Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "American cinema" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 31
Tytuł:
Twórczość Chrisa Eyre’a w kontekście problemów filmowych adaptacji
Chris Eyre’s work in the context of film adaptation problems
Autorzy:
Kempna-Pieniążek, Magdalena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/521256.pdf
Data publikacji:
2013
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
Chris Eyre
the portrayal of Indians in film
American independent cinema
genre
film adaptations
Opis:
Chris Eyre is a native American independent filmmaker. Some of his films are based on the books by Sherman Alexie and Tony Hillerman. At the same time, Eyre adapts American mainstream film genres (road movies, sport movies) in order to revise cinematic representations of the native Americans. The author of this article analyses such films as Smoke Signals, The Edge of America, Skinwalkers and We Shall Remain, trying to define the role and meaning of different adaptation strategies in Eyre’s works. In Smoke Signals and The Edge of America the director pictures and discusses the most important issues of modern Indian identity. In this context his films seem to prove that the dominant cinematic representations of native Americans are changing.
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2013, 5, 1; 94-105
2083-7275
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Szafa marzeń. Dziecięce kryjówki w E.T. Stevena Spielberga
The Dream Closet. Children’s hiding places in Steven Spielberg’s E.T. the Extra-Terrestrial
Autorzy:
Kostyra, Karolina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1047271.pdf
Data publikacji:
2020-12-15
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
E.T. the Extra-Terrestrial
Steven Spielberg
children’s bedroom
American cinema
child’s gaze
mise en scène
Opis:
The filmmakers made efforts to present reality from a child’s viewpoint. Among the strategies applied for this purpose, we find a detailed approach to grasping the atmosphere of children’s bedrooms. The wardrobe, intimate lighting, cozy nooks and child’s props allow the creation of a space of autonomy and the uncanny effect, which slips away from adults’ perception. The author uses works on the anthropology of place, the psychoanalysis of dreams, film studies analyses of E.T. and also the history of cinematic representation of children’s worlds in order to describe the specificity of domestic space in Spielberg’s movie. At the same time, the author proposes that E.T. can be interpreted as a movie about the relative independence of children’s worlds in relation to the overpowering and stiflingAmerican suburbs. If we follow the proposed interpretation, then the popular judgment of E.T. as a conservative and family narration from Reagan’s days would seem to be too one-sided.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2020, 27, 36; 41-55
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Strategie kontroli i represji Kościoła scjentologicznego wobec amerykańskiej kinematografii
The Church of Scientology’s strategies of control and repression of towards American cinema
Autorzy:
PIGULAK, MARCIN
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/921158.pdf
Data publikacji:
2016-10-09
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
strategies of control
Church of Scientology
American cinema
Ron L. Hubbard
Hollywood
the environment of American filmmakers
Opis:
The aim of this article is to show the strategies of control developed by the Church of Scientology and repressions enforced by the Church on representatives of American cinema, who through their artistic work entered the current of criticism of this organization. By describing the beginnings of this religious movement, which includes indicating the sources of the very first contacts with the world of Hollywood, the article presents the role which celebrities played in promoting scientology and as a medium of religious values. Similarly, by listing the most important examples of Scientologys oppressiveness towards its opponents, the author points to the close correlation with the fundamental ideas developed by its founder. The author of this article concentrates on selected instances of Church interference and in doing so describes the history of this organizations influence on the American film-making milieu, as well as ascribing selected anti-Scientology films to the trend of broader opposition towards Scientologists’ activities.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2016, 18, 27; 163-174
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Speeding Slowness: Neo-Modern Contemplative and Sublime Cinema Aesthetics in Godfrey Reggio’s Qatsi Trilogy
Pędząca powolność: neomodernistyczna estetyka kontemplacyjnego i wzniosłego kina w trylogii Qatsi Godfrey’a Reggio
Autorzy:
Boczkowska, Kornelia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/593756.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
American experimental documentary film neo-modern aesthetics
slow and contemplative cinema
sublime cinema
Godfrey Reggio
Qatsi Trilogy
filmowy neomodermizm
wolne kino
wzniosłe kino
amerykański eksperymentalny film dokumentalny
trylogia Qatsi
Opis:
The article analyzes the various ways in which Godfrey Reggio’s experimental documentary films, Koyaanisqatsi (1982), Powaqqatsi (1988) and Naqoyqatsi (2002), tend to incorporate narrative and visual conventions traditionally associated with neo-modern aesthetics of slow and sublime cinema. The former concept, defined as a “varied strain of austere minimalist cinema” (Romney 2010) and characterized by the frequent use of “long takes, de-centred and understated modes of storytelling, and a pronounced emphasis on quietude and the everyday” (Flanagan 2008), is often seen as a creative evolution of Schrader’s transcendental style or, more generally, neo-modernist trends in contemporary cinematography. Although predominantly analyzed through the lens of some common stylistic tropes of the genre’s mainstream works, its scope and framework has been recently broadened to encompass post-1960 experimental and avant-garde as well as realistic documentary films, which often emphasize contemplative rather than slow aspects of the projected scenes (Tuttle 2012). Taking this as a point of departure, I argue that the Qatsi trilogy, despite being classified as largely atypical slow films, relies on a set of conventions which draw both on the stylistic excess of non-verbal sublime cinema (Thompson 1977; Bagatavicius 2015) and on some formal devices of contemplative cinema, including slowness, duration, anti-narrative or Bazinian Realism. In particular, the images’ evocative oscillation between nostalgic neo-modernist natural and technological sublime might stem from its employment of extended shot duration subjected to slow motion as well as panoramic, accelerated and long panning shots enhanced by the atmospheric scores of Philip Glass.
Przedmiotem artykułu jest próba przedstawienia i analizy wybranych środków artystycznych wykorzystanych w eksperymentalnych filmach dokumentalnych Godfrey’a Reggio, Koyaanisqatsi (1982), Powaqqatsi (1988) i Naqoyqatsi (2002), tradycyjnie związanych z estetyką tzw. kina wolnego (slow cinema) oraz wzniosłego (sublime cinema). Nurt slow-kina, definiowany jako “różnorodny gatunek ascetycznego kina minimalistycznego” (Romney 2010) i charakteryzujący się częstym użyciem “długich ujęć, zredukowanych i powściągliwych modułów narracji, oraz ekspozycją ciszy i codzienności” (Flanagan 2008), jest często postrzegany jako kreatywna ewolucja stylu transcendentalnego Schradera lub, szerzej, tendencji neomodernistycznych we współczesnej kinematografii (Syska 2014). Chociaż atrybuty tejże stylistyki analizowane jest głównie w dziełach wiodących przedstawicieli gatunku, takich jak Tarkowski, Bergman, Bresson, Antonioni czy też Sokurow, ich obecność dostrzegana jest również w eksperymentalnym, awangardowym oraz realistycznym filmie dokumentalnym (Flanagan 2012), który w większym stopniu kładzie nacisk na kontemplacyjne aniżeli wolne aspekty ukazywanych scen i motywów (Tuttle 2012). Tymczasem analiza materiału filmowego autorstwa Reggio pod względem ww. cech gatunkowych może prowadzić do wniosku, iż trylogia Qatsi, będąca atypowym przykładem slow-kina, dosyć wyraźnie wykorzystuje konwencje oparte zarówno na stylistycznym nadmiarze wzniosłego kina niewerbalnego (Thompson 1977; Bagatavicius 2015), jak i walorach kina kontemplacyjnego, takich jak spowolnione tempo, trwanie, anty-narracja czy też realizm typu Bazinowskiego.
Źródło:
Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2016, 18; 219-253
1641-9278
Pojawia się w:
Art Inquiry. Recherches sur les arts
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Samochód jako rekwizyt – ekranowe wizerunki dodge’a chargera
The car as a prop – on-screen images of the Dodge Charger
Autorzy:
Czaja, Justyna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/32062532.pdf
Data publikacji:
2023
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
prop
American Cinema
car
Dodge Charger
rekwizyt
kino amerykańskie
samochód
Opis:
The car is a popular prop used in the cinema to create film reality. On the screen it functions not only as a physical object, an element of the depicted world, but also as a representation, imagination, myth. The aim of the article is to analyze various ways of using a car (the Dodge Charger, considered an icon of the automotive industry, the most popular American muscle car) as a film prop in a Hollywood cinema, a description of its various functions, meanings and meanings assigned to it – literal and symbolic.
Źródło:
Przestrzenie Teorii; 2023, 40; 205-223
2450-5765
Pojawia się w:
Przestrzenie Teorii
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Rock’n’roll i „nowe stracone pokolenie” amerykańskiego kina
Rock’n’Roll and the “New Lost Generation” of American Cinema
Autorzy:
Włodek, Patrycja
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342089.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
rock’n’roll
kino amerykańskie
bunt
młode pokolenie
American cinema
rebellion
young generation
Opis:
Rock’n’roll stał się kulturowym i popkulturowym fenomenem lat 50. w Stanach Zjednoczonych, nie tylko rewolucjonizując scenę muzyczną, ale i wywierając głęboki wpływ na kinematografię. Zarówno wielkie studia, jak i producenci niezależni chcieli skapitalizować jego bezprecedensowy oddźwięk, zwłaszcza wśród nastoletniej publiczności. Rewolucyjny i subwersywny potencjał rock’n’rolla, opór starszej generacji, jego natychmiastowe powiązanie w społecznym odbiorze z buntem i przestępczością młodocianych sprawiły, że powstające filmy, manewrując między cenzurą i moralną paniką a hołdowaniem „nastokulturze”, stanowią do dziś interesujący przedmiot analizy osadzającej fenomeny muzyczne i kinematograficzne w kontekście społecznym.
Rock’n’roll became a cultural and popcultural phenomenon of the 1950s. It not only revolutionised the music scene in the United States, but also exerted a profound influence on the cinema. Both major studios and independent producers wanted to capitalise on the unprecedented response, especially among teenage audiences. The revolutionary and the subversive potential of rock’n’roll, the resistance of the older generation, and the immediate association in its social perception with rebellion and juvenile delinquency led to the resulting films maneuvering between censorship, moral panic and the admiration of “teenculture”. Today they represent an interesting object of analysis embedding musical and cinematographic phenomena in a social context.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2015, 91; 6-19
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Przyszłość już była. Dystopie w najnowszym kinie science fiction Ameryki Łacińskiej
The future has already happened. Dystopias in contemporary Latin American science fiction cinema
Autorzy:
Racięski, Bolesław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1047445.pdf
Data publikacji:
2021-03-31
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
dystopia
Latin American Cinema
neocolonialism
neoliberalism
science fiction
Opis:
This paper examines the various ways in which contemporary Latin American science fiction films contest the neocolonial and neoliberal narratives, dominant in the region since the 20th century. I identify and examine strategies that filmmakers employ to challenge the common understanding of such notions as time, modernity and technological progress. I outline the visions of dystopias presented in the examined films, while also analyzing the counter-narratives introduced by filmmakers, which are mostly focused on creating a new, hybrid identity for a future citizen.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2020, 28, 37; 167-175
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Podróż do emancypacji. O ambiwalentnym znaczeniu motywu drogi na przykładzie tematu rasy w kinie amerykańskim
Journey to Emancipation. On the Ambivalent Meaning of the Motif of the Road Using the Example of the Theme of Race in American Cinema
Autorzy:
Włodek, Patrycja
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31340640.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
kino amerykańskie
kino drogi
prawa obywatelskie
relacje rasowe
rasa
American cinema
road movies
race
civil rights
racial relations
Opis:
Motyw podróży zalicza się zarówno do najbardziej uniwersalnych w tekstach kultury en bloc, jak i szczególnie chętnie aktualizowanych w kulturze amerykańskiej. Jest w niej chętnie łączony z kategoriami postępu i emancypacji, nie tylko społecznych, ale też indywidualnych. Dlatego w amerykańską drogę często ruszają postaci w jakiś sposób wykluczone bądź nieuprzywilejowane. Oczywistość zestawienia podróży i emancypacji jest jednak problematyczna w kinie głównego nurtu podejmującego temat relacji rasowych od lat 50., przez 80., aż po współczesność. Akurat w tych trzech momentach filmowcy hollywoodzcy ze zwiększoną intensywnością sięgali właśnie po te tematy, wpisując je zarówno w dystynktywne zjawiska filmowe (np. civil rights cinema), jak i w topos podróży.  
The theme of travel belongs to both the most universal in cultural texts en bloc, and those readily updated in American culture. There it is eagerly combined with categories of progress and emancipation, not only social but also individual. That is why characters in some way excluded or underprivileged often set off on the American road. The obviousness of the juxtaposition of journey and emancipation, however, is problematic in mainstream cinema dealing with the topic of racial relations from the 1950s, through the 1980s to the present day. In those three moments, Hollywood film-makers reached for these themes with greater intensity, placing them within distinctive film phenomena (e.g. civil rights cinema), as well as in travel topos.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 24-36
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Pielgrzymując do Zabriskie Point - Antonioni i sielanka zwana USA
On a Pilgrimage to Zabriskie Point - Antonioni and the Idyll Called USA
Autorzy:
Masłoń, Sławomir
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31340643.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Michelangelo Antonioni
kino amerykańskie
kontrkultura
American cinema
counterculture
Opis:
Zabriskie Point Michelangela Antonioniego – film poświęcony politycznym i kulturowym niepokojom w USA w późnych lat 60. – nie tylko był komercyjną porażką, ale również został całkowicie zniszczony przez amerykańskich (i nie tylko amerykańskich) krytyków. Masłoń stara się pokazać, że rzekomo uproszczone przedstawienie amerykańskich konfliktów, zarzucane filmowi przez jego krytyków, jest w Zabriskie Point odbiciem ahistorycznej pastoralnej ideologii, wyznawanej przez dużą część społeczeństwa amerykańskiego, którą Antonioni nie tylko przedstawia, ale również poddaje analizie. Co więcej, to, co krytycy brali za naiwną i bezpodstawną idealizację młodzieżowej kontrkultury, jeśli przyjrzeć się filmowi bliżej, okazuje się bezstronną i przenikliwą analizą mechanizmów ich fantazji oraz ich relacji z wirtualnym światem stworzonym przez media.
Michelangelo Antonioni’s Zabriskie Point (1970) – a film about political and cultural unrest in the US in the late 1960s – not only was a commercial failure, but it was also completely destroyed by American (and not only American) critics. Masłoń tries to show that the allegedly simplified representation of American conflicts that the film is accused of showing, is in the Zabriskie Point a reflection of ahistorical pastoral ideology, professed by a large part of American society, which Antonioni not only presents, but also analyses. What is more, what critics took for naive and groundless idealization of youth counter-culture, if one looks closely at the film, turns out to be an unbiased and perceptive analysis of the mechanisms of their fantasy and their relationship with the virtual world created by the media.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 8-23
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Oscar Micheaux i początki kina afroamerykańskiego
Oscar Micheaux and the Beginnings of African-American Cinema
Autorzy:
Loska, Krzysztof
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/26850888.pdf
Data publikacji:
2022
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Oscar Micheaux
kino afroamerykańskie
kultura filmowa
początki kina
„film rasowy”
African-American cinema
film culture
early cinema
“race film”
Opis:
Autor omawia początki kina afroamerykańskiego na przykładzie twórczości Oscara Micheaux (1884-1951) – jednego z najwybitniejszych przedstawicieli tzw. filmu rasowego – i sytuuje jego twórczość w szerszym kontekście społecznym, kulturowym i politycznym, na tle działalności innych przedstawicieli branży, którzy w drugiej i trzeciej dekadzie XX w. podejmowali próby realizacji filmów przeznaczonych dla czarnej publiczności. Autor zwraca uwagę na szereg aspektów kształtujących kulturę filmową w społeczności afroamerykańskiej, takich jak system dystrybucji i promocji, praktyki wystawiennicze, wpływ cenzury na ostateczny kształt dzieła. Uwzględnia również zagadnienia stylistyczne oraz tematykę podejmowaną w „filmach rasowych”, a związaną z kwestią awansu społecznego, narracją emancypacyjną, polemiką ze stereotypami rasowymi, strategią „uchodzenia za białego” (passing) oraz obecnością tematów kontrowersyjnych (jak lincz i małżeństwa „międzyrasowe”).
The author discusses the beginnings of African-American cinema on the basis of the films by Oscar Micheaux (1884-1951), who was one of the most prominent representatives of the so-called race film, and situates his work in broader social, cultural and political contexts. The author juxtaposes Micheaux with other directors who attempted to make films intended for black audiences in the second and third decades of the twentieth century. Attention is drawn to a number of aspects shaping the film culture of the African-American community, such as the distribution and promotion system, exhibition practices, or the influence of censorship on the final shape of the work. The author also takes into account stylistic issues and topics taken up in “race films”, e.g. social advancement, emancipation narrative, polemics with racial stereotypes, the “passing” strategy, and the presence of controversial themes (such as lynching or interracial marriages).
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2022, 117; 143-160
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Odlot za Atlantyk. Amerykański debiut Miloša Formana
Taking Off to the Other Side of Atlantic: The American Debut of Miloš Forman
Autorzy:
Hendrykowski, Marek
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342029.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Miloš Forman
kino czeskie
kino amerykańskie
ironia
Czech cinema
American cinema
irony
Opis:
Marek Hendrykowski przeprowadza historyczną rewizję oceny Odlotu (1971) Miloša Formana, wskazując, że dzieło to należy do czołówki najwybitniejszych osiągnięć kinematografii amerykańskiej przełomu lat 60. i 70. Według autora film ten sytuuje się w kręgu krzywdząco niedocenionych zjawisk historii kina amerykańskiego. Kasowa porażka Odlotu sprawiła, że na długie lata stał się on przykładem rzekomego niedopasowania wybitnego filmowca z Europy do Nowego Świata – Ameryki i Hollywood. Hendrykowski zauważa m.in., że z dzisiejszej perspektywy dzieło Formana zdumiewa mistrzostwem warsztatowym oraz konsekwencją reżysera w przenoszeniu do nowych warunków bagażu twórczego, z którym opuścił Czechy i Europę. Podkreśla również, że niezwykłą wartością Odlotu jest nieustanna obecność w nim ironii poznawczej, charakterystycznej nie tylko dla samego Formana, ale poniekąd także dla filmów szkoły czeskiej. Autor konkluduje: Forman zainicjował „Odlotem” pewien nurt poszukiwań, który miał się stać wskazówką i dążeniem dla szeregu innych filmowców za Oceanem. Nie chodzi o takie czy inne podobieństwa, nawiązania czy zapożyczenia stylistyczne, lecz o nowatorski model niebanalnego kina fikcji i wpisany weń makroobraz rzeczywistości.
Marek Hendrykowski carries out a reassessment of Taking Off (1971) by Milos Forman, and argues that the film belongs among the top films of American cinematography of the 1960s and 1970s. According to the author the film situates itself in a circle of unjustly underrated phenomena of the history of American cinema. The box office failure of the Taking Off meant that for years the film was set as an example of alleged mismatch of prominent European filmmaker and the New World – America and Hollywood. Hendrykowski notes that from today’s perspective Forman’s work is astounding in terms of workshop and the director’s insistence at transferring his creative character from Czechoslovakia and Europe to America. He also points out to the importance of cognitive irony present throughout Taking Off, which is characteristic to Forman and other members of the Czech school of film. The author concludes: by “Taking Off” Forman initiated a new direction in research, which was to become a new signpost and aim for many other filmmakers on the other side of the ocean. It is not a question of similarities, references or stylistic borrowings, but an original model of feature film and the image of reality contained within.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 193-200
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Obraz Hiszpańskiej Ameryki w kinie frankistowskiej Hiszpanii 1939-1951
Colonial Spanish America in Francoist Cinema 1939-1951
Autorzy:
Miłkowski, Tadeusz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2148072.pdf
Data publikacji:
2022-01-31
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Instytut Studiów Iberyjskich i Iberoamerykańskich
Tematy:
Ameryka Hiszpańska (Hispanoameryka)
Hiszpania frankistowska
Krzysztof Kolumb
hiszpańskie filmy fabularne (1939-1951)
wojna hiszpańsko-amerykańska 1898
Francoist Spain
Spanish Cinema 1939-1951
Cristopher Columbus
Spanish-American War
Spanish colonization of the Americas
Opis:
W artykule zanalizowano sześć filmów powstałych w pierwszym okresie dyktatury frankistowskiej w Hiszpanii (dokładniej w latach 1942-1951) przedstawiających odkrycie Ameryki, jej kolonizacje i utratę ostatnich kolonii wskutek wojny amerykańsko-hiszpańskiej. Filmy te kreują legitymizującą mitologię aktualnej polityki rządu. Wywyższenie eposu kolonizacji służy wychwalaniu epickich wartości nacjonalistycznej krucjaty.
Author analyzed six films made in the first period of the Franco regime (1939-1951) depicting the history of Spanish colonial America from Columbus to Spanish American war. These films provide a legitimizing mythology of the government policy of the moment. The exaltation of the epic of colonization serves to extol the epic values of the nationalist crusade.
Źródło:
Ameryka Łacińska. Kwartalnik analityczno-informacyjny; 2021, 29, 3-4 (113-114); 19-38
1506-8900
2081-1152
Pojawia się w:
Ameryka Łacińska. Kwartalnik analityczno-informacyjny
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Na postmodernistycznej autostradzie. „Urodzeni mordercy” po latach
On a Postmodern Highway. „Natural Born Killers” Years Later
Autorzy:
Birkholc, Robert
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31340638.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Oliver Stone
kino amerykańskie
kino drogi
fokalizacja
neotelewizja
American cinema
road movies
focalization
neo-television
Opis:
Artykuł został poświęcony zabiegom narracyjnym zastosowanym przez Olivera Stone’a w Urodzonych mordercach (1994). Autor opisuje, w jaki sposób Stone podważa konwencję tradycyjnego kina drogi oraz schemat podróży inicjacyjnej. Ponadto Birkholc stawia tezę, że pełna intertekstualnych, stylistycznych i gatunkowych nawiązań narracja filmu jest motywowana subiektywnie „wrażliwością” bohaterów, która została ukształtowana przez neotelewizję. Stone posługuje się przy tym bardzo szczególną formą fokalizacji, uwydatniającą medialne zapośredniczenia świadomości postaci i – co za tym idzie – kwestionującą obraz wolnego oraz niezależnego podmiotu. Pełna sprzeczności strategia twórcy, próbującego opisać fundamentalne przemiany kulturowo-społeczne, sprawia, że Urodzeni mordercy są wyjątkowo intrygującym zapisem ambiwalentnego doświadczenia kultury amerykańskiej w dobie neotelewizji.
The article is devoted to narrative techniques used by Oliver Stone in Natural Born Killers (1994). The author describes how Stone undermines the convention of traditional road cinema and the scheme of initiation journey. In addition, Birkholc argues that the narrative of the film, full of intertextual, stylistic and genre references, is subjectively motivated by the “sensitivity” of the characters, which was shaped by neo-television. Stone uses a very special form of focalization, which is emphasizing the media mediation of the character’s consciousness and – thus –  questioning the image of a free and independent subject. The contradictory strategy of the creator, trying to describe the fundamental cultural and social changes, makes the Natural Born Killers an extremely intriguing record of the ambivalent experience of American culture in the era of neo-television.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 37-50
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Motyw „oblężonego domu” jako topos amerykańskiego kina w kontekście rozważań na temat remake’ów, sequeli, prequeli i hidden-remake’ów
The Theme of a “Besieged House” as a Topos in American Cinema in the Context of a Discussion on Remakes, Sequels, Prequels, and Hidden-Remakes
Autorzy:
Kletowski, Piotr
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341420.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
oblężony dom
remake
wspólnota
kino amerykańskie
besieged house
community
American cinema
Opis:
Odwołując się do klasycznych teorii antropologicznych rozpatrujących symboliczny wymiar relacji proksemicznych (S. Kracauer, M. Lurker), autor analizuje motyw „oblężonego domu” jako typowy dla amerykańskiej kinematografii od czasu realizacji Narodzin narodu (1915) Griffitha aż do dziś (współczesne kino akcji, klaustrofobiczne thrillery science fiction, jak Cloverfield Lane 10 /2016/ Dona Trachtenberga). Autor stawia tezę, że filmy podejmujące ten motyw odbijają w bezpośredni bądź metaforyczny sposób aktualną sytuację społeczno-polityczną amerykańskiego społeczeństwa, które jako zbiorowość postrzega się – zwłaszcza w momentach przesileń i kryzysów – jako zagrożoną wspólnotę umiejscowioną w zamkniętej przestrzeni, a przestrzeń ta staje się bronioną za wszelką cenę twierdzą. Motyw ten – wykorzystywany i przetwarzany przez takich reżyserów, jak H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan – powoduje, że wiele z oryginalnych filmów podejmujących ten temat staje się podstawą do licznych nawiązań, przeróbek i hidden-remake’ów (czyli filmów, które w sposób widoczny są przetworzeniem już istniejących filmów, ale z różnych przyczyn – zwykle związanych z prawami autorskimi – nie mogą uchodzić za prawdziwe remaki).
Referring to classical anthropological theories of the symbolic dimension of proxemic relations (S. Kracauer, M. Lurker), the author analyses the motif of the “besieged house” as typical of American cinema since Griffith’s The Birth of a Nation (1915) to this day (modern action cinema, claustrophobic sci-fi thrillers like Cloverfield Lane 10 /2016/ by Don Trachtenberg). The author argues that the films that take up this motif reflect in a direct or metaphorical way the current socio-political situation of American society, which - as a collective - during moments of crisis, perceives itself as a threatened community in a confined space, which space becomes a besieged fortress to be defended at all cost. This motif - used and transformed by directors such as H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan - made many original films dealing with this topic the basis of numerous references, alterations and hidden remakes (that is films, which are obviously new versions of already existing films, but for various reasons, usually connected with copyright, cannot be considered to be true remakes).
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 97-98; 154-168
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Minority Views: “Liberator”, American Cinema, and the 1960s African American Film Criticism
Spojrzenie mniejszości. „Liberator”, kino amerykańskie i afroamerykańska krytyka filmowa lat 60. XX w
Autorzy:
Smoliński, Sebastian
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/25806665.pdf
Data publikacji:
2022
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
czasopismo „Liberator”
kino afroamerykańskie
ruch praw obywatelskich
ruch Black Arts
czarny radykalizm
czarna prasa
“Liberator” magazine
African American cinema
civil rights movement
Black Arts movement
black radicalism
black press
Opis:
The article reconstructs the discourse of film criticism in Liberator – a radical African American magazine published between 1961 and 1971. Employing Pierre Bourdieu’s theory of the cultural field, the author situates Liberator within the context of the 1960s, civil rights movement, and Black Arts movement, and analyses the magazine’s role in film culture of the era, as well as the links between the magazine and important black filmmakers and film writers. Four aspects of Liberator’s film criticism are explored: cultural memory of past representations, criticism of genre filmmaking, the need for cinematic realism, and the possibility of creating a distinct black cinema. The case study of the critic Clayton Riley’s career presents an author who wanted to continue his radical criticism in the mainstream press (The New York Times). Liberator’s legacy is framed as essential in understanding the tradition of African American film criticism.
Artykuł stanowi rekonstrukcję dyskursu krytyki filmowej w „Liberatorze” – radykalnym czasopiśmie afroamerykańskim wydawanym w latach 1961-1971. Posługując się teorią pola kulturowego Pierre’a Bourdieu, autor sytuuje „Liberatora” w kontekście lat 60., ruchu praw obywatelskich i ruchu Black Arts, a także analizuje rolę tego pisma w kulturze filmowej epoki oraz związki między magazynem a ważnymi czarnymi filmowcami i autorami tekstów o kinie. Omawia przy tym cztery aspekty publicystyki filmowej „Liberatora”: pamięć kulturową o dawnych reprezentacjach, krytykę kina gatunkowego, potrzebę realizmu filmowego oraz możliwość stworzenia odrębnego kina afroamerykańskiego. Autor skupia się także na przedstawieniu kariery krytyka Claytona Rileya, który chciał kontynuować radykalną publicystykę w prasie głównego nurtu („The New York Times”). Spuścizna „Liberatora” została przedstawiona jako kluczowa dla zrozumienia tradycji afroamerykańskiej krytyki filmowej.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2022, 120; 144-163
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 31

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies