Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "American cinema" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 31
Tytuł:
Kino przestronnego kadru
Cinema of a large frame
Autorzy:
Pławuszewski, Piotr
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/919831.pdf
Data publikacji:
2011-01-13
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
American Film Festival
documentary
movie
Escobar
Spalding Gray
Wroclaw
cinema
competition
a large frame
Opis:
The first edition of American Film Festival took place in Wrocław (20-24/11/2010) and became a great opportunity to watch both the classic and the latest movies made by the American filmmakers. The article Kino przestronnego kadru (Cinema of a large frame) focuses on the festival documentary section. From among the titles that are mentioned, a special author’s attention is dedicated to two movies: And Everything Is Going Fine (directed by Steven Soderbergh, 2010; a haunting picture of life and death of Spalding Gray, American writer and performer of self-written monologues) and Two Escobars (directed by Jeff and Michael Zimbalist, 2010; a story about the Colombian mafia, soccer, drugs, heroes, bandits and much more). Despite many differences beetwen them, each represents a fine art of making remarkable and moving documentaries and for sure it’s worth interest.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2011, 9, 17-18; 231-235
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
“Things Change but the Amerecano Is Here to Stay”: America in Italian Popular Movies of the 1980s
Autorzy:
Zangari, Sostene M.
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/626392.pdf
Data publikacji:
2013-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego
Tematy:
talian popular film
1980s
representation of America
film studies
Italian comedies
Italian cinema
comparative Italian American studies
cultural history
Opis:
Sostene M. ZangariUniversity of MilanItaly“Things Change but the Amerecano Is Here to Stay”: America in Italian Popular Movies of the 1980sThe article focuses on a number of film comedies of the early 1980s. In different ways, the movies rearticulate the relationship between Italy and the United States. In showing how Italians can beat Americans at sports, how they can indulge in conspicuous consumption and finally how even the United States are not alien to provincialism and backwardness, these movies express a new mood of confidence that was widely felt in Italian society at the time. However, these movies came at a moment when the Italian film industry was on the verge of its decline. Starting from the 1980s, in fact, American movies and distributors would colonize the Italian movie market and depress the Italian movie industry.
Źródło:
Review of International American Studies; 2017, 10, 2
1991-2773
Pojawia się w:
Review of International American Studies
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Twórczość Chrisa Eyre’a w kontekście problemów filmowych adaptacji
Chris Eyre’s work in the context of film adaptation problems
Autorzy:
Kempna-Pieniążek, Magdalena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/521256.pdf
Data publikacji:
2013
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
Chris Eyre
the portrayal of Indians in film
American independent cinema
genre
film adaptations
Opis:
Chris Eyre is a native American independent filmmaker. Some of his films are based on the books by Sherman Alexie and Tony Hillerman. At the same time, Eyre adapts American mainstream film genres (road movies, sport movies) in order to revise cinematic representations of the native Americans. The author of this article analyses such films as Smoke Signals, The Edge of America, Skinwalkers and We Shall Remain, trying to define the role and meaning of different adaptation strategies in Eyre’s works. In Smoke Signals and The Edge of America the director pictures and discusses the most important issues of modern Indian identity. In this context his films seem to prove that the dominant cinematic representations of native Americans are changing.
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2013, 5, 1; 94-105
2083-7275
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Black heroes and heroines in cinema. Representations of Afro-American identities in the “Blaxploitation” movies
Autorzy:
Drozdowicz, Jarema
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/438019.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Blaxploitation
cinema
Afro-American identities
popular culture
blackness
Opis:
The cinematic genre of Blaxploitation is a significant example of how the popular culture influences certain identity patterns. In this case the this relation is being examined on the issue of contemporary Afro-American identities. This paper attempts to answer the question of the mechanism of identity construction in the context of new media, and cinema in particular. Thus the Blaxploitation movies are being regarded here as a phenomenon which is in large extent typical for other identity constructions in the context of a global cultural change occur-ring in the last decades in the West.
Źródło:
Journal of Gender and Power; 2014, 2; 59-72
2391-8187
Pojawia się w:
Journal of Gender and Power
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Rock’n’roll i „nowe stracone pokolenie” amerykańskiego kina
Rock’n’Roll and the “New Lost Generation” of American Cinema
Autorzy:
Włodek, Patrycja
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342089.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
rock’n’roll
kino amerykańskie
bunt
młode pokolenie
American cinema
rebellion
young generation
Opis:
Rock’n’roll stał się kulturowym i popkulturowym fenomenem lat 50. w Stanach Zjednoczonych, nie tylko rewolucjonizując scenę muzyczną, ale i wywierając głęboki wpływ na kinematografię. Zarówno wielkie studia, jak i producenci niezależni chcieli skapitalizować jego bezprecedensowy oddźwięk, zwłaszcza wśród nastoletniej publiczności. Rewolucyjny i subwersywny potencjał rock’n’rolla, opór starszej generacji, jego natychmiastowe powiązanie w społecznym odbiorze z buntem i przestępczością młodocianych sprawiły, że powstające filmy, manewrując między cenzurą i moralną paniką a hołdowaniem „nastokulturze”, stanowią do dziś interesujący przedmiot analizy osadzającej fenomeny muzyczne i kinematograficzne w kontekście społecznym.
Rock’n’roll became a cultural and popcultural phenomenon of the 1950s. It not only revolutionised the music scene in the United States, but also exerted a profound influence on the cinema. Both major studios and independent producers wanted to capitalise on the unprecedented response, especially among teenage audiences. The revolutionary and the subversive potential of rock’n’roll, the resistance of the older generation, and the immediate association in its social perception with rebellion and juvenile delinquency led to the resulting films maneuvering between censorship, moral panic and the admiration of “teenculture”. Today they represent an interesting object of analysis embedding musical and cinematographic phenomena in a social context.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2015, 91; 6-19
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
„Życie jest cudowne” Franka Capry – paradoksy odczytań
Frank Capra’s “It’s a Wonderful Life” – the Paradoxes of Interpretations
Autorzy:
Durys, Elżbieta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342018.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Frank Capra
kino amerykańskie
sentymentalizm
American cinema
sentimentalism
Opis:
Życie jest cudowne (1946) jest obecnie filmem bodaj najbardziej znanym i niezwykle często przywoływanym w obszarze popkultury amerykańskiej. Określane jako populistyczne i sentymentalne, dzieło Franka Capry cieszy się niezwykłym zainteresowaniem wśród badaczy zarówno z obszaru szeroko rozumianych studiów kulturowych, jak i historyków oraz politologów. Celem artykułu jest wskazanie wybranych interpretacji filmu, często rozbieżnych pod względem wymowy. Przedstawienie ich ma służyć wydobyciu niuansów i odcieni znaczeniowych obrazu Życie jest cudowne, często niedostrzeganych ze względu na afektywny wymiar filmu.
It’s a Wonderful Life (1946) is perhaps the most famous and frequently cited film in the area of American pop culture. Described as populist and sentimental, the work of Frank Capra is of great interest to researchers both from the broadly defined cultural studies, as well as historians and political scientists. The aim of the article is to point out some, often divergent, interpretations of the film. Their presentation points to the nuances and shades of meaning of It’s a Wonderful Life, which often remain unseen due to the affective dimension of the film.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 6-20
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Film jako źródło wiedzy historycznej. Żydzi w społeczeństwie i filmie amerykańskim XX w.
Film as a Source of Historical Knowledge: Jews in American Society and Film of the 20th Century
Autorzy:
Lewicki, Zbigniew
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342022.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Żydzi
Żydzi amerykańscy
amerykańskie kino historyczne
Jews
American Jews
American historical cinema
Opis:
Artykuł dotyczy zagadnienia traktowania filmu jak źródła wiedzy historycznej na przykładzie sposobu traktowania Żydów w społeczeństwie amerykańskim XX w. i odzwierciedlenia tej problematyki w filmach. Z przeprowadzonych analiz wynika, że istnieje wyraźna korelacja wydarzeń historycznych z tego zakresu oraz częstotliwości i sposobu ukazywania dylematów odrębnej religijnie i kulturowo mniejszości żydowskiej w USA. Nie jest to jednak relacja jednostronna, gdyż filmy nie tylko ukazywały ten specyficzny problem społeczny, lecz także wpływały na zmianę nastawienia Amerykanów do grupy żydowskiej. Aczkolwiek kwestia roli, jaką w historiografii odgrywają filmy, wymaga dalszych, poszerzonych studiów, artykuł jednoznacznie wykazuje, że z konieczną dozą ostrożności można uznać dzieła filmowe za uprawnione źródło wiedzy o wydarzeniach historycznych, w tym przede wszystkim o nastrojach społecznych epoki.
The article deals with the question of film as a source of historical knowledge using the example of how Jews were treated in American society in the 20th century and how this was reflected in films. His analysis suggests that there is a clear correlation between historical events of this period and the frequency and manner of portraying the dilemmas of the religiously and culturally separate Jewish minority in the United States. But this is not a one-sided relationship, as films not only reflected this social issue, but also influenced American attitudes towards the Jewish minority. Although the question of the role played by films in historiography requires further, wider investigations, the article clearly shows that with certain caution, films can be treated as a source of historical knowledge, and especially on the social attitudes of the era.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 154-176
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Odlot za Atlantyk. Amerykański debiut Miloša Formana
Taking Off to the Other Side of Atlantic: The American Debut of Miloš Forman
Autorzy:
Hendrykowski, Marek
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342029.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Miloš Forman
kino czeskie
kino amerykańskie
ironia
Czech cinema
American cinema
irony
Opis:
Marek Hendrykowski przeprowadza historyczną rewizję oceny Odlotu (1971) Miloša Formana, wskazując, że dzieło to należy do czołówki najwybitniejszych osiągnięć kinematografii amerykańskiej przełomu lat 60. i 70. Według autora film ten sytuuje się w kręgu krzywdząco niedocenionych zjawisk historii kina amerykańskiego. Kasowa porażka Odlotu sprawiła, że na długie lata stał się on przykładem rzekomego niedopasowania wybitnego filmowca z Europy do Nowego Świata – Ameryki i Hollywood. Hendrykowski zauważa m.in., że z dzisiejszej perspektywy dzieło Formana zdumiewa mistrzostwem warsztatowym oraz konsekwencją reżysera w przenoszeniu do nowych warunków bagażu twórczego, z którym opuścił Czechy i Europę. Podkreśla również, że niezwykłą wartością Odlotu jest nieustanna obecność w nim ironii poznawczej, charakterystycznej nie tylko dla samego Formana, ale poniekąd także dla filmów szkoły czeskiej. Autor konkluduje: Forman zainicjował „Odlotem” pewien nurt poszukiwań, który miał się stać wskazówką i dążeniem dla szeregu innych filmowców za Oceanem. Nie chodzi o takie czy inne podobieństwa, nawiązania czy zapożyczenia stylistyczne, lecz o nowatorski model niebanalnego kina fikcji i wpisany weń makroobraz rzeczywistości.
Marek Hendrykowski carries out a reassessment of Taking Off (1971) by Milos Forman, and argues that the film belongs among the top films of American cinematography of the 1960s and 1970s. According to the author the film situates itself in a circle of unjustly underrated phenomena of the history of American cinema. The box office failure of the Taking Off meant that for years the film was set as an example of alleged mismatch of prominent European filmmaker and the New World – America and Hollywood. Hendrykowski notes that from today’s perspective Forman’s work is astounding in terms of workshop and the director’s insistence at transferring his creative character from Czechoslovakia and Europe to America. He also points out to the importance of cognitive irony present throughout Taking Off, which is characteristic to Forman and other members of the Czech school of film. The author concludes: by “Taking Off” Forman initiated a new direction in research, which was to become a new signpost and aim for many other filmmakers on the other side of the ocean. It is not a question of similarities, references or stylistic borrowings, but an original model of feature film and the image of reality contained within.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 193-200
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Speeding Slowness: Neo-Modern Contemplative and Sublime Cinema Aesthetics in Godfrey Reggio’s Qatsi Trilogy
Pędząca powolność: neomodernistyczna estetyka kontemplacyjnego i wzniosłego kina w trylogii Qatsi Godfrey’a Reggio
Autorzy:
Boczkowska, Kornelia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/593756.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
American experimental documentary film neo-modern aesthetics
slow and contemplative cinema
sublime cinema
Godfrey Reggio
Qatsi Trilogy
filmowy neomodermizm
wolne kino
wzniosłe kino
amerykański eksperymentalny film dokumentalny
trylogia Qatsi
Opis:
The article analyzes the various ways in which Godfrey Reggio’s experimental documentary films, Koyaanisqatsi (1982), Powaqqatsi (1988) and Naqoyqatsi (2002), tend to incorporate narrative and visual conventions traditionally associated with neo-modern aesthetics of slow and sublime cinema. The former concept, defined as a “varied strain of austere minimalist cinema” (Romney 2010) and characterized by the frequent use of “long takes, de-centred and understated modes of storytelling, and a pronounced emphasis on quietude and the everyday” (Flanagan 2008), is often seen as a creative evolution of Schrader’s transcendental style or, more generally, neo-modernist trends in contemporary cinematography. Although predominantly analyzed through the lens of some common stylistic tropes of the genre’s mainstream works, its scope and framework has been recently broadened to encompass post-1960 experimental and avant-garde as well as realistic documentary films, which often emphasize contemplative rather than slow aspects of the projected scenes (Tuttle 2012). Taking this as a point of departure, I argue that the Qatsi trilogy, despite being classified as largely atypical slow films, relies on a set of conventions which draw both on the stylistic excess of non-verbal sublime cinema (Thompson 1977; Bagatavicius 2015) and on some formal devices of contemplative cinema, including slowness, duration, anti-narrative or Bazinian Realism. In particular, the images’ evocative oscillation between nostalgic neo-modernist natural and technological sublime might stem from its employment of extended shot duration subjected to slow motion as well as panoramic, accelerated and long panning shots enhanced by the atmospheric scores of Philip Glass.
Przedmiotem artykułu jest próba przedstawienia i analizy wybranych środków artystycznych wykorzystanych w eksperymentalnych filmach dokumentalnych Godfrey’a Reggio, Koyaanisqatsi (1982), Powaqqatsi (1988) i Naqoyqatsi (2002), tradycyjnie związanych z estetyką tzw. kina wolnego (slow cinema) oraz wzniosłego (sublime cinema). Nurt slow-kina, definiowany jako “różnorodny gatunek ascetycznego kina minimalistycznego” (Romney 2010) i charakteryzujący się częstym użyciem “długich ujęć, zredukowanych i powściągliwych modułów narracji, oraz ekspozycją ciszy i codzienności” (Flanagan 2008), jest często postrzegany jako kreatywna ewolucja stylu transcendentalnego Schradera lub, szerzej, tendencji neomodernistycznych we współczesnej kinematografii (Syska 2014). Chociaż atrybuty tejże stylistyki analizowane jest głównie w dziełach wiodących przedstawicieli gatunku, takich jak Tarkowski, Bergman, Bresson, Antonioni czy też Sokurow, ich obecność dostrzegana jest również w eksperymentalnym, awangardowym oraz realistycznym filmie dokumentalnym (Flanagan 2012), który w większym stopniu kładzie nacisk na kontemplacyjne aniżeli wolne aspekty ukazywanych scen i motywów (Tuttle 2012). Tymczasem analiza materiału filmowego autorstwa Reggio pod względem ww. cech gatunkowych może prowadzić do wniosku, iż trylogia Qatsi, będąca atypowym przykładem slow-kina, dosyć wyraźnie wykorzystuje konwencje oparte zarówno na stylistycznym nadmiarze wzniosłego kina niewerbalnego (Thompson 1977; Bagatavicius 2015), jak i walorach kina kontemplacyjnego, takich jak spowolnione tempo, trwanie, anty-narracja czy też realizm typu Bazinowskiego.
Źródło:
Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2016, 18; 219-253
1641-9278
Pojawia się w:
Art Inquiry. Recherches sur les arts
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Strategie kontroli i represji Kościoła scjentologicznego wobec amerykańskiej kinematografii
The Church of Scientology’s strategies of control and repression of towards American cinema
Autorzy:
PIGULAK, MARCIN
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/921158.pdf
Data publikacji:
2016-10-09
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
strategies of control
Church of Scientology
American cinema
Ron L. Hubbard
Hollywood
the environment of American filmmakers
Opis:
The aim of this article is to show the strategies of control developed by the Church of Scientology and repressions enforced by the Church on representatives of American cinema, who through their artistic work entered the current of criticism of this organization. By describing the beginnings of this religious movement, which includes indicating the sources of the very first contacts with the world of Hollywood, the article presents the role which celebrities played in promoting scientology and as a medium of religious values. Similarly, by listing the most important examples of Scientologys oppressiveness towards its opponents, the author points to the close correlation with the fundamental ideas developed by its founder. The author of this article concentrates on selected instances of Church interference and in doing so describes the history of this organizations influence on the American film-making milieu, as well as ascribing selected anti-Scientology films to the trend of broader opposition towards Scientologists’ activities.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2016, 18, 27; 163-174
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Dyskretny urok „populuxe” – intertekstualne wędrówki scen z „Design for Dreaming”
The Discreet Charm of “Populuxe” – Intertextual Wanderings of Scenes From “Design for Dreaming”
Autorzy:
Michnik, Antoni
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341429.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
kino amerykańskie
David Bowie
William H. Beaudine
populuxe
Svetlana Boym
American cinema
Opis:
Autor bada intertekstualne wędrówki fragmentów filmu krótkometrażowego Design for Dreaming Williama H. Beaudine’a (1964), zrealizowanego dla General Motors. Opisuje amerykańskie krótkometrażowe filmy przemysłowe z lat 50. i 60., a następnie – wychodząc od teledysku Davida Malleta do utworu Hello Spaceboy Davida Bowiego – śledzi wędrówki scen z Design for Dreaming po różnych obszarach kultury wizualnej (reklamach, wideoklipach, serialach, filmach pełnometrażowych). Ramę dla tekstu stanowi kategoria estetyki „populuxe” zaproponowana przez Thomasa Hine’a oraz rozważania Svetlany Boym na temat nostalgii.
The author examines the inter-textual wanderings of fragments of William H. Beaudine’s Design for Dreaming (1964), produced for General Motors. He describes American short industrial films of the 1950s and 1960s, and then - starting with the David Mallet music video for David Bowie’s Hello Spaceboy - he traces the scenes from Design for Dreaming in various areas of visual culture (commercials, videoclips, series, feature films). The category of “populuxe” aesthetics created by Thomas Hine and Svetlana Boym’s reflections on nostalgia form a theoretical framework for this article.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 97-98; 212-224
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Motyw „oblężonego domu” jako topos amerykańskiego kina w kontekście rozważań na temat remake’ów, sequeli, prequeli i hidden-remake’ów
The Theme of a “Besieged House” as a Topos in American Cinema in the Context of a Discussion on Remakes, Sequels, Prequels, and Hidden-Remakes
Autorzy:
Kletowski, Piotr
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341420.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
oblężony dom
remake
wspólnota
kino amerykańskie
besieged house
community
American cinema
Opis:
Odwołując się do klasycznych teorii antropologicznych rozpatrujących symboliczny wymiar relacji proksemicznych (S. Kracauer, M. Lurker), autor analizuje motyw „oblężonego domu” jako typowy dla amerykańskiej kinematografii od czasu realizacji Narodzin narodu (1915) Griffitha aż do dziś (współczesne kino akcji, klaustrofobiczne thrillery science fiction, jak Cloverfield Lane 10 /2016/ Dona Trachtenberga). Autor stawia tezę, że filmy podejmujące ten motyw odbijają w bezpośredni bądź metaforyczny sposób aktualną sytuację społeczno-polityczną amerykańskiego społeczeństwa, które jako zbiorowość postrzega się – zwłaszcza w momentach przesileń i kryzysów – jako zagrożoną wspólnotę umiejscowioną w zamkniętej przestrzeni, a przestrzeń ta staje się bronioną za wszelką cenę twierdzą. Motyw ten – wykorzystywany i przetwarzany przez takich reżyserów, jak H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan – powoduje, że wiele z oryginalnych filmów podejmujących ten temat staje się podstawą do licznych nawiązań, przeróbek i hidden-remake’ów (czyli filmów, które w sposób widoczny są przetworzeniem już istniejących filmów, ale z różnych przyczyn – zwykle związanych z prawami autorskimi – nie mogą uchodzić za prawdziwe remaki).
Referring to classical anthropological theories of the symbolic dimension of proxemic relations (S. Kracauer, M. Lurker), the author analyses the motif of the “besieged house” as typical of American cinema since Griffith’s The Birth of a Nation (1915) to this day (modern action cinema, claustrophobic sci-fi thrillers like Cloverfield Lane 10 /2016/ by Don Trachtenberg). The author argues that the films that take up this motif reflect in a direct or metaphorical way the current socio-political situation of American society, which - as a collective - during moments of crisis, perceives itself as a threatened community in a confined space, which space becomes a besieged fortress to be defended at all cost. This motif - used and transformed by directors such as H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan - made many original films dealing with this topic the basis of numerous references, alterations and hidden remakes (that is films, which are obviously new versions of already existing films, but for various reasons, usually connected with copyright, cannot be considered to be true remakes).
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 97-98; 154-168
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Ciężkość - lekkość - perswazyjność. Czyli co wynika z organizacji estetycznej filmu "Dwunastu gniewnych ludzi" Sidneya Lumeta
Autorzy:
Pawłowska-Jądrzyk, Brygida
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1186758.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie
Tematy:
American cinema
court drama
persuasiveness
film narrative
film aesthetics
gravity
lightness
12 Angry Men
Sidney Lumet
non-verbal persuasion
Opis:
The author aims to show that Sidney Lumet’s cinema classic 12 Angry Men (1957) is not only a film about persuasion (making art the subject of persuasion about something that presents the clash of various attitudes and views), but also a persuasive film (placing an emphasis on persuading the viewer for specific reasons). For the second of these perspectives, non-verbal persuasion is of fundamental importance – implicit, in its immanent essence, because it uses certain narrative techniques and remains in a purposeful relationship with the organisation of its aesthetics. The axis of this kind of organisation is determined by the categories of gravity and lightness, which seem to fundamentally define various aspects of the film, ranging from the weight of the issues discussed to the implications associated with the setting of the drama. Lumet’s work is a model example of a text that methodically engages audiences in an aesthetic-affective game with the help of gravity and lightness, but also gives the game a world-view sense: it shapes beliefs and assessments that weigh not only on viewers’ attitudes towards conflicts that determine the relationship in the film world, but also affect the perception of non-textual reality (not openly making viewers approve the American model of democracy).
Źródło:
Załącznik Kulturoznawczy; 2018, 5; 37-54
2392-2338
Pojawia się w:
Załącznik Kulturoznawczy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Jak wyrwać się z nostalgii [dot. P. Włodek: Kres niewinności. Obraz i upamiętnienie ery Eisenhowera w amerykańskich filmach i serialach – pomiędzy reprezentacją, nostalgią a krytycznym retro]
How to Extricate Oneself from Nostalgia [re: P. Włodek: Kres niewinności. Obraz i upamiętnienie ery Eisenhowera w amerykańskich filmach i serialach – pomiędzy reprezentacją, nostalgią a krytycznym retro]
Autorzy:
Kostyra, Karolina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/534933.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego
Tematy:
nostalgia
retro
film studies
American cinema
Opis:
The article discussesa book by Patrycja Włodek entitled Kres niewinności. Obraz i upamiętnienie ery Eisenhowera w amerykańskich filmach i serialach – pomiędzy reprezentacją, nostalgią a krytycznym retro [The End of Innocence: The image and remembrance of the Eisenhower era in American feature films and television series – between representation, nostalgia, and critical retro style]. The author of the article positions her publication amongst other film studies research devoted to “nostalgic cinema” and enters into dialogue with concepts put forward by Włodek. The polemical pendants and glosses centre on searching for currents, titles, and readings both supporting Włodek’s considerations and transcending her interpretive framework relating to retro nostalgic (cinema of the 1980s) and retro classic (the most recent films and television series).
Źródło:
Śląskie Studia Polonistyczne; 2019, 14, 2; 239-252
2084-0772
2353-0928
Pojawia się w:
Śląskie Studia Polonistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Japońskie filmy o Ajnach w perspektywie amerykańskiego westernu
Japanese films about Ainu in the context of American western
Autorzy:
Bochniarz, Marek S.
Sztafiej, Przemysław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1039414.pdf
Data publikacji:
2019-12-06
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Japanese cinema
American western
Ainu
transnational cinema
Hokkaidō
Opis:
Recently the topic of transnationalism in the arts has become a popular strand of academic research. Nevertheless, this phenomenon is not an entirely new concept. In cinema it has been a constant element since its inception. One of the most important inspirations for world cinema has been the traditional cinematography of the USA, especially from the period of the great film studios, with the western being one of the most popular and imitated genres. Although it seems to be inextricably connected with the American myth of the frontier, the Wild West, the theme of expansion, and the conflict of ‘civilization’ and ‘wildness/savagery’ has reverberated outside the USA. In Japan westerns resonated on both the consumer-commercial and artistic levels. Japanese filmmakers utilized elements of the genre while weaving in some native contexts. The history of colonization of the northern island of Hokkaidō and its native inhabitants – the Ainu people – have been a point of reference for Japan-based western films. In this article, the authors analyze the western-specific genre elements in Japanese films about the Ainu people, while concentrating on the portrayal of individuals, groups and human relations on the frontier.
Źródło:
Przestrzenie Teorii; 2019, 31; 357-372
2450-5765
Pojawia się w:
Przestrzenie Teorii
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 31

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies