Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "American cinema" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-10 z 31
Tytuł:
Jak wyrwać się z nostalgii [dot. P. Włodek: Kres niewinności. Obraz i upamiętnienie ery Eisenhowera w amerykańskich filmach i serialach – pomiędzy reprezentacją, nostalgią a krytycznym retro]
How to Extricate Oneself from Nostalgia [re: P. Włodek: Kres niewinności. Obraz i upamiętnienie ery Eisenhowera w amerykańskich filmach i serialach – pomiędzy reprezentacją, nostalgią a krytycznym retro]
Autorzy:
Kostyra, Karolina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/534933.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego
Tematy:
nostalgia
retro
film studies
American cinema
Opis:
The article discussesa book by Patrycja Włodek entitled Kres niewinności. Obraz i upamiętnienie ery Eisenhowera w amerykańskich filmach i serialach – pomiędzy reprezentacją, nostalgią a krytycznym retro [The End of Innocence: The image and remembrance of the Eisenhower era in American feature films and television series – between representation, nostalgia, and critical retro style]. The author of the article positions her publication amongst other film studies research devoted to “nostalgic cinema” and enters into dialogue with concepts put forward by Włodek. The polemical pendants and glosses centre on searching for currents, titles, and readings both supporting Włodek’s considerations and transcending her interpretive framework relating to retro nostalgic (cinema of the 1980s) and retro classic (the most recent films and television series).
Źródło:
Śląskie Studia Polonistyczne; 2019, 14, 2; 239-252
2084-0772
2353-0928
Pojawia się w:
Śląskie Studia Polonistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Przyszłość już była. Dystopie w najnowszym kinie science fiction Ameryki Łacińskiej
The future has already happened. Dystopias in contemporary Latin American science fiction cinema
Autorzy:
Racięski, Bolesław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1047445.pdf
Data publikacji:
2021-03-31
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
dystopia
Latin American Cinema
neocolonialism
neoliberalism
science fiction
Opis:
This paper examines the various ways in which contemporary Latin American science fiction films contest the neocolonial and neoliberal narratives, dominant in the region since the 20th century. I identify and examine strategies that filmmakers employ to challenge the common understanding of such notions as time, modernity and technological progress. I outline the visions of dystopias presented in the examined films, while also analyzing the counter-narratives introduced by filmmakers, which are mostly focused on creating a new, hybrid identity for a future citizen.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2020, 28, 37; 167-175
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Pielgrzymując do Zabriskie Point - Antonioni i sielanka zwana USA
On a Pilgrimage to Zabriskie Point - Antonioni and the Idyll Called USA
Autorzy:
Masłoń, Sławomir
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31340643.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Michelangelo Antonioni
kino amerykańskie
kontrkultura
American cinema
counterculture
Opis:
Zabriskie Point Michelangela Antonioniego – film poświęcony politycznym i kulturowym niepokojom w USA w późnych lat 60. – nie tylko był komercyjną porażką, ale również został całkowicie zniszczony przez amerykańskich (i nie tylko amerykańskich) krytyków. Masłoń stara się pokazać, że rzekomo uproszczone przedstawienie amerykańskich konfliktów, zarzucane filmowi przez jego krytyków, jest w Zabriskie Point odbiciem ahistorycznej pastoralnej ideologii, wyznawanej przez dużą część społeczeństwa amerykańskiego, którą Antonioni nie tylko przedstawia, ale również poddaje analizie. Co więcej, to, co krytycy brali za naiwną i bezpodstawną idealizację młodzieżowej kontrkultury, jeśli przyjrzeć się filmowi bliżej, okazuje się bezstronną i przenikliwą analizą mechanizmów ich fantazji oraz ich relacji z wirtualnym światem stworzonym przez media.
Michelangelo Antonioni’s Zabriskie Point (1970) – a film about political and cultural unrest in the US in the late 1960s – not only was a commercial failure, but it was also completely destroyed by American (and not only American) critics. Masłoń tries to show that the allegedly simplified representation of American conflicts that the film is accused of showing, is in the Zabriskie Point a reflection of ahistorical pastoral ideology, professed by a large part of American society, which Antonioni not only presents, but also analyses. What is more, what critics took for naive and groundless idealization of youth counter-culture, if one looks closely at the film, turns out to be an unbiased and perceptive analysis of the mechanisms of their fantasy and their relationship with the virtual world created by the media.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 8-23
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
„Życie jest cudowne” Franka Capry – paradoksy odczytań
Frank Capra’s “It’s a Wonderful Life” – the Paradoxes of Interpretations
Autorzy:
Durys, Elżbieta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342018.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Frank Capra
kino amerykańskie
sentymentalizm
American cinema
sentimentalism
Opis:
Życie jest cudowne (1946) jest obecnie filmem bodaj najbardziej znanym i niezwykle często przywoływanym w obszarze popkultury amerykańskiej. Określane jako populistyczne i sentymentalne, dzieło Franka Capry cieszy się niezwykłym zainteresowaniem wśród badaczy zarówno z obszaru szeroko rozumianych studiów kulturowych, jak i historyków oraz politologów. Celem artykułu jest wskazanie wybranych interpretacji filmu, często rozbieżnych pod względem wymowy. Przedstawienie ich ma służyć wydobyciu niuansów i odcieni znaczeniowych obrazu Życie jest cudowne, często niedostrzeganych ze względu na afektywny wymiar filmu.
It’s a Wonderful Life (1946) is perhaps the most famous and frequently cited film in the area of American pop culture. Described as populist and sentimental, the work of Frank Capra is of great interest to researchers both from the broadly defined cultural studies, as well as historians and political scientists. The aim of the article is to point out some, often divergent, interpretations of the film. Their presentation points to the nuances and shades of meaning of It’s a Wonderful Life, which often remain unseen due to the affective dimension of the film.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 6-20
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Black Lives Matter on Screen: Trauma of Witnessing Police Brutality in Contemporary American Cinema
Autorzy:
Mączko, Małgorzata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1912182.pdf
Data publikacji:
2021
Wydawca:
Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej
Tematy:
American cinema
Black Lives Matter
police brutality
trauma
witnessing
Opis:
In the years following the emergence of the Black Lives Matter movement, American cinema was looking for a way to appropriately address the issue of police brutality against people of color. Filmmakers, often inspired by real-life events, began developing stories focused on the trauma of witnessing lethal police violence. Three films released in 2018 – Blindspotting (dir. Carlos López Estrada), Monsters and Men (dir. Reinaldo Marcus Green) and The Hate U Give (dir. George Tillman Jr.)– emphasize how the aftermath of such experiences affects young people of color and their communities. This article aims to explore the role of witness testimony in trauma-centered narratives and examine how the contemporary American cinema visualizes racial trauma. To achieve that, the films will be analyzed within the context of trauma studies, including theories regarding both individual and cultural trauma. Moreover, studies focused on the socialization of Black children will help demonstrate the transgenerational impact of trauma. All three films share common motifs: they represent the psychosomatic aspects of trauma through similar cinematic techniques and see value in witness testimony, even if it requires personal sacrifices from the protagonists. They also portray parents’ worry about their children’s future within a prejudiced system and the struggle to prepare them for it. All these issues have been previously addressed in the public and academic discourse and are now being reflected in cinema. Film proves to be a suitable medium for representing trauma of witnessing police brutality and cinema will most likely remain a vital part of the debate about dismantling racist systems for years to come.
Źródło:
New Horizons in English Studies; 2021, 6; 190-204
2543-8980
Pojawia się w:
New Horizons in English Studies
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Odlot za Atlantyk. Amerykański debiut Miloša Formana
Taking Off to the Other Side of Atlantic: The American Debut of Miloš Forman
Autorzy:
Hendrykowski, Marek
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342029.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Miloš Forman
kino czeskie
kino amerykańskie
ironia
Czech cinema
American cinema
irony
Opis:
Marek Hendrykowski przeprowadza historyczną rewizję oceny Odlotu (1971) Miloša Formana, wskazując, że dzieło to należy do czołówki najwybitniejszych osiągnięć kinematografii amerykańskiej przełomu lat 60. i 70. Według autora film ten sytuuje się w kręgu krzywdząco niedocenionych zjawisk historii kina amerykańskiego. Kasowa porażka Odlotu sprawiła, że na długie lata stał się on przykładem rzekomego niedopasowania wybitnego filmowca z Europy do Nowego Świata – Ameryki i Hollywood. Hendrykowski zauważa m.in., że z dzisiejszej perspektywy dzieło Formana zdumiewa mistrzostwem warsztatowym oraz konsekwencją reżysera w przenoszeniu do nowych warunków bagażu twórczego, z którym opuścił Czechy i Europę. Podkreśla również, że niezwykłą wartością Odlotu jest nieustanna obecność w nim ironii poznawczej, charakterystycznej nie tylko dla samego Formana, ale poniekąd także dla filmów szkoły czeskiej. Autor konkluduje: Forman zainicjował „Odlotem” pewien nurt poszukiwań, który miał się stać wskazówką i dążeniem dla szeregu innych filmowców za Oceanem. Nie chodzi o takie czy inne podobieństwa, nawiązania czy zapożyczenia stylistyczne, lecz o nowatorski model niebanalnego kina fikcji i wpisany weń makroobraz rzeczywistości.
Marek Hendrykowski carries out a reassessment of Taking Off (1971) by Milos Forman, and argues that the film belongs among the top films of American cinematography of the 1960s and 1970s. According to the author the film situates itself in a circle of unjustly underrated phenomena of the history of American cinema. The box office failure of the Taking Off meant that for years the film was set as an example of alleged mismatch of prominent European filmmaker and the New World – America and Hollywood. Hendrykowski notes that from today’s perspective Forman’s work is astounding in terms of workshop and the director’s insistence at transferring his creative character from Czechoslovakia and Europe to America. He also points out to the importance of cognitive irony present throughout Taking Off, which is characteristic to Forman and other members of the Czech school of film. The author concludes: by “Taking Off” Forman initiated a new direction in research, which was to become a new signpost and aim for many other filmmakers on the other side of the ocean. It is not a question of similarities, references or stylistic borrowings, but an original model of feature film and the image of reality contained within.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 193-200
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Samochód jako rekwizyt – ekranowe wizerunki dodge’a chargera
The car as a prop – on-screen images of the Dodge Charger
Autorzy:
Czaja, Justyna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/32062532.pdf
Data publikacji:
2023
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
prop
American Cinema
car
Dodge Charger
rekwizyt
kino amerykańskie
samochód
Opis:
The car is a popular prop used in the cinema to create film reality. On the screen it functions not only as a physical object, an element of the depicted world, but also as a representation, imagination, myth. The aim of the article is to analyze various ways of using a car (the Dodge Charger, considered an icon of the automotive industry, the most popular American muscle car) as a film prop in a Hollywood cinema, a description of its various functions, meanings and meanings assigned to it – literal and symbolic.
Źródło:
Przestrzenie Teorii; 2023, 40; 205-223
2450-5765
Pojawia się w:
Przestrzenie Teorii
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Motyw „oblężonego domu” jako topos amerykańskiego kina w kontekście rozważań na temat remake’ów, sequeli, prequeli i hidden-remake’ów
The Theme of a “Besieged House” as a Topos in American Cinema in the Context of a Discussion on Remakes, Sequels, Prequels, and Hidden-Remakes
Autorzy:
Kletowski, Piotr
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341420.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
oblężony dom
remake
wspólnota
kino amerykańskie
besieged house
community
American cinema
Opis:
Odwołując się do klasycznych teorii antropologicznych rozpatrujących symboliczny wymiar relacji proksemicznych (S. Kracauer, M. Lurker), autor analizuje motyw „oblężonego domu” jako typowy dla amerykańskiej kinematografii od czasu realizacji Narodzin narodu (1915) Griffitha aż do dziś (współczesne kino akcji, klaustrofobiczne thrillery science fiction, jak Cloverfield Lane 10 /2016/ Dona Trachtenberga). Autor stawia tezę, że filmy podejmujące ten motyw odbijają w bezpośredni bądź metaforyczny sposób aktualną sytuację społeczno-polityczną amerykańskiego społeczeństwa, które jako zbiorowość postrzega się – zwłaszcza w momentach przesileń i kryzysów – jako zagrożoną wspólnotę umiejscowioną w zamkniętej przestrzeni, a przestrzeń ta staje się bronioną za wszelką cenę twierdzą. Motyw ten – wykorzystywany i przetwarzany przez takich reżyserów, jak H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan – powoduje, że wiele z oryginalnych filmów podejmujących ten temat staje się podstawą do licznych nawiązań, przeróbek i hidden-remake’ów (czyli filmów, które w sposób widoczny są przetworzeniem już istniejących filmów, ale z różnych przyczyn – zwykle związanych z prawami autorskimi – nie mogą uchodzić za prawdziwe remaki).
Referring to classical anthropological theories of the symbolic dimension of proxemic relations (S. Kracauer, M. Lurker), the author analyses the motif of the “besieged house” as typical of American cinema since Griffith’s The Birth of a Nation (1915) to this day (modern action cinema, claustrophobic sci-fi thrillers like Cloverfield Lane 10 /2016/ by Don Trachtenberg). The author argues that the films that take up this motif reflect in a direct or metaphorical way the current socio-political situation of American society, which - as a collective - during moments of crisis, perceives itself as a threatened community in a confined space, which space becomes a besieged fortress to be defended at all cost. This motif - used and transformed by directors such as H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan - made many original films dealing with this topic the basis of numerous references, alterations and hidden remakes (that is films, which are obviously new versions of already existing films, but for various reasons, usually connected with copyright, cannot be considered to be true remakes).
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 97-98; 154-168
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Bezdroża i długie trwanie filmu „noir”
Detours and the Longue Durée of Film “Noir”
Autorzy:
Smoliński, Sebastian
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/24938783.pdf
Data publikacji:
2023
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
film amerykański
film noir
femme fatale
homme fatale
postmodernizm
American cinema
postmodernism
Opis:
Książka Patrycji Włodek „Wszystko noir?”. O inspiracjach i wariantach – życie po życiu film noir (2022) jest analizą wybranych aspektów czarnego kryminału łączącą refleksję nad kinem klasycznym z omówieniem najnowszych dzieł gatunku. Autorka ogranicza perspektywę do kina amerykańskiego i szuka powtarzalnych tropów (np. femme fatale i homme fatale) oraz przykładów tematycznego i narracyjnego wykorzystania pojęcia gaslighting. Na szczególną uwagę zasługują rozważania autorki o filmie noir jako nurcie osadzonym w konkretnych przestrzeniach (np. rural-noir, Cal-noir) i podatnym na mariaż z innymi podgatunkami (stoner noir). Ograniczenie pola badań do kina amerykańskiego uniemożliwia jednak głębsze osadzenie filmu noir w kontekście globalnym. Włodek nie stawia przy tym pytania o przyczyny niesłabnącej popularności czarnych kryminałów i ich dzisiejszą funkcję kulturową oraz ideologiczną. Wartością pracy jest jednak odwołanie się do licznych dzieł spoza kanonu filmu noir.
Patrycja Włodek’s book “Wszystko noir?”. O inspiracjach i wariantach – życie po życiu film noir [“Everything Noir?”: On Inspirations and Variants – Life after Life of Film Noir] (2022) is an analysis of selected figures and aspects of film noir, combining a reflection on classic cinema with a discussion of recent works in the genre. The author limits her perspective to American cinema and looks for recurring tropes (e.g., femme fatale and homme fatale), as well as examples of thematic and narrative use of the concept of gaslighting. Particularly noteworthy is the author’s consideration of film noir as a trend embedded in specific spaces (e.g., rural-noir, Cal-noir) and open to merge with other subgenres (stoner noir). However, limiting the field of study to American cinema prevents the analysis of film noir from being more deeply embedded in a global context. At the same time, the author does not question the enduring popularity of crime thrillers and the cultural and ideological function they serve today. The book’s value, however, is its reference to a rich array of works outside the film noir canon.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2023, 123; 240-246
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Dyskretny urok „populuxe” – intertekstualne wędrówki scen z „Design for Dreaming”
The Discreet Charm of “Populuxe” – Intertextual Wanderings of Scenes From “Design for Dreaming”
Autorzy:
Michnik, Antoni
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341429.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
kino amerykańskie
David Bowie
William H. Beaudine
populuxe
Svetlana Boym
American cinema
Opis:
Autor bada intertekstualne wędrówki fragmentów filmu krótkometrażowego Design for Dreaming Williama H. Beaudine’a (1964), zrealizowanego dla General Motors. Opisuje amerykańskie krótkometrażowe filmy przemysłowe z lat 50. i 60., a następnie – wychodząc od teledysku Davida Malleta do utworu Hello Spaceboy Davida Bowiego – śledzi wędrówki scen z Design for Dreaming po różnych obszarach kultury wizualnej (reklamach, wideoklipach, serialach, filmach pełnometrażowych). Ramę dla tekstu stanowi kategoria estetyki „populuxe” zaproponowana przez Thomasa Hine’a oraz rozważania Svetlany Boym na temat nostalgii.
The author examines the inter-textual wanderings of fragments of William H. Beaudine’s Design for Dreaming (1964), produced for General Motors. He describes American short industrial films of the 1950s and 1960s, and then - starting with the David Mallet music video for David Bowie’s Hello Spaceboy - he traces the scenes from Design for Dreaming in various areas of visual culture (commercials, videoclips, series, feature films). The category of “populuxe” aesthetics created by Thomas Hine and Svetlana Boym’s reflections on nostalgia form a theoretical framework for this article.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 97-98; 212-224
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-10 z 31

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies