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Wyszukujesz frazę "teatro" wg kryterium: Temat


Tytuł:
Wizerunek królowej Bony w polskiej literaturze dramatycznej
The Image of Queen Bona in Polish Drama
L’immagine di Bona Sforza nella letteratura teatrale polacca
Autorzy:
Werner, Monika
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/938925.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego
Tematy:
Bona Sforza
Barbara Radziwiłł
Sigismund Augustus
Bari
literatary image
Polish drama in the 19th century
Polish drama in the 20th century
the Lviv Theatre in the 19th century
the Poznań Theatre in the 19th century
Sigismondo Augusto
immagine letteraria
dramma polacco ottocentesco
dramma polacco novecentesco
teatro ottocentesco di Leopoli
teatro ottocentesco di Poznań
wizerunek literacki
Opis:
The article presents literary image of queen Bona appearing in Polish nineteenth and twentieth century drama and makes an attempt at explaining the reasons for painting such an image. The action of the majority of plays discussed (written in the nineteenth- and the beginning of the twentieth century) was inspired by the stormy course of marriage between Sigismund Augustus and Barbara Radziwiłł while Bona, as a character depicted in dark colours, was opposed to excessively idealised Barbara. The queen from the Sforza family was shown as a woman blinded by hatred, power-thirsty, a cunning and unscrupulous plotter, pitiless poisoner, foreigner acting against the interests of Poles and implementing the controversial teaching of her countryman Machiavelli. The negative and historically false image became blurred with the passage of years to change radically as result of a more critical attitude to Barbara in the literary works written after the Second World War. From a bad monarch wishing Poland ill, Bona turned to a wise ruler and far-sighted politician defending the interest of her second homeland. The article discusses separately radically differing images of queen Bona outlined in two dramas set in Bari and not inspired by Sigismund Augustus’ marriage. Additionally the stage history of one of the dramas is presented.
W artykule omówiono literacki wizerunek królowej Bony w polskich dramatach dziewiętnasto- i dwudziestowiecznych oraz podjęto próbę zrozumienia jego genezy. Akcja większości omawianych utworów, napisanych w XIX i na początku XX wieku, zainspirowana jest burzliwymi losami małżeństwa Zygmunta Augusta z Barbarą Radziwiłłówną, a postać Bony, odmalowana w ciemnych barwach, przeciwstawiona jest nadmiernie wyidealizowanej postaci Barbary. Królową z rodu Sforzów ukazano jako kobietę zaślepioną nienawiścią i żądną władzy, sprytną i pozbawioną skrupułów intrygantkę, bezlitosną trucicielkę, a także cudzoziemkę, która działa na szkodę Polaków i wprowadza w życie kontrowersyjne nauki swojego rodaka Machiavellego. Ten negatywny wizerunek, niezgodny z rzeczywistością historyczną, z biegiem lat coraz bardziej traci na wyrazistości, by zmienić się radykalnie w utworach powstałych po drugiej wojnie światowej za sprawą bardziej krytycznego ukazania Barbary. Ze złej i wrogiej Polsce monarchini Bona staje się mądrą władczynią i dalekowzrocznym politykiem, broniącym interesów przybranej ojczyzny. W dalszej części artykułu omówiono skrajnie różny sposób przedstawienia królowej Bony w dwóch dramatach rozgrywających się w Bari i niezainspirowanych małżeństwem Zygmunta Augusta. Dodatkowo ukazano dzieje sceniczne jednego z tych utworów.
Źródło:
Fabrica Litterarum Polono-Italica; 2020, 2; 53-64
2658-185X
Pojawia się w:
Fabrica Litterarum Polono-Italica
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Elementos del psicoanálisis freudiano en algunas obras de Jorge Díaz: Fanfarria para marionetas (2001), Padre nuestro que estás en la cama (2002), Pasión de las marionetas (2003)
Autorzy:
Werman, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2079602.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
Jorge Díaz
teatro
Sigmund Freud
psicoanálisis
complejo de Edipo
Opis:
El presente artículo investiga la influencia de la teoría psicoanalítica de Sigmund Freud en tres obras teatrales de Jorge Díaz: Fanfarria para marionetas (2001), Padre nuestro que estás en la cama (2002) y Pasión de las marionetas (2003). Las tres obras exponen y desarrollan el motivo del complejo de Edipo de una forma diferente. El estudio de las categorías del tiempo y de la acción nos permite llegar a la conclusión de que Padre nuestro que estás en la cama presenta una interiorización subjetiva de este conflicto. A pesar de que Pasión de las marionetas carece de referencias terminológicas que apunten directamente al psicoanálisis freudiano, el análisis del discurso así como la aplicación del modelo actancial de Anne Ubersfeld sirven para descubrir la naturaleza edípica de uno de sus protagonistas masculinos. Finalmente, Fanfarria para marionetas saca el concepto del complejo de Edipo de un entorno íntimo y familiar para trasladarlo al nivel político. Asimismo, la temática psicoanalítica favorece la aparición de la estética de lo grotesco que provoca la deformación y la degradación de los personajes, reducidos a la categoría de fantoche.
Źródło:
Itinerarios; 2019, 30; 55-70
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Azorín, traductor del teatro de la modernidad en El doctor Frégoli o la comedia de la felicidad
Autorzy:
Vigneron, Denis
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1185446.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
Azorín
Nicolas Evreinov
teatro español
vanguardia
surrealismo
Nicolai Evreinov
Spanish theatre
avant-garde
surrealism
Opis:
La obra El Doctor Frégoli o La comedia de la felicidad que publica Azorín en 1928 es una adaptación (¿libre o fiel?) de una obra rusa de Nicolas Evreinov que, bajo el aspecto anodino de una comedia, contiene toda una reflexión sobre lo propio de la escritura teatral, la construcción de los personajes, la ilusión escénica, el libre albedrío. Divididos entre la mentira halagüeña y la verdad amarga, los personajes –a la manera de los de Pirandello que van construyéndose a medida que se escribe la obra– se refugian en la ilusión de la felicidad. Este artículo se centra en las condiciones de la modernidad y renovación del teatro deseada por el autor español José Martínez Ruiz Azorín entre los años 1926-1930. Respondiendo a un proyecto global que toma en cuenta tanto la escritura teatral como la puesta en escena, el papel de los actores o las luces, la obra El Doctor Frégoli o La comedia de la felicidad constituye un ejemplo, hoy olvidado, de lo que fue el teatro surrealista, mezclando teatro y teatro de la vida, y de su impronta en la creación actual.
Źródło:
Itinerarios; 2017, 25; 7-19
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Brujas, caballeros y princesas en el aula de Educación Infantil: la base de datos TESO como fuente de reflexión sobre los estereotipos sexistas
Witches, Knights and Princesses in the Elementary Classroom: The TESO Database as a Source of Reflection on Sexist Stereotypes
Autorzy:
Vara López, Alicia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/676270.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
bases de datos
teatro del Siglo de Oro
didáctica de la literatura
estereotipos sexistas
literatura infantil
databases
Golden Age Theater
didactic of Literature
sexist stereotypes
children´s literature
Opis:
Databases of classical Spanish theater are valuable resources for specialized investigation, but they can also be used to research pedagogical practices. This article approaches the study of the research tool Teatro Español del Siglo de Oro with a didactic intent, exploring the theme of sexist stereotypes in Elementary Education. Given the importance of the quality and adaptability of the first contacts with literature in the classroom, it is essential that professional educators exercise critical thought, selecting material with aesthetic merit which is, at the same time, appropriate for the earliest stages of education.
Las bases de datos de teatro español clásico son utilizadas como recursos de gran valor para la investigación especializada, pero también pueden ser enfocados a la docencia. Este artículo ofrece un acercamiento a la herramienta Teatro Español del Siglo de Oro y una propuesta didáctica para trabajar el tema de los estereotipos sexistas en el Grado de Educación Infantil. Dada la importancia de la calidad y adecuación de los primeros contactos con la literatura, resulta imprescindible la existencia de profesionales de la enseñanza con pensamiento crítico, capaces de seleccionar materiales de valor estético que a la vez sean adecuados para las primeras etapas educativas.
Źródło:
e-Scripta Romanica; 2018, 5; 128-141
2392-0718
Pojawia się w:
e-Scripta Romanica
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Teatro Praga’s Omission of Shakespeare – An Intercultural Space
Autorzy:
Sequeira Mendes, Maria
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/647938.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
Intercultural
A Midsummer’s Night Dream
Henry Purcell
Shakespeare
Teatro Praga
tradition
The Tempest
Opis:
Teatro Praga’s (a Portuguese theatre company) adaptations of A Midsummer Night’s Dream and The Tempest omit what is usually considered crucial to a Shakespearean adaptation by giving primacy to neither text nor plot, nor to a stage design that might highlight the skill and presence of the actors, a decision arguably related to what the company perceives as a type of imprisonment, that of the lines themselves and of the tradition in which these canonical plays have been staged. Such fatigue with a certain way of dealing with Shakespeare is deliberately portrayed and places each production in a space in-between, as it were, which might be described as intercultural. “Inter,” as the OED clarifies, means something “among, amid, in between, in the midst.” Each of Teatro Praga’s Shakespearean adaptations, seems to exist in this “in-between” space, in the sense that they are named after Shakespeare, but are mediated by a combination of subsequent innovations. Shakespeare then emerges, or exists, in the interval between his own plays and the way they have been discussed, quoted, and misquoted across time, shaping the identities of those trying to perform his works and those observing its re-enactments on stage while being shaped himself. The fact that these adaptations only use Shakespeare’s words from time to time leads critics to consider that Teatro Praga is working against Shakespeare (or, to admirers of Henry Purcell, against his compositions). This process, however, reframes Shakespeare’s intercultural legacy and, thus, reinforces its appeal.
Źródło:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance; 2017, 15, 30; 91-104
2083-8530
2300-7605
Pojawia się w:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Il teatro delle e per le monache (Napoli, secolo XVIII)
The Theatre of and for the Nuns (Naples, 18 th century)
Autorzy:
Novi Chavarria, Elisa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446324.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
theatre
music
female monasteries
Naples
18 th century
secolo XVIII
teatro
musica
monasteri femminili
Napoli
Opis:
Recent studies have focused on the musical environment and the theatre in female monasteries of many Italian cities between the 16 th and 18 th centuries. These art forms became famous as forms of entertainment in travel literature and in the chronicles of the time but were forbidden in the age of the Counter-Reformation. However, the theatrical performances, both in prose and in music, enjoyed enormous success and spread in male and female monasteries. As of the 17 th century, if not even earlier, travellers from half of Europe arrived in Naples, attracted by the excellence of the musical and theatrical performances that they could enjoy in the monasteries of the city. This essay aims to reconstruct the times, the modalities, and the contents of the theatrical offerings in the female monasteries of Naples at the beginning of the 18 th century, all of which are still unknown today. In particular, the case of the Franciscan monastery of St Chiara will be examined. Through the patronage of Queen Maria Amalia, musical and theatrical performances played an active leading role in the configuration of a specific theatrical type and taste and increased the education of the nuns and young women who were educated in the monastery, representing and legitimising new feelings and sensibilities. The religious women found a way to talk of their feelings and concerns together; they forged relationships even with the environments outside of the monastery and especially with the Queen’s court and with the courts of the aristocratic palaces of their families of origin.
Studi recenti hanno fatto luce sull’ambiente musicale e sul teatro monastico femminile di molte città italiane tra Cinque e Settecento, conferendo spessore documentario alla fama di cui tali forme di spettacolo godevano nella letteratura da viaggio e nella memorialistica cittadine dell’epoca. Si trattava di pratiche culturali vietate dalla normativa post-tridentina, eppure spettacoli teatrali, sia in prosa che in musica, ebbero una enorme fortuna e diffusione nei monasteri maschili e femminili. Napoli, in particolare, sin dal secolo XVII, se non da addirittura prima, richiamò viaggiatori provenienti da mezza Europa anche in virtù della eccellenza delle esecuzioni musicali e teatrali di cui era possibile fruire nei monasteri della città. Il saggio prova a far luce su tempi, modalità e contenuti dell’offerta teatrale dei monasteri femminili napoletani agli inizi del secolo XVIII, in particolare del monastero delle francescane di S. Chiara che, grazie al patronage della regina Maria Amalia, pare abbia avuto un ruolo attivo e trainante nella configurazione di uno specifico genere e gusto teatrali volto a incrementare l’istruzione delle religiose e delle giovani che venivano educate nel monastero, ma anche a rappresentare e legittimare sentimenti e nuove sensibilità. Le religiose vi trovarono un modo per raccontarsi, fare affiorare e comunicare i propri sentimenti e inquietudini, attivare forme di sociabilità e di relazioni sociali dentro e fuori il monastero, tra i monasteri e le corti, quella della Regina e le corti dei palazzi aristocratici delle loro famiglie di origine.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 119-133
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Tadeusz Kantor en español. Estudio comparativo entre las versiones de los ensayos dedicados al Teatro Cero
Theoretical Texts by Tadeusz Kantor Translated into Spanish: A Comparative Study
Autorzy:
Nawrot, Julia
Castellano Martínez, José María
Nalewajko, Paulina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/chapters/1032369.pdf
Data publikacji:
2020-07-09
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego
Tematy:
teatro
traducción
teoría teatral
literatura comparada
Tadeusz Kantor
theater
translation
theatrical theory
comparative literature
Opis:
A pesar de la importancia de Tadeusz Kantor en la evolución del teatro del siglo XX y el gran legado de escritos teóricos que este director polaco ha producido a lo largo de su carrera profesional, en español se publicaron tan solo dos antologías de sus textos. En 1984 en Ediciones de la Flor (Buenos Aires, Argentina) sus ensayos salieron bajo el título de El teatro de la muerte. Fue una recopilación realizada originariamente por Denis Bablet y traducida del francés por Graciela Isnardi. En España, la primera traducción de sus textos apareció muchos años más tarde, en 2010, y vino de la mano de Katarzyna Olszewska Sonnenberg. La selección titulada El teatro de la muerte y otros ensayos (1944-1986) se publicó en Barcelona, en la Editorial Alba. Nos proponemos en este trabajo realizar un estudio comparativo entre las versiones de los ensayos dedicados al Teatro Cero, teniendo en cuenta que la primera de ellas se hizo de forma mediada. Las versiones en español de los textos escogidos se cotejarán también con las fuentes directas (Kantor 1977 y 2005), así como con las versiones definitivas en polaco, con la especial atención en la especificidad de los textos de Tadeusz Kantor.
Despite the importance of Tadeusz Kantor in the evolution of twentieth-century theatre and the great legacy of theoretical writings that he produced throughout his professional career, only two anthologies of his texts were published in Spanish. In 1984, a group of his essays was printed as El teatro de la muerte (Theatre of Death) by Ediciones de la Flor publishing house (Buenos Aires, Argentina). It was a compilation originally made by Denis Bablet and translated into Spanish from French by Graciela Isnardi. In Spain, the first translation of his texts appeared many years later, in 2010, by Katarzyna Olszewska Sonnenberg. The selection titled El teatro de la muerte y otros ensayos (1944-1986) (Theater of Death and Other Essays (1944-1986)) was published in Barcelona, by Alba publishing house. In the present work a comparative study between two versions of the essays dedicated to Zero Theatre has been carried out, taking into consideration that the first one was done in a mediated way. The Spanish versions of the chosen essays have been also compared with the direct sources (Kantor 1977 and 2005), as well as with the definitive versions in Polish, with special attention to the specificity of Tadeusz Kantor’s texts.
Źródło:
La traducción literaria en el contexto de las lenguas ibéricas; 214-226
9788323542841
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Dopo l’Ottocento delle attrici, qualche punto fermo sulle attrici italiane del Novecento
After the 1800’s, “Century of Actresses”, a Few Core Points on Italian Actresses in the 1900’s
Autorzy:
Mariani, Laura
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446418.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
19 th century
20 th century
theatre
actress
history of women
Ottocento
Novecento
teatro
attrice
storia delle donne
Opis:
Critical studies on the theatre from the 19 th and 20 th centuries, even founding ones, are limited as they do not include a gender category – a paradox in a space where bodies are central. The actresses, in fact, give life to different stories, which allow for the enrichment of historical-critical reconstructions. Given the vastness of the topic, this article aims to identify some fundamental turning points. We begin with the legacy of the 19 th century, rich from both a linguistic and a historical-critical viewpoint; the article moves on to the post-Duse period, which saw, on the one hand, the birth of the actor-artist’s Italian specificity and, on the other, the crisis of female leaders of theatre companies; then, the article discusses the birth of Italian theatre direction in the period following the Second World War and the reaction of a few actresses, like Anna Magnani, who aimed to re-create the reality that was to be reclaimed by the history of theatre. Finally, the article explores the breakdown caused by the New Theatre and even calls into discussion the word for “actress”, with overlaps in the fields of theatre direction and dramaturgy.
Gli studi critici sul teatro dell’ 800 e del 900, anche quelli fondativi, hanno il limite di non usare la categoria di gender: un paradosso in un ambito in cui il corpo è centrale. Le attrici infatti danno vita a storie diverse, che permettono di arricchire le ricostruzioni storico-critiche. Data l’ampiezza del tema, il saggio punta sull’individuazione di alcuni snodi fondamentali: il lascito ottocentesco, ricco sia dal punto di vista del linguaggio che da quello socio-culturale; il dopo-Duse, che registra da un lato la nascita della specificità italiana dell’attore-artista e, dall’altro, la crisi del capocomicato femminile; la nascita della regia italiana nel secondo dopoguerra e la reazione di alcune attrici che puntano sulla ri-creazione della realtà, come Anna Magnani, che va riconquistata alla storia del teatro; la rottura operata dal Nuovo teatro e la messa in discussione sin della parola attrice, con sconfinamenti nei campi della regia e della drammaturgia.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 195-222
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Voces y transformaciones del monólogo y apreciaciones sobre Divino Pastor Góngora de Jaime Chabaud
Autorzy:
M. Vincent, Nidia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2079270.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
teatro
monólogo
drama mexicano
Jaime Chabaud
Divino Pastor Góngora
Opis:
El presente artículo tiene como propósito acercarse al monólogo, forma teatral poco atendida por la crítica y cuya presencia e importancia en la escena actual va en ascenso. Para ello, se revisarán algunos presupuestos y rasgos del monólogo teatral y se hará un rápido recorrido por su desarrollo en el teatro occidental; se pondrá énfasis en el monólogo como obra autónoma a partir del monodrama realista de Strindberg u O’Neill y los aportes del teatro del Absurdo. Asimismo, se revisará resumidamente su evolución en México, desde el teatro novohispano hasta la actualidad para, finalmente, enfocarse en la obra Divino Pastor Góngora (2001) del dramaturgo mexicano Jaime Chabaud (n. 1966), uno de los autores de la llamada “Generación de los sesenta”. Divino Pastor Góngora es un monólogo ambientado en el siglo XVIII en la Nueva España, que trata sobre el desafortunado destino de un actor que ha caído en manos de la justicia y desde su encierro da a conocer su historia y escenifica un sainete. La obra se analizará por su estructura, sus múltiples personajes y estrategias monologales, además de comentar elementos de metateatralidad, humor y e intertextualidad.
Źródło:
Itinerarios; 2020, 31; 185-207
1507-7241
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Itinerarios
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Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
O tchiloli santomense - o "chamado de deuses" luso-africano - nas pinceladas teatrais e literárias
Autorzy:
Kalewska, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2081347.pdf
Data publikacji:
2007
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
teatro lusófono
tchiloli como expressão de identidade santomense
performance multimedial com características ritualísticas
(des)colonização
antropologia dos espectáculos
Opis:
A Tragédia do Marquês de Mântua de Baltasar Dias (o dramaturgo português da escola pós-vicentina, séc. XVI) teve sucesso em Portugal e tem sobrevivido, até aos nossos dias, na Ilha de S. Tomé, como ritual religioso com elementos da performance teatral, chamado o tchiloli, i. e., o teatro santomense. Entre as hipóteses sobre a sua origem, levantou-se a dos ‘mestres açucareiros’, a de uma estratégia colonial e a da metamorfose do mito dos Descobrimentos Portugueses. O tchiloli apareceu cerca de 1880, sendo a sua base textual moderna o auto cavalheiresco de Baltasar Dias mencionado supra conjugado com um romance em verso, O Marquês de Mântua do Romanceiro (1851) de Almeida Garrett. O tchiloli é um proto-teatro luso-africano. Tornou-se um veículo da identidade santomen-se. É também um drama social com um motivo-chave definido como reposição da justiça. O artigo apresenta algumas propostas de abordagem do fenómeno em causa, rompendo com a ideia do teatro popular de raiz tradicional. A pincelada interpretativa articula-se nas encruzilhadas da antropologia de teatro e da história da literatura. Trata-se da inculturação duma história carolíngia contada e vivida em África em virtude de um duradouro suporte literário e da aculturação africana da religião cristã. A dinâmica interior, a pluralidade cultural e a adaptabilidade à circunstância política e social asseguram ao tchiloli uma longa vida entre os fenómenos mais típicos da cultura lusófona.
Źródło:
Itinerarios; 2007, 5; 35-54
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Os autos indianistas de José de Anchieta e a iniciação do teatro luso-brasileiro
Autorzy:
Kalewska, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2079118.pdf
Data publikacji:
2007
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
teatro luso-brasileiro
Prémio de Dramaturgia António José da Silva
rituais indígenas
teatro jesuítico
antropologia do teatro
Opis:
O artigo coloca uma pergunta sobre o início do teatro luso-brasileiro, institucionalizado recentemente pela atribuição do Prémio de Dramaturgia de A. J. da Silva a J. M. Vieira Mendes. Ninguém questiona a paternidade de Gil Vicente em relação ao teatro português. Seria que o teatro brasileiro começasse mesmo com António José (1838) de D. J. Gonçalves de Magalhães? Ou mais cedo, ainda no séc. XVI, com os autos indianistas de Anchieta, i.e. com as peças centrados no índio do Brasil? a autora defende que a segunda interpretação é plausível, considerando Padre José de Anchieta o Apóstolo do Teatro Brasileiro. Anna Kalewska justifica esta tese, analisando as três peças indianistas anchietanas (O Auto da Pregação Universal, o Auto de São Lurenço, Na Aldeia de Guaraparim) em termos da antropología do teatro e da história do processo literário. Os rituais indígenas – ecológicos e sociais – foram mais importantes para o primeiro teatro brasileiro do que a dramatização da liturgia cristã, haurida do teatro vicentino e jesuítico. Os autos indianistas de Anchieta são bom exemplo da aculturação dramatúrgica, em que a velha gramática do teatro se conjugou com o novo idiolecto cénico.
Źródło:
Itinerarios; 2007, 6; 175-193
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
DOS ESTRATEGIAS DEL TEATRO POSDRAMÁTICO FAUSTO 3.0 DE LA FURA DELS BAUS Y WYCINKA. HOLZFÄLLEN DE KRYSTIAN LUPA
Two Strategies of the Postdramatic Theatre: Fausto 3.0 of the Group La Fura dels Baus and Wycinka (Logging). Holzfällen by Krystian Lupa
Dwie strategie teatru postdramatycznego: Fausto 3.0 grupy La Fura dels Baus oraz Wycinka. Holzfällen Krystiana Lupy
Autorzy:
Kacprzak, Katarzyna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/509328.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Akademia Finansów i Biznesu Vistula
Tematy:
teatro posdramático
dramaturgia visual
lo audiovisual
La Fura dels Baus
Krystian Lupa
postdramatic theatre
visual dramaturgy
audiovisual techniques
teatr postdramatyczny
dramaturgia wizualna
techniki audiowizualne
Opis:
La autora reflexiona sobre algunos rasgos del llamado teatro posdramático, concepto de Hans-Thies Lehmann, aplicado aquí a la actividad creadora del grupo español La Fura dels Baus y el director de escena polaco, Krystian Lupa. En el artículo se presentan, sobre todo, elementos de dos obras de los artistas mencionados (Fausto 3.0 y Tala) que se pueden englobar bajo dos conceptos: “dramaturgia visual” y “montaje por variaciones”. Ambos son elementos que podemos considerar atributos del teatro posdramático. Aunque en el artículo se clasifica tanto a La Fura dels Baus, como a Krystian Lupa como creadores del teatro posdramático, se considera que dos estrategias divergentes se perfilan bajo aquella denominación común.
The Author inquires into the Hans-Thies Lehmann’s postdrama concept features that appear in the performances of the Spanish La Fura dels Baus troupe and those of Krystian Lupa, a Polish theatre director. The paper discusses two performances: Fausto 3.0 of La Fura dels Baus and Wycinka. Holzfällen of Lupa. The productions reveal the features of “visual dramaturgy” and “variations driven montage”. Both belong to the postdrama repository. However, the Author argues that this common denominator conceals different strategies of the artists.
Autorka zastanawia się nad niektórymi cechami tzw. teatru postdramatycznego (pojęcie wprowadzone przez Hans-Thiesa Lehmanna), występującymi w twórczości hiszpańskiej grupy La Fura dels Baus oraz polskiego reżysera Krystiana Lupy. W artykule analizowane są elementy dwóch spektakli tych artystów (Fausto 3.0 oraz Wycinka. Holzfällen), które można by zamknąć w kategoriach „dramaturgii wizualnej” i „montażu za pomocą wariacji”. Oba te elementy możemy uznać za cechy teatru postdramatycznego. Choć w poniższym tekście zarówno La Fura dels Baus, jak i Krystian Lupa są uznani za przedstawicieli tego właśnie rodzaju teatru, dowodzi się jednocześnie, że pod wspólną nazwą mogą kryć się dwie, dość różne strategie.
Źródło:
Zeszyty Naukowe Uczelni Vistula; 2017, 52(1) Filologia; 55-66
2353-2688
Pojawia się w:
Zeszyty Naukowe Uczelni Vistula
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
TRANSICIÓN Y DECADENCIA EN EL TEATRO ALTERNATIVO O VANGUARDISTA ESPAÑOL Y POLACO
Transition to democracy and decadence in Spanish and Polish alternative/avant-garde theatre
Transformacja i dekadencja w hiszpańskim i polskim teatrze alternatywnym/awangardowym
Autorzy:
Kacprzak, Katarzyna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/509308.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Akademia Finansów i Biznesu Vistula
Tematy:
teatro alternativo
transición democrática
decadencia
alternative theatre
transition to democracy
decline
teatr alternatywny
transformacja
przejście do demokracji
upadek
Opis:
En el artículo, la autora resume tres casos de grupos de teatro vanguardista cuyas obras desempeñaron el papel de ritos de paso en los respectivos periodos de la transición democrática en Polonia y España. Se trata de las compañías: Teatr Ósmego Dnia, La Fura dels Baus y Els Joglars. Demuestra que dichos grupos no siempre disfrutaron de resultados positivos de su proyecto de “transición teatral”. Las compañías en cuestión, primero, introdujeron nuevos lenguajes escénicos, ajustaron cuentas con el pasado para abrir caminos al futuro, resumieron las consecuencias inmediatas de las transiciones, propusieron nuevos paradigmas o valores. Y después, siguieron funcionando en las nuevas estructuras, pero pagaron un precio importante. Las víctimas de los procesos de cierta decadencia en los tres casos han sido: el método de la creación colectiva, los valores de solidaridad y trabajo artístico compartido y la más alta calidad artística.
The author shows how three avant-garde theater groups created works that played a notable role of rites of passage in their respective periods of transition to democracy. Troupes Teatr Ósmego Dnia of Poznań, Barcelona’s La Fura dels Baus and Els Joglars are analysed. The essay shows that transition brought a hefty price to pay. Initially, those groups introduced new performance codes, closed the past accounts and opened future ahead with new paradigms and values in view. Later, while they continued working within those new paradigms, they lost much of the drive. Collective creation, values of solidarity and group work suffered with quality, vigour and imagination all staled.
W artykule autorka podsumowuje trzy przypadki awangardowych grup teatralnych, których prace odgrywały rolę rytuałów przejścia w okresach przemian demokratycznych w Polsce i Hiszpanii. Są to: Teatr Ósmego Dnia, La Fura dels Baus i Els Joglars. Tekst udowadnia, że grupy te nie zawsze cieszyły się pozytywnymi wynikami projektu „teatralnego przejścia do demokracji”. Najpierw wprowadziły nowe języki sceniczne, rozliczyły się z przeszłością, aby otworzyć drogi do przyszłości, podsumowały bezpośrednie konsekwencje zmian, zaproponowały nowe paradygmaty czy wartości. Potem pracowały w nowych strukturach, ale zapłaciły znaczną cenę. Ofiarami procesów dekadencji padły: metoda kreacji zbiorowej, wartości solidarności i grupowej pracy artystycznej oraz najwyższa jakość artystyczna.
Źródło:
Zeszyty Naukowe Uczelni Vistula; 2019, 65(2) Filologia; 46-56
2353-2688
Pojawia się w:
Zeszyty Naukowe Uczelni Vistula
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Attrici d’avanguardia e teatro femminista a Roma negli anni Settanta: nuovi luoghi e linguaggi
Avant-garde Actresses and Feminist Theatre in Rome in the 1970s: New Stages and New Forms of Expression
Autorzy:
Giacobbe Borelli, Maia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446652.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
avant-garde theatre
feminism
New Theatre
Rome
1974–1979
avanguardia teatrale
femminismo
Nuovo Teatro
Roma
Opis:
This essay is based on one of the ORMETE (Oralità Memoria Teatro: www.ormete.net) projects: Donne di teatro a Roma ai tempi della mobilitazione femminista (1965–1985). The research shows the inter-relations between the feminist movement and the actresses of the avant-garde scene in Rome. The focus of each of the women’s personal narrations is characterised by its strong and definite feminist or anti-conformist identity and by its determination to channel its own imagery in the experimental scene of the avant-garde. Many of the women gathered in feminist companies or joined collective groups; some ventured the road of dramaturgy, while still others dared more alternative, experimental kinds of solo performances. This text sheds light on a variety of alternative spaces for performances in Rome. It is there where these new forms of theatrical expressions were born.
L’intervento, che attinge a una ricerca in corso nel quadro di ORMETE (Oralità Memoria Teatro: www.ormete.net) Donne di teatro a Roma ai tempi della mobilitazione femminista (1965– –1985), cerca di mettere a fuoco gli intrecci fra mobilitazioni femministe e protagonismo delle attrici a Roma, fra il 1974 e il 1979. L’affermazione di un’identità femminile forte e anticonformista caratterizza il racconto di tutte queste donne, determinate a trovare la strada per esprimere il proprio immaginario e la propria diversa presenza nel mondo romano della ricerca teatrale. Molte si sono associate in compagnie o collettivi, alcune hanno tentato la strada della drammaturgia, altre hanno scelto la forma della performance più trasgressiva. L’indagine mette l’accento sui molti luoghi di Roma dove i diversi linguaggi scenici hanno trovato la luce.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 257-273
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Ampliando horizontes de investigación a través de la cooperación interdisciplinaria en filología: el caso de la pragmática histórica
Autorzy:
Faya Cerqueiro, Fátima
Vila Carneiro, Zaida
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/676268.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
cooperación interdisciplinaria
pragmática histórica
teatro del Siglo de Oro
hola
adiós
interdisciplinary cooperation
historical pragmatics
Spanish Golden Age theatre
Opis:
In the present study cooperation among scholars from different theoretical backgrounds proves to be a means to provide new views on areas of philological research. Thus, a review of historical pragmatics is presented, focusing on its development and how it overcomes handicaps when dealing with remote periods of language. Taking drama into consideration, as one of the most adequate genres for this discipline, cooperation between textual criticism and historical linguistics enables the use of highly reliable corpora in historical pragmatics. The analyses of the pragmatic markers hola and adiós in Calderón de la Barca’s plays demonstrates the results of this interdisciplinary cooperation.
Este artículo aborda cómo la cooperación entre especialistas de distintas áreas puede desembocar en estudios de gran interés en el campo de la filología. Se repasa la evolución de la pragmática histórica y se hace hincapié en los inconvenientes que plantea su estudio en estadios tempranos de la lengua. Teniendo en cuenta que los textos teatrales son uno de los géneros más apropiados para las investigaciones en esta disciplina, se muestra un ámbito de cooperación entre la crítica textual y la lingüística histórica; se ofrecen, así, dos ejemplos de estudio de tipo forma-función llevados a cabo en las obras de Calderón de la Barca, que conciernen a los marcadores pragmáticos hola y adiós.
Źródło:
e-Scripta Romanica; 2014, 1; 55-74
2392-0718
Pojawia się w:
e-Scripta Romanica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł

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