – wybrane problemy
Music culture and education. Directions of changes – selected problems

Autorzy:

Bonna, Beata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/566474.pdf

Data publikacji:

2020-01-10

Wydawca:

Akademia Pomorska w Słupsku

Tematy:

kultura
uczestnictwo w kulturze przeobrażenia w kulturze i edukacji muzycznej
culture
participation in culture transformations in culture and music education

Opis:

The purpose of this article is to present issues focused on transformations taking place in the recognition of culture, including music culture, which justify the need for the introduction of significant changes to universal music education. Currently, we are moving away from the traditional and narrow approach to culture and the participation associated with it, which is incompatible with today’s socio-economic conditions. There is a visible transformation of the understanding culture from considering it in terms of consumption of cultural goods to defining culture as an activity that is a form of socialization through active participation. Today, culture is treated as a specific human living environment and at the same time a union of subcultures in which is predominant in popular culture, while other types and forms of it become kinds of niches. Given these transformations, there is a need to revise the shape of universal, still very traditional music education, which should aim to take greater account of new information technologies, referring to the potential of various ranges of music culture - artistic music, popular music and music of different cultures. It is also important to seek new teaching methods due to the low efficacy of those currently used . All these changes are associated with the need to raise teachers’ qualifications.

Źródło:

Ars inter Culturas; 2019, 8; 189-202
2083-1226

Pojawia się w:

Ars inter Culturas

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 11.

Tytuł:

Znaczenie muzyki w domach rodzinnych studentów pedagogiki przedszkolnej i wczesnoszkolnej
The importance of music in the family homes of pre-school and early childhood students

Autorzy:

Szczyrba-Poroszewska, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2134250.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Uniwersytet Wrocławski. Wydział Nauk Historycznych i Pedagogicznych. Instytut Pedagogiki. Zakład Historii Edukacji

Tematy:

akulturacja
studenci pedagogiki przedszkolnej i wczesnoszkolnej
kompetencje muzyczne
pedagogiczne wyzwania współczesności
edukacja muzyczna
kultura muzyczna domu rodzinnego nauczycieli
acculturation
students of preschool and early childhood
music education
pedagogical challenges of the present day
musical competences
music culture of teachers’ family homes

Opis:

Cel. Doniosłość bogatego muzycznie środowiska została wyeksponowana w wielu badaniach, które dotyczyły dzieci i wybitnych muzyków. Pominięci zostali w nich przyszli nauczyciele pedagogiki przedszkolnej i wczesnoszkolnej. Niniejsze badania stanowią zatem próbę udzielenia odpowiedzi na pytanie: jakie jest znaczenie muzyki w domach rodzinnych studentów pedagogiki przedszkolnej i wczesnoszkolnej? Materiały i metoda. Przebadano 91 studentek pedagogiki przedszkolnej i wczesnoszkolnej. W ramach sondażu diagnostycznego poproszono je o pisemne dokończenie zdania otwartego: „W moim domu rodzinnym muzyka…”. Narracje poddano analizie jakościowej. Wnioski. Badania pokazały m.in., że większość rodzin nie zapewnia bogatych doświadczeń muzycznych ani w zakresie wykonywania muzyki, ani w zakresie uczestnictwa w koncertach muzycznych. Funkcjonowanie muzyki w domu rodzinnym respondentek zostało w większości negatywnie ocenione przez dorosłe dzieci. Z tego względu w moim przekonaniu misją uniwersytetów kształcących pedagogów powinno być uświadamianie studentom, jak doniosłą rolę pełnią rodzice w rozwoju muzycznym dziecka.
Aim. The importance of a musically rich environment has been displayed in many studies concerning children and outstanding musicians. Future teachers of pre-school and early childhood education have been omitted. This research is therefore an attempt to answer the research question: what is the meaning of music for the families of preschool and early childhood students? Materials and methods. The study group consisted of 91 pre-school and early childhood students. The main research method was a diagnostic survey. The students were asked to complete the open sentence in writing: „In my family home, a music ...”. The narratives were analyzed qualitatively. Conclusion. Research has shown, among other things. that most families do not provide a rich musical experience, either in performing music or in attending music concerts. The functioning of music in the respondents’ family homes was mostly negatively assessed by adult children. For this reason, in my opinion, the mission of universities in educating teachers should be to make students aware of the importance of parents in the musical development of a child.

Źródło:

Wychowanie w Rodzinie; 2021, XXV, (2/2021); 321-330
2082-9019

Pojawia się w:

Wychowanie w Rodzinie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 12.

Tytuł:

Muzyka soul – geneza, historia, uwarunkowania społeczno-kulturowe oraz rodzaje inspiracji tym stylem w twórczości rodzimej
Soul music – the origins, history, socio-cultural base and the kinds of soul inspiration in the Polish music

Autorzy:

Jaczyński, Michał

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/513904.pdf

Data publikacji:

2015-01-01

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Koło Naukowe Studentów Muzykologii UJ

Tematy:

soul music
popular music
American culture
Polish music
Czesław Niemen

Opis:

The theme of this study is a historical reconnaissance of soul music, taking into account the global context, with all the social and historical conditions that accompanied the development of the style. The main aim that the author set himself is to find sources of Polish musicians’ inspirations that can be found in American music from the 60s of the twentieth century. The main section of this paper is an attempt to define soul music and the characteristic of the style in a variety of shots – strictly musical, social, political, historical, racial and the general-culture one. The final chapter undertakes the task of showing the results of analysis of native music in terms of its membership to the style. In this section, a very broad meaning of the term ’soul’ has been assumed, which in this context is merely a reflection of the original phenomenon. The author hopes that this study will contribute to the dissemination of knowledge that soul music – both worldwide and in Poland – is an original and valuable style.

Źródło:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ; 2015, 1(24); 46-69
2956-4107
2353-7094

Pojawia się w:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 13.

Tytuł:

Galicyjska wersja panslawizmu czeskich badaczy Lwowa w ujęciu Eugena Cehelskiego
The Galician version of Pan-Slavism by the Czech scholars researching Lviv from Eugene Cehelski’s perspective
Галицька версія панславізму чеських дослідників Львова в дослідженні Євгена Цегельського

Autorzy:

KIJANOWSKA-KAMIŃSKA, Luba
PARIS, Olena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/454007.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Uniwersytet Humanistyczno-Przyrodniczy im. Jana Długosza w Częstochowie. Wydawnictwo Uczelniane

Tematy:

panslawizm
czescy muzycy
muzykologia lwowska
kultura muzyczna Galicji
czesko-ukraińskie związki
Pan-Slavism
Czech musicians
Lviv musicology
music culture in Galicia
Czech-Ukrainian relations
панславізм
чеські музиканти
львівська музикологія
музична культура Галичини чесько-українські зв’язки

Opis:

Artykuł poświęcony jest czesko-ukraińskim związkom w dziedzinie sztuki, w tym sztuki muzycznej XIX wieku. Szczególne miejsce w historii badań nad kulturą słowiańską w Galicji zajmuje panslawistyczna etyczno-filozoficzna teoria czeskich badaczy i muzyków, która powstała w latach 40. i była kontynuowana do końca lat 70. XIX wieku. Wśród jej autorów byli Czesi, działający we Lwowie oraz w innych miastach Galicji: Karol Władysław Zapp (1812–1871), Vaclav Dunder (1811–1872), Ludwig Ritter von Rittersberg (1809–1858), Maks Konopásek (1820–1879). Głów- ne idee ich prac, napisanych we Lwowie, podane są w niniejszym artykule w ujęciu ukraińskiego badacza Eugena Cehelskiego (1912–1980), który poświęcił problemowi „lwowskiego panslawi- zmu” pracę doktorską (Praga, 1936). Praca ta powstała w wyniku kilku bodźców: rozwoju muzy- kologii, tudzież folklorystyki, zarówno polskiej, jak i ukraińskiej, we Lwowie; intensywnych relacji panslawistycznych o różnej proweniencji w Pradze i w Galicji; wielce sprzyjających wa- runków społecznych (m.in. zainteresowanie problemami narodowościowymi w kulturze); inspira- cji wywołanych wysokim poziomem nauk humanistycznych na Uniwersytecie Karola, także sze- rokim zakresem tematycznym badań. Główne zagadnienia, które próbuje zbadać Cehelski, to: kultura muzyczna Galicji w kontekście wielonarodowych więzi integracyjnych; wpływ czeskich muzyków, którzy pracowali i przebywali w Galicji, na rozwój kształcenia zawodowego, wyko- nawstwa i myśli muzycznej, a także na działalność amatorskich towarzystw muzycznych; poszu- kiwanie wspólnych korzeni kultur słowiańskich; debata wokół problemów ogólnosłowiańskiego panslawistycznego ruchu w filozofii i jej zastosowanie wobec kultury muzycznej. Dla Cehelskiego najbardziej istotnym okazał się fakt, iż na fali romantycznego uniesienia i zainteresowania korze- niami swego narodu odbywa się głębsze zrozumienie wspólnych cech, jednakowo charaktery- stycznych dla każdego z narodów słowiańskich.
The article presents the Czech-Ukrainian relations in the field of art, including the 19th century music. In the history of research on Slavic culture in Galicia, a special place is held by the Pan- Slavic ethico-philosophical theory developed by Czech scholars and musicians, which dates back to the 1840s and was continued until the end of the 1870s. Its authors included the Czechs active in Lviv and in other Galician cities: Karol Władysław Zapp (1812–1871), Vaclav Dunder (1811– 1872), Ludwig Ritter von Rittersberg (1809–1858), Maks Konopásek (1820–1879). The main ideas of their works, written in Lviv, are presented herein from the perspective of the Ukrainian researcher Eugene Cehelski (1912–1980), whose doctoral thesis (Prague, 1936) focused on the “Lviv Pan-Slavism”. This work arose as a result of several factors stimulating its creation: devel- opment of musicology or folklore studies, both Polish and Ukrainian in Lviv; intensive Pan-Slavic relations of various provenance in Prague and Galicia; particularly favorable social conditions (i.a. interest in issues related to nationality in culture); inspirations due to a high level of humanities at the Charles University or to a wide thematic scope of research. The main research questions that Cehelski is trying to examine are: Galicia's musical culture in the context of multinational integra- tion ties; the influence of the Czech musicians who worked and stayed in Galicia on the develop- ment of the vocational education, of the musical performance and musical ideology or on the activity of amateur music societies; searching for common roots of Slavic cultures; discussion on the issues related to the Pan-Slavic movement in philosophy across Slavic community and its application to musical culture. Cehelski considered as the most important the fact that, due to the romantic exaltation and interest in national roots, a greater understanding of the features held in common, characteristic of each of the Slavic nations, was possible.
Стаття присвячена чесько-українським зв’язкам в царині мистецтва, в тому – музичного мистецтва ХІХ ст. Особливе місце в історії досліджень слов’янської культури в Галичині займає панславістська етично-філософська теорія чеських вчених і музикантів, яка виникла в 40-х роках і розвивалась до 70-х років XIX сторіччя. Серед її авторів були чехи, які працювали у Львові та інших містах Галичини: Кароль Владислав Запп (1812–1871), Вацлав Дундер (1811–1872), Людвіг Ріттер фон Ріттерсберг (1809–1858), Макс Конопасек (1820– 1879). Головні ідеї їх праць, написаних у Львові, подані у версії українського дослідника Євгена Цегельського (1912-1980), який присвятив проблемі «львівського панславізму» докторську працю (Прага, 1936). Ця праця постала внаслідок кількох імпульсів: розвитку музикознавства та фольклористики, як польської, так і української, у Львові; розмаїтих панславістських концепцій різного спрямування в Празі та Галичині, як напрямку, зорієнтованого передусім на Схід, тобто на Росію, котрий підтримував її пртенезії на всеслов’янську гегемонію, так і протилежного, який зовсім не приймав до уваги Росії як слов’янською країною; вельми сприятливих суспільних умов (м. ін. зацікавлення національною проблематикою в культурі); інспірацій, породжених високим рівнем гуманістичних наук в Карловому університеті, як і тематичною широтою досліджень. Головний обсяг завдань, які прагне вирішити Цегельський: музична культура Галичини в контексті багатонаціональних інтеграційних зв’язків; вплив чеських музикантів, які перебували і працювали в Галичині, на розвиток професійної освіти, виконавства та музичної думки, як і діяльність аматорських музичних товариств; дебати довкола проблем загальнослов’янського панславістського руху у філософії та її проекція на музичну культуру. Для Цегельського найістотнішим виявився факт, що на хвилі романтичного піднесення і зацікавлення давніми витоками походження свого народу, відбувається глибше зрозуміння спільних рис, однаково притаманних кожному із слов’янських народів.

Źródło:

Edukacja Muzyczna; 2016, 11; 119-132
2545-3068

Pojawia się w:

Edukacja Muzyczna

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 14.

Tytuł:

The Music Traditions of the Ashkenazi Jews and Radical Jewish Culture: A Brief Outline of the Definitions and Content of Jewish Music in the Past and Nowadays

Autorzy:

Zapiór, Luiza

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2176271.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Koło Naukowe Studentów Muzykologii UJ

Tematy:

Jewish music
instrumental music
John Zorn
Radical Jewish Culture
contemporary music

Opis:

The main purpose of this paper is to describe John Zorn’s approach to klezmer music and Jewish music tradition in general. The text has been divided into shorter sections. The first part of the article is dedicated to providing an overview of problems concerning the definition of Jewish music. The second part focuses on analysing klezmer motifs in John Zorn’s selected works and Jewish symbols present in the visual component of his recording projects. The last section contains a summary and conclusions.

Źródło:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ; 2020, 4(47) ENG; 215-227
2956-4107
2353-7094

Pojawia się w:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 15.

Tytuł:

Leksyka muzyczna w rosyjsko-polskiej leksykografii. Stan obecny versus potrzeby użytkowników

Autorzy:

Parafińska-Korybska, Ewelina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/678488.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Slawistyki PAN

Tematy:

music
lexicography
translation
Russian culture

Opis:

Musical Lexis in Russian-Polish Lexicography: Present State and Users’ NeedsIn order to meet the expectations of receivers, who come across vocabulary from various areas in their everyday life, general bilingual dictionaries include lexis from many different fields. This article analyses one such group in Russian-Polish lexicography: musical lexis. The analysis offered here considers translation pairs extracted from two most comprehensive Russian-Polish dictionaries. The study categorises musical lexis into semantic classes and verifies the accuracy, semantic relevance and currency of provided equivalents. The aim was to establish whether general bilingual lexicography meets the needs of users looking for equivalents in this lexical area. Basing on selected material, the article also compares the structure of entries in each dictionary and considers cultural background of musical lexis in the context of Russian culture. To illustrate the issues in focus, the study comments on a number of examples and proposes some solutions to problematic cases.Leksyka muzyczna w rosyjsko-polskiej leksykografii. Stan obecny versus potrzeby użytkownikówDwujęzyczne słowniki ogólne obejmują leksykę z wielu dziedzin, wychodząc naprzeciw oczekiwaniom odbiorców, którzy w życiu codziennym stykają się ze zróżnicowanym tematycznie słownictwem. Jedną z takich dziedzin jest muzyka. Związana z nią leksyka zarejestrowana w rosyjsko-polskiej leksykografii jest obiektem naszych badań. Analiza opiera się na parach przekładowych wyekscerpowanych z dwóch najobszerniejszych słowników rosyjsko-polskich. W pracy dokonano podziału leksyki muzycznej na klasy semantyczne. Poddano weryfikacji trafność ekwiwalentów przekładowych, ich zgodność semantyczną oraz stopień aktualności terminów, zawarty w słownikach. Działania te miały na celu sprawdzenie, na ile dwujęzyczna leksykografia ogólna odpowiada potrzebom użytkowników w zakresie dostępności odpowiedników dla tego typu leksyki. Bazując na wybranym materiale, dokonano porównania budowy artykułu hasłowego w obu słownikach. Zwrócono uwagę na podłoże kulturowe leksyki muzycznej w kontekście kultury rosyjskiej. Ilustracją dla omawianych treści są liczne przykłady wraz z komentarzami oraz, niekiedy, propozycje rozwiązań kwestii problemowych.

Źródło:

Studia z Filologii Polskiej i Słowiańskiej; 2019, 54
2392-2435
0081-7090

Pojawia się w:

Studia z Filologii Polskiej i Słowiańskiej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 16.

Tytuł:

Tradycje muzyczne Żydów aszkenazyjskich a Radical Jewish Culture: definicje i treści dawnej i współczesnej muzyki żydowskiej
The Music Traditions of the Ashkenazi Jews and Radical Jewish Culture: A Brief Outline of the Definitions and Content of Jewish Music in the Past and Nowadays

Autorzy:

Zapiór, Luiza

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2176092.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Koło Naukowe Studentów Muzykologii UJ

Tematy:

Jewish music
instrumental music
John Zorn
Radical Jewish Culture
contemporary music

Opis:

The main purpose of the article is to describe John Zorn’s approach to klezmer music and Jewish music tradition in general. The text was split into shorter paragraphs. The first part of the article is dedicated to providing an overview of the problems concerning the definition of Jewish music. The second part focuses on analysing klezmer motifs in John Zorn’s selected works and Jewish symbols present in the visual layer connected with his works. The last paragraph contains a summary and conclusions.

Źródło:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ; 2020, 4(47); 215-228
2956-4107
2353-7094

Pojawia się w:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 17.

Tytuł:

Postmodern Music and its Future

Autorzy:

Rychter, Marcin

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/451377.pdf

Data publikacji:

2019-10-31

Wydawca:

Uniwersytet Warszawski. Wydział Filozofii

Tematy:

philosophy of music
philosophy of culture
postmodernism
avant-garde music
contemporary music

Opis:

The essay presents an attempt at characterizing contemporary music’s culture by identifying a dialectical tension between “modern” and “postmodern” currents in it. After initial considerations on the manifold usages of the term “postmodernism,” five composers’ approaches will be analyzed: John Cage, Philip Glass (and other minimalists), Bernhard Lang, Mauricio Kagel and Johannes Kreidler. However different they may be from one another, all these composers are being interpreted as undermining, in various ways, the practice and theoretical background of modernist avant-garde music.

Źródło:

Eidos. A Journal for Philosophy of Culture; 2019, 3, 3(9); 43-56
2544-302X

Pojawia się w:

Eidos. A Journal for Philosophy of Culture

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 18.

Tytuł:

Fryderyk Chopin in popular instrumental music

Autorzy:

Kasperski, Jakub

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780379.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Fryderyk Chopin
popular culture
popular music
instrumental music
rock music
electronic music
inspiration
reception

Opis:

The author considers whether Fryderyk Chopin and his oeuvre may be regarded as part of popular culture - and if so, to what extent. However, the text is mostly taken up with analysis of popular instrumental music inspired by Chopin’s works in various ways: from simple quotation, adaptation and transcription to more sophisticated instrumentation and arrangement, free improvisation or even the creation of a completely new work derived from a single motif or sample from Chopin. Consequently, the author deals with the problem of reception, but also with the issue of transculturation and the relationship between high and popular culture. The article shows and describes the variety of Chopin inspiration in a wide range of styles and genres of popular music, such as rock music, easy-listening, electronic music, dance music and disco.

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2010, 9; 357-370
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 19.

Tytuł:

Muzyka w kulturze chińskiej
Music in Chinese Culture

Autorzy:

Wolańska, Diana

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1887202.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

kultura chińska
muzyka
Chinese culture
music

Opis:

Artykuł jest przeglądem historii muzyki chińskiej od czasów starożytnych do dziś. Autorka podkreśla, że muzyka chińska zachowuje wciąż swój indywidualny charakter, pomimo że zaznaczył się w niej wpływ Zachodu. W przypadku Chin mamy do czynienia z bardzo odmienną od europejskiej kulturą muzyczną, zwłaszcza w starożytnym okresie jej rozwoju. W Chinach od najdawniejszych czasów muzyka odgrywała wielką rolę, była ściśle powiązana z filozofią i religią. Wiara w społeczne i wychowawcze oddziaływanie muzyki przyczyniła się do otoczenia jej wręcz kultem. Typowe ograniczenia, kultywowanie tylko pewnych gatunków, sposobów opracowania, instrumentów oraz jej rygorystyczny konserwatyzm i archaizm uczynił tą muzykę wyjątkową i jedyną w swoim rodzaju. Dla starożytnej kultury chińskiej muzyka stała się mądrością serca, która była i nadal jest nieodłączną częścią codziennego życia każdego Chińczyka.
Summing up the development of Chinese music, we cannot forget, that Chinese music still remains very individual and characteristic in spite of the west having its influence on it. We are dealing with a very different musical culture, especially having taken the development of ancient music. From the start music in China played a major role, it was closely bonded with philosophy and religion. The belief in social and educational effects of music contributed to surrounding it with cult. Typical restraints, applied to only a few genres, interpretations and instruments and its rigorous conservatism and archaic nature made this music exceptional and one of a kind. For ancient Chinese culture music became the wisdom of the heart, which was and continues to be a hardwired part of every Chinese person’s life.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2014, 62, 9; 125-145
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 20.

Tytuł:

Spotkanie z wybranymi tekstami kultury popularnej. W stronę relacyjnego bycia w świecie
Meeting with Selected Texts of Popular Culture. Towards Relational Being in the World

Autorzy:

Adamska-Staroń, Monika

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/923234.pdf

Data publikacji:

2020-12-26

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

meeting
education
popular culture
rock music

Opis:

This text aims to familiarize the reader with a certain way of thinking about the category of meeting, selected pedagogical consequences that can take place as a result of young people’s encounter with texts of popular culture, especially with rock music and film, and to include the recipient in the discussion of the presented issue. The text consists of three parts. The first part is an introduction to the range of questions and treats the meeting as a pedagogical category. The second section focuses on the phenomenon of meeting texts of popular culture, more specifically rock and film narratives, while the third, summarizing part describes the meeting of young people with rock narratives on the basis of the results of the author’s own research.

Źródło:

Studia Edukacyjne; 2018, 50; 331-349
1233-6688

Pojawia się w:

Studia Edukacyjne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 21.

Tytuł:

Rock narratives as space for co(being) The research report

Autorzy:

Adamska-Staroń, Monika

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2031191.pdf

Data publikacji:

2020-12-16

Wydawca:

Uniwersytet Humanistyczno-Przyrodniczy im. Jana Długosza w Częstochowie. Wydawnictwo Uczelniane

Tematy:

popular culture
rock music
education
research

Opis:

The paper fits into the area of research over educational contexts of popular culture, which is a voice in a discussion focused on possible ways of “using” rock lyrics in formal education, on critical education through rock narratives, on a category of co(being). This paper is intended to familiarize with research on educational contexts brought by rock narratives also about involving a Recipient in the discussion on the presented issues.

Źródło:

Podstawy Edukacji; 2020, 13; 129-145
2081-2264

Pojawia się w:

Podstawy Edukacji

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 22.

Tytuł:

Muzyka, edukacja, społeczeństwo – w stronę jakiego uczestnictwa w kulturze muzycznej?

Autorzy:

Jabłońska, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2050216.pdf

Data publikacji:

2014-06-30

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

music
society
culture
education
musical competences

Opis:

The purpose of this article is to examine the role and importance of music in society. In particular, attention is paid on the educational value of art sound and musical skills of Poles and their participation in the musical culture. The main question is the question of the quality of these skills and socialization processes of individuals to music. The aim of the paper is also to discuss the institutional problems and obstacles of music education as well as to focus on the problem of the reproduction of the non-sensitive to music generations. The text is composed of four main parts. In the first of them there are discussed the general issues related to the role of music in society, including the process of acquiring musical skills and aesthetic dispositions (in the sense of Pierre Bourdieu), allowing individuals to take an active part in the musical life of the community. The focal point of the discussion also concentrates on such topics, as integration and communication power of music in society within the meaning of Alfred Schütz. The second part of the text contains the reflections on the educational role of music, including its ability to connect people, and shaping them socially desirable traits. The third part of the article refers to the issue of the musical competences of Poles, based on available quantitative data. The latter are useful to discuss the problem of intergenerational inheritance of weak music competences, and therefore the phenomenon of the reproduction of musical “illiteracy”. The fourth section provides some reflection on the specific consequences of music education system in Poland. In particular, the attention is paid to the issues such as the low level of participation in musical culture, and the regression of listening in the sense of Theodor W. Adorno.

Źródło:

Kultura i Edukacja; 2014, 3(103); 184-205
1230-266X

Pojawia się w:

Kultura i Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 23.

Tytuł:

U źródeł sporu o wartości edukacyjne muzyki popularnej
The Sources of Dispute over the Educational Values of Popular Music

Autorzy:

Michalak, Marcin

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/418619.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Akademia Marynarki Wojennej. Wydział Nauk Humanistycznych i Społecznych

Tematy:

popular music
popular culture
values
education

Opis:

The aim of the article is to present theoretical sources of the dispute concerning the educational values of popular music that has been going on since the sixties of the 20th century in the sphere of American as well as European pedagogy. Despite the essential role that popular musical genres such as rock, hip-hop and techno, have played (and have been still playing) in the process of shaping the cultural identity of many generations of youth, they have long been pushed outside school premises, or, at best, they have been placed on the margin of educational influences. The reasons for that were partially embedded in the exclusively aesthetic look on the part of pedagogues at popular pieces, deprived of references to their wider functions which they fulfill in the sphere of recipients` everyday lives. The author does not present the course of the very dispute. While outlining the main stands (aesthetic and sociocultural ones), he seeks roots of the mutually clashing convictions from philosophical, aesthetic, anthropological, sociological and psychosocial perspectives of the mass/popular culture which have been providing arguments for and against the presence of the up-to-date youth music in school curricula. The somewhat superficial (on account of the complexity of problematic aspects) overview of theories and outlooks, on the basis of which the controversy about educational values of popular music originated, opens up new areas of pedagogical activities, addressing various aspects of the contemporary complex and multidimensional culture.

Źródło:

Colloquium; 2014, 6, 1; 89-112
2081-3813
2658-0365

Pojawia się w:

Colloquium

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 24.

Tytuł:

„Etnomuzykologia Polska” – nowe pismo poświęcone tradycji i współczesności

Autorzy:

Smyk, Katarzyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/694925.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Ludoznawcze

Tematy:

etnomuzykologia
muzyka ludowa
muzyka popularna
muzyka dworska
muzyka religijna
kultura ludowa
kultura tradycyjna
ethnomusicology
folk music
popular music
court music
religious music
folk culture
traditional culture

Opis:

Tekst prezentuje nowe czasopismo "Etnomuzykologia Polska", wydawane przez Instytut Muzykologii UW i Polskie Seminarium Etnomuzykologiczne. Ukazały się dotąd dwa numery pisma, nr 1/2016 i nr 2/2017. Redaktorami są dr W. Grozdew-Kołacińska (Inatytut Sztuki PAN) i dr hab. T. Nowak (IM UW). Strona czasopisma: http://www.etno.imuz.uw.edu.pl
The text presents a new journal: „Etnomuzykologia Polska” (2016), numer 1, ss. 140; (2017) numer 2, ss. 104, W. Grozdew-Kołacińska, T. Nowak (red.), Warszawa: Zakład Etnomuzykologii Instytutu Muzykologii Uniwersytetu Warszawskiego, Polskie Seminarium Etnomuzykologiczne.

Źródło:

Literatura Ludowa; 2018, 62, 6
2544-2872
0024-4708

Pojawia się w:

Literatura Ludowa

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 25.

Tytuł:

Funkcjonowanie muzyki rozrywkowej w pierwszym i trzecim obiegu w polskiej kulturze muzycznej lat 80.
The functioning of popular music in the first and third circulation in the 80s Polish musical culture

Autorzy:

Wyżga, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/513946.pdf

Data publikacji:

2014-07-01

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Koło Naukowe Studentów Muzykologii UJ

Tematy:

Polish rock music
political opposition
alternative culture

Opis:

Rock is a kind of popular music, which is destined to the young and is played by the young, and intended for mass media publishing. It's a characteristic phenomenon for youth culture of the second half of 20th century. With the help of developing new technology, rock gained global popularity also in Poland, especially in 1980's, which is called the ‘boom of Polish rock music’. That unexpected growth of rock popularity was caused by cultural, social and economic factors. A very special role was played by the circulations of culture. In Poland of 1980's, we had three circulations: the first one (official culture), the second one (political opposition) and the third one (alternative culture). Famous rock bands, which composed in the West, earned a lot of money by promoting their singles, playing concerts and selling albums, so they could not only live comfortably, but also record better albums in good studios, with the best instruments. In Poland, the bands which played in Polish People's Republic didn't have such an opportunity – their popularity depended on the government, and the salaries were given according to the results of the exam of theoretical knowledge and general musical skills. The media tried to break the monopoly of the government (e.g. Program 3 of Polish Radio or ‘Non Stop’ magazine). The third circulation, equated especially with punk culture, developed in underground and on independent stages. It was characterized by raising issues which were ‘banned’ in the official culture. It was manifested in the message of the words of songs, but also in magazines created by fans or musicians (fanzin). A very interesting phenomenon were also music festivals, which, despite the political situation, gave a lot of freedom to musicians and the audience. This publication is a compilation of information collected by other researchers and also an extract of the BA thesis of the author of this text.

Źródło:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ; 2014, 3(22); 4-21
2956-4107
2353-7094

Pojawia się w:

Kwartalnik Młodych Muzykologów UJ

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 26.

Tytuł:

Wirtualne symfonie dla każdego – muzyka w cyberprzestrzeni
Virtual Symphonies for Everyone – Music in Cyberspace

Autorzy:

Skrzydlewski, Wojciech

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/15827692.pdf

Data publikacji:

2021-10-15

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

culture
popular music
show business
phonography
music creation
generational influence of music
music and show business in pandemic time

Opis:

The article presents selected issues regarding the role of popular music. The following issues are addressed: the development of phonography from its mechanical form to the modern, virtual one, changes in professional music creation, the role of new media in functioning of musicians, and music as a medium of generational influence. Changes in the operation of show business in the context of the development of new media and pandemics were also shown.

Źródło:

Studia Edukacyjne; 2021, 62; 137-146
1233-6688

Pojawia się w:

Studia Edukacyjne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 27.

Tytuł:

Parental conceptualisations of participation in musical culture as exemplified by parents of first level music school students in Poland. A phenomenographic reconstruction

Autorzy:

Labiak, Damian

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2054322.pdf

Data publikacji:

2021

Wydawca:

Uniwersytet Kazimierza Wielkiego w Bydgoszczy

Tematy:

pedagogy of family
culture pedagogy
parents
participation in culture
music school
musical culture
phenomenography

Opis:

The paper presents the results of research conducted among parents of children attending music school. Its aim was to phenomenographically reconstruct the ways of conceptualising participation in musical culture. The analysis of the collected research material allowed for the identification of a number of categories indicating the individual and social contexts of this participation. The issues related to cultural competences, different ways of perceiving the music by the surveyed persons are of particular interest. The contexts relating to the family, its mechanisms and establishment of family ties also deserve special attention.

Źródło:

Przegląd Pedagogiczny; 2021, 1; 261-276
1897-6557

Pojawia się w:

Przegląd Pedagogiczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 28.

Tytuł:

Classical Crossover and Its Russian and Ukrainian Interpretations
Classical crossover i jego rosyjskie i ukraińskie interpretacje

Autorzy:

Shylnikova, Iryna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/29430950.pdf

Data publikacji:

2023

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

classical crossover
muzykologia
gatunki muzyczne
kultura popularna
music studies
music genres
mass culture

Opis:

This article aims to explore the phenomenon of “classical crossover,” a contemporary music trend that blends “high” and “low” elements. In addition to analyzing the genre’s main features and cultural preconditions for its emergence, the article will examine its historical origins and development. The second part of the article focuses on examples of classical crossover in Russian and Ukrainian music, with an analysis of several artists who have ventured into this new type of production, including the Terem Quartet, Anna Netrebko, Olga Chubareva, and Arina Domski. By applying historical and cultural methodology, the article suggests that classical crossover has a broad audience in Russia and Ukraine, allowing musicians to introduce elite classical music to the masses. Although some may view the genre as a dilution of classical music’s distinctive qualities in order to cater to popular tastes, it also provides musicians with the opportunity to create original pieces that merge tradition with innovation. Considering all of the above, the author of this article aims to explore the cultural significance and impact of classical crossover in the music industry.
Artykuł jest analizą zjawiska classical crossover obecnego we współczesnej muzyce, a polegającego na łączeniu elementów „wysokich” i „niskich”. Celem artykułu jest opisanie głównych cech tego gatunku i okoliczności kulturowych, które doprowadziły do jego powstania, a także zbadanie jego historycznej genezy i etapów rozwoju. Druga część artykułu skupia się na przykładach classical crossover w muzyce rosyjskiej i ukraińskiej. Analizie poddano twórczość wybranych rosyjskich i ukraińskich artystów, którzy reprezentują ten nurt, takich jak Terem Quartet, Anna Netrebko, Olga Chubareva i Arina Domski. Wykorzystujący metodologię historycznokulturową artykuł sugeruje, że classical crossover ma szeroką publiczność w Rosji i w Ukrainie, ponieważ oswaja ją skutecznie z elitarną muzyką klasyczną. Chociaż niektórzy dostrzegają w tym trendzie tendencję do rozmywania charakterystycznych cech muzyki klasycznej w celu zaspokojenia popularnych gustów, daje on również muzykom możliwość tworzenia oryginalnych utworów, które łączą tradycję z innowacją. Uwzględniając powyższe elementy, autorka stara się zbadać kulturowe znaczenie gatunku classical crossover i jego wpływ na przemysł muzyczny.

Źródło:

Pamiętnik Teatralny; 2023, 72, 2; 115-129
0031-0522
2658-2899

Pojawia się w:

Pamiętnik Teatralny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 29.

Tytuł:

Człowiek, świat wartości a współczesny obraz edukacji muzycznej. Konfrontacje - wyzwania- kierunki zmiany
HUMAN, WORLD OF VALUES AND THE MODERN IMAGE OF MUSIC EDUCATION. CONFRONTATIONS – CHALLENGES – DIRECTIONS OF CHANGE

Autorzy:

Tupieka-Buszmak, Alicja

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/579446.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Kujawsko-Pomorska Szkoła Wyższa w Bydgoszczy

Tematy:

kultura
sztuka
edukacja muzyczna
culture
art
music education

Opis:

Tematyka artykułu odnosi się do krytycznej analizy sytuacji, w której w od lat znajduje się powszechny nurt edukacji muzycznej. Obszarem zapalnym, narosłym na nieustannych przemianach w zakresie definiowania i rozumienia sztuki wydaje się jaskrawa niespójność deklarowanych wartości, stanowiących aksjologiczną podstawę wychowania muzycznego z tym wymiarem rzeczywistości, w którym żyją młodzi ludzie. Brak styczności wspomnianych pól doświadczenia estetycznego uwidacznia się, m.in. w ignorowaniu złożonych zjawisk społecznych o patologiczno-represywnym charakterze, a także niewystarczalności podejmowanych działań edukacyjnych w zakresie treści oraz form inicjowanego kontaktu z muzyką. Tu być może kryje się jedna z przyczyn dramatycznego napięcia pomiędzy dysfunkcyjnym, opornym za przemiany rzeczywistości kulturowej programem kształcenia muzycznego a okolicznościami/ warunkami życia współczesnej młodzieży. Celem artykułu jest próba uwypuklenia problemu zdezaktualizowanego modelu powszechnej edukacji muzycznej w zderzeniu z uniwersum wartości oraz wiedzą na temat społecznie konstruowanego obrazu świata i tworzenia osobistej, nieformalnej o nim wiedzy.
The topic of the article focuses on the critical analysis of the situation, in which the general current of music education can be found. The problem, accrued on constant transitions within the scope of defining and understanding art, results from blatant inconsistency in the declared values which create an axiological basis for music education and the dimension of reality inhabited by young people. The lack of contact between the abovementioned fields of aesthetic experience is visible in, i. a. ignoring complex social phenomena of pathological repressive nature, the insufficiency of educational methods when it comes to their content and forms of initiated contact with music. This might be the cause of dramatic tension between dysfunctional programme of music education which is resistant to changes of cultural reality, and the living conditions of the contemporary youth. The purpose of this article is to emphasize the problem of obsolete model of the general music education and its contact with the universe of values, the knowledge of socially constructed image of the world and creating one’s own, informal knowledge.

Źródło:

Rocznik Naukowy Kujawsko-Pomorskiej Szkoły Wyższej w Bydgoszczy. Transdyscyplinarne Studia o Kulturze (i) Edukacji; 2016, 11; 389-408
1896-5903

Pojawia się w:

Rocznik Naukowy Kujawsko-Pomorskiej Szkoły Wyższej w Bydgoszczy. Transdyscyplinarne Studia o Kulturze (i) Edukacji

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 30.

Tytuł:

Muzyka kościelna w czasie Oświecenia
Church Music in the Period of the Polish Enlightenment

Autorzy:

Hinz, Edward

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/551408.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Wydawnictwo Bernardinum

Tematy:

music
the Church
hymns of the Enlightenment
culture

Opis:

The period of the Enlightenment within the context of the Polish cultural history commenced as late as in the 2nd half of the 18th century and corresponds with the time of the reign of king Stanislaus August Poniatowski (1764-1795). His patronage created favourable conditions for the development of literature and arts, including the music. There are three genres of music characteristic of this period: vocals (religious, secular, patriotic, festive and idyllic songs), vocal-instrumental pieces (operas, cantatas, oratories, church sonatas, solo sonatas with accompaniment) and instrumentals (symphonies, chamber music and piano concertos). When it comes to the style of the Polish Enlightenment music, it drew from the early Classicism and the native musical folklore. In those days there was a tendency to render the home art more ‘national’. The church music from the Polish Enlightenment period does not match in its artistic value that of Baroque. However, it has earned a prominent place in the history of the sacred music in Poland.

Źródło:

Studia Pelplińskie; 2013, 46; 71-82
0239-4456

Pojawia się w:

Studia Pelplińskie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 31.

Tytuł:

Rap jako muzyka tożsamościowa: od czarnego getta do polskiego pop-nacjonalizmu

Autorzy:

Majewski, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/678147.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Slawistyki PAN

Tematy:

nationalism
popular culture
hip-hop culture
Polish rap
postcolonial studies
identity music

Opis:

Rap as identity music: from the black ghetto to Polish pop-nationalismIn today’s world, cultural products, technologies, information and ideologies more and more permeate from one society to another, crossing all kinds of borders in the least expected way. Rap career is an illustration of this process. It was created in the late seventies and eighties of the twentieth century in New York ghettos and today it represents one of the most popular genres on the global scale. Rap is not only a symbol of revolution and the domination of Western capitalist business practices but also a cultural tool by which different groups, often marginalized or considering themselves as such, express their own identity. I am analyzing the indicated above phenomenon using two, extreme at first glance, examples. First, I present the story of the emergence and development of hip-hop culture in the United States. I try to show how rap music, which is an important element of this culture, allowed a marginalized part of American society for manifesting and communicating their views, beliefs and values, becoming a “transmission channel” for various ideologies, including the ideology of black nationalism. In the second part of the text, I am additionally analyzing the artwork and public appearances by Tadeusz “Tadek“ Polkowski, a Polish rapper, whom I consider a representative of an expanding hip-hop society relating to or sympathizing with the national movement. The music he creates is designed not only to restore the Poles’ “memory”, and therefore also the pride in their heroic and admirable past, but also to open their eyes to what is happening in their country that he believes is being colonized by the occupants. Rap jako muzyka tożsamościowa: od czarnego getta do polskiego pop-nacjonalizmuWe współczesnym świecie wytwory kultury, technologie, informacje i ideologie coraz częściej przenikają z jednego społeczeństwa do drugiego, przekraczając różnego rodzaju granice w najmniej oczekiwany sposób. Przykładem tego procesu jest kariera rapu, który powstał na przełomie lat 70. i 80. XX wieku w nowojorskich gettach, a współcześnie jest jednym z najbardziej popularnych gatunków muzycznych w skali globu. Rap jest bowiem nie tylko symbolem rewolucji informatycznej i dominacji zachodnich, kapitalistycznych praktyk biznesowych, lecz także kulturowym narzędziem, za pomocą którego różne grupy, często marginalizowane bądź za takie się uważające, wyrażają własną tożsamość. Zasygnalizowany powyżej fenomen analizuję, posługując się dwoma, skrajnymi na pierwszy rzut oka, przykładami. W pierwszej części artykułu przedstawiam historię powstania i rozwoju kultury hip-hopowej w Stanach Zjednoczonych. Staram się przy tym pokazać, w jaki sposób muzyka rapowa, będąca ważnym elementem tej kultury, pozwoliła marginalizowanej część społeczeństwa na manifestowanie i komunikowanie swoich poglądów, przekonań oraz wartości, stając się „kanałem transmisyjnym” dla różnych ideologii, w tym także ideologii czarnego nacjonalizmu. W drugiej części tego tekstu analizuję twórczość i wypowiedzi medialne Tadeusza „Tadka” Polkowskiego, polskiego rapera, którego postrzegam jako przedstawiciela coraz liczniejszej grupy hiphopowców związanych bądź sympatyzujących z ruchem narodowym. Tworzona przez niego muzyka ma za zadanie nie tylko przywrócić Polakom „pamięć”, a zatem także dumę z ich heroicznej i godnej podziwu przeszłości, lecz także otworzyć oczy na to, co dzieje się w ich „skolonizowanym przez okupantów państwie”.

Źródło:

Sprawy Narodowościowe; 2015, 47
2392-2427

Pojawia się w:

Sprawy Narodowościowe

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 32.

Tytuł:

Przemiany języka muzyki – hałas jako norma estetyczna XX wieku

Autorzy:

Kopčáková, Slávka

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2131558.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Instytut Studiów Międzynarodowych i Edukacji Humanum

Tematy:

Audial culture
Musical culture
Aesthetics of Music
Tone
Sound
Noise and Silence

Opis:

In the course of 20th century, aestheticians of music considered not only increasing difference between art music and popular music but also the opposite processes. The languages of both spheres started to be overlapping so much that to tag whatever musical expression had lost its importance. The typical feature of some contemporary musical expressions or recent avant-garde works of art is its noise attribute. We mean tolerance for presence of noise sound includ-ing high intensity noise. In the contribution we consider the changes of musical phenomena, simultaneously respecting the fact that in the sound democracy” of the 20th century almost every sound is able to be employed. The purpose is to extend the potential aesthetic qualities of music.

Źródło:

Humanum. Międzynarodowe Studia Społeczno-Humanistyczne; 2015, 2(17); 53-62
1898-8431

Pojawia się w:

Humanum. Międzynarodowe Studia Społeczno-Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 33.

Tytuł:

Konsumpcjonizm w kulturze i edukacji muzycznej. Zarys problematyki i wymiaru zjawiska
Consumerism in culture and music education. An outline of the issue

Autorzy:

Tupieka-Buszmak, Alicja

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/962535.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Uniwersytet w Białymstoku. Wydział Pedagogiki i Psychologii

Tematy:

culture
consumption
music
education
kultura
konsumpcja
muzyka
edukacja

Opis:

Klasyczne ujmowanie definicji kultury muzycznej, tak w socjologii, estetyce czy edukacji wskazuje na pewną lukę wobec narastających zjawisk kultury popularnej. Według przedstawicieli nurtu myśli krytycznej dość wyraźnie rysuje się obraz charakterystycznych symptomów kultury współczesnej, wśród których podstawowym wyznacznikiem wydaje się (niespotykane dotąd) oblicze konsumpcjonizmu. Niestety, ta niekorzystna praktyka społeczna zawłaszcza także obszar edukacji muzycznej, najbardziej uwidoczniony w powszechnym wymiarze kształcenia. Konsumpcja oznacza tu fragmentaryczne, powierzchowne i z różnych względów upozorowane działania pedagogiczne na rzecz trwałego uwypuklenia kultury wysokiej, przy jednoczesnym braku świadomości nieprzystawalności tradycyjnych treści, metod, a także form wychowania muzycznego do współczesnego świata oraz tego, jak odbierają i czym żyją młodzi ludzie. O swoistym niezrozumieniu problemu świadczą m.in. tematy publikacji, dyskusji i konferencji poświęconych tematyce muzycznej. Artykuł stanowi subiektywny (oparty jednakże na wieloletnim, poddanym autorefleksji doświadczeniu pedagogicznym w różnych ośrodkach kształcenia) rys krytycznej analizy sytuacji, w jakiej znajduje się powszechna edukacja muzyczna, a jego celem jest odkrycie ewentualnych dróg i ukierunkowanie przyszłych działań w tym zakresie.
The article presents subjective and critical analysis of current music education. The analysis is based on long and meditative pedagogical experience. The most visible problem of modern musical culture is inconsistency of musical reality, in which young people live and the language of Music subject. It is mainly connected with the ignorance of characteristic modern social practices such as consumerism and inapplicability of didactic aims in music. In my opinion it is one of the main reasons of discrepancy between music curriculum and musical aspirations and interests of students. The aim of this article is to present current model of music education, indicate weaknesses of this issue and show eventual possibilities in changing the approach of young people to art music. The article is divided into a few sections, which present basic issues about music education, the recognition of symptoms of consumerism and the conclusion.

Źródło:

Parezja. Czasopismo Forum Młodych Pedagogów przy Komitecie Nauk Pedagogicznych PAN; 2016, 1
2353-7914

Pojawia się w:

Parezja. Czasopismo Forum Młodych Pedagogów przy Komitecie Nauk Pedagogicznych PAN

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 34.

Tytuł:

,,BIERZESZ CZTERY LUB PIĘĆ NUT, JEDNĄ WYRZUCASZ, JEDNĄ PRZESUWASZ…”, czyli temat główny z Gwiezdnych wojen i Marsz imperialny jako standardy muzyki filmowej oraz ich wpływ na kulturę popularną
YOU GET FOUR OR FIVE NOTES, YOU TAKE ONE NOTE OUT AND ONE MOVE AROUND…*, “STAR WARS MAIN THEME” AND “IMPERIAL MARCH” AS STANDARDS OF FILM MUSIC AND THEIR INFLUENCE ON POPULAR CULTURE

Autorzy:

SKORUPSKI, Patryk

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909317.pdf

Data publikacji:

2019-06-27

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Star Wars
music
soundtrack
popular culture
orchestra
movie
commercial

Opis:

Everybody has his own smells, tastes, pictures which are associated to us with particular situations. It is the same with music and melodies. Most of us can hum “Ode to Joy”, “Für Elise” or… “Imperial March” from Star Wars. What is the strongest quality of music from this saga? Dynamism? Simplicity? Or maybe tone of instruments? I will try to find reason.

Źródło:

Historia@Teoria; 2018, 1, 7; 119-125
2450-8047

Pojawia się w:

Historia@Teoria

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 35.

Tytuł:

Nostalgia za dawnymi laty. Przypadek muzyki popularnej

Autorzy:

Jeziński, Marek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2050234.pdf

Data publikacji:

2014-06-30

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

Nostalgia
popular culture
popular music
mass media
cultural studies

Opis:

The category of nostalgia is the element of artistic message frequently used in popular music, which influences the reception of a particular song. In their activity musicians refer to the musical past by employing cultural references and utilise fashions present in a certain environment for their own benefit. This category is present in lyrics and music, in the stage shows (performing live, festivals, TV shows) and promotional activities (interviews, promotional video clips for the songs). Such referring to tradition became a constant element of artistic communication, anchoring the music in the past and taking into account the cultural specificities. Definitional capturing of nostalgia is not entirely possible: research into this category require approaches which take into account the aspects of context important for decoding the cultural content. Interpretive tools used by semiology or cultural studies allow to depict the elements included in the form and content of music and lyrics. They indicate the presence of nostalgia as a category determining the reception of artistic work.

Źródło:

Kultura i Edukacja; 2014, 3(103); 248-262
1230-266X

Pojawia się w:

Kultura i Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 36.

Tytuł:

Crazy Bout a Mercury

Autorzy:

McGoun, Elton G.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2076927.pdf

Data publikacji:

2021-12-19

Wydawca:

Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego

Tematy:

Automobile
Popular Music
Blues
Brand Image
popular culture
Mercury

Opis:

When we purchase an automobile, we are also acquiring an amorphous but very real image, that is, the statement which the automobile makes about its owner to the public. Such images are forged in popular culture, and Mercury is an automobile brand that had an auspicious post-WWII popular culture debut. In 1948, K.C. Douglas recorded “Mercury Boogie” on a 10-inch 78-RPM, with its memorable line in the chorus “I’m crazy ‘bout a Mercury.” Five years later in 1953, George and Sam Barris transformed a 1951 Mercury Club Coupe into the Hirohata Merc, creating a classic of customization that has been described as “the most famous custom of all time” (Taylor 2006: 56). Ford occasionally attempted to take advantage of these strong roots in popular culture formed in the make’s earliest days, but the company’s efforts were not notably successful. In spite of Mercury’s promising beginnings in media, it has had only a slight presence in music and film. Mercury’s image never influenced the automobile market beyond the first few years, and it was unable to prevent the brand’s 2011 demise.

Źródło:

Review of International American Studies; 2021, 14, 2; 57-74
1991-2773

Pojawia się w:

Review of International American Studies

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 37.

Tytuł:

The muzykant as a product of nature and of culture

Autorzy:

Przerembski, Zbigniew Jerzy

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780293.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

music
folklore
folk music
traditional musician
folk musician
traditional rites
folk rites
nature
culture
magic

Opis:

The article considers of the relations between nature and culture in reference to the traditional (folk) musician (‘muzykant’). His functions went beyond the strictly musical. Historical and ethnographical sources mention his supernatural abilities, his sacred and magical activities. He has been ascribed magical power, allowing him to influence the forces of nature and people’s health. The powers of him were believed to derive from his metaphysical practices and connection to nature. Some times he was accused of having links with demonic creatures. His ritual function, possibly taken over from the priests or shamans of pagan cults, endured in folk rites. In the rites of passage (during some family and annual ceremonies), in times of transition, places of crossing, traditional (folk) musician can take part in making a ritual din, believed as an effective manner against to demonic powers. It was a music awry, parody of music, eyen its inversion - a sort of ‘anti-music’, performed on ‘antiinstruments’, or on simple instruments.

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2009, 8; 119-136
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 38.

Tytuł:

COEXISTENCE OF CLASSICAL MUSIC AND GUGAK IN KOREAN CULTURE
WSPÓŁISTNIENIE MUZYKI KLASYCZNEJ I TRADYCYJNEJ (GUGAK) W KULTURZE KOREAŃSKIEJ

Autorzy:

PARK, So Hyun

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1040184.pdf

Data publikacji:

2020-02-28

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Korean Traditional Music
Gugak
Classical Music
Culture Coexistence
Koreańska Muzyka Tradycyjna
Muzyka Klasyczna
Kulturowe Współistnienie

Opis:

Classical music and Korean traditional music ‘Gugak’ in Korean culture try various ways such as creating new music and culture through mutual interchange and fusion for coexistence. The purpose of this study is to investigate the present status of Classical music in Korea that has not been 200 years old during the flowering period and the Japanese colonial period, and the classification of Korean traditional music and musical instruments, and to examine the preservation and succession of traditional Gugak, new Korean traditional music and fusion Korean traditional music. Finally, it is exemplified that Gugak and Classical music can converge and coexist in various collaborations based on the institutional help of the nation. In conclusion, Classical music and Korean traditional music try to create synergy between them in Korean culture by making various efforts such as new attempts and conservation.
Muzyka klasyczna oraz tradycyjna muzyka koreańska nazywana gugak tworzą nową muzykę i kulturę w drodze wymiany i połączenia. Celem niniejszego artykułu jest analiza obecnego statusu muzyki klasycznej w Korei (która w Korei zaczęła być zauważalna niecałe 200 lat temu) w okresie jej rozwoju oraz okresie okupacji japońskiej, klasyfikacja koreańskiej muzyki tradycyjnej z omówieniem instrumentów muzycznych jak i zachowanie i kultywowanie muzyki tradycyjnej, współczesnej muzyki tradycyjnej i muzyki typu fusion. Autorka podnosi, że muzyka klasyczna i tradycyjna muzyka koreańska mogą się przenikać i współistnieć w wielu projektach przy wsparciu instytucjonalnym ze strony państwa. Dzięki rozlicznym wysiłkom kultywowania i nowych wizji w tworzeniu synergii w kulturze koreańskiej, muzyka tradycyjna i klasyczna mogą tworzyć nowe pola do działania.

Źródło:

International Journal of Korean Humanities and Social Sciences; 2019, 5; 67-99
2449-7444

Pojawia się w:

International Journal of Korean Humanities and Social Sciences

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 39.

Tytuł:

Kompozytorzy polscy 1918-2000 – kontynuacja
Polish composers 1918-2000 – continuation

Autorzy:

Podhajski, Marek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/496099.pdf

Data publikacji:

2011

Wydawca:

Towarzystwo Naukowe Franciszka Salezego

Tematy:

XX century
Polish history
Polish Culture
Polish Music
Polish Composers

Opis:

The author discusses his inspirations and premises behind Polish Composers 1918-2000, which appeared in print in 2005, jointly published by the Warsaw and Gdańsk Academies of Music. It consists of two volumes – Essays and Biographical Entries. The former presents a wide panorama of social, political and cultural phenomena, which influenced the development of Polish music in the 20th century. The second volume consists of around 1300 biographical entries. This paper contains remarks about the contents planned for the English version of the book. Two complementary sources of inspiration determined the book’s coming into being. The first, a belief that the accomplishments of Polish composers of the 20th century are just as outstanding as they are little-known. The second inspiration comes from an observation that the list of the finest musical compositions of the 20th century (289 items), compiled in 1992 by Leo Gerhartz from the European Radio Union, ranks Polish music as no. 12. It is represented by 10 compositions by 4 composers: Witold Lutosławski (5 compositions), Karol Szymanowski (2 compositions), Krzysztof Penderecki (2 compositions), and Ignacy Jan Paderewski (1 composition). At the outset of the research, two seemingly simple but essential questions had to be answered. The first one being who do we call a composer, and the other, who do we consider to be a Polish composer. In the author’s view, a composer is a person who has composed at least one musical composition, a piece which became known as an artistic fact. Here, “become known” means primarily a public performance of a piece. The author’s attention focused on the lives and works of the so-called classical composers. While searching for an answer to the question as to who can be considered a Polish composer, the author analyses statements made by outstanding Polish researchers. He shares their view that ‘Polishness’ should not be determined by nationality or language, but by participation in Polish culture, and an affiliation to it. The last part of the paper concerns the structure and contents of the English version of the book. It will be published jointly by the John Paul II Catholic University of Lublin and Stanisław Moniuszko Academy of Music in Gdańsk. The book will not be a simple and direct translation of the Polish version. The contents of the Essays volume will be different, and the Biographical Entries volume will include, first of all, the following entries: winners of Polish and international composition competitions, composers who have rendered great services to Polish musical culture, priests-composers or other persons, whose creative activities are closely linked to the music of the Catholic Church, and representatives of the younger generation of composers, who have become known after the year 2000. The goal of the planned book is an attempt at proving the thesis that the contribution of Polish composers to the European cultural achievements, their outstanding accomplishments in the area of culture, are of the highest value.

Źródło:

Seminare. Poszukiwania naukowe; 2011, 30; 283-293
1232-8766

Pojawia się w:

Seminare. Poszukiwania naukowe

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 40.

Tytuł:

Rola kultury hip-hop w kształtowaniu się tożsamości młodzieży – wybrane konteksty
The Role of Hip-Hop in the Construction of Youth Identity – Selected Contexts

Autorzy:

Bieńkowska, Monika

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/920473.pdf

Data publikacji:

2018-12-15

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

identity
hip-hop culture
subculture
rap music
express themselves
adolescent

Opis:

This article was developed on the basis of my master’s thesis on hip-hop culture as a factor shaping young people’s identity. In today’s world, young people are increasingly looking for ways to express themselves and their values, which may be associated with belonging to different types of subcultures. Growing individuals manifest their independence by disagreeing with the surrounding reality and defying the prevailing social principles. It seems appropriate to belong to a chosen youth subculture. I will devote my attention to the subculture originating among the black Americans, namely the hip-hop subculture. The rap environment is very often associated with a pejorative phenomenon, vulgarisms, blockers derived from the social margin. In today’s times, in the era of ubiquitous openness and availability of mass media, in the consumer-oriented environment, hip-hop has become a part of the lives of most young, adolescent audiences. The article will also present the development of hip-hop culture in Poland and around the world, as well as the effects that it brought in the process of shaping the identity of young people.

Źródło:

Studia Edukacyjne; 2018, 51; 457-467
1233-6688

Pojawia się w:

Studia Edukacyjne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 41.

Tytuł:

Obraz współczesnego społeczeństwa w utworach muzycznych Doroty Masłowskiej – Mister D.
The depiction of contemporary society in Dorota Masłowska’s music – Mister D.

Autorzy:

Wrzochul-Stawinoga, Justyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/644826.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Generation Z
Mister D
music video
video
visual culture
Masłowska

Opis:

Changes resulting from the development of the Internet have a significant impact on the shape of popular culture. Music, particularly the message that it conveys, constitutes an important element of culture. Music, which is a part of a wider cultural context, has a significant influence on the shaping of the world view of contemporary people and serves as an important element of its description. According to Jacek Bernasiewicz, music often becomes the building block of the young generation. “It is primarily about music, and particularly its content, that always served as a generational bond and carried ideology – rock music for flower children, punk rock for neglected children, rap music for hip hoppers…” (Bernasiewicz, 2009: 4). Music always carries a message and combined with a music video, it becomes a story. This paper and deliberations contained herein are devoted to the works of Mr D, also known as Dorota Masłowska, which is a mirage – on the one hand of pop culture, entertainment and fun, and on the other, a depiction of the contemporary Polish society, in which the Generation Y plays a major role. The aim of the paper is to show how the Internet, being a place where narratives about the world play out, using the convergence of media, contributes to the construction of a certain reality, the elements of which, emphasised by Dorota Masłowska and elevated above the everyday life of the global teenager “Made in Poland,” make up the determinants of contemporary youth culture. Music videos by Mr D. and the content of songs from the album Społeczeństwo jest niemiłe will serve as the subject of this analysis. The narrative appearing in these songs will be examined, and the broader context of the meanings contained in the songs in relation to the entirety of popular culture and the way of functioning of society in it will be pointed out. Dorota Masłowska’s songs are not narratives of the author herself, but of protagonists presented in her music videos: the girl presented in the music video undergoes a kind of metamorphosis, and the viewer looks at the world through the eyes of her imagination. The protagonists in her music videos and songs are representatives of certain social groups with specific, clear characteristics that allow them to be individually identified. I assume that lyrics of songs listened to and music videos watched by youth and young adults are among the most important ways of learning and participating in culture by giving meaning to oneself, one’s life and the world. A musical work that is an “immature form” of culture, making use of the wide range of possibilities available to it for conveying messages, full of symbols and metaphors, demands its recipients to read and discover the meaning.

Źródło:

Kultura-Społeczeństwo-Edukacja; 2018, 13, 1; 254-273
2300-0422

Pojawia się w:

Kultura-Społeczeństwo-Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 42.

Tytuł:

O roli polskiej muzyki w kształtowaniu tożsamości narodowej
On the influence of Polish music on national identity

Autorzy:

Zaniewicz, Joanna Ewa

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/678034.pdf

Data publikacji:

2014-12-31

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Slawistyki PAN

Tematy:

national identity
music
patriotism
patriotic songs
national culture
national symbols

Opis:

The article deals with the role of patriotic songs in shaping national identity of the Polish. The discourse is divided into three matters. The first part is introductory and treats about the most essential issues and research problems, regarding the key topic. I attempt to answer the raised questions in the last part of the work. The middle part of a historical character presents crucial research assumptions, along with all the transformations that have taken place over the years, and have been influencing our comprehending of national songs and strengthening the feeling of national identity. The final part sums the discourse up and is critical to the key topic. I strive to foresee possible consequences of the described phenomena. I derive my conclusions from the analysis, presented in the second part of the article, and from my personal experience, which has been gained due to long years of participating and organizing patriotic concerts and performances.
W poniższym artykule zajmuję się rozważaniami na temat współczesnej roli pieśni patriotycznej w kształtowaniu tożsamości narodowej Polaków. Artykuł został podzielony na trzy części. Pierwsza z nich ma charakter wprowadzający i przedstawia najważniejsze problemy badawcze dotyczące tematu. Druga część ma charakter historyczny, przedstawia najistotniejsze założenia badaczy oraz przemiany na przestrzeni lat naszego rozumienia znaczenia pieśni patriotycznych w kształtowaniu i umacnianiu polskiej tożsamości narodowej. Ostatnia część stanowi próbę przewidzenia przyszłych następstw analizowanego problemu. Przedstawione wnioski opierają się na analizie oraz obserwacjach własnych wynikających z wielu lat uczestniczenia, organizowania i tworzenia koncertów o charakterze patriotycznym.

Źródło:

Sprawy Narodowościowe; 2014, 45; 137-148
2392-2427

Pojawia się w:

Sprawy Narodowościowe

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 43.

Tytuł:

On the tenors of the symphony of nature-culture

Autorzy:

Dahlig, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780325.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

music behaviour
culture
nature
dance
transition
ritual
culture change
stability
musical system
emotion
expression

Opis:

The question of nature-culture and music is approached in the text from several perspectives as points of gravity and profiles, as the ‘tenors’ of considerations of the nature-culture relationship within the context of musical behaviours: 1) the biological tenor - culture as the simulation or imitation of nature (the dominant feature of the art of the Palaeolithic and the rituals of the Neolithic; derivatives in agrarian cultures); in this context, all musical behaviours, the kinetic, verbal, social and symbolic were centred around obtaining and celebrating crops - the results of purposeful activity, patient waiting and the benevolence of supernatural powers. The joy from a powerful hope in the survival of a community through abundant harvests seems to have been the source of the synergy (mutual stimulation) of all the components of socio-musical events, collective rituals and free individual expression. 2) the social tenor, where verbal-dance-musical behaviours (generally speaking - amusement) serve to ‘hew off and distinguish an individual within a group (‘nature’). Thus the nature-culture relationship is translated or reflected in the interplay between the collective and the individual. The dance itself is a play between the (‘natural’) group action and the (‘cultural’) individualised performance. The oscillation between the action of a group and the display of an individual also occur in whirling dances of couples interspersed with individual sung ditties. The social tenor, the transition from collective nature to a culture that is also individual, also concerns the practising of song repertoire, and it is an important factor in understanding cultural change. 3) the conscious-psychological tenor, in which music and musical behaviour are conscious manifestations of culture within historical processes, without necessary references to nature. The fundamental question in this aspect of discussion is the relative extent to which culture is given or created. There is no doubt that nature is given to man, whilst culture needs time. Reflection on the link between music and the social environment leads to the conclusion that nature tightens, while culture loosens, music’s bond with the situational-social context that is strictly ascribed to it. 4) the structural tenor of the musical work/behaviour, which highlights the microworld of nature-culture, particularly the oscillation of openness/change and closedness/ constancy of musical works or behaviours. The nature-culture model can be referred to the logic of development or stylistic change in musical output itself. Following that quartet of tenors, it is worth posing the question as to whether there exists a fifth, linking all the previous four, a ‘cosmic’, theological tenor in the symphony of nature-culture; in other words, whether there exists a ‘school’ of tenors.

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2009, 8; 109-118
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 44.

Tytuł:

Głos w muzykoterapii
Voice and Music Therapy

Autorzy:

Burczyk, Irena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/478611.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Akademia Ignatianum w Krakowie

Tematy:

głos
mowa dźwiękowa
muzykoterapia skoncentrowana na kulturze
muzykoterapia podnosząca jakość życia
głos nośnikiem komunikatu
voice
speech sound
music therapy focuses on culture
music improving the quality of life
the voice carrier currently

Opis:

Artykuł podejmuje zagadnienie głosu na tle walorów terapeutycznych. Omawia różne jego aspekty od wieku prenatalnego w kontekście odbiorcy i nadawcy transponującego komunikaty i informacje jednym kanałem zmysłowym na drugi oraz ekspresji jako nadawcy. Wśród poruszanej problematyki kilka refleksji poświęcam oddechowi bezfonacyjnemu i z fonacją, ćwiczeniom logorytmicznym, roli śpiewu i mowy dźwiękowej. Zwracam uwagę na rolę, funkcje i wykorzystanie repertuaru wokalnego – pieśni ludowej funkcjonującej w środowisku niosącej przesłanie katartyczne, świadczące jednocześnie o tożsamości. Całość podsumowuje znaczenie użycia głosu i wykorzystania z odwołaniem do koncepcji muzykoterapeutycznej jako podnoszącej jakość życia i skoncentrowanej na kulturze. Celem analizy teoretycznej ujętej w tekście jest przedstawienie problematyki głosu w muzykoterapii. Deskrypcja, komparatystyka oraz interpretacja umożliwiły prześledzenie i zasygnalizowanie poruszanego zagadnienia. Kwerenda źródeł pozwoliła na analizę poszczególnych koncepcji muzykoterapeutycznych w aspekcie funkcjonowania w nich głosu. Najczęściej w koncepcjach funkcjonuje muzyka jako pojęcie ogólne bez uszczegółowienia miejsca i roli głosu. Rozważania na temat głosu jako zjawiska dźwiękowego oraz kolejne jego odsłony od mowy dźwiękowej i śpiewu jako rodzaju komunikowania ze strony nadawcy i odbiorcy pozwoliły na ujęcie go przez pryzmat elementów terapeutycznych. Pojawia się on jedynie w meloterapii, czyli w jednej z odmian koncepcji muzykoterapeutycznych polegających na śpiewaniu, jednak tu wysuwa się na plan pierwszy czynnik narracyjny będący formą terapii.
The article deals with the issue of the voice as compared to therapeutic qualities. It discusses various aspects of the prenatal age in the context of the recipient and sender transposing messages and information through one sensory channel to another, as well as their expression by a sender. Among the discussed issues, a few thoughts are devoted to breathing with and without phonation, to rhythmic speech exercises and to the role of singing and sound speech. I draw attention to the role, functions and use of vocal repertoire – folk songs functioning in the environment which carry a cathartic message and are proof of identity at the same time. The conclusion of the article sums up the importance of the voice and using it based on the concept of music therapy as the one which improves the quality of life and is focused on culture. The aim of the theoretical analysis presented in the following article is to discuss the issue of the voice in music therapy. Description, comparative studies and interpretation have made it possible to trace and signal the discussed issues. Furthermore, the query of sources allowed for the analysis of particular music therapy concepts in terms of the voice’s functioning within them. Most often in the source literature, music functions as a general concept without specifying the place and role of voice. Reflections on the voice as a sound phenomenon and its subsequent differences from the sound speech and singing as a form of communication on the part of the sender and recipient allowed the study of the concept from the perspective of therapeutic elements. The concept of voice appears only in melotherapy that is, in one of the types of the concept of music therapy involving singing, yet it also comes to the fore here as a narrative factor which is a form of therapy.

Źródło:

Edukacja Elementarna w Teorii i Praktyce; 2016, 11, 3(41); 225-238
1896-2327

Pojawia się w:

Edukacja Elementarna w Teorii i Praktyce

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 45.

Tytuł:

An unknown collection of music manuscripts from Otyń (Wartenberg)

Autorzy:

Frankowski, Patryk
Mądry, Alina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780133.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Otyń
Wartenberg
musical culture
Jesuit music
musical manuscript
Karol Reinach

Opis:

The Museum of Musical Instruments in Poznan (a branch of the National Museum) is in possession of a very important collection of music manuscripts from the former Jesuit monastery in Otyń (Ger. Wartenberg), which was dissolved in 1776. The activities of this centre were associated primarily with the figure of Karol Reinach, the monastery’s last superior (from 1753). Reinach maintained friendly relations with Frederick II the Great, who was an ardent flautist, as we know, and visited Otyń from time to time. The Otyń manuscripts were bequeathed to the museum in 1947, along with three preserved instruments: a pair of kettledrums and a bass viola da gamba. At present, the collection of manuscripts from the Jesuit ensemble of Otyń contains fifty-six compositions, written between 1753 and 1768. Thirty-one pieces have fully certified provenance, reflected on the title pages of the manuscripts in the form of inscriptions, such as ‘pro Choro Residentiae Wartenbergensis’, and in the names of the Otyń transcribers. Twenty-two compositions were classified as belonging to the Jesuit collection on the basis of its inventory number, placed in the top right corner. Seventeen of the preserved manuscripts were provided with exact dates of origin (ten compositions were dated to the day, the other seven to a particular year). In these manuscripts, one can find compositions of the following types: offertoria, antiphons, Marian hymns (mostly arias), litanies, carols, a cantata, a dialogue and a sequence. All of them are vocal-instrumental. The lyrics were written in Latin and German, and their subject matter is mostly connected with the Marian cult (the antiphons Ave Regina Caelorum, Alma Redemptoris Mater and Regina Coeli Laetare\ the hymn Ave Maris Stella), Jesuit themes (a litany of St John Nepomucen, a prayer of St Francis Xavier, O Deus Amo ego te) and Christmas (carols). The well-known composers include Frantisek Xaver Brixi (1732-1771), Carl Ditters von Dittersdorf (1739-1799), Carl Heinrich Graun (1704-1759), Johann Adolph Hasse (1699-1783) and Karel Loos (1724-1772), and there are also the less well-known or nearly unknown, such as Carolus Gaebel [Gebel], F. Passelt [?], Joseph Rhodigez, Antonio Josepho Ronge (or Runge [?]), Francisco Rudolph and Wollmann. The continued examination of the collection will certainly reveal more details that are unknown or as yet barely identified. The research is due to be capped with the publication of a thematic catalogue of Otyń’s music manuscripts and their registration in the RISM database.

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2012, 11; 67-80
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 46.

Tytuł:

Człowiek – muzyka – Śląsk. Esej o ranie
A Man – Music – Silesia. An Essay on a Wound

Autorzy:

Kunce, Aleksandra

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/26054326.pdf

Data publikacji:

2023

Wydawca:

Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego

Tematy:

rana
Śląsk
muzyka
kultura
dom
wound
Silesia
music
culture
home

Opis:

Artykuł (esej badawczy) pozwala zobaczyć śląską odmianę rany. Rzecz o Jorgu zostaje zakorzeniona w idei śląskiego zadomowienia, lecz także w śląskich odmianach niepokoju, dążenia i wzniosłości spoglądającej w nieskończoność. Odsłonięty zostaje dom jako niebagatelna konstrukcja kulturowa i metafizyczna, w której poraniony człowiek ćwiczy sobą powrót do domu i przepracowuje upadek. Towarzysząca figura Ōmy kryje wiedzę o ciążeniu tego, co absolutne, co w oddali, co nie powinno zawłaszczać życia i władać człowiekiem. W losie Jorga jest coś przerażająco symbolicznego, gdy „traci się” wraz z muzyką, wraz ze Śląskiem i tym, co ludzkie. Rzucenie się w objęcia sztuki i świata, chęć objęcia „wszystkiego”, pójście za tym, co rani, prowadzi do trudności w uzgodnieniu pasji i szaleńczego talentu z powściągliwością i precyzją domu, ale też z utrzymaniem człowieka przy życiu. Rachunek zapłacony przez człowieka jest przygniatający.
The article (research essay) approaches the Silesian version of the wound. The thing about Jorg is rooted in the idea of Silesian at home and Silesian varieties of anxiety, striving, and sublime looking into the infinite. The house is revealed as a significant cultural and metaphysical structure in which the wounded person trains themselves, returns home, and works through the fall. The accompanying figure of Ȭma hides the knowledge about the gravity of what is absolute, what is in the distance, which should not appropriate life and rule over man. There is something terrifyingly symbolic in Jorg’s fate when he “loses” himself with music, along with Silesia and all that is human. Throwing oneself into the embrace of art and the world, the desire to embrace “everything,” to follow that which hurts, leads to difficulties in reconciling passion and crazy talent with the restraint and precision of the home, but also with keeping a man alive. The bill paid by a man is overwhelming.

Źródło:

ER(R)GO: Teoria – Literatura – Kultura; 2023, 46; 11-30
1508-6305
2544-3186

Pojawia się w:

ER(R)GO: Teoria – Literatura – Kultura

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 47.

Tytuł:

Głos prekursora heavymetalowego brzmienia... O autobiografii "Iron man". "Moja podróż przez niebo i piekło z Black Sabbath" Tony’ego Iommiego
The voice of the precursor of heavy metal sound. About the Tony Iommi’s autobiography "Iron man". "My journey through heaven and hell with Black Sabbath"

Autorzy:

Kosek, Jakub

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/521350.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

Metal Music Studies
kultura rocka
kultura metalu
Tony Iommi
autobiografia
autobiography
rock culture
metal culture

Opis:

W artykule dokonano omówienia wybranych aspektów autobiografii jednego z prekursorów heavy metalu Tony’ego Iommiego. Tekst Iron man. Moja podróż przez niebo i piekło z Black Sabbath rozpatrzony został w kontekście m.in. kategorii pamięci autobiograficznej. Szczególną uwagę zwrócono na bohaterów narracji oraz wydarzenia specyficzne i przełomowe w życiu artysty.
This article focuses on the some aspects of the autobiography of heavy metal music precursor Tony Iommi. Text Iron man. My journey through the sky and hell with Black Sabbath was considered in the context of category of autobiographical memory. Special attention was paid to the main characters of narrative and to the specific and crucial events of the artist’s life.

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2018, 10, 3 "Studia nad kulturą metalową"; 88-94
2083-7275

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 48.

Tytuł:

Muzyczna złożoność i pewna specyficzna forma doświadczenia estetycznego
On Music Complexity and Some Specific Form of an Aesthetic Experience

Autorzy:

Moraczewski, Krzysztof

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1042059.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

muzyka
kultura
wzniosłość
złożoność
estetyka
symbol
music
culture
sublime
complexity
aesthetics

Opis:

The main topic of the article is the explanation of repeatable interpretationsof the experience of music in terms of the experience of eternity. The problem is approachedby introducing Kant's concept of the mathematical/dynamic sublime and then by suggesting that the experience of the mathematical sublime can be also achived on a waywhich Kant did not analyze, i.e. thanks to the contact with aesthetical complexity. Theconditions of such an experience are being researched. The second point of delibarationconcerns the transition from experiencing the complex as sublime to interpreting it assymbol of the eternal. The examples used are coming mainly from the field of music,including J.S. Bach and O. Messiaen.

Źródło:

Zeszyty Naukowe Centrum Badań im. Edyty Stein; 2016, 15; 289-307
1895-2984

Pojawia się w:

Zeszyty Naukowe Centrum Badań im. Edyty Stein

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 49.

Tytuł:

O możliwościach czytania dzieła operowego

Autorzy:

Wypych-Gawrońska, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1391830.pdf

Data publikacji:

2015-12-01

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Opera
libretto
music
theatre
history of culture
muzyka
teatr
historia kultury

Opis:

Elżbieta Nowicka’s book Zapisane w operze. Studia z historii i estetyki opery (Wydawnictwo Poznańskie 2012) [Written in opera. The studies from history and aesthetics of opera] is an attempt to read the ideas, myths and idioms of culture enshrined in works of opera from the 17th to the 20th century. This process of registering takes place on several levels of operatic works: in the librettos, the music and in their staging. It is thanks to these that operas often prove to be the most interesting expression of the presence of myths and ideas in culture, and Elżbieta Nowicka’s book encourages the reader to return to such works.

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2015, 24; 377-389
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 50.

Tytuł:

Sztuka – życie – arteterapia. Recenzja książki: Wita Szulc (2021). Arteterapia i życie. Historia osobista. Legnica: Wydawnictwo Państwowej Wyższej Szkoły Zawodowej im. Witelona, ss. 196
Art - Life - Art Therapy. A Review of: Wita Szulc (2021). Arteterapia i życie. Historia osobista. Legnica: Wydawnictwo Państwowej Wyższej Szkoły Zawodowej im. Witelona, ss. 196

Autorzy:

Zarębski, Tomasz
Szymajda, Agnieszka

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2139683.pdf

Data publikacji:

2021-12-21

Wydawca:

Wydawnictwo Naukowe Dolnośląskiej Szkoły Wyższej

Tematy:

arteterapia
kulturoterapia
muzykoterapia
Wita Szulc
art therapy
culture therapy
music therapy

Źródło:

Teraźniejszość – Człowiek – Edukacja; 2021, 23, 2(90); 131-140
1505-8808
2450-3428

Pojawia się w:

Teraźniejszość – Człowiek – Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 51.

Tytuł:

Idole – buntownicy – artyści. O rytualności i rolach artystycznych w muzyce rockowej
Idols – rebels – artists. On ritualism and artistic roles in rock music

Autorzy:

Jeziński, Marek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1944367.pdf

Data publikacji:

2021-06-30

Wydawca:

Narodowe Centrum Kultury

Tematy:

rytualność
rock music studies
wizerunek artystyczny
kultura popularna
muzyka rockowa
rituality
artistic image
popular culture
rock music

Opis:

This article discusses the rituality of rock music and stage images adopted by rock artists as an element of the anthropology of popular culture. Rituality in this music genre emerges at the interface between a performer and the audience, and is manifested through image strategies adopted by artists as an essential aspect of their offer in the music market. This issue proved to be particularly evident in the last decades of the 20th century, when rock became a dominant genre in popular music: the marketing offer aimed at young people was frequently accompanied by social and aesthetic values, allowing audiences to perceive this music as a manifestation of ideas typical of the young generation, placed in opposition to older generations. Rock ethos is often a culture of rebellion where an individual – in this case a rock idol – rises above mediocrity. The mythology of popular music has created several artistic images of which the roles of ‘a rebel’, ‘a sensitive artist’, and ‘an attitude advocate/ideologue’ are the most significant for rock musicians’ activities and their ritualisation. The rituals accompanying rock music perform numerous functions such as the expression of artistic values, the aesthetic function, communication, group integration, identification, and finally, the satisfaction of the need to be part of a group.

Źródło:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka; 2021, 114, 2; 103-119
1230-4808

Pojawia się w:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 52.

Tytuł:

Marta Wesołowska, Muzyka i muzyczność prozy japońskiej okresu Heian (794–1192), Warszawa 2016 Oficyna Naukowa, ss. 344. ISBN 978836436374

Autorzy:

Bednarczyk, Adam

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28408954.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

muzyka japońska
literatura japońska
kultura japońska
Heian
muzyka na dworze
Japanese music
Japanese literture
Japanese culture
court music

Źródło:

Muzyka; 2018, 63, 2; 129-136
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 53.

Tytuł:

Michał Klubiński, Bohdan Wodiczko. Dyrygent wobec nowoczesnej kultury muzycznej, Kraków 2017 Wydawnictwo Universitas, ss. 476. ISBN 97883-242-3087-7

Autorzy:

Ciesielski, Rafał

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/26731704.pdf

Data publikacji:

2021

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

Bohdan Wodiczko
dyrygent
kultura muzyczna
muzyka polska
muzyka XX wieku
conductor
musical culture
Polish music
twentieth-century music

Źródło:

Muzyka; 2021, 66, 2; 182-188
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 54.

Tytuł:

About music, philosophy and science...

Autorzy:

Dankowska, Jagna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780251.pdf

Data publikacji:

2011

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

philosophy of music
subjectivism
objectivism
authenticity
perfection
mass culture
higher values

Opis:

The text attempts to answer the question whether musicians need a philosophy of music. The answer to the question of what music contributes to philosophy - a question superordinate in relation to the investigations of the links between philosophy and music - can be formulated clearly, since we find it in the texts of the most prominent representatives of European philosophical thought, including Schopenhauer, whose ideas are discussed in the paper. These issues are also discussed in literature which explores philosophical issues, by such classics of the genre as Thomas Mann and Herman Hesse, whose profound descriptions bring us closer to an understanding of that which music does directly, by expressing spheres beyond words that cannot be expressed otherwise than through music. Karl Popper regards polyphony as the greatest discovery of European culture, and provides evidence of the closeness of science and philosophy. These three levels of approaching the relationship between philosophy and music lead to demonstrating the axiological essence of music, revealed by performers, who make it possible for music to exist to the full in its sonority, unveiling its metaphysical perfection to its listeners.

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2011, 10; 183-189
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 55.

Tytuł:

Mestizaje y expresiones culturales identitarias en Latinoamérica. Una reflexión sobre el costumbrismo del siglo XIX, la música tradicional y la música pop

Autorzy:

Franco Cárdenas, Diego H.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/27177635.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego

Tematy:

Music
Identity
Post-colonialism
Culture
Miscegenation
Música
Mestizaje
Decolonial
Identidad
Cultura

Opis:

La ilustración costumbrista del siglo XIX en Colombia se concentró en la representación de las expresiones culturales nacionales. Desde el análisis iconográfico de dos ilustraciones representativas, realizadas por Ramón Torres Méndez en ese periodo, identificaremos elementos que sirvieron para la construcción de una identidad cultural. Los elementos que conforman dichas expresiones, sin embargo, son el resultado de una mezcla de otras formas de expresión cultural; europeas, americanas y africanas. Este mestizaje, siempre presente, se extiende hasta nuestros días y se puede apreciar en manifestaciones más contemporáneas como el pop, en particular, el movimiento del rock en español en la década de 1990.
The costumbrista illustration of the 19th century in Colombia, after independence, focused on the representation of national cultural expressions. From the iconographic analysis of two representative illustrations, made by Ramón Torres Méndez in that period of time, it is possible to identify elements that contribute to the construction of a cultural identity. The elements that make up these expressions, however, are the result of a mixture of other forms of cultural expression, namely European, American, and African. This miscegenation, always present, extends even today and can be seen in more contemporary manifestations such as pop, in particular, of which is the key focus of this article.

Źródło:

Review of International American Studies; 2022, 15, 2; 129-143
1991-2773

Pojawia się w:

Review of International American Studies

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 56.

Tytuł:

Rola płci kulturowej w badaniach muzykologicznych – zarys pola badawczego muzykologii feministycznej
The Role of Cultural Gender in Musicological Research – Outline of the Research Field of Feminist Musicology

Autorzy:

Kizińska, Karolina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/26850773.pdf

Data publikacji:

2013-02-28

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

musicology
gender
feminism
feminist musicology
sociology of music
cultural studies
culture
ethnomusicology

Opis:

This article’s aim is to follow new directions in musicology research, that aspire to be interdisciplinary in character and to focus on cultural, analitical and critical approach to music. Almost entirely unknown to Polish readers, this research, defined as “new” musicology, refers to ethnomusicology and sociology of music’s outputs, and tries to apply some of the methods used in those disciplines to analyze classical Western music. Feminist musicology, on which I focus the most, is a still evolving, very popular in the US and at the same time very wide field of study. It’s analyses, although they are sometimes ideological, are one of the most interesting examples of widening the frames of traditional musicology, that are worth knowing. Not assuming to exhaust the topic, I find it crucial to outline the fields of research for this discipline.

Źródło:

Kultura i Edukacja; 2013, 1(94); 22-41
1230-266X

Pojawia się w:

Kultura i Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 57.

Tytuł:

Kulturotwórcza rola Światowego Festiwalu Polonijnych Zespołów Folklorystycznych w Rzeszowie (1969-2019)

Autorzy:

Grudzień, Agnieszka

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2095866.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Poznańskie Towarzystwo Przyjaciół Nauk

Tematy:

folklore
Polish diaspora
festival
community
integration
folk music
culture
Rzeszow
dance
ensemble

Opis:

Since 1967, Światowy Festiwal Polonijnych Zespołów Folklorystycznych [World Festival of Polish Community Folklore Ensembles] has been organized in Rzeszow. After over 50 years, the 18th edition was organized of this unique event taking place every three years in the capital of Outer Subcarpathia. During each edition, the festival attracts over 1,200 Poles living in various parts of the world, from North America to Australia. Ultimately, the Festival has become one of the biggest events of the Polish diaspora in the world. Among the main ideas of the festival has been integration of Polish communities abroad and propagation of Polish culture among Poles living abroad. Many cultural and social developments testify to the culture-forming role of the Festival which enjoys a high rank and significance in the system of forging the Polish diaspora’s bonds with the mother country. For decades, folklore has been an important element of the emotional relation with Poland’s history and culture, a symbol of the ties with the nation and the regional tradition.

Źródło:

Our Europe. Ethnography – Ethnology – Anthropology of Culture; 2020, 9; 7-15
2299-4645

Pojawia się w:

Our Europe. Ethnography – Ethnology – Anthropology of Culture

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 58.

Tytuł:

Польские образы Бориса Лятошинского
Polish Visions of Boris Lyatoshinsky

Autorzy:

Новакович, Мирослава

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2159819.pdf

Data publikacji:

2020-12-13

Wydawca:

Akademia Pomorska w Słupsku

Tematy:

симфоническая музыка
польская культура
мемориальный жанр
symphonic music
Polish culture
“memorial” genre

Opis:

This article examines the connections of the outstanding Ukrainian composer Boris Lyato-shinsky with Polish culture of the 20th century. These connections can be traced at the genetic level and in the context of his music from the 1950s and 1960s. It is argued that the Polish theme forms a kind of supercycle in the composer’s work, which symbolizes the memory of culture and unites a number of his works with Polish themes. These include the piano “Slavic Concerto” by B.Lyatoshinsky, the symphonic poems “Grazhina” and “On the Banks of the Vistula,” and the “Polish Suite” for a symphony orchestra. This supercycle is associated with the “memorial” genre, which actualizes the “memory” mechanism. In this case, we are talking about the “Polish memory” of B. Lyatoszynski, a characteristic feature of which is the connec-tion with the Polish musical culture, which is present in his works at the intonation, genre, and conceptual level.

Źródło:

Ars inter Culturas; 2020, 9; 49-62
2083-1226

Pojawia się w:

Ars inter Culturas

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 59.

Tytuł:

Hybrydowe praktyki muzyczne jako fenomen współczesnej kultury
Hybrid Music Practices as a Phenomenon of Contemporary Culture

Autorzy:

Jabłońska, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/37547754.pdf

Data publikacji:

2024

Wydawca:

Akademia Ignatianum w Krakowie

Tematy:

Muzyka
kultura
hybrydowe praktyki muzyczne
media
streaming
music
culture
hybrid musical practices

Opis:

Celem artykułu jest omówienie natury hybrydowych praktyk muzycznych związanych z tworzeniem, dystrybucją i konsumpcją muzyki, rozumianych jako fenomen współczesnej, zglobalizowanej i zapośredniczonej cyfrowo kultury. W pierwszej kolejności przedstawiona została natura muzyki pojmowana jako forma międzyludzkich interakcji i przestrzeń do budowania relacji społecznych. W szczególności podkreślono założenia Christophera Smalla o interakcyjnym charakterze muzyki. Dalej zarysowane zostały dwa wielkie przełomy – analogowy oraz cyfrowy – które zrewolucjonizowały charakter praktyk muzycznych (zarówno na poziomie twórczym, jak i odbiorczym), prowadząc ludzkość w stronę współczesnej hybrydy i przenikania się tego, co realne, z tym, co wirtualne. Specyfika owych praktyk omówiona została w odniesieniu do takich zagadnień, jak: (a) nowa, hybrydowa „kultura ucha”, (b) nowe, hybrydowe sposoby poruszania się w muzycznej przestrzeni cyfrowej, (c) nowe, hybrydowe konteksty doświadczania muzyki, (d) nowe praktyki związane ze współczesnym streamingiem. To właśnie „muzyka w chmurze” wraz z jej interaktywnym charakterem stanowi współcześnie najpopularniejszą formę konsumowania treści muzycznych, co poparte zostało dostępnymi badaniami o globalnym zasięgu. W tym kontekście ukazane zostały współczesne zjawiska i procesy związane – z jednej strony – z potencjałem streamingu, jak i – z drugiej – z pewnymi dysfunkcjami związanymi z dystynkcją i wykluczeniem cyfrowym. Zagadnienia te osadzone zostały także w kontekście czasów pandemicznych, w których cała kultura, a zatem i muzyka, przeniosły się do sieci, generując z jednej strony wiele nowych możliwości na linii realny-wirtualny, ale też tworząc szereg problemów związanych z przekraczaniem granic pomiędzy tym, co zapośredniczone cyfrowo, oraz tym, co dostępne w naturalnych kontekstach tworzenia i doświadczania muzyki. Paradoksalnie więc czas pandemii Sars-CoV-2 okazał się swoistym katalizatorem dla współczesnej kultury i współczesnych praktyk muzycznych ludzi.
The aim of the article is to discuss the nature of hybrid musical practices related to the creation, distribution, and consumption of music, understood as a phenomenon of contemporary, globalized, and digitally mediated culture. First, music’s specificity was discussed and understood as a form of interpersonal interaction and a space for building social relations. In particular, Christopher Small’s assumptions about the interactive nature of music were emphasized. Subsequently, two great breakthroughs were outlined – analog and digital – which revolutionized the nature of human musical practices (both at the creative and reception level), leading humanity towards a contemporary hybrid and the interpenetration of what is real with what is virtual. The nature of these practices has been discussed in relation to issues such as (a) a new, hybrid “culture of the ear,” (b) new, hybrid ways of navigating the musical digital space, (c) new, hybrid contexts of experiencing music, (d) new practices related to modern streaming. The “music in the cloud” with its interactive character is currently the most popular form of consuming music content, which has been supported by available global research. In this context, contemporary phenomena and processes related – on the one hand – to the potential of streaming, and – on the other – to certain dysfunctions related to distinction and digital exclusion were shown. These issues are also embedded in the context of pandemic times, in which the whole culture, and therefore music, has moved online, generating, on the one hand, many new possibilities on the real-virtual line, but also creating a number of problems related to crossing the boundaries between what is digitally mediated and what is available in the natural contexts of creating and experiencing music. Paradoxically, the time of the Sars-CoV-2 pandemic turned out to be a kind of catalyst for contemporary culture and contemporary musical practices of people.

Źródło:

Perspektywy Kultury; 2024, 45, 2; 489-502
2081-1446
2719-8014

Pojawia się w:

Perspektywy Kultury

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 60.

Tytuł:

Lisa Jakelski, Making New Music in Cold War Poland. The Warsaw Autumn Festival, 1956–1968, Oakland 2017 (= California Studies in 20th Century Music) University of California Press, ss. 272. ISBN 9780520292543

Autorzy:

Bolesławska-Lewandowska, Beata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28408929.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

festiwale muzyczne
Warszawska Jesień
kultura muzyczna
komunizm
muzyka polska
music festivals
Warsaw Autumn Festival
musical culture
communism
Polish music

Źródło:

Muzyka; 2018, 63, 2; 149-153
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 61.

Tytuł:

Kanon wykonawczy muzyki poważnej jako przestrzeń spotkania Innego
The Western canon in classical music as a space of meeting with The Other

Autorzy:

Sasin, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2216428.pdf

Data publikacji:

2018-12-15

Wydawca:

Akademia Humanistyczno-Ekonomiczna w Łodzi

Tematy:

kultura muzyczna
upowszechnianie muzyki
bezpieczeństwo kulturowe
musical culture
popularizing music
cultural safety

Opis:

Tematem artykułu jest poznawanie i upowszechnianie kultury innych narodów i kręgów cywilizacyjnych na przykładzie muzyki poważnej w kontekście bezpieczeństwa kulturowego. Poczucie bezpieczeństwa kulturowego, trudne do osiągnięcia w zmieniającym się świecie, nie jest możliwe bez otwartości na Innego, które z kolei nie może zaistnieć, gdy brak uznania wartości własnej kultury. Wychodząc z tego założenia, autorka analizuje działalność wybranych orkiestr symfonicznych i festiwali muzyki współczesnej w Polsce i za granicą (w Europie i poza nią). Ten wycinek życia kulturalnego pozwala na dostrzeżenie ciekawych zjawisk, związanych z tradycją, przyzwyczajeniami słuchaczy, społecznymi oczekiwaniami wobec instytucji kultury, różnicami międzykulturowymi. Akt wykonania i percepcji utworu muzycznego jest aktem komunikacyjnym, w sprzyjających okolicznościach umożliwiając zbliżenie się do Innego i poznanie go
This article considersprocesses of exploring and popularising the culture of other nations and civilisations through the example of classical music in the context of cultural safety. The sense of cultural safety, difficult in a changing world, is not possible without openness to the Other, which, in turn, cannot be obtained without appreciating one’s own culture’s values. Taking this line, the author analyses the activity of selected concert halls and contemporary music festivals in Poland and abroad (in Europe and outside). These cultural events manifest various interesting phenomena related to tradition, listeners’ customs, social expectations towards cultural institutions, cross-cultural differences, etc. The performance and perception of a musical piece are communicative acts. Given the right circumstances, they make it possible to come closer to the Other and get to know Him/Her.

Źródło:

Kultura i Wychowanie; 2018, 14, 2; 125-138
2544-9427
2083-2923

Pojawia się w:

Kultura i Wychowanie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 62.

Tytuł:

Culture and musical life social capital and the city’s identity
Kultura i życie muzyczne a kapitał społeczny i tożsamość miasta

Autorzy:

Tupieka-Buszmak, A.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/369857.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Zachodniopomorski Uniwersytet Technologiczny w Szczecinie. Wydawnictwo Uczelniane ZUT w Szczecinie

Tematy:

social capital
culture
music
urban space
kapitał społeczny
kultura
muzyka
przestrzeń miejska

Opis:

The article covers the topic of complex conditioning of musical culture, created in the specific location. The issue presents chosen examples of musical life, which have great influence on the identity of the city and the social stock of its inhabitants. The aim of the article is to emphasize the incorporeal dimension of social convention, in terms of creating a sphere of sound needed to construct common living space. The study con-sists of author’s own research, as well as the bibliographic analyses.
Artykuł porusza problematykę złożonych uwarunkowań kultury muzycznej, tworzonej w konkretnej lokalizacji. Zagadnienie przedstawia wybrane przykłady życia muzycznego, które w zwrotny sposób oddziałują na tożsamość miasta i zasoby społeczne jego mieszkańców. Celem opracowania jest podkreślenie niematerialnego wymiaru praktyk społecznych, w znaczeniu dźwiękosfery dla konstruowania wspólnych przestrzeni życia. W opracowaniu wykorzystano badania własne, a także analizy bibliograficzne.

Źródło:

Przestrzeń i Forma; 2018, 34; 23-36
1895-3247
2391-7725

Pojawia się w:

Przestrzeń i Forma

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 63.

Tytuł:

On Authenticity and Popular Culture
O autentyczności i kulturze popularnej

Autorzy:

Bego, Fabio

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/27761261.pdf

Data publikacji:

2021

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

kultura popularna
autentyczność
muzyka popularna
subkultury
popular culture
authenticity
popular music
subcultures

Opis:

In the review the author analyses Ewa Mazierska’s book Polish Popular Music on Screen (2020), which investigates the mutually entangled histories of Polish politics, cinema, TV, and music. Although it focuses on the Polish context, the general and theoretical observations that emerge from Mazierska’s analysis relate also to the broader former socialist Europe. Departing from Mazierska’s work, the author tackles the question of “(in)authenticity” in relation to popular culture. The word “authenticity” often appears in the text to express the critics’ opinions of cultural products, but it is not clearly defined. The review of Mazierska’s research starts with a preliminary analysis of the concept, which enables a transversal discussion of the data presented in the text. Then the author draws some conclusions about the current state of research on Eastern European culture by highlighting the limits and the potentials of the field.
Autor recenzuje książkę Polish Popular Music on Screen (2020) Ewy Mazierskiej, która w swej pracy śledzi wzajemne uwikłania historyczne polskiej polityki, kina, telewizji i muzyki. Mimo że autorka skupia się na kontekście polskim, pojawiające się w jej analizie obserwacje ogólnoteoretyczne dotyczą również szerzej rozumianej dawnej Europy socjalistycznej. Wychodząc od książki Ewy Mazierskiej, recenzent stawia pytanie o „(nie)autentyczność” w odniesieniu do kultury popularnej. Słowo „autentyczność” jest przez autorkę często stosowane dla wyrażenia opinii krytyki o produktach kultury, ale samo w sobie nie zostało przez nią jasno zdefiniowane. Recenzję otwiera wstępna analiza tych konceptów, co z kolei pozwala autorowi poddać namysłowi dane prezentowane w książce. W podsumowaniu recenzent przedstawia konkluzje dotyczące obecnego stanu badań nad kulturą Europy Wschodniej, podkreślając ograniczenia oraz możliwe ścieżki rozwoju w tym zakresie.

Źródło:

Kwartalnik Filmowy; 2021, 116; 242-250
0452-9502
2719-2725

Pojawia się w:

Kwartalnik Filmowy

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 64.

Tytuł:

Narracje (auto)promocyjne w wideoklipach rockowych (na przykładzie twórczości Johna Ozzy’ego Osbourne’a)
(Auto)promotional narratives in rock music videos (Based on the works of John Ozzy Osbourne)

Autorzy:

Kosek, Jakub

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/521112.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

wideoklip
autopromocja
narracja
muzyka rockowa
John Ozzy Osbourne
kultura audiowizualna
music video
self-promotion
narration
rock music
audiovisual culture

Opis:

W artykule zwrócono uwagę na wykorzystanie wideoklipu w twórczości angielskiego prekursora muzyki heavymetalowej Johna Ozzy’ego Osbourne’a. Autor zaprezentował kluczowe typologie dotyczące badanego zjawiska, a także podjął rozważania nad działalnością brytyjskiego twórcy w perspektywie procesu autokreacji wizerunku, działań mitologizacyjnych oraz w kontekście tworzenia rockowych struktur doświadczania i odczuwania.
The article focuses on the music videos in the works of English precursor of heavy metal music John Ozzy Osbourne. The author presented the key typologies on the examined phenomenon, and embarked on the activities of the British composer self-creation in the perspective of the image, mythologization activities and in the context of the creation of rock structures of experience and feelings.

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2017, 9, 2 "Film w działaniu"; 20-31
2083-7275

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 65.

Tytuł:

The Virus as a Catalyst for Culture? Sociological Reflections Using as Example the Musical Practices during the COVID-19 Pandemic

Autorzy:

Jabłońska, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1372697.pdf

Data publikacji:

2021-03-22

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

music
media
culture
Polish society
COVID-19 pandemic
sociology of music
muzyka
kultura
społeczeństwo polskie
pandemia COVID-19
socjologia muzyki

Opis:

The time of the pandemic has redefined most areas of social life. including the world of music in the broad sense. Paradoxically. the virus itself turned out to be a kind of culture catalyst. The aim of this article is to present—at the exploratory level—the subject of people’s practice of music during the COVID-19 pandemic. The text will discuss selected aspects and processes related to the practice of musical. The main focus will be on showing how the musical life of society— confined to the Internet out of necessity—has evolved during the pandemic.
Czasy pandemiczne przedefiniowały większość obszarów życia społecznego. w tym także szeroko pojęty świat muzyki. Sam wirus zaś — paradoksalnie — okazał się swoistym „katalizatorem kultury”. Celem artykułu jest ukazanie — na poziomie eksploracyjnym — problematyki muzycznych praktyk w czasach pandemii COVID-19 na pierwszym etapie jej trwania. W tekście omówione zostaną wybrane zjawiska i procesy związane z praktykami muzycznymi — zarówno na poziomie nadawczym. jak i odbiorczym. Główną osią rozważań będzie próba ukazania. w jaki sposób życie muzyczne społeczeństwa — uwięzione z konieczności w Internecie — uległo przeobrażeniom w czasach pandemicznych.

Źródło:

Kultura i Społeczeństwo; 2021, 65, 1; 145-164
2300-195X

Pojawia się w:

Kultura i Społeczeństwo

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 66.

Tytuł:

Między kulturą wysoką a kulturą popularną. O muzyce George'a Gershwina w „Manhattanie” Woody'ego Allena
Between high culture and popular culture. The music of George Gershwin in Manhattan by Woody Allen

Autorzy:

Pomostowski, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/920083.pdf

Data publikacji:

2013-01-13

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

high culture
popular culture
film music
Woody Allen
George Gershwin
Manhattan
symphonic jazz
identity
New York City
composer
director

Opis:

The article focuses on the relationships between high culture and popular culture in relation to film music. To this end, the author conducted a thorough analysis of the works of George Gershwin used in Woody Allen’s film Manhattan. The article consists of two parts and a conclusion. In the first part, the author presents a brief history of the continuous grinding together of high and popular culture in music, resulting in symphonic jazz, which came about in the 1920s, and whose precursor was George Gershwin. The second part is a cinematic and musicological analysis of all the works of Gershwin appearing on the soundtrack of Manhattan, and an attempt to find associations between the director and composer. In conclusion, the author notes that the phenomenon of mixing of popular culture and mass culture (both on the music, as well as its use in the work of the film) is subordinated in both George Gershwin and Woody Allen’s work to attempts to find their own identity, and one of the sources of inspiration of both artists is the same New York City, which is a city-myth.

Źródło:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2013, 12, 21; 243-255
1731-450X

Pojawia się w:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 67.

Tytuł:

Flamenco: współczesne dylematy badawcze

Autorzy:

Wieczorek, Marta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/687300.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Ludoznawcze

Tematy:

badania flamenco
Andaluzja
kultura cygańska
studia muzyczne
Flamenco research
Andalusia
Gypsy culture
music studies

Opis:

Współczesne postrzeganie różnych typów flamenco jest znacząco zróżnicowane. Ta rozbieżność widoczna jest wśród miłośników flamenco, wykonawców i w postawach akademickich. Autorka analizuje niektóre z różnic, które powtarzają się w dyskusjach naukowych dotyczących flamenco. Rozważa rolę omawianego gatunku w debatach etnicznych i jego miejsce w kulturze hiszpańskiej. Zwraca również uwagę na antagonizm między tradycyjnym i współczesnym lub „czystym” i komercyjnym pokazem flamenco. Dyskusje te są częścią – jak wyjaśnia to choreografka Michelle Heffner Hayes (2009: 4) – „sprzecznych narracji o historii flamenco” i przyczyniają się do złożonego i wieloaspektowego obrazu tej formy sztuki.
Contemporary vantage points on various types of flamenco differ vastly. This disparity is visible among flamenco aficionados, performers and while analyzing academic attitudes. The paper explores some of the recurring discrepancies in the scholarly flamenco disputes. It dwellson the role of the discussed genre in ethnic debates and its place in Spanish culture. The article also looks at the antagonism between traditional and contemporary or “pure” and commercial display of flamenco. These discussions are part of – as a dance scholar Michelle Heffner Hayes (2009: 4) phrases it – “conflicting narratives of flamenco’s history” and contribute to a complex and multifaceted image of this art form.

Źródło:

Łódzkie Studia Etnograficzne; 2018, 57
2450-5544

Pojawia się w:

Łódzkie Studia Etnograficzne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 68.

Tytuł:

Musica non grata? Motywy i obrazy muzyczne w Księdze Izajasza

Autorzy:

Kubies, Grzegorz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/950577.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Teologiczne

Tematy:

Biblia
Izajasz
muzyka
instrumenty muzyczne
starożytna kultura
Bible
Music
musical instruments
Isaiah
ancient culture

Opis:

In the article I interpret musical motifs and images in the Book of Isaiah. The main musicological part of the text precede comments on biblical prophecy, symbolic acts (among them acts connected with music) and Isaiah, the prophet living in the VIII century BC. The research material – eleven passages where musical instruments are mentioned (ḥālîl, šōpār, tōp, kinnôr, nēbel), has been divided into three groups. In the first one (2 passages) I discuss the topos of shofar as the signalling tool, in the second (6 passages) I undertake research into ancient music performance practice. In the last group I examine three passages where musical instruments form parts of the simile, a figure of speech. All musical motifs and images are presented in broad biblical, theological and cultural contexts. Although the music in the Book of Isaiah is linked with drunkenness (Isaiah 5, 12, 24, 10), prostitution (Isaiah 23, 16), associated with the hostile powers (Isaiah 14,  1, 30, 32), it „sounds” ad maiorem Dei gloriam (Isaiah 30, 29, 38, 20), it is not unwanted art (non grata). The negative image of the music can not be associated with the shofar (Isaiah 18: 3, 27, 13, 58, 1).
W prezentowanym artykule dokonuję interpretacji motywów i obrazów muzycznych w Księdze Izajasza, dziele zredagowanym w V wieku przed Chrystusem lub później, łączonym z imieniem wybitnego proroka z VIII wieku przed Chrystusem. Zasadnicze rozważania muzykologiczne poprzedzają uwagi na temat biblijnego profetyzmu, czynności symbolicznych, pośród nich muzyki oraz osoby samego proroka. Materiał badawczy – jedenaście fragmentów, w których wzmiankowane są instrumenty muzyczne (ḥālîl, šōpār, tōp, kinnôr, nēbel) został podzielony na trzy grupy. W pierwszej (2 fragmenty) omawiam topos rogu-narzędzia sygnalizacyjnego, w drugiej (6 fragmentów) podejmuję zagadnienia starożytnej praktyki wykonawczej. W ostatniej grupie (3 fragmenty) poddaję analizie fragmenty, w których instrumenty muzyczne pojawiają się w ramach konstrukcji semantyczno-stylistycznej, jaką jest porównanie. Wszystkie omawiane motywy i obrazy muzyczne zostały ukazane w szerokim kontekście biblijno-kulturowym. W rozważaniach nie zabrakło odniesień do innych ksiąg biblijnych. Tekst Biblii Tysiąclecia (wyd. 5, Poznań 2000), który został uzupełniony o nazwy hebrajskie, jest konfrontowany z innymi współczesnymi przekładami – Biblią Warszawską (1975) i Biblią Lubelską (1991–). Choć muzyka w Księdze Izajasza jest łączona z pijaństwem (Iz 5, 12; 24, 10), prostytucją (Iz 23, 16), kojarzona z wrogimi potęgami (Iz 14, 11; 30, 32), to – podkreślmy – „rozbrzmiewa” także ad maiorem Dei gloriam (Iz 30, 29; 38, 20), nie jest sztuką niechcianą (non grata). Z negatywnym obrazem muzyki nie można w żaden sposób łączyć rogu (Iz 18, 3; 27, 13; 58, 1).

Źródło:

Ruch Biblijny i Liturgiczny; 2014, 67, 4
2391-8497
0209-0872

Pojawia się w:

Ruch Biblijny i Liturgiczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 69.

Tytuł:

Music between nature and culture

Autorzy:

Bielawski, Ludwik

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780329.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

music
culture
nature
conceptions of time
levels of time
zones of time
cultural communication

Opis:

In considering the titular opposition - music between nature and culture - we shall refer to such categories as time, with its levels and zones, and cultural communication. Conceptions of time. In an archaic situation dating from the Palaeolithic era, people lived, and cultures functioned, in sacred time, with no notion o f secular time. Another conception of time comes from the Bible, where we first encounter a ‘straightening’ of time, delineating its direction from the Creation to the Final Judgment (inopposition to ancient views on time, associating it with the wheel, with circular motion, dying and birth). Aristotle drew on Plato’s concept of time. He reduced it to the dimension of the human world, thereby initiating reflection on the ‘present’, which would endure in European thought through Saint Augustine to Edmund Husserl and our contemporary times. From this perspective, music is a process: playing, listening or participating in a musical event. Levels of time. These are as follows: atemporality (contains only simultaneity), prototemporality (contains temporal order, but also simultaneity), eotemporality (besides the features belonging to the aforementioned levels, also contains temporal intervals), biotemporality (as above, and also the present), and finally nootemporality (the human mind, awareness of time). The zones of time, meanwhile, comprise the zone of the psychological present (the motion of one’s own body, the perception of the sensory organs, natural language, musical language), the zone of performances of works (the shaping of form, including musical form), the zone of the temporal environment (three cycles: the diurnal, lunar and annual), and the zone of individual and communal life (the time from birth to death, and also memory, which reveals the sense of music from many perspectives). Cultural communication. In considering this phenomenon, we develop Roman Jakobson’s popular model of communication, expanded to encompass Karl Popper’s model of ‘three worlds’, through which we can propose a layered model of reality and, derived from that model, a concept of music as an efflorescence of nature in the culture of man. This is presented in detail in a series of figures (19-23 and especially 27).

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2009, 8; 15-38
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 70.

Tytuł:

„Polsko-rosyjskie spotkania w przestrzeni kultury muzycznej: XIX wiek i początek XX stulecia. Studia, szkice i materiały”, red. Renata Suchowiejko, Kraków: Wydawnictwo księgarnia Akademicka, 2022, ss. 829. ISBN 978-83-8138-667-8 (druk), ISBN 978-83-8138-668-5 (PDF)

Autorzy:

Literska, Barbara

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/25806574.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

polsko-rosyjski związki kulturalne
kultura muzyczna
muzyka XIX wieku
muzyka XX wieku
muzyka polska
muzyka rosyjska
Polish-Russian cultural relationships
musical culture
nineteenth-century music
twentieth-century music
Polish music
Russian music

Źródło:

Muzyka; 2022, 67, 3; 173-177
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 71.

Tytuł:

Koncertowe sacrum i profanum – teatralizacja przestrzeni scenicznej na przykładzie zespołu Rammstein
Concert sacrum and profanum – about staging the stage space, illustrated by the example of Rammstein

Autorzy:

Kubiak, Maciej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/521194.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

Rammstein
przestrzeń sceniczna
muzyka popularna
teatralizacja
popkultura
stage space
popular music
staging
pop culture

Opis:

W artykule zwrócono uwagę na problem teatralizacji przestrzeni podczas występów scenicznych grupy Rammstein. Twórczość sceniczna zespołu wykorzystuje środki wyrazu artystycznego, jakie można znaleźć podczas przedstawień teatralnych. Począwszy od oświetlenia, poprzez kostiumy, dekoracje, aż do detali, grupa wykazuje dbałość o szczegóły swoich występów. Niejednokrotnie muzycy sięgają do klipów wideo, przenosząc ich elementy do przestrzeni scenicznej. Niecodzienny, świąteczny charakter wydarzenia, jakim jest koncert zespołu Rammstein, stwarza swoiste przestrzenie, które można określić jako sacrum. W artykule dokonano analizy spektakli muzycznych w świetle teorii Johana Huizingi, Beaty Hoffmann, Wojciecha Siwaka oraz Theodora Adorna i Maxa Horkheimera.
The article focuses on the issue of turning stage space into theatre-like environment, which takes place during stage performances of the German band, Rammstein. The band’s stage performance uses techniques of artistic expression that can be found in theatre performances. Ranging from lighting, through costumes and decorations, to details, the band pays a lot of attention to the details involved in their stage performance. The members of the band also repeatedly use video clips, transferring their parts onto stage space. The unusual, festive character of Rammstein’s concerts creates particular spaces that can be called sacrum. In the article, an analysis of music performances is carried out, according to the theories of Johan Huizinga, Beata Hoffmann, Wojciech Siwak, as well as Theodor Adorno and Max Horkheimer.

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2019, 11, 3 "Kultura metalowa w przestrzeni rytualnej i medialnej"; 57-69
2083-7275

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 72.

Tytuł:

Roles of Music-Making in the Process of Cross-Cultural Adaptation: A Case of International Students in Wrocław

Autorzy:

Alptekin, Emre Can

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2196932.pdf

Data publikacji:

2022-10-06

Wydawca:

Komisja Nauk Filologicznych Polskiej Akademii Nauk, Oddział we Wrocławiu

Tematy:

music-making
sociocultural adaptation
psychological adjustment
culture learning theory
social network
cross-cultural transition

Opis:

With the intensifying flow of academically motivated people between countries, the significance of research on cross-cultural adaptation increases. Although the problems and difficulties caused by cultural differences have been researched extensively, this research focused on a common practice among different cultures: participative music making in an intercultural context. Therefore, the current study explores how participative music-making shapes international students’ cross-cultural experiences in Wroclaw. For this purpose, the relevance between international students’ cross-cultural adaptation and music-making as a social activity in Poland is examined. The required data were gathered through in-depth interviews with six students from various countries who made music as a collective activity during their transnational accommodation. The collected data is analysed by the inductive coding approach to explore the commonalities in the international students’ experiences. Findings concluded that collective music making shapes music-maker students’ cross-cultural experiences by not merely helping them gain a specific social network but also contributing to their financial income and mood states, and finally, privileged behaviour by the host country members towards these students.

Źródło:

Academic Journal of Modern Philology; 2022, 15; 21-32
2299-7164
2353-3218

Pojawia się w:

Academic Journal of Modern Philology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 73.

Tytuł:

Antymuzyka i antyinstrumenty w tradycji kulturowej ziem polskich
Anti-music and Anti-instruments in the Cultural Tradition of Poland

Autorzy:

Przerembski, Zbigniew Jerzy

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/26731700.pdf

Data publikacji:

2021

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

kultura ludowa
zwyczaje i obrzędy ludowe
folklor
muzyka ludowa
ludowe instrumenty muzyczne
folk culture
folk customs and rituals
folklore
folk music
folk music instruments

Opis:

W tradycji muzycznej należącej do jej niepisanego nurtu, przekazywanego międzypokoleniowo, w relacji mistrz – uczeń, bez pośrednictwa pisma (zwłaszcza nutowego), oprócz manifestacji dźwiękowych mieszczących się w szeroko pojętym zakresie muzyki, istniało zjawisko określane mianem antymuzyki, rozbrzmiewającej zazwyczaj podczas różnego rodzaju rytuałów przejścia. Antymuzyka zawiera się w szerszym pojęciu wrzawy obrzędowej, rozumianej jako aktywność akustyczna inicjowana w celu apotropaicznym. Stanowi ona odwrotny biegun zjawisk dźwiękowych, które konwencjonalnie przyjęło się uważać za muzykę, stanowiąc wobec niej swego rodzaju opozycję. Antymuzyka związana jest w kulturze tradycyjnej z czasem obrzędowym, będącym odwróceniem czasu „normalnego”, nieobrzędowego. W kulturze polskiej i europejskiej (ale też innych kontynentów) od wieków utrzymywało się przekonanie, że różnego rodzaju głośne manifestacje akustyczne należą do szerokiego spektrum zabiegów ochronnych przeciwko złym mocom, które, jak wierzono, miały wykazywać wzmożoną aktywność w czasie i miejscach interpretowanych w etnologii i antropologii kulturowej jako graniczne, przejściowe, znamienne zawieszeniem dotychczasowego porządku, powrotem do pierwotnego chaosu i otwarciem kontaktu z zaświatami. Obrzędowa wrzawa mogła też być wzniecana podczas sprawowania różnych zwyczajów i obrzędów cyklu rocznego, m.in. kolędowania, rytuałów zapustnych, śródpościa, wielkopostnych, wielkanocnych, wiosennych, sobótkowych, dożynkowych czy zaduszkowych. W cyklu ludzkiego życia przejściowe były: czas narodzin, inicjacja seksualna, ślub, zgon. Za miejsca przejścia uważano lokalne granice, rozstaje dróg, ale też pustkowia, cmentarze, wzgórza czy duże drzewa. Wrzawa obrzędowa, antymuzyka może mieć postać wokalną lub instrumentalną, a częściej quasiinstrumentalną, z użyciem narzędzi dźwiękowych czy nawet różnych przypadkowych przedmiotów antyinstrumentów, a także antyinstrumentów, będących parodią czy zaprzeczeniem „normalnych” instrumentów. Należały do nich przede wszystkim diabelskie skrzypce i burczybas.
Apart from sonic manifestations belonging to the sphere of music as broadly conceived, the musical tradition transmitted orally through the generations from master to pupil, without the agency of writing (and music notation in particular), also comprises a phenomenon referred to as anti-music, usually performed during various rites of passage. Anti-music is part of the wider notion of ritual noise, conceived as acoustic activity initiated for apotropaic purposes. It is poles apart from those sonic phenomena conventionally regarded as music. In traditional culture, anti-music is associated with ritual time, which constitutes a reversal of ‘ordinary’ non-ritual time. For centuries, in Polish and European culture (and also that of other continents), there was a conviction that various loud sonic manifestations belonged to the broad spectrum of means for protecting people against evil forces, which were supposedly more active in places and times which cultural ethnology and anthropology interpret as borderline or transitional, distinguished by the suspension of the previously existing order, a return to primaeval chaos and an opening-up of contact with the otherworld. Ritual noise could also be a part of various customs and rites belonging to the annual cycle, such as carolling, Mardi Gras, mid-Lent, Easter and spring celebrations, Midsummer Night, harvest festivals and All Souls’ Day. Within the cycle of human life, rites of passage were associated with birth, sexual initiation, marriage and death. The places considered as points of transition included local boundaries and crossroads, but also wildernesses, graveyards, hills and big trees. Ritual noise or anti-music can take vocal, instrumental or, more frequently, quasi-instrumental forms, using various sound-producing tools or even random objects, as well as anti-instruments, which are a parody and a contradiction of ‘normal’ instruments. Such anti-instruments include, first and foremost, the so-called devil’s fiddle and the Kashubian friction drum called the burczybas.

Źródło:

Muzyka; 2021, 66, 2; 121-140
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 74.

Tytuł:

Konkursy orkiestr dętych w Polsce jako ekspresja ruchu społeczno-muzycznego

Autorzy:

Kierzkowski, Maciej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/687271.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Ludoznawcze

Tematy:

brass band
contest
Polska
music
culture
ethnomusicology
Mazovia
orkiestra dęta
konkurs
Polska
muzyka
kultura
etnomuzykologia
Mazowsze

Opis:

This paper deals with the issue of brass bands’ contests in Poland and is analysed using both the diachronic and systematic approaches. The sources for this inquiry are the international literature relating to the working class contest phenomena and the outcome of my ethnomusicological field research conducted in 2001–2005 in the Mazovia region (Central Poland). I briefly examine the history of contests of brass bands in Poland since the interwar period. The systematic part deals with different aspects of contesting, which include motivations of musicians, organisers’ assumptions, performed repertoire, as well as evaluation criteria. I explore the structure of brass band contest and its roles in bands’ development. The national, multileveled format of musical contest, is described in relation to the fireman band movement, which was being animated by the Main Board of Voluntary Fire Brigades – a non-musical organisation, and corresponds with the well-researched phenomenon of brass band movement in Great Britain.
Artykuł dotyczy konkursów orkiestr dętych w Polsce i stanowi analizę z wykorzystaniem metod diachronicznych i systematycznych. Źródłem dla tego badania jest międzynarodowa literatura poświęcona zjawiskom związanych z konkursami orkiestr dętych oraz wyniki moich badań terenowych w dziedzinie etnomuzykologii przeprowadzonych w latach 2001–2005 na Mazowszu (Polska Centralna). Krótko omawiam historię konkursów orkiestr dętych w Polsce od okresu międzywojennego. Część systematyzująca dotyczy różnych aspektów konkursu, w tym motywacji muzyków, założeń organizatorów, wykonywanego repertuaru, a także kryteriów oceny. Opisuję strukturę konkursu i jego rolę w rozwoju zespołów. Ogólnokrajowy, wielopoziomowy format konkursu muzycznego zaprezentowany jest w odniesieniu do ruchu strażackich orkiestr dętych, który jest animowany przez Zarząd Główny Ochotniczych Straży Pożarnych – organizacjęniemuzyczną, i odpowiada w pewnym stopniu dobrze zbadanemu ruchowi orkiestr dętych w Wielkiej Brytanii.

Źródło:

Łódzkie Studia Etnograficzne; 2018, 57
2450-5544

Pojawia się w:

Łódzkie Studia Etnograficzne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 75.

Tytuł:

«МЕСТО ПАМЯТИ» КАК ТОПОС МУЗЫКАЛЬНОГО МУЛЬТИКУЛЬТУРАЛИЗМА (ЛЬВОВСКАЯ НАЦИОНАЛЬНАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ АКАДЕМИЯ ИМЕНИ М. ЛЫСЕНКО: ФАКТЫ, ПЕРСОНАЛИИ, РАЗМЫШЛЕНИЯ)
“MEMORY PLACE” AS A TOPOS OF MUSICAL MULTICULTURALISM (LVIV M. LYSENKO NATIONAL ACADEMY OF MUSIC: FACTS, PERSONALITIES, THOUGHTS)

Autorzy:

Катрич, Ольга

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/566417.pdf

Data publikacji:

2018-12-14

Wydawca:

Akademia Pomorska w Słupsku

Tematy:

место памяти
мультикультурализм,
музыкальная академия
Львов
национальная культура
memory place
multiculturalism
music academy
Lviv
national culture

Opis:

accumulating intellectual potential in the field of “memory studies”. Modern discourse of "memory" is the sphere of intersection of scientific interests of history, sociology, psychology, art studies, political science etc. This discourse has formed a truly new paradigm of knowledge with its conceptual-categorical apparatus (“memory masks”, “memory landscape”, “memory space” etc.). The memory space is heterogeneous, and its comprehension is similar to nonlinear reading of a certain hypertext. This process, as a rule, focuses on certain objects – “places of memory”, indicative in one sense or another. The vector of the proposed considerations is generated by the desire to reconstruct the multicultural landscape of the musical-historical memory of Lviv – the third in Europe after Salzburg and Vienna Mozart Center. The main focus is on the expressive topography of this landscape, the “place of memory”, which collected within its historical coordinates the musical experience of the fruitful cooperation of musicians of European glory (J. Elsner, F. K. Mozart, J. Rukgaber, K. Mikuly, K. Lipinsky, S. Lyudkevich, V. Barvinsky etc.), representatives of various national cultures – the history of the oldest Ukrainian higher educational institution - the Lviv M. Lysenko National Academy of Music.

Źródło:

Ars inter Culturas; 2018, 7; 79-88
2083-1226

Pojawia się w:

Ars inter Culturas

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 76.

Tytuł:

„Composing for the films” Theodora W. Adorno i Hannsa Eislera jako krytyczna refleksja o muzyce filmowej
'Composing for the Films' by Theodor W. Adorno and Hanns Eisler as Critical Reflection on Film Music

Autorzy:

Kwapień, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28328085.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

muzyka filmowa
racjonalizacja
fetyszyzacja muzyki
kultura masowa
teoria krytyczna
Hanns Eisler
Theodor W. Adorno
film music
rationalisation
fetishisation of music
mass culture
critical theory

Opis:

Książka Composing for the films jest wyjątkową pozycją wśród literatury muzykologii filmowej. Wydana w 1947 roku była niemal natychmiastową odpowiedzią na szybko rozwijający się w Hollywood przemysł filmowy. Chociaż powstała we współpracy dwóch autorów – Theodora Adorno oraz Hannsa Eislera, przez wiele lat znana była tylko pod nazwiskiem tego drugiego. Pomimo oryginalności koncepcji, nie była ona przedmiotem analizy w Polsce. W pierwszej części artykułu koncentruję się na okolicznościach powstania publikacji oraz historii jej wydań. Proces ten był utrudniony ze względu na skomplikowaną sytuację polityczną obu autorów. Kluczem interpretacyjnym koncepcji zawartej w książce jest teoria krytyczna, zaadaptowana przez Theodora Adorno do badań nad muzyką filmową. W artykule wyodrębniam zawarte w myśli autorów cztery segmenty tematyczne – krytykę kinematografii jako przejawu kultury masowej, krytykę warsztatu kompozytorskiego twórcy muzyki filmowej, krytykę tradycyjnych technik kompozytorskich i możliwości zastosowania w kinie nowej muzyki oraz krytykę i niebezpieczeństwa związane z użyciem w muzyce filmowej nowej technologii. Taki podział umożliwił mi przedstawienie wszystkich czynników analizowanych przez autorów – muzykologicznych, filozoficznych, ekonomicznych, politycznych, socjologicznych. Analizę samej refleksji autorów poszerzam o koncepcje socjologiczne Maxa Webera oraz Theodora W. Adorno - fetyszyzację muzyki, racjonalizację, regresję w słuchaniu. Przedstawiam także część technik kompozytorskich, wciąż stosowanych w muzyce filmowej, które autorzy opisują jako ,,złe nawyki kompozytorskie'' – stosowanych przez kompozytorów do dziś.
 "Composing for the Films" is a unique book in film musicology. Published in 1947, it was a nearly immediate response to the fast developing Hollywood film industry. Though it was the product of a collaboration between two authors, Theodor Adorno and Hanns Eisler, for many years it was known only under the name of that latter artist. Despite its original concepts, it has never been analysed by Polish scholars. The first part of my paper focuses on the circumstances of writing this book and the history of its editions, which was made complicated by both authors’ difficult political situation. Critical theory, as adapted by Adorno for the study of film music, is the key to the concepts contained in this book. In my article, I distinguish four thematic segments in the authors’ commentary: a) criticism of cinematography as a manifestation of mass culture; b) criticism of composition technique in film music; c) criticism of traditional composition techniques and a discussion of the possible uses of new music in films; d) presentation of the dangers related to the use of new technologies in film music. Such a division of topics makes it possible for me to cover all the aspects discussed by the authors, and related to musicology, philosophy, economy, politics, and sociology. My analyses of Adorno and Eisler’s ideas has been extended so as to include Max Weber’s sociological concepts and Adorno’s notions of the fetish character in music, rationalisation, and regression of listening. I also present a survey of selected composition techniques still applied in film music today, which the authors describe as ‘bad habits in composition’.

Źródło:

Muzyka; 2020, 65, 3; 21-40
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 77.

Tytuł:

Edukacja muzyczna w Rosji: aspekty historyczne
Musical education in Russia: historical aspects

Autorzy:

Vorozhko, Hanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/428578.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Wydawnictwo Naukowe Chrześcijańskiej Akademii Teologicznej w Warszawie

Tematy:

system edukacji muzycznej
wychowanie muzyczne
kultura bizantyjska
cerkiewna kultura wokalna
znamiennyj raspiew
Skomorochy
muzyka świecka
rosyjska szkoła wokalistyki
Rosyjskie Towarzystwo Muzyczne
Konserwatorium Moskiewskie
Konserwatorium Petersburskie
music education system
music education
Byzantine culture
Orthodox vocal culture
Znamenny Chant
Skomorokh
secular music
Russian school of vocal art.
Russian Music Society
Moscow Conservatory
Saint Petersburg Conservatory

Opis:

Niniejszy artykuł poświęcony został historycznym aspektom edukacji muzycznej w Rosji. Droga powstawania rosyjskiego systemu edukacji muzycznej omówiona została w kontekście historyczno-teoretycznym i pedagogicznym. W oparciu o dostępne materiały źródłowe i prace darzonych autorytetem badaczy, przeanalizowano węzłowe momenty ewolucji rosyjskiej profesjonalnej edukacji muzycznej. Rozwój ojczystej sztuki muzycznej i edukacji postępował na przestrzeni całej historii Rosji, wywierając specyficzny wpływ na rożne sfery życia i pozostawiając wyraźny ślad w kulturowej spuściźnie kraju. W ciągu omówionych w artykule okresów nagromadziło się ogromne i ważne doświadczenie historyczno-pedagogiczne, stanowiące podstawę współczesnego wychowania muzycznego w Federacji Rosyjskiej.
This article is devoted to the historical aspects of music education in Russia. The path on which the Russian music education system has been forming is discussed here in historical-theoretical and pedagogical contexts. Based on the available documentary material and papers by authoritative researchers, crucial moments in the evolution of professional music education in Russia have been analysed. The development of native musical art and music education has been progressing throughout the entire history of Russia, influencing various areas of life peculiarly and leaving a distinct mark on the country’s cultural heritage. Over the periods discussed in the article, a vast and significant historical- pedagogical experience has accumulated, fundamental to the contemporary music education in the Russian Federation.

Źródło:

Studia z Teorii Wychowania; 2018, 3 (24); 217-234
2083-0998
2719-4078

Pojawia się w:

Studia z Teorii Wychowania

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 78.

Tytuł:

Repertuar muzyczny celebracji sakramentu małżeństwa. Aspekt medialny, kulturowy i liturgiczny
Musical Repertoire for the Celebration of the Sacrament of Marriage: Media, Cultural and Liturgical Aspects

Autorzy:

Maciaszek, Paweł

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2031173.pdf

Data publikacji:

2020-05-20

Wydawca:

Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie

Tematy:

sakrament małżeństwa
muzyka liturgiczna
pieśni kościelne
kultura
media
sacrament of marriage
liturgical music
church songs
culture

Opis:

The choice of musical repertoire for the celebration of the sacramentof marriage has become the subject of more frequent and widespreaddiscussions. Media publications on the subject which provide suggestions forthe choice published in the media and promoted cultural solutions for musicattest to the existence of a problem and the urgent need to arrive at someform of resolution. In this article, the issue of music and songs at churchweddings is presented in three parts: the first clarifies the existing problem;the second shows the cultural factors which have led to the existence of theproblem; the third part demonstrates the urgent need to formulate a rightfulsolution regarding the choice of music within the context of Christian liturgy.Suggestions for this choice put forward in the mass media, together withcurrent cultural trends, do not always advocate appropriate choices.The guidelines given to the bridal couple in order to assist them intheir choice of music should always be in keeping with liturgical law.The rules and regulations which govern liturgical law lead to a deeperunderstanding among the faithful of the true meaning of sacramentalrituals and their Christian significance. Consequently, they can never besubject to personal taste alone. Observance of these regulations ensuresthe Christian authenticity of the liturgy as ordained by Christ and theChristian community, and it enhances the aesthetic aspect; indeed, everybridal couple wishes their nuptial Mass to be beautiful. Consequently, theyshould be made acquainted with the Church’s teaching on liturgical musicalsettings. Adherence to prescribed norms not only guarantees the essentialholiness of the liturgical celebration, but also ensures that their sanctity isnot undermined, and allows for inclusive participation in the liturgy.

Źródło:

Collectanea Theologica; 2020, 90, 1; 119-146
0137-6985
2720-1481

Pojawia się w:

Collectanea Theologica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 79.

Tytuł:

Carolin Krahn, 'Topographie der Imaginationen. Johann Friedrich Rochlitz’ Musikalisches Italien um 1800', Wien: Hollitzer Verlag, 2021, pp. 416. ISBN 978-3-99012-898-5

Autorzy:

Müller, Sarah Avischag

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/25806606.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

niemiecka kultura muzyczna
muzyka w XIX wieku
German musical culture
music in early 19th century

Opis:

How were music and musicians from Italy imagined in Germany around 1800? This core research question is treated by Carolin Krahn in her monograph Topographie der Imaginationen. Johann Friedrich Rochlitz’ musikalisches Italien um 1800, a publication based on her doctoral dissertation defended in 2017 at the University of Vienna. Krahn’s monography is a valuable study for research into German intellectual culture in musical circles of the early nineteenth century.
Jak wyobrażano sobie muzykę i muzyków z Włoch w Niemczech około 1800 roku? To podstawowe pytanie badawcze podejmuje Carolin Krahn w swojej monografii Topographie der Imaginationen. Johann Friedrich Rochlitz’ musikalisches Italien um 1800, publikacji opartej na jej rozprawie doktorskiej obronionej w 2017 roku na Uniwersytecie Wiedeńskim. Monografia Krahna jest cennym opracowaniem do badań nad niemiecką kulturą umysłową w kręgach muzycznych początku XIX wieku.

Źródło:

Muzyka; 2022, 67, 4; 181-183
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 80.

Tytuł:

Fenomen „Telewizyjnej Listy Przebojów”: grodzieńscy fani polskiej muzyki

Autorzy:

Sadowska, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/950419.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Historii im. Tadeusza Manteuffla PAN w Warszawie

Tematy:

Grodno
BSRR
USSR
communism
popular culture
youth
Polish rock music
ZSRR
komunizm
popkultura
młodzież
polska muzyka rockowa

Opis:

Tekst opowiada historię nieformalnego ruchu młodzieży z Grodna, którą w latach osiemdziesiątych XX w. połączyła fascynacja polską muzyką, głównie rockową. Od nazwy popularnego programu „Telewizyjna Lista Przebojów” nazwali się TLP-istami. Przedstawiony zostanie społeczno-polityczny kontekst tych szczególnych zainteresowań i możliwości ich rozwijania w realiach ostatniej dekady ZSRR. Zadane zostaną pytania o wpływ muzyki na styl życia młodzieży, reakcje otoczenia, a także znaczenie dla kształtowania postaw. 

Źródło:

Studia z Dziejów Rosji i Europy Środkowo-Wschodniej; 2018, 53, 2
2353-6403
1230-5057

Pojawia się w:

Studia z Dziejów Rosji i Europy Środkowo-Wschodniej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 81.

Tytuł:

Zuzanna Michcik, „Zawsze istotna była dla nas ta społeczność i więzi”. Kształtowanie grupowej tożsamości poprzez uczestnictwo w wydarzeniach muzycznych
“This Community and Bonds Have Always Been Important to Us.” Shaping Identity Through Participation in Musis Events

Autorzy:

Michcik, Julia

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2057313.pdf

Data publikacji:

2021-12-23

Wydawca:

Ośrodek Pamięć i Przyszłość

Tematy:

wydarzenia muzyczne
Open'er Festival
OFF Festival
społeczność festiwalowiczów
tożsamość
kultura festiwalowa
wpływ wydarzeń muzycznych
music events
festival-goers community
identity
festival culture
music events impact

Opis:

Opowieść Zuzanny Michcik, jednej z uczestniczek pierwszych edycji wydarzeń muzycznych w Polsce w latach 2009–2019, dotyczy ich współtworzenia, przynależenia do festiwalowej społeczności i procesu budowania polskich festiwali. Festiwale to nie tylko muzyka na żywo, ale także kształtowanie więzi i grupowej tożsamości.
A story by Zuzanna Michcik, one of the participants of the first editions of the music events in Poland in years 2009–2019, is about co-creating festivals, belonging to festival community and process of building festivals. Festivals are not only about live music, but also about creating bonds and shaping group identity.

Źródło:

Wrocławski Rocznik Historii Mówionej; 2021, 11; 206-228
2719-7522
2084-0578

Pojawia się w:

Wrocławski Rocznik Historii Mówionej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 82.

Tytuł:

Musical life in Slutsk during the years 1733-1760 in the light of archive materials

Autorzy:

Bieńkowska, Irena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/780177.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Slutsk
musical culture
1733-1760
Hieronim Florian Radziwiłł
Jesuit music boarding school
Jesuit school theatre
aristocratic theatre

Opis:

This article represents the very first attempt at reconstructing musical life in Slutsk (Pol. Sluck) during the first half of the eighteenth century, and it merely outlines the issues involved. Slutsk was a typical private town - a multicultural centre inhabited by Jews, Orthodox Ruthenians, Lithuanians and Poles of the Protestant and Roman-Catholic faiths. Among the representatives of the Roman-Catholic faith, the Jesuits were the main animators of the town’s cultural and educational life, alongside the court of Prince Hieronim Florian Radziwiłł. A medium-sized music boarding school attached to the Jesuit College in Slutsk existed from around 1713. Musical instruments were purchased for the school quite regularly, often in faraway Koenigsberg. The contacts between the boarding school and the prince’s court were relatively frequent and good, and some school leavers found jobs at the court, chiefly in the garrison or janissary band, and sporadically also in Prince Radziwill’s music ensemble. The court was the main centre of the town’s cultural life. Among its numerous artistic ventures, stage shows seem to have been the most spectacular. For the purposes of such performances, a free-standing theatre was built in the centre of Slutsk at the turn of 1753. This building is worth mentioning because of the rarity of such projects in the Commonwealth of Poland-Lithuania during the 1750s. The repertoire of the Slutsk theatre was initially dominated by commedia dell’arte in German and the occasional dramma per música, but during the second half of the 1750s, one-act ballets began to dominate. Among the instrumental works performed in Slutsk were compositions by Carl Heinrich and Johann Gottlieb Graun, Georg Christoph Wagenseil, and musicians active at the Radziwiłł court (Andreas Wappler, Joseph Kohaut and Johannes Battista Hochbrucker), as well as improvisations by Georg Noelli. The town’s artistic heyday ended with the death of Prince Hieronim Florian Radziwiłł, in 1760, and the dissolution of the Society of Jesus, a decade or so later.

Źródło:

Interdisciplinary Studies in Musicology; 2012, 11; 235-248
1734-2406

Pojawia się w:

Interdisciplinary Studies in Musicology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 83.

Tytuł:

Wczesny okres twórczości Władysława Żeleńskiego w oczach polskich krytyków muzycznych
Early period of Władysław Żeleński’s output as seen by Polish music critics

Autorzy:

Jaczyński, Michał

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/521871.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Akademia Muzyczna im. Stanisława Moniuszki w Gdańsku

Tematy:

musical critique
Polish musical culture on 19th century
Polish song
Polish chamber music
Polish symphonic works

Opis:

The article attempts to describe the early, pre-opera reception of music written by Władysław Żeleński (1837–1921), one of the most important Polish composers and music educators working in the second half of the nineteenth and early twentieth century. The lower limit of the study period is the first mention of the composer in the press, namely the review of the Piano Sonata Op. 5 by Józef Sikorski (1859). This period ends in the year 1785, just before the premiere of Żeleński’s the first opera, Konrad Wallenrod. The source material was all Polish periodicals of that time, comprised of musical specialized magazines, art magazines, general public magazines and journals (including Cracow’s “Czas”). The aim of the author of this paper was to present the main problems (and their evolution) which occur in Polish critical-thinking about music in the context of Żeleński’s orches-tral works, as well as songs, piano and chamber music. Among these issues, the most important seem to be the reviewers’ attempt (initially tentative) to classify Żeleński by one of the current trends — insert him in the rigid framework of interpretation. The following oppositional categories can be mentioned: technicism and lyricism, talent and genius, youthfulness and maturity, classical and salon music, “national” style and a cosmopolitan one. One of the main issues for critics was to determine the influences in Żeleński’s works, and thus find out the artistic way which he fol-lowed. And here are the most common patterns mentioned by the reviewers: the classic style, the “national” one (in this case his songs were very often evaluated as linked with Stanisław Moniszko’ works) and the New German School. In the critical-thinking of music Żeleński somehow balances between these concepts. The aim of the author of this paper was to highlight the most important arguments that appear in discussions and — additionally — to supplement historiographic base associated with the composer.

Źródło:

Aspekty Muzyki; 2014, 4; 121-146
2082-6044

Pojawia się w:

Aspekty Muzyki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 84.

Tytuł:

Polityka w muzyce, muzyka w polityce. Przypadek zespołu Hucuł Kalipso

Autorzy:

Ksenicz, Igor

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2015116.pdf

Data publikacji:

2021-12-23

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II

Tematy:

популярна культура, популярна музика,
політика
Україна
popular culture
pop music
politics
Ukraine
kultura popularna
muzyka popularna
polityka
Ukraina

Opis:

Artykuł stanowi próbę odpowiedzi na pytanie o zaangażowanie polityczne ukraińskiej muzyki popularnej na przykładzie zespołu Hucuł Kalipso (HK). Grupa z Czerniowców wykonuje „hucuł-hop”, czyli połączenie muzyki afroamerykańskiej z folklorem huculskim. W swoich tekstach HK porusza przede wszystkim tematykę społeczną, której istotną część stanowi polityka. Zawarty w utworach żartobliwy komentarz można uznać za krytykę zastanych na Ukrainie patologii: paternalizmu, korupcji, kumoterstwa i populizmu. HK należy do grupy świadomych społecznie popularnych artystów ukraińskich promujących nowoczesny patriotyzm.
Стаття є спробою відповіді на запитання про політичну заангажованість української популярної музики на прикладі гурту Гуцул Каліпсо (ГК). Група з Чернівців виконує "гуцул-хоп", тобто суміш афроамериканської музики і гуцульського фолклору. У своїх текстах ГК порушує в першу чергу суспільну тематику, якої важливою частиною є політика. Жартібливий коментар присутній у творах можна сприйняти як критику патологій, з якими стикається Україна: патерналізму, корупції, кумівства та популізму. ГК можна віднести до групи суспільно свідомих популярних українських артистів, які просувають сучасний патріотизм.
The aim of the article is to answer the question of political involvement of Ukrainian pop music, on the example of Gutsul Calipso (GC) band. Group from Chernivtsi performs “Hutsul-hop”, meaning mix of Afroamerican music with Hutsuls folklore. GC lyrics raise social issues mainly, politics being an important part. Humorous commentary included in songs may be considered as critics of pathologies existing in Ukraine: paternalism, corruption, favoritism and populism. GC belongs to the group of socially aware Ukrainian popular artists, promoting modern patriotism.

Źródło:

TEKA Komisji Polsko-Ukraińskich Związków Kulturowych; 2021, 6, 16; 97-109
1733-2249

Pojawia się w:

TEKA Komisji Polsko-Ukraińskich Związków Kulturowych

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 85.

Tytuł:

Edukacja muzyczna − w stronę współczesnej kultury

Autorzy:

Grusiewicz, Mirosław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/607049.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej

Tematy:

contemporary culture
art
musical arts
education
music education
współczesna kultura
sztuka
sztuka muzyczna
edukacja
edukacja muzyczna
edukacja kulturalna

Opis:

The paper addresses questions essential for the education system: whether it offers up to date education, whether schools keep pace with the social reality, scientific world, the world of art and culture, and in particular, whether it draws attention to the need to complywith changes taking place in contemporary culture in designing the music education curricula. Presented theses and conclusions are based on the belief that cultural transformation we have been witnessing is a persistent phenomenon. It has taken place primarily through moderntechnologies and media, therefore schools and music education as a subject must take this fact into account, both in terms of ideas, curricula and daily practice. The paper has two parts. The former, based on analyses in the field of theory and sociology of culture, as well asculturalanthropology and education, discusses components appearing to be of key importance for understanding the present-day status of culture and for designing new solutions in universal music education; the author is trying to challenge some stereotypes and prejudice in thinkingabout contemporary musical culture. Analysis of these factors has provided the starting point for the latter part, outlining changes necessary in music education in order to make it satisfyimportant human needs and achieve essential objectives it was credited.
Artykuł porusza kluczowe dla oświaty zagadnienie aktualności oferty edukacyjnej, kompatybilności szkoły ze światem społecznym, nauki, kultury i sztuki, w tym przede wszystkim zwraca uwagę na konieczność uwzględniania w edukacji muzycznej zmian jakie zachodzą we współczesnej kulturze. Zaprezentowane tezy i wnioski opierają się na przeświadczeniu, że obecna transformacja kulturowa jest zjawiskiem trwałym. Dokonała się one głównie za sprawą nowoczesnych technologii, mediów i powinnością szkoły i edukacji muzycznej jest uwzględnianie tego faktu zarówno na poziomie koncepcji, programów nauczania, jak i codziennej praktyki. Tekst składa się z dwóch części. W pierwszej, na podstawie analiz z zakresu teorii, socjologii, antropologii i pedagogiki kultury, omówione są elementy, które wydają się kluczowe dla zrozumienia współczesnej sytuacji kultury oraz dla planowania nowych rozwiązań w powszechnej edukacji muzycznej, w tym autor stara się zmierzyć z pewnymi stereotypami i uprzedzeniami w myśleniu o współczesnej kulturze muzycznej. Analiza tych uwarunkowań jest punktem wyjścia do naszkicowania w części drugiej zmian jakie są konieczne w edukacji muzycznej, tak aby mogła ona zaspokajać ważne potrzeby ludzi i mogła realizować istotne cele jakie jej przypisujemy.

Źródło:

Lubelski Rocznik Pedagogiczny; 2019, 38, 1
0137-6136

Pojawia się w:

Lubelski Rocznik Pedagogiczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 86.

Tytuł:

O muzyce metalowej, sztuce i okładkach… Z malarzem i grafikiem Arkadiuszem Zającem rozmawia Konrad Ludwicki
On heavy metal music, art and record covers – Konrad Ludwicki’s interview with a painter and graphic designer, Arkadiusz Zając

Autorzy:

Ludwicki, Konrad

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/520786.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

etyka
malarstwo
muzyka metalowa
okładki płyt
popkultura
sztuka
ethics
painting
heavy metal music
record covers
pop culture
art

Opis:

Pretekstem do rozmowy z malarzem i grafikiem Arkadiuszem Zającem są okładki płyt zespołów metalowych. Rozmowę z artystą poprzedza kilkustronicowy wstęp. W tekście skupiam się na meritum zjawiska, jakim są okładki płytowe. Skupiam się na jego osobliwościach, przeprowadzając ogólną charakterystykę. Punktem wyjścia są artystyczne i oryginalne obwoluty płyt zespołów metalowych. Rozmowa przeprowadzona została w roku 2019 i dotyczy – przede wszystkim – kontekstów twórczych w konfrontacji z szeroko pojętą sztuką, muzyką i malarstwem. tekście stawiam hipotezy odnoszące się również do zagadnienia etyki i estetyki w projektach wybranych, niszowych okładek. Marginalnie rozpatruję też kwestie kultury masowej i jej poboczy.
The reason to talk with the painter and graphic designer, Arkadiusz Zając, are the record covers of heavy metal bands. Conversation with the artist is preceded by a long introduction. In this text I focus on the essence of record covers. I discuss the peculiarities by carrying out general characteristics. The starting point are artistic and exceptional record covers of metal bands. The interview took place in 2019 and concerned mainly creative contexts confronted with widely understood art, music and painting. In the text, I put forward some hypotheses related to the issue of ethics and aesthetics of some selected niche covers. Besides, I also deal with the question of mass culture and its fringes.

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2019, 11, 3 "Kultura metalowa w przestrzeni rytualnej i medialnej"; 154-168
2083-7275

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 87.

Tytuł:

Wybrane formy uczestnictwa w kulturze muzycznej podstawą kreowania więzi

Autorzy:

Szubertowska, Elżbieta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/607017.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej

Tematy:

participation in culture, spontaneous singing, organised making music in bands.
uczestnictwo w kulturze, spontaniczny śpiew, zorganizowane muzykowanie w zespołach.

Opis:

In the article i made an attempt to show the essence of participation in musical culture and its place in education. In theoretical reflections i made a reference to the ideas included in pedagogical and sociological literature, dealing with the basics of social coexistence and cooperation. Using the examples taken from the history, but also from pedagogical practice,i showed the role of making music in bands in the education in the past and i drew attention to contemporary possibilities of using this form of activity in building social ties. The subject of my reflections was the participation in spontaneous, community singing and in organised bands: instrumental and choral. In the summary i referred to present-day situation in thisfield and i showed positive educational initiatives worth of imitation.
W artykule podjęłam próbę ukazania istoty uczestnictwa w kulturze muzycznej i jej miejsca w wychowaniu. W teoretycznych rozważaniach odniosłam się do treści zawartych w literaturze pedagogicznej i socjologicznej, traktujących o podstawach społecznego współżycia i współdziałania. na przykładach zaczerpniętych z historii, a także z praktyki pedagogicznej, ukazałam rolę muzykowania zespołowego w wychowaniu w przeszłości oraz zwróciłam uwagę na współczesne możliwości wykorzystania tej formy aktywności w budowaniu więzi społecznych. przedmiotem moich rozważań uczyniłam uczestnictwo w spontanicznym, wspólnotowym śpiewie oraz w zorganizowanych zespołach: instrumentalnym i chóralnym.W podsumowaniu odniosłam się do współczesnej sytuacji w tej dziedzinie oraz wskazałam pozytywne inicjatywy wychowawcze godne naśladowania.

Źródło:

Lubelski Rocznik Pedagogiczny; 2019, 38, 1
0137-6136

Pojawia się w:

Lubelski Rocznik Pedagogiczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 88.

Tytuł:

Teledysk muzyczny w przestrzeni badań nad edukacją, na przykładzie analizy i interpretacji teledysku do utworu The Last Refugee Rogera Watersa.
Musical Video in Educational Research on the Example of Analysis and Interpretation of The Last Refugee by Roger Waters

Autorzy:

Golonka-Legut, Joanna
Pryszmont-Ciesielska, Martyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2140827.pdf

Data publikacji:

2018-06-30

Wydawca:

Wydawnictwo Naukowe Dolnośląskiej Szkoły Wyższej

Tematy:

socjologia wizualna
badania nad edukacją
badania jakościowe
kultura popularna
muzyka popularna
teledysk muzyczny
uczenie się nieformalne
visualsociology
educational research
qualitative research
pop culture
pop music
music video
non-formal learning

Opis:

W ciągu ostatnich kilkunastu lat można dostrzec swoistego rodzaju poszerzanie się obszaru badań społecznych, które wyraża się w podejmowaniu przez badaczy nowych zadań poznawczych. W badaniach  nad  edukacją  można  dostrzec  m.in.  wyraźne  zainteresowanie  wizualnością,  które  badacze  łączą z (roz)poznawaniem potencjału edukacyjnego codzienności. W takiej perspektywie warto zwrócić uwagę na kulturę popularną, która jest nie tylko wytworem, ale również naturalnym elementem życia codziennego człowieka. Opracowanie to podejmuje kwestie związane z rozumieniem teledysku jako tekstu kulturowego mającego postać narracji, który należy postrzegać jako autonomiczną formę audialno-wizualną. Kolejno zostaje wskazana propozycja badania teledysku muzycznego w badaniach nad edukacją. Próba zrozumienia istoty i (roz)poznania teledysku jako źródła wiedzy zostanie dokonana na podstawie analizy i interpretacji konkretnego materiału wizualnego – dokumentu zastanego, teledysku do utworu The  Last Refugee Rogera Watersa. Całość podejmowanych rozważań jest głosem badaczy-andragogów.
For the last dozen or so years the area of social research has expanded. This is connected to different cognitive challenges taken up by researchers. As for educational research, we can notice, amongst others, a strong interest in visual aspects of education, that are associated with the (re)cognition of educational potential of everyday life. With this perspective, it is worth having a look at pop culture which is not only a product but also a natural component of everyday reality. This text is an attempt to understand music video as a culture text with a narrative, which should be seen as an independent audio-visual form. A study ona video clip in educational research is proposed. An attempt to understand the nature and to (re)cognizemusic video as a source of knowledge will be made through analysis and interpretation of certain visualmaterials – an existing research document – the video clip to The Last Refugee by Roger Waters. The wholestudy is conducted and discussed from the andragogical perspective.

Źródło:

Teraźniejszość – Człowiek – Edukacja; 2018, 21, 3(83); 90-102
1505-8808
2450-3428

Pojawia się w:

Teraźniejszość – Człowiek – Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 89.

Tytuł:

Społeczno wychowawcze aspekty aktywnego uczestnictwa w kulturze muzycznej
The social and educational aspects of active participation in musical culture

Autorzy:

Szubertowska, Elżbieta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1833842.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Wyższa Szkoła Gospodarki w Bydgoszczy. Wydawnictwo Uczelniane

Tematy:

uczestnictwo w kulturze
działanie w grupie
wychowanie społeczne poprzez kontakt z muzyką
czas wolny
kultura
culture
participation in culture
group activities
social education by contact with music
free time

Opis:

Artykuł jest próbą ukazania istoty uczestnictwa w kulturze i jego wartości społeczno-wychowawczych w teoriach wybranych pedagogów i socjologów. Odnosząc się do tych rozważań, ukażę możliwości intensyfikacji wychowania społecznego ludzi różnych środowisk poprzez ich udział w grupowych formach kontaktu z muzyką. Ukazując w aspekcie historycznym i współczesnym niedocenianą dotąd rolę muzycznej działalności zespołowej w budowaniu pozytywnych relacji międzyludzkich, zachęcę do podjęcia jej jako interesującej formy aktywnego uczestnictwa w kulturze i twórczego spędzania wolnego czasu.
The article is an attempt to present the essence of participating in culture, as well as the social and educational qualities thereof, in the theories of selected pedagogues and sociologists. Referring to these considerations, I shall describe the possibilities of intensifying the social education of people of diverse backgrounds by means of their participation in group forms of contact with music. Having presented the hitherto unappreciated role of collective musical activities in building positive interpersonal relations, both in a historical, as well as a modern approach, I shall encourage to undertake them as an interesting form of active participation in culture and a creative way of spending free time.

Źródło:

Zeszyty Naukowe Wyższej Szkoły Gospodarki, seria Edukacja - Rodzina - Społeczeństwo; 2018, 3; 75-92
2450-9760

Pojawia się w:

Zeszyty Naukowe Wyższej Szkoły Gospodarki, seria Edukacja - Rodzina - Społeczeństwo

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 90.

Tytuł:

Dwa obrazki z muzycznych okolic pandemii (z ziemi włoskiej do Polski)
Two musical pictures in pandemia (to Poland from the italian land)

Autorzy:

Socha, Ziemowit

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1849215.pdf

Data publikacji:

2020-06-30

Wydawca:

Instytut Dyskursu i Dialogu

Tematy:

socjologia muzyki
interpretacja kultury
pandemia
COVID-19
#hot16challenge
sociology of music
interpretation of culture
COVID-19 pandemic

Opis:

Pandemia COVID-19 poskutkowała wprowadzeniem obostrzeń co do przemieszczania się w wielu krajach. Z dnia na dzień zaciągnięto hamulec w rozpędzonym pociągu życia społecznego. Miało to przede wszystkim skutki gospodarcze, ale nowa sytuacja nie ominęła sfery kultury muzycznej. Pierwszym muzycznym symptomem były tu koncerty balkonowe we Włoszech. W Polsce skutki te przybrały formę – udział wielu zawodowych artystów, celebrytów i polityków w wyzwaniu hot16challenge. Dwa wybrane do analizy przypadki – jak spróbuję przekonać – obrazują dwa sposoby funkcjonowania muzyki w różnych społeczeństwach.
The COVID-19 pandemic has resulted in many countries in mobility restrictions. Handbrake was applied to the speeding train of social life. First of all, it had economic effects, but the situation did not miss world of music. The first musical symptom was the balcony concerts in Italy. In Poland, these effects took a slightly different form – the participation of many professional artists, celebrities and politicians in the hot16challenge. Selected cases for the analysis – as I tried to convince – illustrate ways of functioning of music in different societies.

Źródło:

Dyskurs & Dialog; 2020, II, 2 (4); 27-41
2658-2368
2658-2406

Pojawia się w:

Dyskurs & Dialog

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 91.

Tytuł:

Działalność muzyczna ojców bernardynów w sanktuarium Matki Bożej Budosławskiej na Białorusi

Autorzy:

Ivashkevich, Tatsiana

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/19923001.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Wydawnictwo Diecezjalne i Drukarnia w Sandomierzu

Tematy:

antiphonary
organ
church music
sanctuary
Belarusian musical culture
the Bernardines
antyfonarz
organy
muzyka kościelna
sanktuarium
białoruska kultura muzyczna
bernardyni

Opis:

Kościół w Budsławiu jest głównym białoruskim ośrodkiem maryjnym. Od początku istnienia (XVI w.), miejscowość ta była związana z działalnością zakonu bernardynów. Pozostawali oni wiernymi kustoszami i promotorami religijnej kultury muzycznej aż do połowy XIX w. Po kasacji zakonu (1858) świątynię oddano duchowieństwu diecezjalnemu. Bernardyni powrócili do budsławskiego sanktuarium w 1996 r., a jego rangę znacząco podniosło wpisanie Festynu Budsławskiego na listę UNESCO w 2018 r.Ojcowie bernardyni pozostawili po sobie nieprzebadane jeszcze dziedzictwo związane z sanktuarium w Budsławiu. W artykule wskazano na trzy świadectwa historyczne, jakimi są: zespół muzyczny, antyfonarz i organy. Zachowane dokumenty pozwalają na niepełną rekonstrukcję dziejów zespołu, częściowe odtworzenie listy muzyków oraz inwentarza partytur i instrumentów. Nasilające się represje nie pozwoliły na odbudowę zespołu. Kapela muzyczna w świątyni budsławskiej funkcjonowała ok. 100 lat (od połowy XVIII do połowy XIX w.). Opisany rękopis liturgiczny przechowywany obecnie w Narodowym Muzeum Historycznym Republiki Białorusi w Mińsku (sygn. КП 13633), znany jako antyfonarz, pochodzi z XVIII w. Strona tytułowa, zawartość i styl pisma nutowego wskazują jego bernardyńską proweniencję. Do dziś zachowały się organy zbudowane w 1783 r. przez Nikolausa Jantzenego. Ten 20-głosowy instrument był poddawany mało udokumentowanym renowacjom. Wiadomo, że pewnych zmian dokonał na początku XX w. Piotr Wojciechowicz, natomiast ok. 1923 r. prace przy organach budsławskich prowadziła firma Wacława Biernackiego.
The church in Budslau is the main Belarusian Marian center. From the beginning of its existence (16th century), Budslau was associated with the activities of the Bernardine order. They remained faithful custodians and promoters of religious music until the mid-19th century. After the suppression of the order (1858), Budslau church was passed to the diocesan clergy. The Bernardines returned to the sanctuary in Budslau in 1996. The importance of the sanctuary increased greatly after inclusion of the Budslau Fest into the UNESCO list 2018.The Bernardine fathers left behind an unexplored legacy at the sanctuary in Budslau. The article points to three testimonies: the musical ensemble, the antiphonary, and the organ. The preserved documents allow for an incomplete reconstruction of the ensemble’s history, a partial reconstruction of a list of musicians, and the inventory of music sheets and instruments. The increasing repression did not allow the ensemble to be restored. The musical group in Budslau existed for about 100 years (from the mid-18th to the mid-19th century). The liturgical manuscript, described as an antiphonary, is currently stored in the National Historical Museum of the Republic of Belarus in Minsk (ref. КП 13633) and dates from the 18th century. The organ built in 1783 by Nikolaus Jantzen has survived to this day. This 20-voice instrument has undergone little documented restoration. It is known that some changes were made at the beginning of the 20th century by Piotr Wojciechowicz and around 1923 the works on the Budslau organ were carried out by Wacław Biernacki’s company.

Źródło:

Studia Sandomierskie. Teologia-Filozofia-Historia; 2020, 27; 171-183
0208-7626

Pojawia się w:

Studia Sandomierskie. Teologia-Filozofia-Historia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 92.

Tytuł:

Muzykujące istoty nieziemskie: kulturowe przemiany obrzędowej antymuzyki i antyinstrumentów
Musical Otherwordly Beings: Cultural Transformations of Ritual Anti-Music and Anti-Instruments

Autorzy:

Przerembski, Zbigniew Jerzy

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/31341628.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

muzykujące istoty nieziemskie
antymuzyka
antyinstrumenty
przemiany kultury ludowej
musical unearthly beings
anti-music
anti-instruments
transformations of folk culture

Opis:

Artykuł nawiązuje do znamiennych dla kultury europejskiej od czasów średniowiecza, przez nowożytność, do współczesności wyobrażeń istot nieziemskich, tak dobrych jak i złych, grających na różnych instrumentach muzycznych. W kulturze ludowej dokumentowano (głównie od XIX wieku) zjawisko rytalnej wrzawy, czynionej także na tzw. antyinstrumentach i zwanej antymuzyką. Współcześnie, w dobie folkloru scenicznego, na Kaszubach dawne obrzędowe antyinstrumenty: skrzypce diabelskie i burczybas, stały się instrumentami perkusyjnymi w kaszubskich kapelach ludowych. Pełnią one w nich dodatkową, a może podstawową funkcję – znaku tożsamości regionalnej Kaszubów. Tematyka muzykujących istot nadprzyrodzonych stała się modna w współczesnej sztuce ludowej w Polsce. Nierzadko przedstawiane są muzykujące anioły, ale też diabły, różnymi instrumentami, także ludowymi. Zanik tradycyjnej wiary w ludową, metafizyczną wizję świata umożliwił „wyposażenie” diabłów w antyinstrumenty, które długo były ludzką bronią przeciwko nim. W sztuce ludowej wyobrażenia tego rodzaju nabrały charakteru groteskowego.
This article refers to the notions of otherworldly beings, both good and bad, playing on various musical instruments, which have been a significant part of European culture from the Middle Ages through to the present day. This phenomenon of a ritual uproar has been long documented in folk culture, mainly from the 19th century, performed on so-called anti-instruments and termed anti-music. Nowadays in Kashubia, in the era of stage folklore, the old ritual anti-instruments, i.e. the devil’s violin and burczybas, have become percussion instruments in Kashubian folk bands. They play an additional, or perhaps a basic, function, as a sign of the regional identity of the Kashubians. The subject of music-making supernatural beings has also become fashionable in contemporary folk art in Poland. Music-making angels are often presented, but devils too, with various instruments, including folk ones. The disappearance of the traditional belief in the folk metaphysical vision of the world has made it possible to “equip” devils with those anti-instruments that had long been a human weapon against them. In folk art, images of this kind took on a grotesque character.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2022, 70, 12; 137-149
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 93.

Tytuł:

Zmiany w kulturze litewskiej XX i XXI wieku. Muzyka ludowa w Wilnie

Autorzy:

Nakienė, Austė

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/687321.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Ludoznawcze

Tematy:

urbanization
shifts in culture
folklore movement
contemporary folk music
postmodernism
urbanizacja
zmiany w kulturze
ruch folklorystyczny
współczesna muzyka ludowa
postmodernizm

Opis:

A modern metropolis is an artificially created landscape brimming with a vast variety of significant places, public spaces that mark the historical past, streets with flows of transport, and internet networks that transmit information at lightning speed; it is a landscape with numerous cultural institutions and even with locations where these institutions are concentrated (cultural industries). Traditional culture lives on in such a complex urban structure yet in modest conditions, small premises, or abandoned spaces. Hardly will a resident of Vilnius, who is not interested in it, detect any signs of its existence, but more curious burghers know that they can visit various events associated with traditional culture. Traditional culture has adapted itself: it has found a shelter and has taken root like moss on a stone.This research was carried out by participating in the folklore movement of Vilnius, by taking part in various events and carefully observing them. Having scrutinized the musical scene, the author found some connections between the changes that traditional music underwent in earlier times and the historical shifts she has witnessed in her own lifetime.
Nowoczesna metropolia to sztucznie stworzony krajobraz pełen różnorodnych miejsc znaczących, przestrzeni publicznych, które odnoszą się do historycznej przeszłości, ulic ze sunącymi po nich środkami transportu i sieci internetowych, które przesyłają informacje z prędkością błyskawicy. Jest to krajobraz z wieloma instytucjami kulturalnymi, a nawet z lokalizacjami, w których instytucje te się skupiają (przemysł kulturalny). Tradycyjna kultura funkcjonuje w tak złożonej strukturze miejskiej, ale w skromnych warunkach, w małych lub opuszczonych przestrzeniach. Mieszkańcy Wilna, którzy nie są zainteresowani tym rodzajem kultury, ledwo dostrzegająjakiekolwiek oznaki jej funkcjonowania. Ci bardziej zainteresowani wiedzą jednak, że istnieje w mieście możliwość uczestniczenia w wydarzeniach związanych z kulturą tradycyjną. Kultura ta dostosowała się: znalazła schronienie i zakorzeniła się jak mech na kamieniu.Badania polegały na zaangażowaniu w działalność ruchu folklorystycznego w Wilnie, na uważnej obserwacji i uczestniczeniu w różnych wydarzeniach. Po przeanalizowaniu sceny muzycznej autorka znalazła pewne powiązania między zmianami, które zaszły w tradycyjnej muzyce w przeszłości, a zmianami we współczesności, których jest świadkiem.

Źródło:

Łódzkie Studia Etnograficzne; 2018, 57
2450-5544

Pojawia się w:

Łódzkie Studia Etnograficzne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 94.

Tytuł:

Partimento po polsku? Nauka realizacji basso continuo i improwizacji organowej w przemyskim klasztorze benedyktynek
Polish partimento? The teaching of basso continuo realization and organ improvisation in Benedictine monastery in Przemyśl

Autorzy:

Walter-Mazur, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/521912.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Akademia Muzyczna im. Stanisława Moniuszki w Gdańsku

Tematy:

partimento
organ manuscripts
sources to the polish music history of 18th century
the musical culture of Benedictine nuns
Przemyśl

Opis:

The article is devoted to the fragment of manuscript ms 10 stored in the Archive of the Benedictine Sisters in Przemyśl. The manuscript consists of 70 cards and comes probably from the mid-eighteenth century. The book, intended for the organist, consists of liturgical chants written in the soprano key with an accompanying bass line, exercises based on the bass line and 77 organ works. In addition, on the cards 64V-69V of this manuscript some observations about organ teaching are written. Those observations are subject for this very considerations and the text in the original grammatical and spelling form is attached to this article. The teaching notes from ms 10 are titled Understanding of good and bad consonances and consist of 29 unnumbered points illustrated with musical examples. They provide guidance on the implementation of basso continuo, organ accompaniment for plainchant and polyphonic singing and composing or organ improvisation. It is so far the only known text of this kind in the Polish language dating the eighteenth century. Author and copyist of this text remain unknown, but we can assume that it has been prescribed from another source by a nun-organist, and only in a small part reformulated. Its relationship to a female religious community is indicated by, apart from place of preservation, the endings of verbs appearing in the teaching notes. From the course of argument it can be concluded that the method of teaching included in the Understanding of good and bad consonances refers to the partimento tradition that began in the late seventeenth century in the Italian conservatories, and later, in the eighteenth century and early nineteenth, has been popularized in many parts of Europe through published books. The term partimento determined bassline, with or without numbering, which is the basis for improvising or creating self-composition. While dealing with the bass lines, a student learned at the beginning about the construction of intervals and chords and the way of conducting voices. When it was no longer a problem, he could expand the bass to the accompaniment or to the solo piece.

Źródło:

Aspekty Muzyki; 2012, 2; 99-118
2082-6044

Pojawia się w:

Aspekty Muzyki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 95.

Tytuł:

Ideologia hip-hopowa na przykładzie tekstów hip-hopowych
Hip Hop Ideology on the Basis of Hip Hop Lyrics

Autorzy:

Kozłowska, Monika

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/644935.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

identity
hip-hop ideology
theory of innovation
making sense
texts/lyrics analysis music
the role of hip hop in identity formation
interpretation
hip hop culture
rap music’s message – positives and negatives

Opis:

The article is asort of analysis of hip hop lyrics in the context of their importance for identity formation process of young generation. Rap music, as one of the elements of hip hop culture, is a kind of special innovation for its audience. With rising interest for this musical genre and hip hop culture the discussion on formulating the issues through the prism of rap music’s message has been increasing. The article presents certain aspects of making sense to the reality, which surrounds young artists, as well as some attempts at interpretation of already formulated social messages and their content. On one hand, the content is presented as a piece of announcement or message, which expresses young generation identity through the music. On the other hand, the content is a kind of confrontation between young audience and various messages presented in particular piece of music. In the article various hip hop productions are analyzed. The analysis is based on objective attitude towards the problem and presents both positive and negative sides of the issue, which have an in uence on identity formation process of teenagers.

Źródło:

Kultura-Społeczeństwo-Edukacja; 2012, 2; 119-133
2300-0422

Pojawia się w:

Kultura-Społeczeństwo-Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 96.

Tytuł:

MUZYKA POPULARNA JAKO ŹRÓDŁO REFLEKSJI NAD DOROSŁOŚCIĄ. ALBUM THE DARK SIDE OF THE MOON GRUPY PINK FLOYD JAKO DROGA DO (Z)ROZUMIENIA ISTOTY DOROSŁOŚCI I PRZYGOTOWANIA SIĘ DO NIEJ
POPULAR MUSIC AS A SOURCE OF REFLECTION ON ADULTHOOD. PINK FLOYD’S ALBUM THE DARK SIDE OF THE MOON AS A WAY TO UNDERSTAND AND PREPARE TO ADULTHOOD

Autorzy:

Golonka-Legut, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/464192.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Akademickie Towarzystwo Andragogiczne

Tematy:

adulthood
non-formal learning
pop culture
popular music
adult education
dorosłość
nieformalne uczenie się
kultura popularna
muzyka popularna
edukacja dorosłych

Opis:

Problematyka niniejszego artykułu wpisuje się w nurt rozważań dotyczących rozumienia kultury popularnej jako obszaru uczenia się człowieka dorosłego. Przedstawione treści odnoszą się bezpośrednio do postrzegania muzyki popularnej jako źródła refleksji nad podstawową kategorią andragogiczną – dorosłością. Natomiast punktem odniesienia jest refleksja nad albumem muzycznym The Dark Side of the Moon grupy Pink Floyd, który jest postrzegany jako droga (jedna z dróg) do (z)rozumienia istoty dorosłości i przygotowania się do niej. Intencją przygotowanego tekstu jest nie tylko chęć podzielenia się własnymi przemyśleniami dotyczącymi wyżej wymienionej tematyki, ale przede wszystkim zainteresowanie czytelników albumem The Dark Side of the Moon grupy Pink Floyd i zaproszenie ich do refleksji nad dorosłością – refleksji zainspirowanej muzyką.
Subject of this paper is part of the discussion on pop culture as an area of non-formal learning of adults. The author refers directly to perception of pop music as a source of reflection on the main andragogical category – adulthood. The refer- ence point is Pink Floyd’s album The Dark Side of the Moon, presented as one of the ways to understand and prepare to adulthood. The text is intended not only to share author’s reflections regarding the above men- tioned subject but, first of all, to interest readers in the album The Dark Side of the Moon by Pink Floyd and invite them to music-inspired reflection on adulthood.

Źródło:

Edukacja Dorosłych; 2018, 1; 59-72
1230-929X

Pojawia się w:

Edukacja Dorosłych

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 97.

Tytuł:

Moda na grunge i grunge w modzie. Od Cobaina do Pattinsona - przejawy konsumpcjonizmu subkulturowego
Fashion for Grunge- Fashionable Grunge. From Cobain to Pattinson – manifestations of subcultural consumerism

Autorzy:

Bruszewska, Daria

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/567383.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Olsztyńska Szkoła Wyższa

Tematy:

Grunge
Subkultury młodzieżowe
Pokolenie X
Konsumpcjonizm subkulturowy
Kultura popularna
Muzyka rockowa
Juvenile subcultures
Generation X
Subcultural consumerism
Popular culture
Rock music

Opis:

Pod koniec lat osiemdziesiątych XX wieku w Stanach Zjednoczonych Ameryki w dorosłość wkroczyło pokolenie okrzyknięte mianem Pokolenia X. W tym samym czasie popularność zyskały zespoły grające muzykę grunge’ową, a wokół nich utworzyła się nowa subkultura. To ona, za sprawą światowego sukcesu grunge’u, stała się przedmiotem zainteresowań nie tylko fanów, ale też specjalistów od marketingu. Celem artykułu jest wskazanie przykładów będących dowodem istnienia mody na grunge oraz scharakteryzowanie i zaprezentowanie przejawów konsumpcjonizmu subkulturowego. Rozważaniom towarzyszy refleksja nad uwarunkowaniami powstawania subkultur oraz funkcjonowaniem idoli w przestrzeni kultury popularnej i „zawłaszczaniu” ich przez przemysł reklamowy.
At the end of the eighties the USA experienced the coming of age of a generation later on to be tagged as Generation X. It happened at this particular time that bands playing a brand of music referred to as „grunge“ gained increasing popularity. Out of this environment a new subculture originated. The global success of grunge was not restricted to a limited fan community only, but aroused the interest of marketing experts. Issue of this paper is an exemplary presentation of phenomena being evidence of an actual fashion for grunge as well as the characterization and presentation of how subcultural consumerism manifests itself. Some general considerations on the circumstances favouring the emergence of subcultures in general, the role idols of the public assume in popular culture as well as their „appropriation“ by the marketing industry round out this study.

Źródło:

Warmińsko-Mazurski Kwartalnik Naukowy, Nauki Społeczne; 2012, 3; 71-86
2084-1140

Pojawia się w:

Warmińsko-Mazurski Kwartalnik Naukowy, Nauki Społeczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 98.

Tytuł:

Edukacja przez sztuki i kulturę popularną na lekcjach języka polskiego
Education through art and popular culture in Polish language classes

Autorzy:

Łopatka-Koneczny, Paulina
Wojtkowska, Lilianna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/459705.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Fundacja Pro Scientia Publica

Tematy:

edukacja
proces nauczania
kultura popularna
literatura
sztuka
muzyka
nauczanie języka polskiego
education
teaching process
popular culture
literature
art
music
teaching Polish

Opis:

Cel badań. Celem badania było dostrzeżenie oraz opisanie funkcji, które mogą być pełnione przez sztuki (ze szczególnym uwzględnieniem muzyki) i kulturę popularną w procesie nauczania oraz wychowania ucznia na każdym etapie edukacji polonistycznej. W badaniu zwrócono uwagę na korzyści, jakie niesie wprowadzanie elementów artystycznych do konspektu lekcji języka polskiego. Dostrzeżono także zalety postawy proartystycznej nauczyciela-polonisty i wszelkich przejawów jego ekspresji. Metoda. Aby zrealizować cel badania przeprowadzono eksperyment na lekcji języka polskiego, obserwację nieuczestniczącą młodzieży w komunikacji miejskiej, środowisku szkolnym i rodzinnym oraz zastosowano analizę filologiczną utworów literackich, takich jak: cykl o Harrym Potterze J. K. Rowling, trylogii Igrzyska Śmierci Suzanne Collins czy Makbeta Williama Shakespeare’a. Wszystkie te metody posłużyły jako części składowe hermeneutycznej metodologii – starano się opisać problem od ogółu do szczegółu. Ponadto odwołano się do różnych problemów nauczania opisanych w książce Wychowanie przez sztukę (Płoński, 1965), podjęto próbę polemizowania z nimi oraz uzupełniono je o nowsze spostrzeżenia badaczy oraz koncepcje psychologii poznania według Jeana Piageta, Lwa S. Wygotskiego, Jeroma S. Brunera i tezy formułowane przez Wincentego Okonia. Wyniki. W procesie kształcenia ważną rolę pełnią – obok przedstawianych treści nauczania, wartości, przyswajania partii materiału gramatycznego, itd. – prywatne zainteresowania nauczyciela, które mogą wzbogacić każdą, nawet najnudniejszą, lekcję. Pasje pomagają niekiedy zwrócić uwagę uczniów na sposób analizy i interpretacji dzieła, formułowania myśli oraz postawę wobec tekstu. Zdają się być także katalizatorem odkrywania metod pogłębiających wiedzę, a więc nauczania. Dzięki nim nauczyciel zobligowany jest do udoskonalania metod nauczania oraz dostosowywania ich do potrzeb uczniów. Podstawowe pytanie, które nas zainteresowało brzmi: jaki wpływ ma wprowadzanie różnego typu sztuk i elementów kultury popularnej na proces edukacji oraz jak funkcjonalnie wykorzystywać przedstawione elementy na lekcjach języka polskiego? Pytamy również, co dzieje się z przedstawionym materiałem (czy jego wartość ulega modyfikacjom, czy pojawiają się nowe konteksty, itd.). Czy wprowadzanie sztuk ma wpływ (i jeśli tak, to jaki) na rozumienie tematu przez ucznia? Czy taki zabieg warunkuje też efektowniejszą umiejętność zapamiętywania oraz uczenia się? Wnioski. Otwartość na odkrywanie nowych metod dydaktycznych, łączenie treści powinno towarzyszyć nauczycielom-polonistom. Wykorzystywanie elementów kultury popularnej i różnych sztuk na zajęciach wprowadza atmosferę przyjazną nauczaniu i uczeniu się, lekcje stają się ciekawsze, a proces dydaktyczny bardziej efektywny. Zadaniem nauczyciela jest w twórczy sposób wspomagać i rozwijać proces uczenia się. Takim wzbogaceniem lekcji zdają się być sztuki i elementy kultury popularnej, które za sprawą przeżycia estetycznego wpływają na proces uczenia się oraz wychowania młodego człowieka. Co więcej- wiadomości zawarte w artykule mogą służyć jako metodyczne wskazówki dla nauczycieli języka polskiego, zwłaszcza początkujących.
Aim. The aim of the study was to identify and describe the functions which can be performed by the arts (with particular emphasis on music) and popular culture in the process of teaching and advancing the student at every stage of Polish language education. The study drew attention to the benefits of introducing artistic elements into the framework of Polish language lessons. The advantages of a pro-artistic Polish teacher's attitude and all manifestations of his or her expression were also noted. Method. To achieve the aim of the study, an experiment was carried out on Polish language lessons, non-particpative observation of youth communication in public transport, school and family environments, as well as a philological analysis of literary works such as the Harry Potter cycle by J. K. Rowling, the death trilogy of Suzanne Collins or Macbeth by William Shakespeare. All these methods served as part of the hermeneutic methodology, attempting to describe the problem from the general to the specific. In addition, various teaching problems described in the book Education through Art were referred to (Płońśki, 1965), an attempt was made to argue with them, and they were supplemented with newer insights of researchers and concepts of psychology of cognition according to J. Piaget, L. S. Vygotsky, J. Bruner and the theses formulated by Wincenty Okoń. Results. In the process of education, besides teaching content, values, and the acquisition of much grammar material, the teacher's private interests play an important role, which can enrich every, even the most boring, lesson. Passions sometimes help draw students' attention to the method of analyzing and interpreting of the work, and the formulation of thoughts and attitudes towards the text. They also seem to be a catalyst for discovering methods which deepen knowledge, and therefore teach. Thanks to them, the teacher is obliged to improve the teaching methods and to adapt them to the needs of the students. The basic question that interests us is: what is the impact of introducing different types of arts and elements of popular culture on the education process and how to use these elements in Polish language lessons? We also ask what happens to the this material, whether its value is modified, whether new contexts, etc. appear. Does the introduction of the arts affect how the student understands the topic, and if so, in what way? Does this procedure also determine a more effective ability to remember and learn? Conclusions. Openness to discovering new didactic methods introducing new content should be part of the remit of Polish language teachers. The use of elements of popular culture and various arts in class introduces a friendly atmosphere for both teaching and learning, lessons become more interesting and the teaching process is more effective. The teacher's task is to creatively support and develop the learning process. Such a wealth of lessons seem to be the arts and elements of popular culture, which, through aesthetic experience, affect the process of learning and the development of a young person. Moreover, the information contained in the article can serve as methodical tips for Polish language teachers, especially beginners.

Źródło:

Ogrody Nauk i Sztuk; 2019, 9; 147-161
2084-1426

Pojawia się w:

Ogrody Nauk i Sztuk

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 99.

Tytuł:

Roman Palester i Jerzy Giedroyc – o wzajemnych kontaktach w świetle zachowanej korespondencji
Roman Palester and Jerzy Giedroyc – about mutual contacts in the light of saved correspondence

Autorzy:

Bolesławska-Lewandowska, Beata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28395206.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN

Tematy:

Roman Palester
Kultura paryska
Jerzy Giedroyc
muzyka polska na emigracji
polska kultura emigracyjna
Paris Kultura
Polish émigré culture
Polish music in exile

Opis:

Faktem powszechnie znanym jest praca Romana Palestra w rozgłośni Radia Wolna Europa, o jego kontaktach z paryską Kulturą oraz jej redaktorem naczelnym, Jerzym Giedroyciem, wiadomo natomiast bardzo niewiele. Tymczasem, poza opublikowanymi na łamach tego najważniejszego polskiego pisma emigracyjnego tekstami Palestra, w archiwum Instytutu Literackiego w Maisons-Laffitte zachowała się korespondencja kompozytora z Jerzym Giedroyciem. Pisane w latach 1951–87 listy pozostają świadectwem ich długoletniej znajomości, skupionej na sprawach ważnych dla polskiej muzyki i kultury. Celem artykułu jest przybliżenie relacji Romana Palestra z Jerzym Giedroyciem w świetle zachowanej korespondencji.
Roman Palester’s work for Radio Free Europe is a commonly known fact, while his contacts with the main Polish émigré journal, Paris-based Kultura, and its chief editor, Jerzy Giedroyc, has remained enigmatic. However, as it appeared recently, beside several essays published by Palester in Kultura, in the archive of the Literary Institute in Maisons-Laffitte there is preserved a correspondence between the composer and Jerzy Giedroyc. Their letters, written between 1951 and 1987, confirm their long-life relationship, concentrated on matters important for Polish music and culture. The goal of this article is to analyze contacts between Roman Palester and Jerzy Giedroyc in the lights of the preserved correspondence. 

Źródło:

Muzyka; 2019, 64, 1; 69-82
0027-5344
2720-7021

Pojawia się w:

Muzyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 100.

Tytuł:

Rezonans XVIII-wiecznej twórczości klasyków wiedeńskich w opus vitae wrocławskiego organisty Josepha Franza Wolfa (1802–1842)
Resonance of the 18th-century works of the Viennese classics in the opus vitae of the Wrocław organist Joseph Franz Wolf (1802–1842)

Autorzy:

Szendzielorz, Ewelina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/24020108.pdf

Data publikacji:

2023

Wydawca:

Uniwersytet Opolski. Diecezjalny Instytut Muzyki Kościelnej. Katedra Muzykologii Uniwersytetu Opolskiego

Tematy:

Joseph Franz Wolf
organista
muzyka wokalno-instrumentalna
katedra wrocławska
kultura muzyczna na Śląsku
organist
vocal-instrumental music
Wrocław cathedral
musical culture in Silesia

Opis:

This article presents the musical and composing activities of Joseph Franz Wolf (1802–1842) who was born in Czerwonków near Głubczyce in the Opole region. He became most famous as the organist of the Wrocław cathedral, although he was also appreciated as a pianist and trombonist. He held a university position as a music teacher at the Royal Academic Institute of Church Music in Wrocław, was an expert in the construction and renovation of organs, and headed the Wrocław Artists' Association as an artistic director. Wolf was also active in the field of concerts and composing, and his workshop resulted in numerous vocal and instrumental works of church music. He was particularly interested in the works of Viennese classics, which he eagerly studied and performed. Wolf's extensive and active musical activity, however, has not yet been comprehensively analyzed in the literature of the subject, and his work remains unknown to contemporary performance practice.

Źródło:

Folia Organologica. International yearbook of organ and organ music; 2023, 1; 93-113
2657-6082
2719-3284

Pojawia się w:

Folia Organologica. International yearbook of organ and organ music

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce