Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "POP ART" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
    Wyświetlanie 1-9 z 9
    Tytuł:
    Obrazy do Czytania. Rauschenberg, Rosenquist, Salle, Brauntuch
    Paintings to Read. Rauschenberg, Rosenquist, Salle, Brauntuch
    Autorzy:
    Pręgowski, Filip
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/1015486.pdf
    Data publikacji:
    2020
    Wydawca:
    Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
    Tematy:
    pop-art
    the pictures generation
    reprezentacja
    palimpsest
    alegoria
    pop art
    representation
    allegory
    Opis:
    Tekst dotyczy współczesnego malarstwa, które wizualnym elementom kompozycji nadaje charakter tekstualny. Jest to między innymi przypadek tzw. combines i sitodruków Roberta Rauschenberga z lat 50. i 60. XX wieku, w których artysta stosował specyficzną formę kolażu. Zestawiając szereg wizerunków pochodzących z różnych obszarów stylistycznych, Rauschenberg zmusił widza do odczytywania jego prac kawałek po kawałku. Powstałych w ten sposób kompozycji nie sposób odbierać jako jednorodnego Gestalt, jak w przypadku powstającego w tym czasie malarstwa abstrakcyjnego (np. Kennetha Nolanda), ponieważ wykorzystują one doświadczenie dyskursywne, polegające na szukaniu relacji syntaktycznych pomiędzy znakami /obrazami. W eseju podjęto wątek dyskursywnego zwrotu i jego wpływu na recepcję amerykańskiego pop-artu na przykładach prac Rauschenberga i Jamesa Rosenquista, a także artystów należących do nurtu wywodzącego się po części z pop-artu, czyli The Pictures Generation — Davida Salle’go i Troya Brauntucha. Jako narzędzia metodologiczne wykorzystano między innymi pojęcia palimpsestu i alegorii łączące elementy wizualne z tekstualnymi. Pozwoliło to traktować wybrane przykłady współczesnego malarstwa nie tylko w kategoriach produktu kultury masowej w dobie mechanicznej (a także cyfrowej) reprodukcji, ale odczytać je jako strukturę dyskursywną, dokonującą dekonstrukcji kulturowych mitów i ich wewnętrznych sprzeczności.
    The essay investigates the category of contemporary painting which transforms the visual component into textual. This is the case of Robert Rauschenberg’s combined paintings and silkscreens from 1950s and 1960s, which offer the viewer a specific kind of collage. By juxtaposing images derived from various aesthetic modes, Rauschenberg enforced the reading of his work part-by-part. Such a composition did not remain a holistic unity — a Gestalt — as was the case of the abstract painting from that period (eg. Kenneth Noland’s), since it evoked a strictly discursive experience based on syntactic relations between the signs / images. The article focuses on the discursive turn and its impact on the reception of both pop-art such as Rauschenberg’s and James Rosenquist’s paintings, and the work of artists from the American movement partly deriving from pop-art, that is The Pictures Generation, with David Salle and Troy Brauntuch among them. The aim is to employ allegory and palimpsest as a conceptual frame to read contemporary painting not only as a product of mass culture in the age of mechanical (and digital) reproduction, but also as discursive structures, deconstructing cultural myths and their essential internal contradictions
    Źródło:
    Sztuka i Dokumentacja; 2020, 23; 215-229
    2080-413X
    Pojawia się w:
    Sztuka i Dokumentacja
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Kreatywność we współczesnej sztuce pop . Inspiracje twórczością Warhola w edukacji studentów kierunków artystycznych
    Autorzy:
    Bugajska-Bigos, Iwona
    Steliga, Anna Maria
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/606997.pdf
    Data publikacji:
    2019
    Wydawca:
    Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej
    Tematy:
    creativity, pop-art, Warhol’s art, education
    kreatywność, sztuka pop, twórczość Warhola, edukacja
    Opis:
    Pop-art was one of the most important artistic phenomena in the decade 1960-1970. In 2017 there was a thirty anniversary of andy Warhol’s death. This art revolutionist was a „painter of modern times”. He created, using mass culture products and at the same time showing the way the civilization is heading. a return to his creativeness in the international art project Warhol. pop contexts (30 years later) seems to be interesting: it presents students of art universities being representatives of the information generation who are inspired by Warhol’s work and also the direction in which the main aesthetics of pop style is currently migrating. young artists – are they creative or imitative? The article also describes educational dimension of the project.
    Pop-art był jednym z najważniejszych zjawisk artystycznych w dziesięcioleciu 1960–1970. W 2017 roku minęła trzydziesta rocznica śmierci andy’ego Warhola. Ów rewolucjonista sztuki był „malarzem współczesności”. Tworzył, posługując się produktami kultury masowej, przy okazji ukazując drogę, po jakiej zmierza cywilizacja. Powrót do jego twórczości w Międzynarodowym projekcie artystycznym Warhol. Pop konteksty (30 lat później) wydaje się ciekawy: jak studenci szkół artystycznych, będący przedstawicielami pokolenia informacyjnego, inspirują się twórczością Warhola i w jakim kierunku obecnie migruje główna estetyka stylu pop? Czy młodzi twórcy są kreatywni czy naśladowczy? Artykuł opisuje także edukacyjny wymiar projektu.
    Źródło:
    Lubelski Rocznik Pedagogiczny; 2019, 38, 1
    0137-6136
    Pojawia się w:
    Lubelski Rocznik Pedagogiczny
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Kamila Janiak i punk
    Kamila Janiak and punk
    Autorzy:
    Świeściak, Alina
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/1041479.pdf
    Data publikacji:
    2018-10-26
    Wydawca:
    Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
    Tematy:
    Avant-garde
    Counter-culture
    punk
    cyber punk
    pop-art
    Apocalypse
    Opis:
    The author presents poetry by Kamila Janiak in the context of avant-guard pop-culture. She deals mainly with punk and cyber-punk motifs of this poetry, which alow to understand them as a feminist, post-human and anty-capitalist project. She shows how Janiak for her purposes uses d.tournements: she takes on the one hand principles, which rule in the “controlled societies” and on the other hand pop-culture aesthetics and psychodelic rock music.
    Źródło:
    Poznańskie Studia Polonistyczne. Seria Literacka; 2018, 33; 153-170
    1233-8680
    2450-4947
    Pojawia się w:
    Poznańskie Studia Polonistyczne. Seria Literacka
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    On the Role of Reverse Perspective in "Marylin Diptych" by Andy Warhol. An Attempt at a Semiotic Analysis
    Autorzy:
    Widota, Andrzej
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/2076580.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN
    Tematy:
    reverse perspective
    pop art
    Warhol Andy
    semiotics
    icon
    odwrócona perspektywa
    Warhol
    semiotyka
    ikona bizantyjska
    Opis:
    Marylin Diptych by Warhol consists of twenty-five brightly coloured pictures on the left and the twenty-five black and white ones on the right. Since Western cultures typically conceptualise space in terms of directional metaphors LEFT IS THE BEGINNING and RIGHT IS THE END, the common interpretation is that the colourful images represent Marylin’s life with the greyish ones corresponding to her death. One way of clearing some doubts concerning this interpretation of the work is to assume that the painter used reverse perspective, which he most probably knew from the art of the Byzantine icon.
    Marylin Diptych autorstwa Andy’ego Warhola przedstawia pięćdziesiąt zdjęć Marylin Monroe – dwadzieścia pięć kolorowych umieszczonych po lewej stronie obrazu i dwadzieścia pięć czarno-białych, po prawej. Ponieważ kultury zachodnie konceptualizują przestrzeń za pomocą metafor kierunkowych LEWO JEST POCZĄTKIEM oraz PRAWO JEST KOŃCEM, powszechna interpretacja tego dzieła zakłada, że kolorowe obrazy przedstawiają życie Marylin, natomiast czarno-białe, symbolizują jej śmierć i popadnięcie w niepamięć. Niniejszy artykuł ma na celu wyjaśnienie szeregu wątpliwości dotyczących takiej interpretacji dzieła, przyjmując założenie, że Warhol zastosował odwróconą perspektywę, znaną mu najprawdopodobniej ze sztuki ikony bizantyjskiej, z którą miewał do czynienia za młodu.
    Źródło:
    Kwartalnik Neofilologiczny; 2018, 2; 301-311
    0023-5911
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Neofilologiczny
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Dokumentacja a horyzontalny sposób pojmowania twórczości artystycznej
    Documentation And The Horizontal Way Of Understanding Art
    Autorzy:
    Sztabiński, Grzegorz
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/424324.pdf
    Data publikacji:
    2011
    Wydawca:
    Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
    Tematy:
    CONCEPTUAL ART
    CONTEMPORARY ART
    DOCUMENTARY TURN
    DOCUMENTATION
    ETHNOGRAPHIC TURN
    JOZEF ROBAKOWSKI
    LAND ART
    MOCK-DOCUMENTARY
    POP ART
    YVES KLEIN
    ZBIGNIEW LIBERA
    Opis:
    The 'horisontalism' of artistic activity and reflection on art is connected with current life and surrounding reality. Their elements flow into works of art. Artworks are not examined historically (according to the history of a medium, style or individual creative evolution) but as a reaction to the network of object arrangements and functioning discourses that surround artists. Such comprehension of art has made Sztabinski introduce the concept of a 'documental turn'. Moreover, it has been depicted by him that the idea of 'documentation' is getting extended. Therefore, 'transdocumentation' appears. The term allows us to notice the specifics of such contemporary phenomena in which documentation does not only perform an informative function but also gives feedback upon what is documented. It is possible to distinguish many artistic approaches and practices within transdocumentation. One of them is a 'mock-documentary' - an ironic documentation that refers to documentary stereotypes and the audience's trust in the reliability of documents. 'Transdocumentation' as a practice and theoretical scheme, possible when understanding art 'horizontally', reveals a great potential for artistic activities and the critical practice.
    Źródło:
    Sztuka i Dokumentacja; 2011, 5; 6-15
    2080-413X
    Pojawia się w:
    Sztuka i Dokumentacja
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Recepcja twórczości Francisa Bacona w sztuce polskiej lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XX wieku. Rozpoznanie wstępne
    Reception of Francis Bacon’s Paintings in the Polish Art. Introductory Reconnaissance
    Autorzy:
    Zychowicz, Karolina
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/2121221.pdf
    Data publikacji:
    2009
    Wydawca:
    Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
    Tematy:
    polska sztuka po 1945 roku
    malarstwo polskie
    rzeźba polska
    figuracja
    „nowa figuracja”
    nouvelle figuration
    realizm
    pop-art
    sztuka zaangażowana
    deformacja
    groteska
    egzystencjalizm
    angoisse
    Angst
    recepcja
    intertekstualność
    Polish art after 1945
    Polish painting
    Polish sculpture
    figuration
    New Figuration
    Realism
    Pop-art
    Engaged Art
    deformation
    grotesque
    existentialism
    reception
    intertextuality
    Opis:
    In the mid Sixties New Figuration appeared in Poland. Researchers interested in this chapter of polish art consider the reception of Francis Bacon's paintings as one of the sources of this kind of art. The subject of this article is mainly the painters, whose works show this reception, but also the sculptors. It concentrates on the Sixties and Seventies in Polish painting. At that time in the Polish art we can see a group of artists connected with existentialism. One of the most interesting phenomena is the painting of Teresa Pągowska (1926-2007), this artist, whom was older than others who were also working in the area of New Figuration, already had concrete artistic experience. In spite of similarities between many works of Francis Bacon and Teresa Pągowska, mainly in the composition and shot of the figure (deformed, not complete, dismembered), the works of Pągowska should be considered in their own right particular to her own style. Pągowska processed Bacon's art in an original way. Her distinction from other painters belonging to New Figuration comes from her experience, on the one hand Colorism (polish Postimpresionism), on the other hand – Abstraction, which led her to understand figures as a plastic sign, moving, full of color. In the second half of the Sixties we can find the inspiration of Francis Bacon's art in the paintings of Janusz Przybylski (1937-1998). Bacon in his compositions used spatial frame which was interpreted in different ways. It had been seen as a usual glass cage, confined the human being. The artist admitted that he uses this endeavour to expose a man in a better way. This solution became a kind of an artistic hook and it was taken by other artists. It spread so much that it became a kind of a manner. To avoid narration Bacon sometimes used a form of triptych. This was typically used by him and was imitated almost as often as placing people in a spatial frame. Both hooks were used by Przybylski, whose art in a different way fits in as a style of existentialism. The deformed human beings in the cages should show alienation and the drama of man. This aspect of polish artists' paintings more than others highlights connections with the English master's art. The polish painter of the Sixties and Seventies was not an artist who could be described as self-sufficient from what we can see by viewing their paintings and reading art critics. The reception of Bacon's painting we can also find in the art of a group from Cracow called “Wprost”, especially in the one of their member's art – Zbylut Grzywacz (1939-2004). Grzywacz confirmed that his interest in Bacon's art can be seen in his paintings created in the Seventies. The nature of these adaptations lay mainly in getting compositional solutions typical to Bacon and the original look of the deformed human being. However, the artist also underlined that used by him endeavours of body's deformation were connected with politics so they had a different context than in the work of Bacon. This highlights the large gap between English artists who's art concentrated on universal cases and the public art of the polish artist. Grzywacz painted with speed, carelessly, he just wanted to give us a short message, he didn't care about particular artistic problems. He wasn't a member of this group interested in Francis Bacon. Next to him we should remember Jacek Waltoś (born 1938). In his paintings we won't find such a direct connection with Bacon's art like as is the case with Grzywacz. Waltoś was fascinated by Bacon but he took from him just the ideas concerning problems of a painting's composition. This artist, contrary to other members of “Wprost” was mostly interested in the representation of emotional states, of what is inside the human being. Waltoś, a creator of existential art, feeling incomplete, the loneliness of human being, found in the Irish artist a kind of brother. There was also Wiesław Szamborski (born 1941) who was among the painters inspired by Bacon. In the first years after he finished his studies he exhibited often with Marek Sapetto (born 1939; until 1974). The art of both artists joins with Bacon's art color standardisation of painted surfaces and putting on them strongly deformed human beings. More painters were regarded as inspired by Bacon but there is not a description of their art in this article which is just an introductory reconnaissance of this problem. The image of a human being which was proposed by Francis Bacon turned out to be very interesting also for sculptors centred on existential reflection. The dramatically deformed face occurred to be the best medium to express people's anxieties, their feelings of emptiness and loneliness (Jacek Waltoś, Jan Kucz – born 1936, Wiktor Gajda – 1938, Adam Myjak – born 1947). The Eighties did not have such rich artistic material as can confirm a permanent fascination of Bacon's painting in Poland. It seems that in a world dominated by New Expressionism there is no place for it. Enough to say that the most interesting artist in dialogue with the English painter seems to be Grzegorz Bednarski (born 1954), consequently belonging to Figuration, connected with Cracow's environment. After his debut he moved to the area of existentialism. Nowadays Bacon's work is regarded as a classic. Artists quote his paintings in a conscious way (for example Marek Przybył, born 1961). Bacon happened to be a very popular artist in Poland in the Sixties and Seventies which corresponds with general trends in European art. At this time came after return to show a human being. It appeared New Figuration, antidote on the Abstraction, Conceptual Art and metavisual experiments of the Sixties. Bacon became the father to these new phenomena in art because he brought about a renewed artistic imagination and created a new image of the human being. Moreover, Bacon was regarded as a main representative of art identified with existential philosophy. This painting in a very good way expressed spirits of the time. It reflected Zeitgeist, that climate which was then best shown in the philosophy of existentialism. Bacon's reception in Poland had also local color. English artist's art was assimilated by polish painters, who were interested in politics, what was unfamiliar with Bacon who concentrated on universal problems. It seems that polish artists like thematic art, taking problems concerning a human being and his immediate environment, what constitutes the heritage of our history.
    Źródło:
    Roczniki Humanistyczne; 2009, 56-57, 4; 55-79
    0035-7707
    Pojawia się w:
    Roczniki Humanistyczne
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    SOCREALIZM SKONSUMOWANY. WYKORZYSTANIE DYSKURSU SOCREALIZMU W POP-ARCIE I WSPÓŁCZESNEJ KULTURZE POPULARNEJ*
    SOCIAL REALISM CONSUMED. THE DISCOURSE OF SOCIAL REALSIM IN POP-ART AND MODERN POP CULTURE
    Autorzy:
    Kal, Elżbieta
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/566391.pdf
    Data publikacji:
    2017
    Wydawca:
    Akademia Pomorska w Słupsku
    Tematy:
    socrealizm
    pop-art
    kultura popularna
    realizm kapitalistyczny
    konsumpcja kulturowa
    manipulacja znakami
    reklama
    social realism
    pop-culture
    capitalistic realism
    cultural consumption
    manipulation of signs
    advertising
    Opis:
    The article is an attempt to analyse how the code of social realism was used in two areas not necessarily but rather intertwined: in the artistic area, in the iconography of pop-art in its strategy of transforming pop-culture and industrial signs as well as in the commercial area, in the advertisement, mass entertainment and activity of places uniting consumption with play. In her analysis the author reminds J. Baudrillard theory of cultural consumption “as a practise of manipulating signs” and Ch. Pierce “unlimited semiosis” and U. Eco as well as various different concepts of memory (including that of J. Baudrillard). The text ex-plains the essence and features of Social realism reigning in the arbitrary way in Poland in the period 1949-1955 often wrongly associated with the full period of Polish Peoples Republic existence (1949-1989). The use of social realistic elements in pop-culture can be seen as a final defeat of communist doctrine that included contempt for commercial-ism and banal entertainment identified as bourgeois Western culture features. The con-tradiction results from the idea that social realistic works were supposed to appeal to the masses yet should also have easily readable form and also very high artistic quality. In the text there are examples of social realistic slogans and motives from the paintings, sculptures and posters in the modern promotional campaigns of cosmetics, in computer games, in advertisement as well as in the gadgets, restaurants and entertainment venues etc. From the earlier artistic inspirations and transformations (consumptions) of social re-alism the text includes several examples of pop-art artists’ works: A. Warhol, T. Wessel-mann or R. Lichtenstein, and also examples of the works of the artist from the German movement called capitalistic realism like K. Lueg, G. Richter, S. Polke and others. Mod-ern popular culture and commercial mass entertainment exploit art on its own terms and both social realism and pop-art nurture popular and mass culture.
    Źródło:
    Ars inter Culturas; 2016, 5; 209-240
    2083-1226
    Pojawia się w:
    Ars inter Culturas
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Mona Lisa – ikona sztuki – ikona (pop)kultury. Problem dzieła sztuki wobec „zjawiska pełności” José Ortegi y Gasseta
    Mona Lisa – Arts Icon – (Pop) Culture Icon. The Problem of an Artwork Against “the Phenomenon of Fullness” by José Ortega y Gasset
    Autorzy:
    Lewicka, Barbara
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/2150773.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Uniwersytet w Białymstoku. Wydawnictwo Uniwersytetu w Białymstoku
    Tematy:
    Gioconda
    José Ortega y Gasset
    Leonardo da Vinci
    pop culture
    sociology of art
    Opis:
    The author adopts the theoretical ideas of a Spanish social philosopher José Ortega y Gasset to analyse the contemporary processes that occur between the artistic culture and the massified everyday life. Referring to the category of “the phenomenon of the fullness”, outlined in a book The Revolt of the Masses, she describes a variety of social reactions to one of the most famous works of art – the portrait of the Gioconda by Leonardo da Vinci. The events of the last hundred years (from a theft in 1911, to two foreign travels, to the appearance in Dan Brown’s bestseller The Da Vinci Code) have made the artwork not only an icon of the artistic world, but, above all, a star of the mass culture. The museum space where Giaconda is displayed is regularly filled with crowds. For many, a selfie in front of the painting is a must-have souvenir from a trip to Paris. At the same time, the Gioconda is a heroine of Internet memes and decorative imprints on mugs, T-shirts, or bags. The author uses a selection of mostly classical theoretical concepts to support her thesis that “the Gioconda phenomenon” is an exemplification of José Ortega y Gasset’s vision of the revolting masses.
    Źródło:
    Pogranicze. Studia Społeczne; 2018, 34; 19-44
    1230-2392
    Pojawia się w:
    Pogranicze. Studia Społeczne
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    O muzyce metalowej, sztuce i okładkach… Z malarzem i grafikiem Arkadiuszem Zającem rozmawia Konrad Ludwicki
    On heavy metal music, art and record covers – Konrad Ludwicki’s interview with a painter and graphic designer, Arkadiusz Zając
    Autorzy:
    Ludwicki, Konrad
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/520786.pdf
    Data publikacji:
    2019
    Wydawca:
    Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
    Tematy:
    etyka
    malarstwo
    muzyka metalowa
    okładki płyt
    popkultura
    sztuka
    ethics
    painting
    heavy metal music
    record covers
    pop culture
    art
    Opis:
    Pretekstem do rozmowy z malarzem i grafikiem Arkadiuszem Zającem są okładki płyt zespołów metalowych. Rozmowę z artystą poprzedza kilkustronicowy wstęp. W tekście skupiam się na meritum zjawiska, jakim są okładki płytowe. Skupiam się na jego osobliwościach, przeprowadzając ogólną charakterystykę. Punktem wyjścia są artystyczne i oryginalne obwoluty płyt zespołów metalowych. Rozmowa przeprowadzona została w roku 2019 i dotyczy – przede wszystkim – kontekstów twórczych w konfrontacji z szeroko pojętą sztuką, muzyką i malarstwem. tekście stawiam hipotezy odnoszące się również do zagadnienia etyki i estetyki w projektach wybranych, niszowych okładek. Marginalnie rozpatruję też kwestie kultury masowej i jej poboczy.
    The reason to talk with the painter and graphic designer, Arkadiusz Zając, are the record covers of heavy metal bands. Conversation with the artist is preceded by a long introduction. In this text I focus on the essence of record covers. I discuss the peculiarities by carrying out general characteristics. The starting point are artistic and exceptional record covers of metal bands. The interview took place in 2019 and concerned mainly creative contexts confronted with widely understood art, music and painting. In the text, I put forward some hypotheses related to the issue of ethics and aesthetics of some selected niche covers. Besides, I also deal with the question of mass culture and its fringes.
    Źródło:
    Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2019, 11, 3 "Kultura metalowa w przestrzeni rytualnej i medialnej"; 154-168
    2083-7275
    Pojawia się w:
    Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
      Wyświetlanie 1-9 z 9

      Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies