Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "autorskie" wg kryterium: Wszystkie pola

  Lista filtrów
Wyrównaj
    Wyświetlanie 1-5 z 5
    Tytuł:
    Przygoda człowieka myślącego
    An Adventure of a Thinking Person
    Autorzy:
    Maciejewski, Łukasz
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341622.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Barbara Hollender
    kino polskie
    kino autorskie
    Polish cinema
    author cinema
    Opis:
    Recenzja dwóch tomów z serii Barbary Hollender o polskich reżyserach (tom trzeci w przygotowaniu). W pracach Od Wajdy do Komasy (2014) oraz Od Kutza do Czekaja (2016) autorka przybliża pięćdziesiąt portretów reżyserskich reprezentujących różne pokolenia – od nestorów i klasyków polskiego kina po najmłodszych filmowców. Struktura esejów jest podobna. Hollender opisuje drogę twórczą każdego bohatera, zestawiając cytaty z licznych rozmów z analizami wybranych tytułów, kontekstami socjologicznymi i obyczajowymi. To zarazem kronika polskiego kina i jego koryfeuszy – z Hasem, Wajdą, Kutzem, Zanussim, Kawalerowiczem na czele. Pasjonujące są jednak również opowieści najmłodszych bohaterów: Szumowskiej, Czekaja czy Komasy. Dorastali oni w innym okresie, mają odmienne plany na przyszłość i marzenia, jednak podobnie jak ich mistrzowie chcą tworzyć, pracować, wierzą w spełnienie. Bohaterów książek Hollender dzieli zatem niemal wszystko – temperament artystyczny, ambicje, poglądy na rzeczywistość, wreszcie dorobek. Łączy zaś jedno – pasja tworzenia. Wszyscy mieszkamy w kinie – podkreśla Filip Bajon.
    A book review of two volumes from Barbara Hollender’s series on Polish film directors (the third volume is being prepared). In the volumes Od Wajdy do Komasy [From Wajda to Komasa] (2014) and Od Kutza do Czekaja [From Kutz to Czekaj] (2016) the author presents fifty portraits of directors representing various generations – from the masters and classics of the Polish cinema to the youngest of filmmakers. She maintains a similar structure in all the essays. Hollender describes the creative path of each director, she presents quotes from numerous interviews together with analysis of chosen titles, sociological and cultural contexts. It is also a chronicle of Polish cinema and its coryphes – with Has, Wajda, Kutz, Zanussi and Kawalerowicz at the helm. However the stories of the younger directors are also fascinating: Szumowska, Czekaj or Komasa. They grew up in a different era, and have different dreams and plans for the future, but just like their masters they want to create and work, and they believe in professional fulfilment. So the people portrayed by Hollender are different in almost every respect – artistic temperament, ambition, views on reality, and finally achievements. But they do share one thing – a creative passion. As Filip Bajon emphasises: We all live in the cinema.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 96; 238-243
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Transgresyjna wrażliwość François Ozona
    Transgressive Sensitivity of François Ozon
    Autorzy:
    Szponar, Ewa
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341015.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    François Ozon
    kino autorskie
    francuski ekstremizm
    kamp
    kino transgresji
    ciało
    płeć
    auteur cinema
    French extremism
    camp
    transgression cinema
    body
    gender
    Opis:
    François Ozon należy do najbardziej rozpoznawalnych europejskich reżyserów. Jego dzieło wpisuje się zaś w rejestr motywów i tendencji określających współczesne kino francuskie: od tradycji cinéma d’auteur przez cinéma du corps i nową francuską ekstremę po kino queer. Jako autor nowej generacji Ozon meandruje między kinem artystycznym a komercyjnym – obszarami, których rozłączność legitymizowała do tej pory praktyki teorii autorskiej. Za kardynalną cechę eklektycznego i postmodernistycznego stylu Ozona można uznać posługiwanie się różnorodnością filmowych konwencji i tworzenie nowych hybrydycznych form. U podstaw większości jego filmów leży zaś wrażliwość melodramatyczna i estetyka kampu. O autorskim charakterze jego dzieł świadczy także zestaw tropów czy obsesji, które powracają w większości jego filmów: temat rodziny, zazwyczaj ujmowany przewrotnie czy wręcz perwersyjnie, a także kwestia genderowej i seksualnej labilności, sondowania, podważania i zacierania różnic oraz ról płciowych, a w szerszym ujęciu – traktowanie płci i ciała jako transgresyjnej drogi samopoznania.
    François Ozon is one of the most recognizable European directors. His work fits in with the register of motifs and trends that define contemporary French cinema: from the tradition of cinema d’auteur through cinema du corps and the new French extreme, and the queer cinema. As an author of a new generation, Ozon meanders between artistic and com- mercial cinema - the areas whose separateness has so far legitimized the practice of the auteur theory. The use of diverse film conventions and the creation of new hybrid forms can be considered as a cardinal feature of Ozon’s eclectic and postmodernist style. At the heart of most of his films lies the melodramatic sensitivity and camp aesthetics. The original character of his works is also evidenced by a set of themes or obsessions that return in most of his films: family theme, usually perverse or even perfidious, as well as the issue of gender and sexual lability, probing, undermining and blurring gender differences and roles, and in a broader sense - treating sex and the body as a transgressive path of self-discovery.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2018, 101-102; 231-248
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Autorzy i gatunki kina epoki nowofalowej
    The Authors and Genres of New Wave Cinema
    Autorzy:
    Kempna-Pieniążek, Magdalena
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31342050.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    historia filmu
    nowa fala
    kino autorskie
    kino gatunków
    film history
    New Wave
    author cinema
    genre cinema
    Opis:
    Autorzy trzeciego tomu Historii kina (2015) pod redakcją Tadeusza Lubelskiego, Iwony Sowińskiej i Rafała Syski kreślą panoramę kina epoki nowofalowej jako obszaru poetyk autorskich, a zarazem uniwersum nieustannie ewoluujących gatunków filmowych. Większość badaczy snujących w Kinie epoki nowofalowej refleksje o dziełach mistrzów kina z powodzeniem realizuje interpretacyjny paradygmat, zgodnie z którym poprzez autorów wypowiada się kultura Nawet tam, gdzie perspektywa autorska osiąga swoje granice, interpretatorzy „czytają” poszczególne gatunki przez pryzmat związanych z nimi osobowości twórczych. Relację „autorzy – gatunki” w kontekście trzeciego tomu Historii kina można byłoby również ująć jako opozycję „kino artystyczne – kino komercyjne”. Istotny wydaje się przy tym mający miejsce w epoce nowofalowej rozkwit kinematografii narodowych oraz pojawienie się perspektywy postkolonialnej, która z sukcesem została włączona do koncepcji tomu.
    The authors of the Kino epoki nowofalowej [Cinema of the New Wave Era], third volume of the Historia kina [History of the Cinema] (2015) edited by Tadeusz Lubelski, Iwona Sowińska and Rafał Syska draw a panorama of the New Wave era of cinema as an area of artistic poetics, and at the same time a universe of ever evolving cinema genres. Most researchers writing in this volume on the work of masters of the cinema, successfully realise the interpretative paradigm, according to which it is culture that speaks through the authors. Even there, where the author’s perspective reaches its limits, interpreters “read” particular genres through the prism of creative Personalities associated with them. The “author – genre” relationship in the context of the third volume of the History of the Cinema can also be seen as an opposition between artistic and commercial cinema. What seems significant in the New Wave era is the flourishing of national cinematographies and the appearance of post-colonial perspective, which was successfully incorporated into the volume.  
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 289-295
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Opowieści smartfonowe: strategie autorskie w filmach Rubena Östlunda
    Smartphone Stories: Author’s Strategies in the Films of Ruben Östlund
    Autorzy:
    Konefał, Sebastian Jakub
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341019.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Ruben Östlund
    kino szwedzkie
    państwo opiekuńcze
    neoliberalna polityka
    Swedish cinema
    welfare state
    neo-liberal policy
    Opis:
    Twórczość filmowa Rubena Östlunda wydaje się jedną z najciekawszych egzemplifikacji zmian systemowych, tematycznych oraz formalnych, jakie zaszły w kinie szwedzkim w XXI w. Obrazy reżysera Turysty i The Square zaburzają percepcyjne przyzwyczajenia widzów, wymykając się łatwym klasyfikacjom filmoznawczym i celnie komentując wiele z aktualnych problemów. Swoją liminalną formą nie tylko odsłaniają niewystarczalność myślenia o współczesnym świecie i twórczości filmowej w binarnych kategoriach, lecz również skłaniają do uznania relatywności popularnych sądów, przekonań i metodologii. Co więcej, dzięki płynności formy i wieloznacznej tematyce interpretacje twórczości Östlunda nie ograniczają się jedynie do voyeurystycznych prób przyglądania się banalności i nieszczerości ludzkich zachowań oraz krytyki szwedzkiego systemu państwa opiekuńczego i neoliberalnej polityki Unii Europejskiej. Przy dokładniejszej analizie mogą bowiem również podążać w kierunku bardziej intymnych form filozoficznego namysłu nad duchową i intelektualną kondycją współczesnego człowieka.
    The film work of Ruben Östlund seems to be one of the most interesting exemplifications of systemic, thematic and formal changes that took place in the Swedish cinema in the 21st century. The images of the director of The Tourist and The Square disturb the perceptive habits of viewers, escape easy film classifications and accurately comment on many of the current problems. With their liminal form, they not only reveal the insufficiency of thinking about the contemporary world and filmmaking in terms of binary categories, but also tend to recognize the relativity of popular judgements, beliefs and methodologies. What is more, thanks to the fluidity of the form and the ambiguous subject, the interpretations of Östlund’s creativity are not limited only to voyeuristic attempts to look at the banality and insincerity of human behaviour and criticism of the Swedish welfare system and the neo-liberal policy of the European Union. On closer examination they may in fact also be taken for a more intimate form of philosophical reflection on the spiritual and intellectual condition of modern man.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2018, 101-102; 144-164
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    „Bracie, gdzie jesteś?” braci Coen. Ludyczna gra pozorów czy autorskie wyznanie wiary w potęgę śmiechu?
    The Coen Brothers’ “O Brother, Where Art Thou?”: A Ludic Comedy of Appearances or an Author’s Confession of Faith Into the Power of Laughter?
    Autorzy:
    Skupień, Ireneusz
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/32222565.pdf
    Data publikacji:
    2015
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    bracia Coen
    historyczność
    postmodernizm
    Preston Sturges
    Coen brothers
    historicity
    postmodernism
    Opis:
    Artykuł ukazuje, w jaki sposób teksty postmodernistyczne próbują reinterpretować klasykę filmową. Jednym z takich sposobów jest wprowadzenie przez twórców (braci Coen) w obręb tekstu filmowego kategorii historyczności. Rozumiana jest ona zarówno jako forma rekonstrukcji przeszłości, jak i parawan, za którym toczy się dyskurs dotyczący problemów współczesnego świata. Autor polemizuje z obecnymi w refleksji badawczej tezami negującymi możliwość generowania przez estetykę postmodernistyczną znaczeń wychodzących poza obręb tekstu. W interpretacji filmu Bracie, gdzie jesteś? Skupień koncentruje się więc na tych aspektach doświadczania historyczności, które są świadectwem przekroczenia „powierzchniowego” czytania znaczeń w tekście postmodernistycznym. W tym celu autor wybiera takie problemy jak: kwestia fałszywej adaptacji, nawiązania gatunkowe do kina lat 30., rola muzyki jako nośnika wyobrażeń o przeszłości, a także bezpośrednie odniesienie do matrycy, na której są budowane sensy filmu braci Coen, czyli klasycznego obrazu Prestona Sturgesa Podróże Sullivana.
    The article shows how postmodern works try to reinterpret classic film. One such method is the introduction by the artists (the Coen brothers) into the film text a category of historicity. It is understood as a form of reconstruction of the past, as well as a screen behind which the discourse on the problems of the modern era takes place. The author disagrees with the theses present in contemporary research that negate the possibility of the postmodern aesthetic generating meaning that extends beyond the sphere of the text. In his interpretation of O Brother, Where Art Thou? (2000) Skupień focuses on those aspects of experiencing historicity, which extend beyond the surface reading of meanings in a postmodern text. The author examines issues such as: the question of false adaptation, references to 1930s cinema, the role of music as a vehicle for our ideas regarding the past, and a direct reference to the matrix upon which the meaning of Coen brothers’ film is built: i.e. the classic film of Preston Sturges – Sullivan's Travels.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2015, 89-90; 41-55
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
      Wyświetlanie 1-5 z 5

      Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies