Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "contemporary painting" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
    Wyświetlanie 1-13 z 13
    Tytuł:
    The (Playfully) Melancholic Still Life of Contemporary Painting
    Autorzy:
    Woodley, Frances
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/545470.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Uniwersytet Gdański. Wydział Filologiczny
    Tematy:
    Memory
    melancholy
    tradition
    play
    still life painting
    contemporary painting
    Opis:
    This paper considers the ways in which contemporary painting of still life accepts the address of its tradition. Tradition is considered here as cultural memory reiterated and transformed over time. The means by which contemporary artists work with, and against, tradition are explored through ideas of reverie, play and material process. Melancholy is a characteristic of the genre of still life, one that crosses time, and is thus given particular attention in relation to traditional and contemporary still life. Whilst Part I is an exploration of the themes and issues described above, Part II (case studies) is an attempt to exemplify them through the work of three contemporary British painters: Alan Salisbury, Emma Bennett and G.L. Brierley of whom it can be said that they paint playfully melancholic paintings of still life.
    Źródło:
    Jednak Książki. Gdańskie Czasopismo Humanistyczne; 2018, 9; 173-188
    2353-4699
    Pojawia się w:
    Jednak Książki. Gdańskie Czasopismo Humanistyczne
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Mistyka hiszpańska na gruncie malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie przełomu XX i XXI wieku
    The Spanish mysticism in paintings by artists from the Fine Arts Academy in Krakow at the turn of the 21st century
    Autorzy:
    Organisty, Adam
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/560293.pdf
    Data publikacji:
    2016-12-31
    Wydawca:
    Uniwersytet Papieski Jana Pawła II w Krakowie
    Tematy:
    malarstwo współczesne
    Akademia Sztuk Pięknych w Krakowie mistyka karmelitańska
    contemporary painting
    Academy of Fine Arts in Krakow
    Carmelite mysticism
    Opis:
    W ciągu ostatnich dwóch dekad w twórczości pedagogów Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie – Grzegorza Bednarskiego, Katarzyny Makieły-Organisty, Janusza Matuszewskiego, Mirosława Sikorskiego, Edyty Sobieraj, Zbigniewa Sprychy czy Wojciecha Szybista – widoczne są inspiracje hiszpańskim malarstwem Złotego Wieku. Obrazy krakowskich malarzy wyróżniają się na tle współczesnej sztuki zarówno na gruncie polskim, jak i światowym. Ich płótna omawiać należy w kontekście nowożytnego meditatio mortis oraz tenebrystycznego „barokizmu”, do czego chętnie przyznają się sami artyści. Punktem wyjścia są (niejednokrotnie tytułowane jako homagium) wizje mistyczne, konterfekty pędzla El Greca, bodegony Francisco de Zurbarána czy eschatologiczne „hieroglify śmierci” Juana de Valdés Léala. Odwołaniom do dzieł mistrzów Półwyspu Iberyjskiego towarzyszą odniesienia do pism karmelitańskich czy jezuickich mistyków. Analiza nie tylko od strony formalnej, ale także ideowej pozwala zadać pytanie o możliwość obrazowania we współczesnym malarstwie o charakterze religijnym „teologii mistycznej”, opisanej przez św. Teresę od Jezusa, św. Jana od Krzyża czy św. Ignacego Loyoli.
    During the last two decades the works of teachers from the Painting Department of the Academy of Fine Arts in Krakow: Grzegorz Bednarski, Katarzyna Makieła-Organisty, Janusz Matuszewski, Mirosław Sikorski, Edyta Sobieraj, Zbigniew Sprycha or Wojciech Szybist reveal traces of inspiration by the Spanish Golden Age. In this respect, paintings by Krakow artists stand out against other works of contemporary art both in Poland and globally. Their art should be discussed in the context of early modern meditatio mortis and tenebristic „baroqueism”, to which the artists themselves readily admit. The point of departure (frequently referred to as homage) are mystic visions, portraits by El Greco, Francisco de Zurbarán’s bodegóns or eschatological „death hieroglyphics” by Juan de Valdés Léal. References to works by the Iberian masters are accompanied by links to Carmelite writings or Jesuit mystics. Formal and ideological analysis also allows us to ask a question of the possibility of presenting the „mystic theology” described by St. Theresa of the Infant Jesus, St. John of the Cross or St. Ignatius of Loyola in contemporary religious paintings.
    Źródło:
    Folia Historica Cracoviensia; 2016, 22; 303-328
    0867-8294
    Pojawia się w:
    Folia Historica Cracoviensia
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Malarstwo religijne i sakralne Stanisława Rodzińskiego
    Religious and Sacred Paintings by Stanisław Rodziński
    Autorzy:
    Krasucka, Beata
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/1887708.pdf
    Data publikacji:
    2014
    Wydawca:
    Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
    Tematy:
    Stanisław Rodziński
    polskie malarstwo współczesne
    polskie współczesne malarstwo religijne
    polskie współczesna malarstwo sakralne
    ikonografia współczesna
    typy ikonograficzne: Ukrzyżowanie
    Lamentacja (Opłakiwanie)
    Veraikon
    brat Albert Chmielowski
    bł. Julia Rodzińska
    Stanisław Rodziński (born 1940)
    Polish contemporary painting
    Polish contemporary religious painting
    Polish contemporary sacred painting
    contemporary iconography
    iconographic types: Crucifixion
    Lamentation
    Veil of Veronica
    Brother Albert Chmielowski
    Blessed Julia Rodzińska
    Opis:
    Stanisław Rodziński, krakowski malarz, już w czasie studiów pragnął zmierzyć się z dziełami o treści religijnej, uświęconymi tradycją ikonografii chrześcijańskiej. W swoje dzieła pragnął włączyć własną osobowość oraz swoje przeżycia, wzbogacone o formację duchową, jaką odebrał w duszpasterstwie akademickim w kościele pod wezwaniem św. Anny w Krakowie, szczególnie od ks. Wacława Swierzawskiego. Cykliczność twórczości malarza w obrębie sztuki religijnej objawiła się szeregiem obrazów o tematach Pieta lub Lamentacja (Opłakiwanie). W tradycyjne schematy kompozycyjne wplecione zostały nowe elementy - aktualizacje przez odwołanie do współczesnych historii: śmierć abpa Romero, ból po stracie brata - Janusza, wzruszenie nad ciałem jednego z zamordowanych górników w kopalni Wujek lub nad ciałem skatowanego ks. Jerzego Popiełuszki. Rodziński do dzieł religijnych włączył współczesną historię, przybliżył stare tematy przez połączenie schematów ikonograficznych z emocjami łączącymi się z najnowszymi wydarzeniami. Podobnie rzecz się miała z Ukrzyżowaniami Rodzińskiego, nowymi sposobami malowania oraz emocjonalnym wyrazem dzieł (gestykulacja Marii Magdaleny pod Krzyżem), a także oraz korzystaniem z inspiracji mistrzów (Griinewald, Georges Rouault) i mistyków średniowiecznych (np. Hildegarda z Bingen, Henryk Suso) oraz późniejszych (Anna Katarzyna Emmerich). Twórczość Rodzińskiego dotyka przeżyć transcendentnych, są to dzieła o treści religijnej (jednak niezawieszane w kościołach), skłaniają do kontemplacji. Podobnymi płótnami są też Veraikony oraz kilka kompozycji opatrzonych tytułem De profundis. Obrazy o charakterze sakralnym prezentują m.in. dzieła: Brat Albert, namalowany dla kościoła parafialnego w Wólce Podleśnej, 7 cykli Drogi Krzyżowej oraz portret bł. Julii Rodzińskiej (ciotki artysty). Twórczość religijna i sakralna Stanisława Rodzińskiego jest istotnym zapisem współczesnego odczytania tradycyjnej ikonografii, próbą jej aktualizacji przez włączenie do niej własnych doświadczeń i przemyśleń dotyczących najnowszej historii ludzkości.
    Stanisław Rodziński, a Krakow painter, as soon as during his studies wanted to stand up to works with a religious content, hallowed with the tradition of Christian iconography. He wanted to include his own personality and his experiences into his works. The experiences were enriched by his spiritual formation he had received in the university chaplaincy in the St Anne Church in Krakow, especially from Rev. Wacław Świerzawski. The cyclical form of the painter’s work in the area of religious art gave a number of paintings with the two subjects: Pietà or Lamentation over the Dead Christ. Into the traditional composition patterns new elements were woven – updating the paintings by referring to contemporary events: the death of Archbishop Romero, pain over the loss of his brother – Janusz, emotions over the body of one of the murdered miners from the Wujek mine, or over the body of the cruelly beaten Rev. Popiełuszko. Rodziński included modern history into his religious works; he presented old subjects by joining iconographic patterns with emotions stirred up by recent events. It was similar with Rodziński’s Crucifixions, with new techniques of painting and emotional expression of the works (Mary Magdalene’s gesticulation at the foot of the Cross) and with the use of the inspiration of masters (Grünewald, Georges Rouault) and mystics of the Middle Ages (e.g. Hildegard of Bingen, Henry Suso) as well as later ones (Anne Catherine Emmerich). Rodziński’s works touch upon transcendent experiences; they are religious works (albeit they are not hung in churches); they make one muse. Veils of Veronica are similar canvases, as well as several works with the title De profundis. Paintings that have a sacred character are, among others, the following: Brother Albert, painted for the parish church in Wólka Podleśna, 7 cycles of Stations of the Cross, and a portrait of Blessed Julia Rodzińska (the artist’s aunt). Stanisław Rodziński’s religious and sacred works are a significant record of a contemporary interpretation of the traditional iconography, an attempt at updating it by including in it the painter’s own experiences and reflections concerning the recent history of man.
    Źródło:
    Roczniki Humanistyczne; 2014, 62, 4; 169-192
    0035-7707
    Pojawia się w:
    Roczniki Humanistyczne
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Medytacyjne przedstawienia Boga w twórczości J. Kirka Richardsa
    Meditative representations of God in J. Kirk Richard’s work
    Autorzy:
    Lasota, Piotr
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/784059.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II
    Tematy:
    Kirk Richards
    Carl Heinrich Bloch
    Biblia
    malarstwo sakralne
    malarstwo współczesne
    mormoni
    edytacja
    realizm
    symbolizm
    the Bible
    sacred painting
    contemporary painting
    the Mormons
    meditation
    realism
    symbolism
    Opis:
    Contemporary artist Kirk Richards – despite being a Mormon – while modelling on the work of Carl Heinrich Bloch, creates the pictures of the face of God, which are the result of his meditation on the Word of God.
    Współczesny artysta Kirk Richards, pomimo tego, że jest wyznania mormońskiego, wzorując się na twórczości Carla Heinricha Blocha, tworzy obrazy ukazujące oblicza Boga, będące wynikiem rozważania i medytacji Słowa Bożego.
    Źródło:
    Archiwa, Biblioteki i Muzea Kościelne; 2018, 109; 285-297
    0518-3766
    2545-3491
    Pojawia się w:
    Archiwa, Biblioteki i Muzea Kościelne
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Ciało cierpiące jako widowisko w malarstwie Igora Podolczaka i Wasylija Cagolowa
    Suffering body as a spectacle in paintings of Igor Podolchak and Vasily Cagolov
    Страждання тіла, як видовище, у живописі Василя Цаголова та Ігора Подольчака
    Autorzy:
    Zambrzycka, Marta
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/2178918.pdf
    Data publikacji:
    2015-12-31
    Wydawca:
    Wydawnictwo Adam Marszałek
    Tematy:
    contemporary art
    painting
    suffering
    pain
    body
    sight
    сучасне мистецтво
    живопис
    страждання
    біль
    тіло
    видовище
    Opis:
    The topic of this article is a way of presenting suffering in paintings of Vasily Cagolov and Igor Podolchak - Ukrainian contemporary artists. In the paintings of Cagolov suffering and causing pain are shown in the convention of popular culture (crime story film style). In art of Podolchak human body is represented as an object of experiments. Both painters try to analyze the place and role of images of suffering and Violence in the contemporary culture.
    Темою статті є зображення страждання в живописі Василя Цаголова та Ігора Подольчака - українських сучасних художників. У живописі Цаголова страждання вписується у стилістику масово'і культури (фільми типу детектив та бойовик), у Подольчака людське тіло представлене як об'єкт, який піддається експериментам. Обидвоє художників, шукають у своїй творчості відповідь на запитання, про місце і роль образів страждання і насильства в сучасній культурі.
    Źródło:
    Pomiędzy. Polonistyczno-Ukrainoznawcze Studia Naukowe; 2015, 1; 137-146
    2543-9227
    Pojawia się w:
    Pomiędzy. Polonistyczno-Ukrainoznawcze Studia Naukowe
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Krajobraz symetryzujący w przestrzeni malarskiej – inspiracje i założenia procesu twórczego
    Symmetrical landscape in painting space – inspirations and assumptions of creative process
    Autorzy:
    Żukowski, B. M.
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/107075.pdf
    Data publikacji:
    2015
    Wydawca:
    Uniwersytet Rzeszowski. Wydział Biologiczno-Rolniczy
    Tematy:
    abstrakcja
    symetria
    krajobraz
    przestrzeń malarska
    sztuka współczesna
    abstract
    symmetry
    landscape
    space in painting
    contemporary art
    Opis:
    Starożytni symetrią nazywali harmonijny układ, określali nią proporcje i kanony piękna. Symetria była najbardziej podstawowym pojęciem ich estetyki ponieważ chodziło w niej właśnie o piękno. Symetria odgrywa zasadniczą rolę w sztuce porządkując płaszczyznę malarską i nadając jej określony rytm. Odzwierciedla także intelektualne znaczenia i symbole, przenikające się w twórczym działaniu artysty.
    The ancients used the term symmetry to call a harmony, it determines the proportion and canons of beauty. Symmetry was the most fundamental concept of aesthetics because it was just about beauty. Symmetry plays an essential role in the art of ordering a painting space and giving it a certain rhythm. It also reflects the intellectual meanings and symbols interwoven in the creative activity of the artist.
    Źródło:
    Topiarius. Studia krajobrazowe; 2015, 1; 75-83
    2449-9595
    2543-926X
    Pojawia się w:
    Topiarius. Studia krajobrazowe
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Obrazy autobiograficzne w arteterapii
    Autorzy:
    Morozewicz, Marzanna
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/1967869.pdf
    Data publikacji:
    2019-09-30
    Wydawca:
    Wydawnictwo Adam Marszałek
    Tematy:
    arteterapia
    malarstwo
    warsztat  twórczy
    kreatywność
    sztuka  współczesna
    autorefleksja
    art  therapy
    painting
    creative  workshop
    creativity
    contemporary  art
    self reflection
    Opis:
    Wybitna amerykańska artystka Louise Bourgeois (1911-2010), poddając analizie własną twórczość, stwierdziła, iż całe dzieło artysty polega na tworzeniu autoportretu, a rozumiejąc jej słowa szerzej - każde dzieło artysty jest doświadczeniem autobiograficznym i co z tego dalej wynika - doświadczeniem arteterapeutycznym. Wychodząc od powyższego stwierdzenia, przedstawiam zapis refleksji dwojakiego rodzaju. Pierwsza z nich odnosi się do własnego doświadczenia twórczego i jednocześnie arteterapeutycznego podczas malowania serii obrazów pt. Otwarcie-wniknięcie. Dziewięć wybranych płócien z tego cyklu powstało w latach 1997-2005. Z okazji Jubileuszu 40-lecia Wydziału Pedagogiki i Psychologii Uniwersytetu w Białymstoku zostały one zaprezentowane w formie wystawy indywidualnej eksponowanej w uniwersyteckiej Galerii Nowe Skrzydło w 2017 roku. Druga z refleksji dotyczy autorskiego warsztatu atreterapeutycznego, który przeprowadziłam ze studentami kierunku pedagogika z Wydziału Pedagogiki i Psychologii Uniwersytetu w Białymstoku w 2017 roku. Warsztat pt. OBRAZY przygotowany w ramach przedmiotu nauczania arteterapia był działaniem, w którym studenci dosłownie „wykorzystali” wspomniane obrazy jako pretekst albo wręcz jako medium do autorefleksji, do budowania „autoportretu wewnętrznego”, czy też do sięgania (poprzez obcowanie z konkretnym obrazem) do własnej biografii. Wynikające stąd obserwacje przedstawiam w końcowej części tekstu. W artykule przytaczam wybrane fragmenty autobiograficznych wypowiedzi studentów zainspirowane moimi dziesięcioma sugestiami. Analiza pisemnych refleksji uczestników warsztatu wykazała, iż ujawnili w nim aktywną postawę wobec samych siebie, otwierając możliwości świadomego rozwoju emocjonalnego oraz intelektualnego, wnikliwej i dojrzałej obserwacji rzeczywistości oraz w efekcie optymalizacji jakości własnego życia. Nabyli też umiejętności rozwiązywania konfliktów wewnętrznych, zapobiegania trudnościom życiowym i przezwyciężania przeszkód stojących na drodze do samorealizacji.
    The outstanding American artist Louise Bourgeois (1911-2010), analyzing her own work, stated that the whole work of an artist consists in creating a self-portrait, and understanding these words broadly - every work of an artist is an autobiographical experience, and as a result - art therapy experience. Starting from the above statement, I present a record of two kinds of reflections. The first one refers to my own creative and at the same time art therapy experience, while painting a series of images entitled Openingpenetration. Nine selected images from the painting cycle were created in 1997-2005. They were presented in the form of an individual exhibition at the University’s New Wing Gallery in 2017 on the occasion of the 40th anniversary of the Faculty of Pedagogy and Psychology at the University of Bialystok. The second of the reflections concerns the original art therapy workshop, which I conducted with the students of Pedagogy from the Faculty of Pedagogy and Psychology at the University of Bialystok in 2017. The Workshop entitled PICTURES prepared as part of the teaching subject Art Therapy was an activity in which students literally “used” these images as a pretext, or even as a medium for self-reflection, for building an “internal self-portrait”, or for reaching (through contact with a specific image) to their own biographies. I present the resulting observations in the final part of the text. In the article, I quote selected fragments of autobiographical statements by students inspired by my ten suggestions. The analysis of the written reflections of the workshop participants showed that they revealed an active attitude towards themselves, opening the possibility of conscious emotional and intellectual development, profound and mature observation of reality and as a result of optimizing the quality of their own lives. They also acquired the ability to resolve internal conflicts, prevent life’s hardships, and overcome obstacles to self-fulfillment.
    Źródło:
    Kultura i Edukacja; 2019, 3(125); 217-227
    1230-266X
    Pojawia się w:
    Kultura i Edukacja
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Charakterystyka twórczości Anupam Sud
    Characteristics of Anupam Suds art
    Autorzy:
    Bednarz, Ewelina
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/460079.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Fundacja Pro Scientia Publica
    Tematy:
    sztuka współczesna, sztuka indyjska, współczesna sztuka indyjska, sztuka kobieca, grafika, malarstwo, śakti, anupam sud
    contemporary art, indian art, contemporary indian art, feminine art, woman art, graphics, painting, shakti, anupam sud
    Opis:
    Anupam Sud is considered as one of the greatest contemporary artists in India. The author makes polish readers more familiar with this artist. We focused on Sud's main works – graphics, paintings and even a sculpture. The article contains discussion about one of Sud’s most widely used motifs– a woman in search of shakti. Moreover, it covers issues of human depravity, one’s contempt for another, and primarily it points out main problem being faced by Hindu women in a patriarchal society. We draw attention to the most characteristic features of Anupam Sud’s work – artwork as manifested (by which Sud tries to draw attention to the Hindu woman’s situation), chiaroscuro and anatomy.
    Anupam Sud jest zaliczana do grona najwybitniejszych współczesnych artystów w Indiach. Autorka w swoim tekście przybliża postać mało znaną polskiemu czytelnikowi. Omawia główne jej dzieła – graficzne, malarskie i jedną rzeźbiarską. Snuje rozważania na temat jednego z popularnych typów przedstawień kobiecych, chętnie ukazywanego przez artystkę – kobiety, która poszukuje śakti. Ponadto porusza problem zepsucia człowieka, gardzenia drugim, a przede wszystkim wskazuje na problemy, jakie towarzyszą Induskom w patriarchalnym społeczeństwie. Autorka prezentuje najbardziej charakterystyczne cechy twórczości Anupam Sud: szczegółowe przedstawianie anatomii, mistrzowskie operowanie światłocieniem oraz dzieła-manifesty, którymi graficzka stara się zwrócić uwagę odbiorców na sytuację kobiet w Indiach.
    Źródło:
    Ogrody Nauk i Sztuk; 2016, 6; 458-463
    2084-1426
    Pojawia się w:
    Ogrody Nauk i Sztuk
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Wacława Oszajcy poetycka kontemplacja arcydzieł malarstwa
    Autorzy:
    Wzorek, Anna
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/2030694.pdf
    Data publikacji:
    2020-12-28
    Wydawca:
    Uniwersytet Rzeszowski. Wydawnictwo Uniwersytetu Rzeszowskiego
    Tematy:
    Wacław Oszajca
    ekphrasis
    priestly poetry
    the classics of European painting
    contemporary poetry
    ekfraza
    poezja kapłańska
    poezja współczesna
    klasyka malarstwa europejskiego
    Opis:
    Artykuł przedstawia poetycką refleksję Wacława Oszajcy na temat arcydzieł malarstwa światowego. W swoich lirykach kapłan-poeta opisuje obrazy należące do klasyków malarstwa: Mona Lisę Leonarda da Vinci, obrazy Rembrandta (Powrót syna marnotrawnego, Ofiara Abrahama), tryptyk Hansa Memlinga Sąd Ostateczny i Ostatnia wieczerza Salvadora Dali. Jego wiersze są bardzo krótkie, zawsze stanowią próbę uchwycenia dramatycznego charakteru sceny. Spośród analizowanych wierszy Oszajcy najciekawszy, najcenniejszy wydaje się utwór o wizerunku Rembrandta Powrót syna marnotrawnego. Sprowadza się on do oskarżenia tytułowego bohatera; autor pomija ważne tematy biblijne - miłosierdzie i skruchę. Poemat Oszajcy opisuje nie tylko arcydzieła malarstwa, ale służy także przywołaniu mniej znanych obrazów - Crayera czy Mariana Malarza.
    The article discusses poetic reflection of Wacław Oszajca on the masterpieces of world painting. In his lyric, the priest-poet describes paintings belonging to the classics of painting: Mona Lisa by Leonardo da Vinci, paintings by Rembrandt = (Return of the prodigal son, Sacrifice of Abraham), Hans Memling’s triptych The Last Judgment, and The Last Supper of Salvador Dali. His poems are very short, they are always an attempt to capture the dramatic character of the scene. Among the analyzed poems by Oszajcy, the most interesting, the most valuable one seems to be the work about the image of Rembrandt The return of the prodigal son. It brings accusation of the title character; the author omits important biblical themes - mercy and remorse. Oszajca’s poem describes not only masterpieces of painting, but also serves to recall the lesser known paintings – Crayer or Marian Malarz.
    Źródło:
    Tematy i Konteksty; 2020, 15, 10; 387-400
    2299-8365
    Pojawia się w:
    Tematy i Konteksty
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Malarstwo religijne we współczesnej katechezie w gimnazjum
    Religious painting in contemporary catechesis of lower secondary school
    Autorzy:
    Chałupniak, Radosław
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/585304.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Uniwersytet Opolski. Redakcja Wydawnictw Wydziału Teologicznego
    Tematy:
    wychowanie religijne i estetyczne
    współczesna katecheza
    gimnazjum
    malarstwo religijne
    religious and aesthetic education
    contemporary catechesis
    lower secondary school
    religious painting
    Opis:
    Pole badawcze przedstawionego artykułu obejmuje edukację religijną i estetyczną. Szeroka definicja malarstwa religijnego pozwala na odnalezienie wielu punktów stycznych między szkolną katechezą i wychowaniem plastycznym. Zasadniczy problem tekstu można wyrazić w pytaniu: Jakie obrazy są wykorzystywane we współczesnych materiałach do szkolnego nauczania religii na poziomie gimnazjalnym? Malarstwo religijne obecne jest w wielu szkolnych podręcznikach. W trzech analizowanych seriach najnowszych podręczników do gimnazjum z reguły sięgano po arcydzieła malarskie znanych mistrzów, choć autorzy i redaktorzy odwoływali się także do reprodukcji obrazów mniej znanych. Zdarzały się również odniesienia do obrazów o niewielkim znaczeniu estetycznym. Malarstwo religijne jest okazją do wizualizacji katechetycznych treści, do głębszej refleksji nad wiarą i odniesień do życia. Wykorzystanie obrazów religijnych w katechezie daje możliwość wychowania integralnego, także na płaszczyźnie intelektualnej, emocjonalnej, wolitywnej i działaniowej. W nowszych podręcznikach do nauczania religii katolickiej pojawia się pozytywny trend do coraz częstszego sięgania przez ich twórców do różnych dzieł malarskich. Wykorzystanie bogactwa, jakie niesie ze sobą całe dziedzictwo sztuki, wiąże się z okazją do korelacji oddziaływań nauczycieli religii i plastyki. Wzajemne poznawanie i pogłębianie treści zaprogramowanych na oba przedmioty może przynieść istotne korzyści w postaci większej wiedzy, rozwiniętych umiejętności i dojrzałych postaw samych uczniów.
    The research field of text is wide and includes questions related to both religious education and aesthetic education. A wide definition of religious painting gives the possibility to find numerous common points between school catechesis and art education. A research question taken up in this article is: What religious paintings are used in school textbooks for lower secondary school and how are they used? In school textbooks various religious paintings have been used. Three series of textbooks for the Catholic religion lessons referred to the reproductions of lesser-known paintings and sometimes even promoted completely unknown works. From time to time references to the paintings of lesser value and of little aesthetic significance also appeared. Still, they were exceptions and in general it can be stated that in textbooks for religious education the masterpieces of world and Polish painting, of recognized and indisputable aesthetic value, can be found. Religious paintings created the opportunity to visualize catechetical information, go deeper in reflection, and relate it to life. Paintings in the catechetical message are included in the widely formulated integral education understood as the development of different human abilities: intellectual, emotional, volitional, or acting. They teach how to discover beauty, be sensitive to its various manifestations, maintain and share it. In newer textbooks for the Catholic religion one can notice a positive trend to more frequent references to various works of art, including painting depictions. The use of the richness brought about by the whole heritage of art is connected to the opportunity to correlate the impacts of teachers of religion and art education. Mutual learning, referring, and deepening of those contents which are programmed for the two subjects can benefit in the form of greater knowledge, developed skills, and mature attitudes of students themselves.
    Źródło:
    Liturgia Sacra. Liturgia - Musica - Ars; 2016, 22, 48; 551-567
    1234-4214
    Pojawia się w:
    Liturgia Sacra. Liturgia - Musica - Ars
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Preferencje kandydatów na nauczycieli wczesnej edukacji w zakresie wyboru obrazów ze sztuki współczesnej. Przykład badania typu sondażowego
    Preferences of candidates for early education regarding the selection of images from contemporary art. An example of survey type study
    Autorzy:
    Karczmarzyk, Małgorzata
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/1912229.pdf
    Data publikacji:
    2021-03-13
    Wydawca:
    Akademia Marynarki Wojennej. Wydział Nauk Humanistycznych i Społecznych
    Tematy:
    quantitative methodology
    preferences
    contemporary art
    painting
    education
    pedagogy
    future early education teachers
    metodologia ilościowa
    preferencje
    sztuka współczesna
    samowykluczenie
    malarstwo
    edukacja
    pedagogika
    kandydaci na nauczycieli wczesnej edukacji
    self-exclusion
    Opis:
    Tematem niniejszego artykułu są preferencje w zakresie wyboru obrazów ze sztuki współczesnej kandydatów na nauczycieli wczesnej edukacji. W perspektywie pedagogicznej istotne jest tutaj zwrócenie uwagi na świadomość kulturową kandydatów na nauczycieli oraz ich preferencje obrazów ze sztuki współczesnej, które są ważne pod względem edukacyjnym i wychowawczym dla przyszłego pokolenia. To kandydaci na nauczycieli będą w przyszłości wprowadzać dzieci w świat kultury i sztuki. Badanie realizowane w podejściu ilościowym, zrealizowane na grupie dorosłych, ma na celu pokazanie preferencji w doborze wybranych dla celów badawczych obrazów ze sztuki współczesnej. Losowo wybrani badani otrzymali do oceny preferencji, po jednym z obrazów: Jacka Yerki, Tomasza Sętowskiego, Rafała Olbińskiego i Zdzisława Beksińskiego. To, jakie obrazy ze sztuki współczesnej będą bliższe kandydatom na nauczycielom wczesnej edukacji, jest znaczące, gdyż to właśnie w przyszłości ta grupa będzie narzucać określone preferencje estetyczne swoim uczniom.
    The subject of this article are preferences regarding the selection of images from contemporary art of future early education teachers and the problem of self-exclusion from high culture. From the pedagogical perspective, it is important to draw adults' attention to images that are important in terms of education and upbringing. Quantitative research, carried out with a group of adults, aims to show preferences in the selection of contemporary art images selected for research purposes. Randomly selected respondents received one of the paintings for evaluation of preferences: by Jacek Yerka, Tomasz Sętowski, Rafał Olbiński and Zdzisław Beksiński. Which images of contemporary art will be closer to future early education teachers is significant, because in the future that group will impose specific aesthetic preferences on its students.
    Źródło:
    Colloquium; 2021, 13, 1; 55-65
    2081-3813
    2658-0365
    Pojawia się w:
    Colloquium
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Dialektyka Gestu. Dar Galerii Sztuki Nowoczesnej Krzywe Koło dla Muzeum w Koszalinie w Zbiorach Muzeum Pomorza Środkowego w Słupsku
    The Dialectic of Gesture. The Gift by the Krzywe Koło Gallery of Contemporary Art to the Museum in Koszalin, Held in the Collection of the Museum of Middle Pomerania in Slupsk
    Autorzy:
    Kal, Elżbieta
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/424424.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
    Tematy:
    polska sztuka współczesna
    malarstwo abstrakcyjne
    malarstwo gestu
    malarstwo materii
    Galeria Krzywe Koło
    Marian Bogusz
    Muzeum Pomorza Środkowego
    zbiory sztuki współczesnej MPŚ
    wystawy czasowe MPŚ
    Polish modern art
    abstract painting
    action painting
    matter painting
    Krzywe Koło Gallery
    Museum of Middle Pomerania
    contemporary art collections of the Museum of Middle Pomerania
    temporary exhibitions of the Museum of Middle Pomerania
    Opis:
    Tekst jest prezentacją i próbą kontekstualnej analizy obrazów oraz prac na papierze, podarowanych przez Galerię Krzywe Koło w Warszawie dla przyszłej kolekcji sztuki nowoczesnej w Koszalinie. W marcu 1963 roku kierownik galerii Marian Bogusz przekazał do Muzeum w Koszalinie 12 abstrakcyjnych obrazów w geście rewanżu za nawiązaną współpracę i współorganizację plenerów w pobliskich nadmorskich Osiekach. Plenery – łącznie odbyło się ich 19 – stały się okazją do spotkań awangardowych artystów, naukowców i krytyków z całej Polski i zza granicy. Powstawały tu pierwsze happeningi (Panoramiczny happening morski Tadeusza Kantora), akcje artystyczne, dzieła sztuki konceptualnej, odbywały się wykłady, konfrontacje i dyskusje. W grudniu 1963 r., po I. Plenerze w Osiekach M. Bogusz przekazał Muzeum w Koszalinie kolejny dar, 29 prac na papierze, także twórców związanych z Krzywym Kołem. Na skutek różnych reorganizacji i zbiegów okoliczności oba zbiory znalazły się w Muzeum Pomorza Środkowego w Słupsku i stały się częścią Działu Sztuki Współczesnej. Na początku autorka rozważa znaczenia gestu: pozaartystyczne (np. kurtuazji), a przede wszystkim w sztuce („gest Duchampa”, malarstwo gestu - action painting, do którego można zaliczyć część omawianych prac). Następnie analizuje obrazy m.in. Mariana Bogusza, Zbigniewa Dłubaka, Stefana Gierowskiego, Hilarego Krzysztofiaka, Henryka Stażewskiego, Kajetana Sosnowskiego ( i trzech znanych czeskich artystów) na tle polskiej sztuki powojennej, którą reprezentują także wspominane prace na papierze. Są wśród nich np. rysunki M. Bogusza, Alego Bunscha, Jerzego Kujawskiego czy Andrzeja Wróblewskiego. Dalej autorka omawia znaczenie obu darów w kontekście zbiorów sztuki współczesnej słupskiego muzeum, w tym największej kolekcji dzieł Stanisława Ignacego Witkiewicza oraz wystaw, na których dary Krzywego Koła były prezentowane. W zakończeniu wyraża nadzieję, że po adaptacji przekazanych MPŚ zabytkowych spichlerzy najcenniejsze dzieła sztuki współczesnej znajdą godne miejsce na stałych ekspozycjach.
    Źródło:
    Sztuka i Dokumentacja; 2018, 18; 111-131
    2080-413X
    Pojawia się w:
    Sztuka i Dokumentacja
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Zbigniew Dłubak. Od sensu ukonstytuowanego do konstytucji sensu
    Zbigniew Dłubak. From A Constituted Sense To The Sense Constitution
    Autorzy:
    Brogowski, Leszek
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/424605.pdf
    Data publikacji:
    2012
    Wydawca:
    Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
    Tematy:
    CONTEMPORARY ART
    CONCEPTUAL ART
    CONCEPTUALISM
    ZBIGNIEW DLUBAK
    ABSTRACT PAINTING
    EMPTY SIGN
    SOURCE OF MEANING
    ART IDEA
    CONCEPTUAL PHOTOGRAPHY
    POLISH ART AVANT-GARDE
    ART BEYOND MEANING
    ART BEYOND INFORMATION
    ART BEYOND EXPRESSION
    ART BEYOND ESTHETICS
    ART BEYOND STYLE
    DESYMBOLISATION
    PHENOMENOLOGY OF PAINTING
    SEMIOTICS OF ART
    TAUTOLOGY
    DIFFERANCE
    Opis:
    The article is based upon his translation of a French text published in 1994. The text was part of a catalogue featuring an individual exhibition by Zbigniew Dlubak in Maison des expositions de Genas. There were some minimal changes introduced by the author to the original work entitled “Du sens constitué à la constitution du sens.” The text highlighted the originality of the artist's inspirations: on the one hand — similarly to other conceptualists in 1960-1970 — Dłubak was interested in semiotics and linguistics. However he was more captivated by Jakobson and Mukarowsky than Ayer and Wittgenstein. On the other hand, in a similar way to some 20th century painters, he intuitively discovered the procedures of phenomenology. Dlubak's contribution to conceptual art is based on a 'structural-painterly' approach to art, which is reminiscent of Maurice Merleau-Ponty's philosophy. According to this French philosopher, language signs are 'forms in blanco'. For Dlubak, a work of art is an 'empty sign', which will acquire meaning during a process which Dlubak equaled with the work of art itself. The artist suggested an original—phenomenological—concept of aesthetic experience, which was based on the idea of stepping outside 'the world of meaning' in a search for the source where the sense of art is constituted. The discovery of the process in which the sense of art emerges and understanding its mechanisms, stand in opposition to aesthetic concepts, as these aesthetic concepts find the style as the main goal of art creation and assume that for an artist a specific style represents a specific way of thinking. Breaking away from the stylistic focus and from thinking in the categories of style, is one of the most significant elements of creation according to Dlubak; a style is an ossified and fossilised sense. One of his characteristic strategies, which is aimed at overcoming the category of style, is a parallel and concurrent use of painting and photography. He underlined the overlapping of artistic and cognitive processes and by doing so, Dlubak arrived at an original concept—not very new in the history of aesthetic thought—which sees art as ‘principle to the liveliness of one’s mind’.
    Źródło:
    Sztuka i Dokumentacja; 2012, 6; 55-62
    2080-413X
    Pojawia się w:
    Sztuka i Dokumentacja
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
      Wyświetlanie 1-13 z 13

      Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies