Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "American cinema" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
    Wyświetlanie 1-11 z 11
    Tytuł:
    Pielgrzymując do Zabriskie Point - Antonioni i sielanka zwana USA
    On a Pilgrimage to Zabriskie Point - Antonioni and the Idyll Called USA
    Autorzy:
    Masłoń, Sławomir
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340643.pdf
    Data publikacji:
    2019
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Michelangelo Antonioni
    kino amerykańskie
    kontrkultura
    American cinema
    counterculture
    Opis:
    Zabriskie Point Michelangela Antonioniego – film poświęcony politycznym i kulturowym niepokojom w USA w późnych lat 60. – nie tylko był komercyjną porażką, ale również został całkowicie zniszczony przez amerykańskich (i nie tylko amerykańskich) krytyków. Masłoń stara się pokazać, że rzekomo uproszczone przedstawienie amerykańskich konfliktów, zarzucane filmowi przez jego krytyków, jest w Zabriskie Point odbiciem ahistorycznej pastoralnej ideologii, wyznawanej przez dużą część społeczeństwa amerykańskiego, którą Antonioni nie tylko przedstawia, ale również poddaje analizie. Co więcej, to, co krytycy brali za naiwną i bezpodstawną idealizację młodzieżowej kontrkultury, jeśli przyjrzeć się filmowi bliżej, okazuje się bezstronną i przenikliwą analizą mechanizmów ich fantazji oraz ich relacji z wirtualnym światem stworzonym przez media.
    Michelangelo Antonioni’s Zabriskie Point (1970) – a film about political and cultural unrest in the US in the late 1960s – not only was a commercial failure, but it was also completely destroyed by American (and not only American) critics. Masłoń tries to show that the allegedly simplified representation of American conflicts that the film is accused of showing, is in the Zabriskie Point a reflection of ahistorical pastoral ideology, professed by a large part of American society, which Antonioni not only presents, but also analyses. What is more, what critics took for naive and groundless idealization of youth counter-culture, if one looks closely at the film, turns out to be an unbiased and perceptive analysis of the mechanisms of their fantasy and their relationship with the virtual world created by the media.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 8-23
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    „Życie jest cudowne” Franka Capry – paradoksy odczytań
    Frank Capra’s “It’s a Wonderful Life” – the Paradoxes of Interpretations
    Autorzy:
    Durys, Elżbieta
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31342018.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Frank Capra
    kino amerykańskie
    sentymentalizm
    American cinema
    sentimentalism
    Opis:
    Życie jest cudowne (1946) jest obecnie filmem bodaj najbardziej znanym i niezwykle często przywoływanym w obszarze popkultury amerykańskiej. Określane jako populistyczne i sentymentalne, dzieło Franka Capry cieszy się niezwykłym zainteresowaniem wśród badaczy zarówno z obszaru szeroko rozumianych studiów kulturowych, jak i historyków oraz politologów. Celem artykułu jest wskazanie wybranych interpretacji filmu, często rozbieżnych pod względem wymowy. Przedstawienie ich ma służyć wydobyciu niuansów i odcieni znaczeniowych obrazu Życie jest cudowne, często niedostrzeganych ze względu na afektywny wymiar filmu.
    It’s a Wonderful Life (1946) is perhaps the most famous and frequently cited film in the area of American pop culture. Described as populist and sentimental, the work of Frank Capra is of great interest to researchers both from the broadly defined cultural studies, as well as historians and political scientists. The aim of the article is to point out some, often divergent, interpretations of the film. Their presentation points to the nuances and shades of meaning of It’s a Wonderful Life, which often remain unseen due to the affective dimension of the film.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 6-20
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Odlot za Atlantyk. Amerykański debiut Miloša Formana
    Taking Off to the Other Side of Atlantic: The American Debut of Miloš Forman
    Autorzy:
    Hendrykowski, Marek
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31342029.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Miloš Forman
    kino czeskie
    kino amerykańskie
    ironia
    Czech cinema
    American cinema
    irony
    Opis:
    Marek Hendrykowski przeprowadza historyczną rewizję oceny Odlotu (1971) Miloša Formana, wskazując, że dzieło to należy do czołówki najwybitniejszych osiągnięć kinematografii amerykańskiej przełomu lat 60. i 70. Według autora film ten sytuuje się w kręgu krzywdząco niedocenionych zjawisk historii kina amerykańskiego. Kasowa porażka Odlotu sprawiła, że na długie lata stał się on przykładem rzekomego niedopasowania wybitnego filmowca z Europy do Nowego Świata – Ameryki i Hollywood. Hendrykowski zauważa m.in., że z dzisiejszej perspektywy dzieło Formana zdumiewa mistrzostwem warsztatowym oraz konsekwencją reżysera w przenoszeniu do nowych warunków bagażu twórczego, z którym opuścił Czechy i Europę. Podkreśla również, że niezwykłą wartością Odlotu jest nieustanna obecność w nim ironii poznawczej, charakterystycznej nie tylko dla samego Formana, ale poniekąd także dla filmów szkoły czeskiej. Autor konkluduje: Forman zainicjował „Odlotem” pewien nurt poszukiwań, który miał się stać wskazówką i dążeniem dla szeregu innych filmowców za Oceanem. Nie chodzi o takie czy inne podobieństwa, nawiązania czy zapożyczenia stylistyczne, lecz o nowatorski model niebanalnego kina fikcji i wpisany weń makroobraz rzeczywistości.
    Marek Hendrykowski carries out a reassessment of Taking Off (1971) by Milos Forman, and argues that the film belongs among the top films of American cinematography of the 1960s and 1970s. According to the author the film situates itself in a circle of unjustly underrated phenomena of the history of American cinema. The box office failure of the Taking Off meant that for years the film was set as an example of alleged mismatch of prominent European filmmaker and the New World – America and Hollywood. Hendrykowski notes that from today’s perspective Forman’s work is astounding in terms of workshop and the director’s insistence at transferring his creative character from Czechoslovakia and Europe to America. He also points out to the importance of cognitive irony present throughout Taking Off, which is characteristic to Forman and other members of the Czech school of film. The author concludes: by “Taking Off” Forman initiated a new direction in research, which was to become a new signpost and aim for many other filmmakers on the other side of the ocean. It is not a question of similarities, references or stylistic borrowings, but an original model of feature film and the image of reality contained within.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 193-200
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Samochód jako rekwizyt – ekranowe wizerunki dodge’a chargera
    The car as a prop – on-screen images of the Dodge Charger
    Autorzy:
    Czaja, Justyna
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/32062532.pdf
    Data publikacji:
    2023
    Wydawca:
    Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
    Tematy:
    prop
    American Cinema
    car
    Dodge Charger
    rekwizyt
    kino amerykańskie
    samochód
    Opis:
    The car is a popular prop used in the cinema to create film reality. On the screen it functions not only as a physical object, an element of the depicted world, but also as a representation, imagination, myth. The aim of the article is to analyze various ways of using a car (the Dodge Charger, considered an icon of the automotive industry, the most popular American muscle car) as a film prop in a Hollywood cinema, a description of its various functions, meanings and meanings assigned to it – literal and symbolic.
    Źródło:
    Przestrzenie Teorii; 2023, 40; 205-223
    2450-5765
    Pojawia się w:
    Przestrzenie Teorii
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Motyw „oblężonego domu” jako topos amerykańskiego kina w kontekście rozważań na temat remake’ów, sequeli, prequeli i hidden-remake’ów
    The Theme of a “Besieged House” as a Topos in American Cinema in the Context of a Discussion on Remakes, Sequels, Prequels, and Hidden-Remakes
    Autorzy:
    Kletowski, Piotr
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341420.pdf
    Data publikacji:
    2017
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    oblężony dom
    remake
    wspólnota
    kino amerykańskie
    besieged house
    community
    American cinema
    Opis:
    Odwołując się do klasycznych teorii antropologicznych rozpatrujących symboliczny wymiar relacji proksemicznych (S. Kracauer, M. Lurker), autor analizuje motyw „oblężonego domu” jako typowy dla amerykańskiej kinematografii od czasu realizacji Narodzin narodu (1915) Griffitha aż do dziś (współczesne kino akcji, klaustrofobiczne thrillery science fiction, jak Cloverfield Lane 10 /2016/ Dona Trachtenberga). Autor stawia tezę, że filmy podejmujące ten motyw odbijają w bezpośredni bądź metaforyczny sposób aktualną sytuację społeczno-polityczną amerykańskiego społeczeństwa, które jako zbiorowość postrzega się – zwłaszcza w momentach przesileń i kryzysów – jako zagrożoną wspólnotę umiejscowioną w zamkniętej przestrzeni, a przestrzeń ta staje się bronioną za wszelką cenę twierdzą. Motyw ten – wykorzystywany i przetwarzany przez takich reżyserów, jak H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan – powoduje, że wiele z oryginalnych filmów podejmujących ten temat staje się podstawą do licznych nawiązań, przeróbek i hidden-remake’ów (czyli filmów, które w sposób widoczny są przetworzeniem już istniejących filmów, ale z różnych przyczyn – zwykle związanych z prawami autorskimi – nie mogą uchodzić za prawdziwe remaki).
    Referring to classical anthropological theories of the symbolic dimension of proxemic relations (S. Kracauer, M. Lurker), the author analyses the motif of the “besieged house” as typical of American cinema since Griffith’s The Birth of a Nation (1915) to this day (modern action cinema, claustrophobic sci-fi thrillers like Cloverfield Lane 10 /2016/ by Don Trachtenberg). The author argues that the films that take up this motif reflect in a direct or metaphorical way the current socio-political situation of American society, which - as a collective - during moments of crisis, perceives itself as a threatened community in a confined space, which space becomes a besieged fortress to be defended at all cost. This motif - used and transformed by directors such as H. Hawks, S. Peckinpah, G. A. Romero, J. Carpenter, J. McTiernan - made many original films dealing with this topic the basis of numerous references, alterations and hidden remakes (that is films, which are obviously new versions of already existing films, but for various reasons, usually connected with copyright, cannot be considered to be true remakes).
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2017, 97-98; 154-168
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Dyskretny urok „populuxe” – intertekstualne wędrówki scen z „Design for Dreaming”
    The Discreet Charm of “Populuxe” – Intertextual Wanderings of Scenes From “Design for Dreaming”
    Autorzy:
    Michnik, Antoni
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341429.pdf
    Data publikacji:
    2017
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    kino amerykańskie
    David Bowie
    William H. Beaudine
    populuxe
    Svetlana Boym
    American cinema
    Opis:
    Autor bada intertekstualne wędrówki fragmentów filmu krótkometrażowego Design for Dreaming Williama H. Beaudine’a (1964), zrealizowanego dla General Motors. Opisuje amerykańskie krótkometrażowe filmy przemysłowe z lat 50. i 60., a następnie – wychodząc od teledysku Davida Malleta do utworu Hello Spaceboy Davida Bowiego – śledzi wędrówki scen z Design for Dreaming po różnych obszarach kultury wizualnej (reklamach, wideoklipach, serialach, filmach pełnometrażowych). Ramę dla tekstu stanowi kategoria estetyki „populuxe” zaproponowana przez Thomasa Hine’a oraz rozważania Svetlany Boym na temat nostalgii.
    The author examines the inter-textual wanderings of fragments of William H. Beaudine’s Design for Dreaming (1964), produced for General Motors. He describes American short industrial films of the 1950s and 1960s, and then - starting with the David Mallet music video for David Bowie’s Hello Spaceboy - he traces the scenes from Design for Dreaming in various areas of visual culture (commercials, videoclips, series, feature films). The category of “populuxe” aesthetics created by Thomas Hine and Svetlana Boym’s reflections on nostalgia form a theoretical framework for this article.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2017, 97-98; 212-224
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Rock’n’roll i „nowe stracone pokolenie” amerykańskiego kina
    Rock’n’Roll and the “New Lost Generation” of American Cinema
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31342089.pdf
    Data publikacji:
    2015
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    rock’n’roll
    kino amerykańskie
    bunt
    młode pokolenie
    American cinema
    rebellion
    young generation
    Opis:
    Rock’n’roll stał się kulturowym i popkulturowym fenomenem lat 50. w Stanach Zjednoczonych, nie tylko rewolucjonizując scenę muzyczną, ale i wywierając głęboki wpływ na kinematografię. Zarówno wielkie studia, jak i producenci niezależni chcieli skapitalizować jego bezprecedensowy oddźwięk, zwłaszcza wśród nastoletniej publiczności. Rewolucyjny i subwersywny potencjał rock’n’rolla, opór starszej generacji, jego natychmiastowe powiązanie w społecznym odbiorze z buntem i przestępczością młodocianych sprawiły, że powstające filmy, manewrując między cenzurą i moralną paniką a hołdowaniem „nastokulturze”, stanowią do dziś interesujący przedmiot analizy osadzającej fenomeny muzyczne i kinematograficzne w kontekście społecznym.
    Rock’n’roll became a cultural and popcultural phenomenon of the 1950s. It not only revolutionised the music scene in the United States, but also exerted a profound influence on the cinema. Both major studios and independent producers wanted to capitalise on the unprecedented response, especially among teenage audiences. The revolutionary and the subversive potential of rock’n’roll, the resistance of the older generation, and the immediate association in its social perception with rebellion and juvenile delinquency led to the resulting films maneuvering between censorship, moral panic and the admiration of “teenculture”. Today they represent an interesting object of analysis embedding musical and cinematographic phenomena in a social context.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2015, 91; 6-19
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Na postmodernistycznej autostradzie. „Urodzeni mordercy” po latach
    On a Postmodern Highway. „Natural Born Killers” Years Later
    Autorzy:
    Birkholc, Robert
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340638.pdf
    Data publikacji:
    2019
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Oliver Stone
    kino amerykańskie
    kino drogi
    fokalizacja
    neotelewizja
    American cinema
    road movies
    focalization
    neo-television
    Opis:
    Artykuł został poświęcony zabiegom narracyjnym zastosowanym przez Olivera Stone’a w Urodzonych mordercach (1994). Autor opisuje, w jaki sposób Stone podważa konwencję tradycyjnego kina drogi oraz schemat podróży inicjacyjnej. Ponadto Birkholc stawia tezę, że pełna intertekstualnych, stylistycznych i gatunkowych nawiązań narracja filmu jest motywowana subiektywnie „wrażliwością” bohaterów, która została ukształtowana przez neotelewizję. Stone posługuje się przy tym bardzo szczególną formą fokalizacji, uwydatniającą medialne zapośredniczenia świadomości postaci i – co za tym idzie – kwestionującą obraz wolnego oraz niezależnego podmiotu. Pełna sprzeczności strategia twórcy, próbującego opisać fundamentalne przemiany kulturowo-społeczne, sprawia, że Urodzeni mordercy są wyjątkowo intrygującym zapisem ambiwalentnego doświadczenia kultury amerykańskiej w dobie neotelewizji.
    The article is devoted to narrative techniques used by Oliver Stone in Natural Born Killers (1994). The author describes how Stone undermines the convention of traditional road cinema and the scheme of initiation journey. In addition, Birkholc argues that the narrative of the film, full of intertextual, stylistic and genre references, is subjectively motivated by the “sensitivity” of the characters, which was shaped by neo-television. Stone uses a very special form of focalization, which is emphasizing the media mediation of the character’s consciousness and – thus –  questioning the image of a free and independent subject. The contradictory strategy of the creator, trying to describe the fundamental cultural and social changes, makes the Natural Born Killers an extremely intriguing record of the ambivalent experience of American culture in the era of neo-television.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 37-50
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Historia kina nie musi być historią arcydzieł
    The History of Cinema Does Not Have to Be a History of Masterpieces
    Autorzy:
    Fortuna Jr., Grzegorz
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/26850852.pdf
    Data publikacji:
    2022
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    kino amerykańskie
    kino eksploatacji
    blaxploitation
    produkcja filmowa
    dystrybucja filmowa
    American cinema
    exploitation film
    film production
    film distribution
    Opis:
    Książki Jacka Rokosza Stracone dusze (2017) oraz Nadzy i rozszarpani (2021) szczegółowo opisują historię amerykańskiego kina eksploatacji lat, odpowiednio, 1929–1959 i 1960–1980. Autor ukazuje kontekst społeczny, polityczny i kulturalny omawianego kina, a także drobiazgowo opisuje produkcyjne i dystrybucyjne uwarunkowania powstających wówczas filmów. Dwutomowa, licząca ponad siedemset stron, utrzymana w duchu Nowej Historii Kina publikacja jest monografią pionierską na polskim rynku wydawnictw filmoznawczych, bowiem porusza tematy niechętnie podejmowane przez rodzimych filmoznawców.
    Jacek Rokosz’s books Stracone dusze [Lost Souls] (2017) and Nadzy i rozszarpani [Naked and Torn Apart] (2021) describe in detail the history of American exploitation cinema in 1929-1959 and 1960-1980, respectively. The author shows the social, political and cultural context of the cinema in question, and describes in detail the production and distribution strategies of producers working in that industry. The two-volume, over seven-hundred-page-long publication in the spirit of New Cinema History is a pioneering monograph with regard to film studies publishing in Poland, as it deals with topics reluctantly taken up by Polish scholars.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2022, 118; 180-186
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Podróż do emancypacji. O ambiwalentnym znaczeniu motywu drogi na przykładzie tematu rasy w kinie amerykańskim
    Journey to Emancipation. On the Ambivalent Meaning of the Motif of the Road Using the Example of the Theme of Race in American Cinema
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340640.pdf
    Data publikacji:
    2019
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    kino amerykańskie
    kino drogi
    prawa obywatelskie
    relacje rasowe
    rasa
    American cinema
    road movies
    race
    civil rights
    racial relations
    Opis:
    Motyw podróży zalicza się zarówno do najbardziej uniwersalnych w tekstach kultury en bloc, jak i szczególnie chętnie aktualizowanych w kulturze amerykańskiej. Jest w niej chętnie łączony z kategoriami postępu i emancypacji, nie tylko społecznych, ale też indywidualnych. Dlatego w amerykańską drogę często ruszają postaci w jakiś sposób wykluczone bądź nieuprzywilejowane. Oczywistość zestawienia podróży i emancypacji jest jednak problematyczna w kinie głównego nurtu podejmującego temat relacji rasowych od lat 50., przez 80., aż po współczesność. Akurat w tych trzech momentach filmowcy hollywoodzcy ze zwiększoną intensywnością sięgali właśnie po te tematy, wpisując je zarówno w dystynktywne zjawiska filmowe (np. civil rights cinema), jak i w topos podróży.  
    The theme of travel belongs to both the most universal in cultural texts en bloc, and those readily updated in American culture. There it is eagerly combined with categories of progress and emancipation, not only social but also individual. That is why characters in some way excluded or underprivileged often set off on the American road. The obviousness of the juxtaposition of journey and emancipation, however, is problematic in mainstream cinema dealing with the topic of racial relations from the 1950s, through the 1980s to the present day. In those three moments, Hollywood film-makers reached for these themes with greater intensity, placing them within distinctive film phenomena (e.g. civil rights cinema), as well as in travel topos.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 24-36
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Amerykańskie przedmieścia w cieniu wielkiego miasta
    American Suburbs in the Long Shadow of the Big City
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341126.pdf
    Data publikacji:
    2020
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    kino amerykańskie
    przedmieścia
    urbanistyka
    terytorium symboliczne
    ideologia
    kapitalizm
    American cinema
    suburbs
    urban planning
    symbolic territory
    ideology
    capitalism
    Opis:
    Przedmieścia to Rosja, tylko że z pieniędzmi – ten żart przytoczony przez Williama H. Whyte’a w słynnej książce The Organization Man wskazuje na co najmniej ambiwalentny status dzielnic podmiejskich, obecny także w reprezentacjach kulturowych. Z jednej strony suburbia pozostają faktem urbanistycznym, z drugiej – niemal od razu stały się przestrzenią w równym stopniu namacalną, jak i symboliczną oraz mityczną, mikrokosmosem całego społeczeństwa oraz zideologizowaną metonimią znacznie szerszych pojęć kluczowych dla powojennej Ameryki, takich jak naród, kapitalizm, bezpieczeństwo, pax Americana. W swym tekście autorka koncentruje się na mechanizmach oraz przyczynach wytwarzania przez kino przedmieść jako terytorium symbolicznego, stawiając pytanie o to, skąd w amerykańskim imaginarium wzięły się suburbia i poszukując jej w kolejnych epokach reprezentacji, od okresu powojennego po współczesność, w wymiarze synchronicznym i diachronicznym.
    Suburbs are “a Russia, only with money” – the joke quoted by William H. Whyte in The Organization Man points to the ambivalent status of suburban districts, noticeable also in their cultural representations. On the one hand, suburbia are simply a way of spatial planning, on the other – this particular space has always been as tangible as symbolic and mythical. They serve as a microcosm and metonymy of ideas crucial for post-war America, such as nation, capitalism, security, pax Americana. The article focuses on the mechanisms and reasons (considered both synchronically and diachronically) for the very existence of the movie-made American suburbia seen as symbolic territories.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2020, 109; 121-136
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
      Wyświetlanie 1-11 z 11

      Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies