Temat: art of design - Katalog OPAC zbiorów

Skocz do pozycji: 1.

Tytuł:: Everlasting Design Thinking
Myślenie projektowe od zawsze
Autorzy:: Masajtis, J.
Kędzia, E.
Szumigaj-Badziak, A.
Wereszka, A.
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/233205.pdf
Data publikacji:: 2016
Wydawca:: Sieć Badawcza Łukasiewicz - Instytut Biopolimerów i Włókien Chemicznych
Tematy:: textiles
design
design thinking
art of design
creativeness
innovations
development
tkaniny
projekt
myślenie projektowe
sztuka projektowania
twórczość
innowacje
rozwój
Opis:: The article presents an analysis of the design thinking process taking into consideration universal procedures and steps, starting from defining the problem, identifying needs, searching for solutions, prototyping and testing. There has recently been noticed the need to intensify the effectiveness of such proceedings – defined as Design Thinking. This method is intended for design in engineering, business and medicine - using concrete knowledge, leading to innovative solutions. This article also includes the Art of Design, with its specific features and much greater freedom of thinking. The main concern here are textiles as objects of design because of their direct contact with the human being, with his emotions, imagination and feelings, and therefore, in the analysis, the importance of these elements was stressed. Their awareness allows a more complete understanding of the thinking processes that occur in design, leading to the easier achievement of original innovative solutions.
W artykule przedstawiono analizę związaną z myśleniem projektowym uwzględniając stosowane uniwersalne procedury i kolejne kroki, zaczynając od definiowania problemu, identyfikacji potrzeb, poszukiwania rozwiązań, przygotowywania prototypów, ich testowania. Ostatnio pojawiają się potrzeby zintensyfikowania efektywności takich postępowań – Design Thinking. Skierowane jest ono na projektowanie inżynierskie, biznesowe, konkretne, prowadzące do rozwiązań innowacyjnych. Poniżej uwzględniono również projektowanie artystyczne z jego specyficznymi cechami i znacznie większą swobodą myślenia. Wykorzystanie tekstyliów jako obiektów projektowania jest ważne ze względu na bezpośredni kontakt wyrobu z człowiekiem, jego uczuciami, wyobraźnią, odczuciami, emocjami i dlatego w analizie podkreślono istotność tych elementów. Ich świadomość pozwala na pełniejsze rozumienie procesów myślowych występujących w projektowaniu, a w konsekwencji do szybszego i łatwiejszego osiągania rozwiązań oryginalnych, innowacyjnych.
Źródło:: Fibres & Textiles in Eastern Europe; 2016, 6 (120); 39-44
1230-3666
2300-7354
Pojawia się w:: Fibres & Textiles in Eastern Europe
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 2.

Tytuł:: The Influence of Bauhaus Aesthetics and Ideology on the Formation of the Contemporary Artistic and Design Culture
Autorzy:: Zeleniuk, Oleksandr
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/23050985.pdf
Data publikacji:: 2023-12-31
Wydawca:: Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:: innovation
functionality
synthesis of art and design
visual communication
industrial design
architecture
practicality
modernism
Opis:: In the scientific article, the author explores the influence of Bauhaus aesthetics and ideology on the formation of contemporary artistic and design culture. It is noted that Bauhaus, which operated during the interwar period in Germany, became a key moment in world culture, promoting innovative approaches and the synthesis of art and design. The article discusses key aspects of Bauhaus, its influence, and relevance to contemporary art, architecture, and design. The progressive ideas of this school, such as the synthesis of art and design, experimental approach, functionalism, and visual communication, are considered in the context of their impact on the development of the artistic and design sphere. The school advocated for the combination of different art forms, the creation of functional and simple forms, and the use of new materials and technologies. Artists inspired by these ideas use the synthesis of art and design to create innovative works. They experiment with forms, materials, and concepts to create unique visual impressions. Contemporary artistic culture reflects the diversity of Bauhaus, adapting its principles to the challenges and opportunities of the 21st century. In addition to art, the author also examines the influence of Bauhaus on contemporary design. The ideas of functionalism and industrial design, emphasizing simplicity and purity of forms, have become the basis for present-day designers. Creating objects that meet the needs of modern life is an essential part of contemporary design trends. The article also investigates how Bauhaus influences architecture. Bauhaus representatives believed that architecture should be functional while embodying aesthetic principles. This concept is reflected in contemporary architectural trends, where simplicity of form and the use of new materials and technologies combine with the desire to create a functional and aesthetic environment. In the conclusions, the author emphasizes the importance of Bauhaus in shaping contemporary artistic and design culture. The influence of Bauhaus is manifested in an open, experimental approach to creativity, the use of new materials and technologies, and a focus on the functionality and simplicity of forms. Bauhaus ideas continue to inspire artists, architects, and designers, contributing to the development of contemporary art and design. All of this highlights the relevance and significance of Bauhaus in the modern world, where the traditions of the past and the innovations of the present come together to create a new dimension of art and design.
Źródło:: Pomiędzy. Polonistyczno-Ukrainoznawcze Studia Naukowe; 2023, 8(1); 63-69
2543-9227
Pojawia się w:: Pomiędzy. Polonistyczno-Ukrainoznawcze Studia Naukowe
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 3.

Tytuł:: Co architekt umieć powinien?
What should an architect be able to do?
Autorzy:: Kiernikiewicz-Wieczorkiewicz, J.
Wieczorkiewicz, J.
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/369821.pdf
Data publikacji:: 2009
Wydawca:: Zachodniopomorski Uniwersytet Technologiczny w Szczecinie. Wydawnictwo Uczelniane ZUT w Szczecinie
Tematy:: przygotowanie do zawodu architekta
zasady rządzące sztuką projektowania
umiejętność reagowania na zmiany
training for the job of an architect
principles of the art of design
ability to react to changes
Opis:: Celem kształcenia architekta powinno być wyrobienie i utrwalenie ogólnych umiejętności i uwrażliwień nieodzownych w praktycznym i skutecznym stosowaniu wiedzy i umiejętności twórczych, które po studiach muszą ulec rozwinięciu, jeśli architekt chce pracować w projektowaniu. Polegają one nie na byciu wyuczonym, lecz na przyswojeniu stałych zasad rządzących sztuką projektowania i umiejętności właściwego reagowania na nowe i zmieniające się okoliczności. Umiejętności te są równie ponadczasowe i niezbędne we wszystkich warunkach uprawiania zawodu architekta, jak umiejętności twórcze.
Architectural education should develop and reinforce knowledge, skills and sensitivity, indispensable for the efficient use of one's creative potential in practice, this development continuing after the period of studies. They are not trained knowledge about the design principles and proper reactions to changing circumstances. Their absorption is the clue. These skills become as timeless and indispensable under all conditions as one's creative potential itself.
Źródło:: Przestrzeń i Forma; 2009, 11; 133-140
1895-3247
2391-7725
Pojawia się w:: Przestrzeń i Forma
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 4.

Tytuł:: Zagadnienie kształtu typograficznego w badaniach dawnej książki polskiej
Autorzy:: Kocot, Anna
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/636287.pdf
Data publikacji:: 2013
Wydawca:: Uniwersytet Jagielloński. Wydawnictwo Uniwersytetu Jagiellońskiego
Tematy:: typographic design, the history of book, the art of printing
Opis:: The purpose of this paper is to present the problem of typographic design in the studies on Polish books printed until the 18th century. Although some of the ideas of Polish bibliologists have closely corresponded with new directions in French and Anglo-American bibliography, they have never resulted in such books as: Apparition du livre by Febvre-Martin, Gutenberg Galaxy by McLuhan, Printing Press as an Agent of Change by Eisenstein or Histoire de l’édition française. In Polish book studies, the issue of typography was raised essentially to confirm or establish the provenance of a print or to demonstrate the existence of many variants of an edition. In the second decade of the 20th century, in opposition to the ideas represented e.g. by Jan Ptaśnik, who postulated mainly the examination of historical documents, Kazimierz Piekarski worked out the so-called “typographic method” of book studies, which consisted in the analysis, description and creating the catalogue of printing types and typographic material employed in the examined prints. This method was successfully used in the series Polonia Typographica Saeculi Sedecimi, which Piekarski initialised in 1936. While the idea to evaluate and compare the aesthetic value of production of different printers were present in Polish bibliography, they could not, nevertheless, be realised before the second world war. In the second half of the 20th century researchers focused, among others questions, on: paper, bookbinding, readers, publicity, musical prints, bookselling, history of libraries and printers, but the issue of typographic design was only discussed as an exception. Making an attempt to characterise and estimate the visual aspect of Polish books printed before the end of the 18th century requires difficult study not only in bibliography, but also in the history of literature, culture and art. Works such as: Encyklopedia wiedzy o książce, Słownik pracowników książki polskiej,Drukarze dawnej Polski, a recently published bibliography of books printed by Franciszek Cezary the older, as well as already mentioned Polonia Typographica... and numerous articles (some of them concerning precisely e.g. title-pages or printers’ devices) remain a useful source of knowledge. However, Polish scientific vocabulary in this subject is still deficient and sometimes a researcher could find it indispensable to create a new term him- or herself. The author of this paper had a similar experience during her studies on the typography of prints published in sixteenth-century Cracow by Florian Ungler and Maciej Wirzbięta. The other problem she had to deal with was the creation of an original database, which allowed her to collect, research and present data in a much simpler, faster and more comfortable way. Comparative studies of selected prints published in Cracow in the first and the second half of the 16th century have shown a development of local typography and book design during this period, including changes in book architecture, typographic material and page layout. They also indicated the introduction and perfection of multiple helpful elements of a book, like pagination or foliation, indexes, errata, notes etc., as well as an establishment of some patterns of composition for editions de luxe and “series”. Despite many attempts, including those mentioned in this paper, the issue of typographic design of Polish books printed before the 18th century remains mostly unknown. Simultaneously, the general interest in modern book design in Poland has greatly increased over the last few years and creating the layout of one’s own book has become more and more popular. It is therefore extremely important to study the art of our predecessors and try to understand what they wanted to teach us in their own language of “black-art”.
Źródło:: Terminus; 2013, 15, 2(27)
2084-3844
Pojawia się w:: Terminus
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 5.

Tytuł:: Mieszkanie poetyckie – koncepcja twórczości Władysława Wołkowskiego
Poetic flat – Wladyslaw Wołkowski’s concept of work
Autorzy:: Anna, Wywioł
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/520933.pdf
Data publikacji:: 2015
Wydawca:: Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:: Wladyslaw Wolkowski
design,
industrial design,
Olkusz,
rhythmic structures
harmonic structures
poetic flat
the content and form of art
art education
interior design
Opis:: Koncepcja sztuki Władysława Wołkowskiego opierała się w znacznej mierze na mieszkaniu poetyckim. Artysta postulował zaadaptowanie przyrody na grunt mieszkania, przełożenie jej języka na wnętrze. Antropocentryczna postawa artysty znajdowała wyraz w każdym, nawet najmniejszym projekcie. Meble i elementy dekoracyjne miały służyć człowiekowi możliwie jak najlepiej – zarówno przez swe wartości funkcjonalne, jak i walory wizualno-symboliczno- -duchowe. Dzieło sztuki, oprócz piękna i użyteczności, musi posiadać ślady epoki, w której powstało i musi być podbudowane narodową tożsamością twórcy, która w tym wypadku przejawia się za sprawą historii, literatury wieszczów narodowych, legend i baśni. Sztuka, zdaniem artysty, powinna dążyć do zjednoczenia świata zewnętrznego człowieka z jego wewnętrznym stanem, przy założeniu, że może na ten stan wpływać. Wołkowski tworzył z materiałów modularnych, zgodnie z autorską koncepcją konstrukcji rytmicznych i harmonicznych. Harmonijne scalenie jednostki ze wspólnotą istnień ma być, zdaniem Wołkowskiego, gwarantem dobrego samopoczucia i spokoju ducha.
The concept of work by Wladyslaw Wołkowski is mainly based on the notion of poetic flat. He called for the nature to be used within the flat and the nature’s language to be transformed into its interior. The author’s anthropocentric attitude could be found in every, even the smallest project. The furniture and elements of decoration were supposed to serve the human in a best possible way, both because of its usefulness and its visual, symbolic and finally spiritual values. The piece of art, beside its beauty and usefulness, has to possess the elements of the era during which it was created and the author’s national identity expressed by history, literature, legends and fairy tales. The art, according to the poet, should aspire to unify the outer world with his inner state, assuming that it can influence such state. Wołkowski created modular materials in accordance with rhythmic and harmonic constructions. Harmonic merger of an individual with community – according to Wołkowski – is the guarantee of wellbeing and calmness of spirit.
Źródło:: Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2015, 7, 1 "Re: Reprezentacja – Rekonstrukcja – Reinterpretacja"; 31-43
2083-7275
Pojawia się w:: Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 6.

Tytuł:: European Glass Context 2012 – sztuka szkła w Europie
European Glass Context 2012 – art Glass in Europe
Autorzy:: Kwiatkowska, Ewelina
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/459834.pdf
Data publikacji:: 2013
Wydawca:: Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:: szkło artystyczne
polskie szkło współczesne
European Glass Context
2012
Barbara Idzikowska
Monika Rubaniuk
Marzena Krzemińska
Patrycja Dubiel
Royal
Danish Academy School of Design Akademia Sztuk Pięknych we Wrocławiu
Wydział Szkła
i Ceramiki
artistic glass
polish contemporary glass art
European Glass Context 2012
Barbara
Idzikowska
Royal Danish Academy
School of Design
Academz of Art and Design in Wrocław
Facultz of Ceramics and Glas
Opis:: Już po raz drugi na wyspie Bornholm w Danii odbył się European Glass Contex 2012 będący częścią sympozjum poświęconemu współczesnej sztuce szkła i ceramiki. Co dwa lata odbywają się wymiennie European Glass Context oraz European Ceramic Context, które są jednymi z bardziej liczących się przeglądów tych sztuk. Tegoroczne wydarzenie skupiło się przede wszystkim na dwóch wystawach głównych – Europejskie Szkło Artystyczne i Nowy Talent – w których wzięło udział 96 artystów z 28 krajów Europy. Z Polski do udziału zostały zaproszone cztery artystki: Barbara Idzikowska, Monika Rubaniuk (kategoria: Artyści Szkła) oraz Patrycja Dubiel i Marzena Krzemińska (kategoria: Nowy Talent). Program European Glass Context był bardzo rozbudowany (warsztaty, seminarium, konferencja naukowa) którego tematem przewodnim było 50 lecie ruchu Studio Glass powstałego w Stanach Zjednoczonych. Organizatorzy pragnęli poddać rozważaniom aktualną kondycję sztuki szklanej materii, w jaki sposób zmieniała się na przestrzeni lat i co ważniejsze, czy szkło znalazło swoich odbiorców? European Glass Context jest wydarzeniem, które pomaga w odpowiedzi na postawione powyżej pytania. Daje możliwość skonfrontowania różnych postaw artystycznych w jednym czasie, w jednym miejscu.
European Glass Context 2012 is a part of a biennial symposium of European contemporary glass and ceramics on the island of Bornholm in Denmark. Together with European Ceramic Context it is one of the most important reviews of these arts. This year’s event was focused mainly on two main exhibitions: European Glass Art and New Talent – during which works of 96 artists from 28 European countries were presented. Four Polish artists were invited: Barbara Idzikowska and Monika Rubaniuk (Glass Art category), as well as Patrycja Dubiel and Marzena Krzemińska (New Talent category). The program of European Glass Context 2012 was unusually varied, and consisted of workshops, educational seminars as well as a conference. The theme of the EGC 2012 was the 50th anniversary of Studio Glass movement, which originated in the United States. The organizers wished to refl ect on the condition of contemporary glass art matt er, how it has changed during the years, and what is more important, has it found its audience? European Glass Context is an event which helps to answer the questions stated above. It provides an opportunity to confront various artistic creations at the same time, in the same place. Key words: artistic glass, polish contemporary glass art, European Glass Context 2012, Barbara Idzikowska, Monika Rubaniuk, Marzena Krzemińska, Patrycja Dubiel, Royal Danish Academy School of Design, Academz of Art and Design in Wrocław, Facultz of Ceramics and Glass.
Źródło:: Ogrody Nauk i Sztuk; 2013, 3
2084-1426
Pojawia się w:: Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 7.

Tytuł:: „Sprawa realizmu w plastyce kształtującej”. Design i jego krytyka wobec realizmu socjalistycznego
Autorzy:: Kal, Elżbieta
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/1186590.pdf
Data publikacji:: 2019
Wydawca:: Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie
Tematy:: design
social realism
decorative arts 1950–1956
formative art
industrial design
The Exhibition of Interior Architecture and Decorative
Art in 1952
design critique
Janusz Bogucki
Cepelia
Nowa Huta
Aleksander Wojciechowski
Wanda Telakowska
Opis:: This text concerns itself with Polish design and its criticism in the period of socialist realism (1949/50–1955). The title refers to a terminological proposal by Janusz Bogucki who looked for new terms for his work in the new system. The division into ‘pure’ and ‘usable’ arts was considered as an anachronism in socialism in which all artistic fields were to fulfil social functions. As optimal, the critic considered a division of arts into the ‘imaging’ (painting, sculpture, and graphic) and ‘formative’ (shaping human surroundings and public space – architecture, decoration and interior fittings, and objects of everyday usage). An intermediate ‘semi-imaging’ form was, for example, represented with a fabric or scenography. Bogucki defined the realism of a masterpiece as something that reflects reality by the use of means other than an image – it shapes and expresses reality. By avoiding unwanted associations with functionalism or constructivism, he showed ‘realistic’ features of objects and things: perspicuity, simplicity of composition, purposefulness and the appropriate usage of material and tools, breaking away from the pre-war ornamentation and avant-garde restraint of shapes. Masterpieces of ‘formative’ art were to fulfil the postulate of a national form; hence, the inspiration with a native tradition, folk art and handcraft was recommended. Crucial propagandistic slogans concerned popularization and ‘democratization’ of art connected with both creation and reception; industrial production pursuant to the models of professional artists as well as the working class, and folk and teen ‘collectives’ managed by them. Chosen institutions served popularization and democratization of socialist art. The 1952 Exhibition of Interior Architecture and Decorative Art and especially the criticism linked with it, regarding the assumptions of socialist realism and gradual abandoning the criteria of the doctrine from around 1954, are presented in this text. Reckoning with the method: during the public thaw (1956–1957), when categories of realism and national form were replaced with the imperative of modernity, constitutes a recapitulation.
Źródło:: Załącznik Kulturoznawczy; 2019, 6; 121-154
2392-2338
Pojawia się w:: Załącznik Kulturoznawczy
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 8.

Tytuł:: Applying the Avant-Garde: Display Experience in the Exhibition of Modern Art (1948)
Autorzy:: Doroszuk, Hanna
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/1788561.pdf
Data publikacji:: 2020-09-13
Wydawca:: Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego
Tematy:: Exhibition of Modern Art
Recovered Territories Exhibition
history of exhibitions
curatorial strategies
surrealism
surrealist exhibitions
environmental design
postwar art
propaganda exhibitions
Polish exhibitions
Opis:: The Exhibition of Modern Art (Wystawa Sztuki Nowoczesnej) organized in 1948 in the Palace of Art (Pałac Sztuki) in Cracow was one of the most prominent art events in Poland during the last century. It is considered one of the unprecedented moments in shaping the modernity. The exhibition was thought to be designed as a whole venture, integrating the modern art demonstration with the will to make it accessible to all the social groups. The desire of the authors was to endear the authorities, since the Stalinist repressions were approaching, and present the modern art as accessible to the society and needed in the “new socialist order”. Simultaneously, the primal context for the exhibition, underlined by its authors as well as the critics in subsequent years, were the surrealist exhibitions in Paris. This new avant-garde mode of displaying, so attractive for the Polish artists, put in the foreground not the traditional reception of art, implied by the traditional museology, but mostly focused on the spectator’s experience and used all possible kinds of tools to enhance it. These two approaches were usually presented as antagonistic and impossible to reconcile. The article attempts to analyze the tools which the display’s authors used to merge the avant-garde display with didacticism. While looking at the Recovered Territories Exhibition which took place a couple of months earlier, one might notice that the Exhibition of Modern Art was not the first display that accommodated the avant-garde solutions to the didactic and propagandistic venture.
Źródło:: Ikonotheka; 2019, 29; 229-248
0860-5769
Pojawia się w:: Ikonotheka
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 9.

Tytuł:: Sztuka krajobrazu i sztuka w krajobrazie na tle przemian w sztuce przełomu XX i XXI wieku. Wynik projektu badawczego
The art of landscape and art within the landscape as seen by artistic transformations at the turn of the 21st century. The results of a research project
Autorzy:: Rylke, J.
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/1189838.pdf
Data publikacji:: 2013
Wydawca:: Uniwersytet Przyrodniczy we Wrocławiu
Tematy:: sztuka krajobrazu
sztuka ogrodowa
nauczanie sztuki
wartości kultury
wartości przyrody
art of landscape
garden design
values of culture
values of nature
teaching of arts
Opis:: The turn of the 21st century witnessed a change in the approach towards garden design. The process of design work became comprehensive and creative. Research underwent a change to a more phenomenological and anthropocentric direction. Specific values have become more appreciated than abstract ones. Also, nature is now viewed differently: like a subject, not like an object. These changes should exert an influence on Polish landscape architecture.
Źródło:: Architektura Krajobrazu; 2013, 1; 50-63
1641-5159
Pojawia się w:: Architektura Krajobrazu
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 10.

Tytuł:: Projekty Lothara Schreyera jako przejaw sakralizacji formy plastycznej w Bauhausie okresu weimarskiego
The projects of Lothar Lchreyer as a sign of sacralisation plastic form in Bauhaus in weimar period
Autorzy:: Łyszcz, K. M.
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/398351.pdf
Data publikacji:: 2017
Wydawca:: Politechnika Białostocka. Oficyna Wydawnicza Politechniki Białostockiej
Tematy:: sacrum
ekspresja formy plastycznej
mistyka obrazu
kształcenie artystyczne
wzornictwo modernistyczne
expression of artistic form
mystic of images
modern art education
modern design
Opis:: Powstanie i program Bauhausu były oparte na potrzebie poszukiwania nowych form wyrazu artystycznego i zamyśle kształcenia nowoczesnych projektantów. Eksperymenty te często odwoływały się do ekspresji odczuć metafizycznych, umożliwiających, przy pomocy odpowiednich praktyk misteryjnych, osiągnięcie i przekroczenie granic poznania jednostki. Uwidoczniło się to najsilniej w pierwszej fazie istnienia szkoły w Weimarze, gdzie konkurowały ze sobą rozmaite poglądy, pomysły, koncepcje twórcze zmierzające do łączenia różnych dyscyplin artystycznych w ideę Gesammtkunstwerk. Jednym z artystów współtworzących tę wczesną koncepcję działania Bauhausu był Lothar Schreyer, który w szkole zajmował się sceną i teatrem, uprawiał twórczość plastyczną, a oprócz tego parał się literaturą, architekturą i prawem. W odnalezionych w ostatnich latach jego projektach z lat dwudziestych ujawniają się silnie eksponowane wątki religijno-ezoteryczne, w których kluczową rolę odgrywa oparte na geometrii poszukiwanie form uniwersalnych. W tekście zostały przedstawione i zanalizowane przepełnione mistyką obrazy Schreyera, realizujące pragnienie osiągnięcia sacrum, ujęte w kontekście jego pracy dydaktycznej oraz programu artystyczno-estetycznego szkoły. Do tego celu wykorzystano metodę analizy ikonograficznej umożliwiającą wnikliwą interpretację zawartych w tych projektach elementów symbolicznych i alegorycznych. Przywrócenie wiedzy na ich temat uświadamia nam silną obecność nurtu irracjonalnego w ideologii estetycznej Bauhausu, co weryfikuje zakorzenione przekonanie o jego racjonalności i pragmatyzmie.
The creation and program of Bauhaus was leant on necessities of searching new forms to give one’s assent to artistic and shut of education of new designers. Those experiments were usually appeal to expression of metaphysical feelings which make possible, with help of suitable mistrial practice, achievement and crossing the border to recognise the individual. That demonstrate the strongest in first stage of school exist in Weimar where there were compete with themselves various beliefs, creative concepts to aim connection different artistic disciplines in Gesammtkunstwerk cause. One of the artist which was creating that initially conception of Bauhaus operation was Lothar Schreyer, who had been working in school on the stage, theatre and practised creative output. He was engaged in literature, architecture and law as well. In last founded projects show up very strongly exposed esoteric and religious issues, in which geometrical searching of universal and absolute forms is the key. In this paper were presented and analysed full of the mystic Schreyer’s paintings, which are realising the desire to achieve sacrum, captured as a pieces of his teaching work and artistic-aesthetic program of current. For this aim was applied method of iconographic analysis for an insightful interpretation of the content in these projects symbolic and allegorical elements. The restoration of the knowledge about them makes us the awareness a strong presence in the Bauhaus irrational aesthetic ideology, which verifies the rooted conviction of its reasonableness and pragmatism.
Źródło:: Architecturae et Artibus; 2017, 9, 2; 20-28
2080-9638
Pojawia się w:: Architecturae et Artibus
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 11.

Tytuł:: Wybrane aspekty minimalistycznych rearanżacji wnętrz kościelnych po roku 2000
Autorzy:: Wiśnicka, Anna
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/2088441.pdf
Data publikacji:: 2021-12-06
Wydawca:: Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II
Tematy:: interior design
aesthetics
design
art of the Roman Catholic Church
sacred interior
church architecture
minimalism
architektura wnętrz
estetyka
sztuka Kościoła rzymskokatolickiego
wnętrze sakralne
architektura kościelna
minimalizm
Opis:: W artykule przybliżono tematykę minimalistycznych rewitalizacji wnętrz sakralnych Kościoła rzymskokatolickiego w oparciu o selekcję reprezentatywnych przykładów, zdywersyfikowanych pod względem geograficznym i kulturowym. Wychodząc od założeń Soboru Watykańskiego II oraz zmian artysty-cznych i społeczno-kulturowych, które zaobserwować można już w XIX wieku, artykuł analizuje czynniki, które doprowadziły do skrajnej redukcji formalnej w wystroju kościołów. Poza oczywistą kwestią, jaką jest architektura wnętrz, podjęty zostaje namysł nad sposobem eksponowania sztuki, którą stanową zarówno element kultowy, jak i estetyczny. Wzięto również pod uwagę czynniki prawne, aspekty liturgiczne oraz psychologiczne. Do analizy problemu wykorzystano realizacje i projekty z kręgu architektury europejskiej.
This text explores the subject of minimalist renovations in the sacred interiors of the Roman Catholic Church, based on a selection of representative examples, geographically and culturally diversified. Starting from the assumptions of the Second Vatican Council and the artistic and socio-cultural changes that could be observed as early as the 19th century, the article analyses the factors that led to an extreme formal reduction in church decoration. Apart from the obvious issue of interior architecture, a reflection is undertaken on the way in which art, which is both a cult and an aesthetic element, is displayed. Legal factors, liturgical and psychological aspects are also taken into account. To analyse the problem, realisations and projects from the circle of European architecture have been used.
Źródło:: Archiwa, Biblioteki i Muzea Kościelne; 2021, 116; 437-455
0518-3766
2545-3491
Pojawia się w:: Archiwa, Biblioteki i Muzea Kościelne
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 12.

Tytuł:: Fabryka Wyrobów Metalowych Famak – zapomniana firma łódzka
Famak Metal Products Factory – a forgotten company from Łódź
Autorzy:: Grzejszczak, Łukasz
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/29519309.pdf
Data publikacji:: 2023
Wydawca:: Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:: Fabryka Wyrobów Metalowych Famak
rzemiosło artystyczne – Łódź
galanteria stołowa
wzornictwo art déco – Łódź
Factory of Metal Products Famak
artistic craftsmanship – Łódź
table accessories
art déco design – Łódź
Opis:: Artykuł prezentuje pionierskie wyniki badań nad dziejami Fabryki Wyrobów Metalowych Famak, największego w okresie dwudziestolecia międzywojennego producenta sztućców i galanterii stołowej w Łodzi. Dotychczas w literaturze przedmiotu nie podejmowano zagadnień związanych z działalnością łódzkich firm produkujących wyroby platerowane. W artykule omówiono powstanie wytwórni, jej historię oraz scharakteryzowano profil produkcji.
The article presents the pioneering results of research on the history of Fabryka Wyrobów Metalowych Famak, the largest manufacturer of cutlery and table accessories in Łódź in the 1920s. So far, the literature on the subject has not dealt with issues related to the activities of Łódź – based companies producing clad products. The creation of the plant, its history and production profile are described.
Źródło:: TECHNE. Seria Nowa; 2023, 1, 11; 293-297
2084-851X
Pojawia się w:: TECHNE. Seria Nowa
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 13.

Tytuł:: Stan infrastruktury informatycznej w polskich szkołach plastycznych
It infrastructure condition of polish art schools
Autorzy:: Strzecha, Janusz
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/446294.pdf
Data publikacji:: 2012
Wydawca:: Uniwersytet Rzeszowski
Tematy:: Infrastruktura informatyczna w szkołach plastycznych
wyposażenia szkół plastycznych w sprzęt informatyczny
Programy graficzne w szkołach plastycznych
komputery w szkołach plastycznych
IT infrastructure in Art Schools
IT equipment of Art Schools
Graphic design software in Art Schools
Computers in Art Schools
Opis:: Celem niniejszego opracowania jest dokonanie diagnozy i opracowanie raportu o stanie wyposażenia szkół plastycznych w sprzęt informatyczny i oprogramowanie. Prezentowany raport został opracowany na podstawie wyników badania ankietowego przeprowadzonego w okresie od października 2010 do lutego 2011 r., objęto nim nauczycieli uczących: podstaw fotografii i filmu, reklamy wizualnej i przedmiotów związanych z projektowaniem w 16 średnich szkołach plastycznych w Polsce. Oceny tego stanu dokonano w oparciu o analizę wymagań stawianych plastykom w ofertach prac.
The purpose of the present study is to make the diagnosis and to draw up the report on the condition of the software and IT equipment used in Art Schools. The presented report was elaborated on the basis of the results of the questionnaire survey conducted from October 2010 to February 2011. Survey data was gathered from teachers of 16 Polish Secondary Art Schools. (Teaching subjects: Basics of photography and film, Visual advertising as well as subjects connected with graphic design.) Assessment of the state was based on the analysis of employment requirements for artists.
Źródło:: Dydaktyka informatyki; 2012, 7; 168-179
2083-3156
Pojawia się w:: Dydaktyka informatyki
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 14.

Tytuł:: Liceum, muzeum, mauzoleum… O wskrzeszaniu arcydzieł na lekcjach polskiego
High school (Polish: lyceum), museum, mausoleum… On reviving masterpieces during classes of the Polish language and literature
Autorzy:: Kołodziej, Piotr
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/1076197.pdf
Data publikacji:: 2018
Wydawca:: Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:: art
literature
education
curriculum
design of teaching the Polish language and literature
sztuka
literatura
edukacja
podstawa programowa
projektowanie kształcenia w ramach szkolnego przedmiotu ‘język polski’
Opis:: Theodor W. Adorno uważał, że „muzeum i mauzoleum łączy nie tylko skojarzenie fonetyczne. Muzea są jak rodzinne groby dzieł sztuki”. Autor szkicu dochodzi do wniosku, że do tego zestawu podobnie brzmiących słów można dopisać trzecie – liceum. W szkolnych programach i podręcznikach gromadzi się teksty kultury z jakichś powodów uznane za ważne i wartościowe oraz układa w rozmaitych porządkach (na poziomie liceum głównie w porządku chronologicznym). Ta „przymusowa zbiorowa egzystencja”, zrozumiała z perspektywy akademickiej (historia sztuki, historia literatury), z perspektywy ucznia często nie ma sensu. Autor szkicu zastanawia się, dlaczego tak się dzieje i jak spowodować, by liceum nie zamieniało się ani muzeum, ani tym bardziej w mauzoleum. Jak spowodować, by to, co uznane za wartość przez specjalistów, mogło stać się wartościowe również dla niespecjalistów, poddawanych w szkole edukacji ogólnej. Szukając rozwiązań, autor szkicu wychodzi od rozważań na temat fenomenu sztuki, krytycznie ocenia najnowszą podstawę programową dla liceum, odwołuje się do prac specjalistów z różnych dziedzin (m.in. historia sztuki, socjologia, dydaktyka, filozofia) i – przede wszystkim – do samych dzieł literackich i malarskich.
Theodor W. Adorno claimed that ‘‘museum and mausoleum are related not only phonetically. Museums are like family tombs of artwork.” The author of this text comes to the conclusion that this set of sound-alike words can be topped up with another word – high school (Polish: liceum). The ones responsible for completing school curricula and textbooks fill them up with texts of culture for some reasons considered important and valuable. They also segregate them according to various order (on high school level it is mainly a chronological order). This ‘‘compulsory collective existence”, which might be understood if we take an academic context into consideration (history of art, history of literature), very often does not make sense to high school students. The author of this text wonders why it is the way it is and what to do so that high school does not change into museum, and even mausoleum. And how to make high school students appreciate the values acknowledged by experts. Looking for the solutions, the author starts with reflections on art, expresses a negative opinion on the new high school curriculum, refers to works of experts on various fields (e.g. history of art, sociology, didactics, philosophy) and – most of all – refers to literary works and paintings.
Źródło:: Polonistyka. Innowacje; 2018, 7; 105-118
2450-6435
Pojawia się w:: Polonistyka. Innowacje
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Skocz do pozycji: 15.

Tytuł:: Muzeum Sztuki Nowoczesnej Według Założeń Mariana Bogusza
Premises for a Museum of Modern Art by Marian Bogusz
Autorzy:: Zagrodzki, Janusz
Powiązania:: https://bibliotekanauki.pl/articles/424393.pdf
Data publikacji:: 2018
Wydawca:: Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:: Marian Bogusz
Kolekcja Galerii Krzywe Koło
projekty scenograficzne Mariana Bogusza
Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Koszalinie
Collection of The Krzywe Koło Gallery
Marian Bogusz stage design
Museum of Modern Art in Koszalin
Opis:: Artykuł odnosi się do ważnej inicjatywy twórczej Mariana Bogusza (1920-1980) utworzenia Muzeum Sztuki Nowoczesnej na wzór zorganizowanej w 1931 r., przez Władysława Strzemińskiego i grupę „a.r.” Międzynarodowej Kolekcji zdeponowanej w muzeum łódzkim. Przygotowania do tego projektu artysta rozpoczął natychmiast po uwolnieniu z obozu koncentracyjnego w Mauthausen (1945) i powołaniu w Warszawie Klubu Młodych Artystów i Naukowców (1947). Okres socrealizmu przerwał kolekcjonowanie sztuki nowoczesnej. Dopiero powstanie Klubu Krzywego Koła i prowadzonej przez Bogusza autonomicznej Galerii (1956) umożliwiło powrót do tych idei. Bogusz chciał utworzyć kolekcję dzieł artystów skupionych w międzynarodowym ruchu Phases i innych wystawianych w Galerii Krzywe Koło oraz utworzyć z nich stale eksponowany, rozszerzający się zbiór. Początkowo prowadził rozmowy z Muzeum Sztuki w Łodzi. Powstał zespół dzieł (13 obrazów) artystów działających w Paryżu, które przyjęło łódzkie muzeum, odrzucając jednak projekt powstania odrębnego Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Kolejna I Kolekcja Galerii Krzywe Koło, dzieł z lat 1957-1961 (35 obrazów), trafiła jako dar do Muzeum Narodowego w Warszawie (1963), ale i tam nie była eksponowana. W latach sześćdziesiątych głównym miejscem aktywności Bogusza stał się Koszalin. Pierwsze ekspozycje sztuki nowoczesnej odbywały się w Bałtyckim Teatrze Dramatycznym, a następnie w Muzeum w Koszalinie. Bogusz miał nadzieję stworzyć odrębne Muzeum Sztuki Nowoczesnej, właśnie do tego muzeum przekazał (w 1963 r.) Kolekcje II (13 obrazów) i III (29 gwaszy, rysunków i grafik). Rozwój przyszłego muzeum miały zapewnić coroczne Spotkania Artystów i Naukowców w Osiekach pod Koszalinem (od 1963 r.), na które zapraszano wybitnych artystów. Warunkiem uczestnictwa w spotkaniach było ofiarowanie jednego z dzieł do zbiorów muzeum. W 1965 r. realizacja projektu Bogusza została przerwana. Decyzją administracyjną zlikwidowano w koszalińskim muzeum dział sztuki. Muzeum Sztuki Nowoczesnej organizowane od czerwca 1963 r., fizycznie przestało istnieć. Idea nowego muzeum nakreślona przez Bogusza, wiążąca poezję, teatr i muzykę z malarstwem i rzeźbą, zasługuje na szczególną uwagę. Światowe dokonania sztuki początku lat sześćdziesiątych XX wieku, w których poważny udział mieli artyści polscy, w dotychczas przygotowywanych ekspozycjach nie znalazły właściwego miejsca, istnieją tylko wirtualnie. Rozproszone zbiory Muzeum Sztuki Nowoczesnej, zebrane według założeń Bogusza, dalej czekają na odbiorców świadomych ich znaczenia.
Źródło:: Sztuka i Dokumentacja; 2018, 18; 15-27
2080-413X
Pojawia się w:: Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:: Biblioteka Nauki

Artykuł

Zmień widok

na półce

Informacja

Wyszukujesz frazę "art of design" wg kryterium: Temat

Źródło danych

Dostawca treści

Kolekcja

Rok wydania

Wydawca

Temat

Autor

Typ dokumentu

Język