Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "teatro" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 23
Tytuł:
Transgresión en el “Teatro furioso” de Francisco Nieva
Transgression in Francisco Nieva’s “Teatro furioso”
Transgresja w „Teatro furioso” Franscisca Nievy
Autorzy:
Falska, Maria
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1886902.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
transgresja
teatr
Francisco Nieva
„Teatro furioso”
transgression
theatre
“Teatro furioso”
Opis:
Francisco Nieva, który zadebiutował jako dramaturg w epoce frankistowskiej, w swoich utworach manifestuje postawę opozycyjną i kontestującą wobec rozmaitych zakazów wynikających z porządku politycznego, społecznego czy religijnego. Łamanie różnego rodzaju tabu związanych z przyzwoitością, poczuciem wstydu czy wrażliwością estetyczną jest stałym motywem jego dramatów. W niniejszym artykule starano się zbadać, w jaki sposób przejawia się i w jakich formach wyraża transgresywny charakter utworów Nievy. Analizie poddane zostały utwory należące, zgodnie z klasyfikacją samego autora, do grupy „Teatro furioso”. Analizowano formy naruszania tabu w sferze religijnej, erotycznej, tradycji narodowej, przyzwoitości i dobrego smaku wodniesieniu do elementów struktury dramatycznej utworów. Transgresión en el “Teatro furioso” de Francisco Nieva Francisco Nieva, cuyo teatro se inicia en plena época franquista, manifiesta en sus obras posturas contestatarias y de oposición a diferentes prohibiciones que surgen de acuerdo con un orden político, social o religioso. La transgresión de tabúes de varias índoles que atentan contra la decencia, el pudor o la delicadeza es un motivo constante de sus dramas. En nuestro artículo intentamos estudiar cómo surge, cómo se expresa o se manifiesta el carácter transgresivo de sus obras. El corpus de nuestro trabajo está centrado en los textos teatrales que pertenecen a las obras clasificadas por el autor mismo como su “Teatro furioso” y que revelan estas temáticas y exposiciones a través de diferentes elementos de la estructura dramática tales como: personaje, situación o lenguaje dramático.
Francisco Nieva, a dramatist who makes his debut during Francoism, defies and contests in his works a variety of bans of political, social, and religious character. The transgression of various taboos of decency, modesty, and sensitivity is a recurring motif in his plays. This article examines the ways in which the transgressive character of Nieva’s works is expressed, and the forms of its manifestations. The analysis is focused on the texts the playwright himself classifies as“Teatro furioso.” This study focuses on different elements of the dramatic structure of the plays, such as: personae, spatial and temporal relations (setting,) action, situation, and the language of the dramas.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2014, 62, 5; 191-201
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Os autos indianistas de José de Anchieta e a iniciação do teatro luso-brasileiro
Autorzy:
Kalewska, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2079118.pdf
Data publikacji:
2007
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
teatro luso-brasileiro
Prémio de Dramaturgia António José da Silva
rituais indígenas
teatro jesuítico
antropologia do teatro
Opis:
O artigo coloca uma pergunta sobre o início do teatro luso-brasileiro, institucionalizado recentemente pela atribuição do Prémio de Dramaturgia de A. J. da Silva a J. M. Vieira Mendes. Ninguém questiona a paternidade de Gil Vicente em relação ao teatro português. Seria que o teatro brasileiro começasse mesmo com António José (1838) de D. J. Gonçalves de Magalhães? Ou mais cedo, ainda no séc. XVI, com os autos indianistas de Anchieta, i.e. com as peças centrados no índio do Brasil? a autora defende que a segunda interpretação é plausível, considerando Padre José de Anchieta o Apóstolo do Teatro Brasileiro. Anna Kalewska justifica esta tese, analisando as três peças indianistas anchietanas (O Auto da Pregação Universal, o Auto de São Lurenço, Na Aldeia de Guaraparim) em termos da antropología do teatro e da história do processo literário. Os rituais indígenas – ecológicos e sociais – foram mais importantes para o primeiro teatro brasileiro do que a dramatização da liturgia cristã, haurida do teatro vicentino e jesuítico. Os autos indianistas de Anchieta são bom exemplo da aculturação dramatúrgica, em que a velha gramática do teatro se conjugou com o novo idiolecto cénico.
Źródło:
Itinerarios; 2007, 6; 175-193
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Teatro en el teatro y el fenómeno de desdoblamiento del espacio dramático (de la constitución del modelo espacial áureo a los intentos de destrucción del modelo espacial convencional en el drama español de los siglos XX y XXI)
Autorzy:
Aszyk, Urszula
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1186478.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
teatro en el teatro
espacio dramático
espacio escénico
teatro español
the play within the play
dramatic space
stage space
Spanish theatre
Opis:
El estudio se centra en las manifestaciones de la forma del teatro en el teatro, una forma muy recurrente en el drama español desde la época áurea hasta el siglo XXI. Se examinan aquí una selección de obras en cuya estructura se han insertado representaciones teatrales ficticias y se plantea la cuestión de la relación entre el espacio dramático y el espacio escénico al crearse en el drama un espacio escénico ficticio. Con este propósito se someten a análisismás detallado, aparte de algunas piezas más recientes, Lo fingido verdadero y Comedia sin título, considerando la originalidad de los modelos espaciales elaborados por sus autores, Lope de Vega y Federico García Lorca, respectivamente.
Źródło:
Itinerarios; 2017, 26; 75-95
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Juegos temporales en el teatro de Gustavo Ott
Autorzy:
Falska, Maria
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1186545.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
Gustavo Ott
teatro
tiempo dramático
theatre
dramatic time
Opis:
Gustavo Ott es un dramaturgo venezolano contemporáneo galardonado con numerosos premios nacionales e internacionales. Es autor de unas cuarenta obras escritas desde los años ochenta hasta la actualidad y representadas en varios países del mundo. El objetivo de este artículo es acercarse al teatro de Gustavo Ott con el fin de constatar la importancia que cobra el tiempo en su producción y analizar cómo funciona en la estructura dramática. Su interés por el tiempo se manifiesta en varios niveles, desde consideraciones de carácter filosófico, científico, hasta su manejo dramatúrgico mediante varios recursos y procedimientos. Se estudian en el trabajo las alteraciones de la duración y del orden del tiempo, vistas desde la perspectiva de la relación entre el tiempo diegético y el escénico, así como el tiempo irreal, onírico (sueños, alucinaciones) y el tiempo alternativo.
Źródło:
Itinerarios; 2019, 29; 335-352
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Elementos del psicoanálisis freudiano en algunas obras de Jorge Díaz: Fanfarria para marionetas (2001), Padre nuestro que estás en la cama (2002), Pasión de las marionetas (2003)
Autorzy:
Werman, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2079602.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
Jorge Díaz
teatro
Sigmund Freud
psicoanálisis
complejo de Edipo
Opis:
El presente artículo investiga la influencia de la teoría psicoanalítica de Sigmund Freud en tres obras teatrales de Jorge Díaz: Fanfarria para marionetas (2001), Padre nuestro que estás en la cama (2002) y Pasión de las marionetas (2003). Las tres obras exponen y desarrollan el motivo del complejo de Edipo de una forma diferente. El estudio de las categorías del tiempo y de la acción nos permite llegar a la conclusión de que Padre nuestro que estás en la cama presenta una interiorización subjetiva de este conflicto. A pesar de que Pasión de las marionetas carece de referencias terminológicas que apunten directamente al psicoanálisis freudiano, el análisis del discurso así como la aplicación del modelo actancial de Anne Ubersfeld sirven para descubrir la naturaleza edípica de uno de sus protagonistas masculinos. Finalmente, Fanfarria para marionetas saca el concepto del complejo de Edipo de un entorno íntimo y familiar para trasladarlo al nivel político. Asimismo, la temática psicoanalítica favorece la aparición de la estética de lo grotesco que provoca la deformación y la degradación de los personajes, reducidos a la categoría de fantoche.
Źródło:
Itinerarios; 2019, 30; 55-70
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Voces y transformaciones del monólogo y apreciaciones sobre Divino Pastor Góngora de Jaime Chabaud
Autorzy:
M. Vincent, Nidia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2079270.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
teatro
monólogo
drama mexicano
Jaime Chabaud
Divino Pastor Góngora
Opis:
El presente artículo tiene como propósito acercarse al monólogo, forma teatral poco atendida por la crítica y cuya presencia e importancia en la escena actual va en ascenso. Para ello, se revisarán algunos presupuestos y rasgos del monólogo teatral y se hará un rápido recorrido por su desarrollo en el teatro occidental; se pondrá énfasis en el monólogo como obra autónoma a partir del monodrama realista de Strindberg u O’Neill y los aportes del teatro del Absurdo. Asimismo, se revisará resumidamente su evolución en México, desde el teatro novohispano hasta la actualidad para, finalmente, enfocarse en la obra Divino Pastor Góngora (2001) del dramaturgo mexicano Jaime Chabaud (n. 1966), uno de los autores de la llamada “Generación de los sesenta”. Divino Pastor Góngora es un monólogo ambientado en el siglo XVIII en la Nueva España, que trata sobre el desafortunado destino de un actor que ha caído en manos de la justicia y desde su encierro da a conocer su historia y escenifica un sainete. La obra se analizará por su estructura, sus múltiples personajes y estrategias monologales, además de comentar elementos de metateatralidad, humor y e intertextualidad.
Źródło:
Itinerarios; 2020, 31; 185-207
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Ripensare a "Cani di bancata" di Emma Dante. I travestimenti androgini di Mammasantissima
Thinking Back to "Cani di bancata" by Emma Dante. Mammasantissima’s Androgynous Costumes
Autorzy:
Barsotti, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446452.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
Emma Dante
theatre
Cani di bancata
Sicily
world
teatro
Sicilia
mondo
Opis:
The essay reflects on Emma Dante, the unusual and versatile artist (theatre manager, actress-author, film and opera director). Emma Dante’s story condenses different and apparently conflicting experiences and knowledge (the Academy of Dramatic Arts in Rome, the teachings of Vacis in Turin, the laboratories with Cesare Ronconi) before the foundation of the Sud Costa Occidentale group in Palermo, in 1999, with its subsequent transformations continuing until today. The result is an irregular figure of a “matriarch”, in the fruitful vein of new Sicilian dramaturgy, which takes nourishment from the land of origin but with which she feeds a collective and authorial theatre. This theatre is both dramatic (indeed tragi-comic) and post-dramatic, with European depth, and it is not spared of controversy and criticism, as it is awkward and uncomfortable. The analysis of her performance in Cani di bancata (2006) aims to highlight themes and styles connected to a feminism that goes beyond gender in the strict sense but that is able to become a metaphor of a world and a human diversity that involves and disturbs us through an irreverent gaze.
Il saggio riflette su Emma Dante, artista polivalente (capocomica e attrice-autrice di teatro, attrice e regista di cinema, regista di opere liriche), che costituisce un’eccezione nel panorama italiano in quanto donna di scena e donna di libro. La sua storia condensa esperienze e competenze diverse, apparentemente contrastanti (Accademia d’Arte drammatica a Roma, magistero di Vacis a Torino, laboratori con Cesare Ronconi) prima della fondazione del gruppo Sud Costa Occidentale a Palermo, nel 1999, con le sue successive trasformazioni fino ad oggi. Ne nasce un’anomala figura di “matriarca”, nel filone fecondo della nuova drammaturgia siciliana, che dalla terra d’origine trae succhi ma con i quali alimenta un teatro al tempo stesso collettivo e autoriale; drammatico (anzi tragi- comico) e postdrammatico, di rispondenza europea, non senza suscitare polemiche e attacchi, essendo teatro scomodo e foriero di rischiose autoanalisi. L’esame del suo spettacolo Cani di bancata (2006) intende mettere in luce temi e stili connessi a un femminile che esula dal gender (in senso stretto) ma capace di farne la metafora di un mondo e di una diversità umana che, attraverso uno sguardo complice e dissacrante, ci coinvolge e ci turba.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 289-305
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Teatro Praga’s Omission of Shakespeare – An Intercultural Space
Autorzy:
Sequeira Mendes, Maria
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/647938.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
Intercultural
A Midsummer’s Night Dream
Henry Purcell
Shakespeare
Teatro Praga
tradition
The Tempest
Opis:
Teatro Praga’s (a Portuguese theatre company) adaptations of A Midsummer Night’s Dream and The Tempest omit what is usually considered crucial to a Shakespearean adaptation by giving primacy to neither text nor plot, nor to a stage design that might highlight the skill and presence of the actors, a decision arguably related to what the company perceives as a type of imprisonment, that of the lines themselves and of the tradition in which these canonical plays have been staged. Such fatigue with a certain way of dealing with Shakespeare is deliberately portrayed and places each production in a space in-between, as it were, which might be described as intercultural. “Inter,” as the OED clarifies, means something “among, amid, in between, in the midst.” Each of Teatro Praga’s Shakespearean adaptations, seems to exist in this “in-between” space, in the sense that they are named after Shakespeare, but are mediated by a combination of subsequent innovations. Shakespeare then emerges, or exists, in the interval between his own plays and the way they have been discussed, quoted, and misquoted across time, shaping the identities of those trying to perform his works and those observing its re-enactments on stage while being shaped himself. The fact that these adaptations only use Shakespeare’s words from time to time leads critics to consider that Teatro Praga is working against Shakespeare (or, to admirers of Henry Purcell, against his compositions). This process, however, reframes Shakespeare’s intercultural legacy and, thus, reinforces its appeal.
Źródło:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance; 2017, 15, 30; 91-104
2083-8530
2300-7605
Pojawia się w:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Contro la minaccia della cultura locale. Gli aspetti performativi dell’identità culturale in mPalermu e ne La Carnezzeria di Emma Dante
Against the Menace of the Local Culture. Performative Aspects of Cultural Identity in mPalermu and Carnezzeria by Emma Dante
Autorzy:
Bal, Ewa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446662.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
localness
cultural identity
dialect theatre
Emma Dante
performativity
località
identità culturale
teatro dialettale
performativo
Opis:
Taking into account important changes that have taken place in the last 20 years in the fields of performance studies and cultural studies (especially de- and post-colonial studies) regarding the way in which local cultures and ethnicity are represented in the theatre and interpreted in the humanities, this article revises the ways of presenting local cultures in the Italian dialect theatre of the last decade. This analysis shows how a hegemonic (at least until recently) dramatic model developed by Eduardo de Filippo and based on producing nostalgia towards an idealised past of a local culture needs to be critically reformulated, especially from the perspective of a young generation of female artists who work in the field of dialect theatre. To this end, in this article, the author analyses the performing strategies of two of Emma Dante’s plays, mPalermu and Carnezzeria, to prove that localness is not an essentially understood characteristic of a certain community, but, rather, it should be seen as a complex performative, repetitive practice that is both bodily and discursive. Conversely, the author points out that these practices should be examined in depth and seen as a kind of cultural oppression that serves as a camouflage of some deeper imprinted relationships based on violence and domination. The examples of Emma Dante’s plays from the beginning of her career allow the author to also cast a critical gaze at an issue of primordialism, raised by Arjun Appadurai and seen as a way of viewing the Other. The latter reflects a voyeuristic pleasure of the Western world, coming from the sense of dominance over allegedly underdeveloped and primitive cultures. Emma Dante’s theatre, according to the author of this article, is an example of de-colonial artistic practice, as it subversively uses the voyeuristic inclinations of the viewer to denounce the violent character of local Sicilian scripts of behaviour that, until now, had usually been left unsaid in public debate.
Prendendo in considerazione i cambiamenti avvenuti negli ultimi 20 anni nel campo degli studi sulla performance e sulle rappresentazioni delle culture locali ed etniche e le metodologie elaborate nel campo degli studi de- e post -coloniali, Ewa Bal propone di rivedere le principali strategie di rappresentazione delle culture locali nel teatro dialettale italiano dell’ultimo decennio. Parte dunque dal presupposto che il modello drammaturgico elaborato da Eduardo de Filippo sia rimasto a lungo egemonico nel contesto teatrale italiano: specie nella maniera in cui produceva la nostalgia di un passato idealizzato della cultura dialettale. Questo modello, secondo l’autrice, va invece rivisto mettendo al suo confronto le artiste più recenti del teatro dialettale, che concettualizzano la cultura locale in maniera differente e propongono nuove strategie drammaturgiche. Bal analizza quindi le strategie performative di due opere di Emma Dante mPalermu e Carnezzeria per dimostrare che la cosiddetta identità culturale locale non è affatto una caratteristica essenziale (o “naturale”) di una certa comunità, ma piuttosto un insieme di pratiche discorsivo-corporali ripetibili che a forza di ripetersi diventano “naturali”. Vanno quindi viste piuttosto come una specie di minaccia o stigma culturale, che serve da camuffaggio alle più profonde relazioni di dominazione e violenza tra uomini e donne. Analizzando due esempi di spettacoli di Emma Dante risalenti agli inizi della sua carriera artistica, Bal guarda criticamente alla nozione del “primordialismo” sollevata da Arjun Appadurai e interpretata da lui come uno dei modi di rappresentare l’Altro che soddisfa lo sguardo patriarcale del mondo Occidentale nei confronti delle culture apparentemente meno avanzate o primordiali. Gli spettacoli di Emma Dante sovvertono questo sguardo voyeuristico, usandolo criticamente per denunciare la violenza nascosta sotto gli scenari comportamentali, gestionali e discorsivi della cultura locale siciliana e riportarla alla luce del dibattito pubblico.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 275-288
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Tadeusz Kantor en español. Estudio comparativo entre las versiones de los ensayos dedicados al Teatro Cero
Theoretical Texts by Tadeusz Kantor Translated into Spanish: A Comparative Study
Autorzy:
Nawrot, Julia
Castellano Martínez, José María
Nalewajko, Paulina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/chapters/1032369.pdf
Data publikacji:
2020-07-09
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego
Tematy:
teatro
traducción
teoría teatral
literatura comparada
Tadeusz Kantor
theater
translation
theatrical theory
comparative literature
Opis:
A pesar de la importancia de Tadeusz Kantor en la evolución del teatro del siglo XX y el gran legado de escritos teóricos que este director polaco ha producido a lo largo de su carrera profesional, en español se publicaron tan solo dos antologías de sus textos. En 1984 en Ediciones de la Flor (Buenos Aires, Argentina) sus ensayos salieron bajo el título de El teatro de la muerte. Fue una recopilación realizada originariamente por Denis Bablet y traducida del francés por Graciela Isnardi. En España, la primera traducción de sus textos apareció muchos años más tarde, en 2010, y vino de la mano de Katarzyna Olszewska Sonnenberg. La selección titulada El teatro de la muerte y otros ensayos (1944-1986) se publicó en Barcelona, en la Editorial Alba. Nos proponemos en este trabajo realizar un estudio comparativo entre las versiones de los ensayos dedicados al Teatro Cero, teniendo en cuenta que la primera de ellas se hizo de forma mediada. Las versiones en español de los textos escogidos se cotejarán también con las fuentes directas (Kantor 1977 y 2005), así como con las versiones definitivas en polaco, con la especial atención en la especificidad de los textos de Tadeusz Kantor.
Despite the importance of Tadeusz Kantor in the evolution of twentieth-century theatre and the great legacy of theoretical writings that he produced throughout his professional career, only two anthologies of his texts were published in Spanish. In 1984, a group of his essays was printed as El teatro de la muerte (Theatre of Death) by Ediciones de la Flor publishing house (Buenos Aires, Argentina). It was a compilation originally made by Denis Bablet and translated into Spanish from French by Graciela Isnardi. In Spain, the first translation of his texts appeared many years later, in 2010, by Katarzyna Olszewska Sonnenberg. The selection titled El teatro de la muerte y otros ensayos (1944-1986) (Theater of Death and Other Essays (1944-1986)) was published in Barcelona, by Alba publishing house. In the present work a comparative study between two versions of the essays dedicated to Zero Theatre has been carried out, taking into consideration that the first one was done in a mediated way. The Spanish versions of the chosen essays have been also compared with the direct sources (Kantor 1977 and 2005), as well as with the definitive versions in Polish, with special attention to the specificity of Tadeusz Kantor’s texts.
Źródło:
La traducción literaria en el contexto de las lenguas ibéricas; 214-226
9788323542841
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Azorín, traductor del teatro de la modernidad en El doctor Frégoli o la comedia de la felicidad
Autorzy:
Vigneron, Denis
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1185446.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
Azorín
Nicolas Evreinov
teatro español
vanguardia
surrealismo
Nicolai Evreinov
Spanish theatre
avant-garde
surrealism
Opis:
La obra El Doctor Frégoli o La comedia de la felicidad que publica Azorín en 1928 es una adaptación (¿libre o fiel?) de una obra rusa de Nicolas Evreinov que, bajo el aspecto anodino de una comedia, contiene toda una reflexión sobre lo propio de la escritura teatral, la construcción de los personajes, la ilusión escénica, el libre albedrío. Divididos entre la mentira halagüeña y la verdad amarga, los personajes –a la manera de los de Pirandello que van construyéndose a medida que se escribe la obra– se refugian en la ilusión de la felicidad. Este artículo se centra en las condiciones de la modernidad y renovación del teatro deseada por el autor español José Martínez Ruiz Azorín entre los años 1926-1930. Respondiendo a un proyecto global que toma en cuenta tanto la escritura teatral como la puesta en escena, el papel de los actores o las luces, la obra El Doctor Frégoli o La comedia de la felicidad constituye un ejemplo, hoy olvidado, de lo que fue el teatro surrealista, mezclando teatro y teatro de la vida, y de su impronta en la creación actual.
Źródło:
Itinerarios; 2017, 25; 7-19
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Il teatro delle e per le monache (Napoli, secolo XVIII)
The Theatre of and for the Nuns (Naples, 18 th century)
Autorzy:
Novi Chavarria, Elisa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446324.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
theatre
music
female monasteries
Naples
18 th century
secolo XVIII
teatro
musica
monasteri femminili
Napoli
Opis:
Recent studies have focused on the musical environment and the theatre in female monasteries of many Italian cities between the 16 th and 18 th centuries. These art forms became famous as forms of entertainment in travel literature and in the chronicles of the time but were forbidden in the age of the Counter-Reformation. However, the theatrical performances, both in prose and in music, enjoyed enormous success and spread in male and female monasteries. As of the 17 th century, if not even earlier, travellers from half of Europe arrived in Naples, attracted by the excellence of the musical and theatrical performances that they could enjoy in the monasteries of the city. This essay aims to reconstruct the times, the modalities, and the contents of the theatrical offerings in the female monasteries of Naples at the beginning of the 18 th century, all of which are still unknown today. In particular, the case of the Franciscan monastery of St Chiara will be examined. Through the patronage of Queen Maria Amalia, musical and theatrical performances played an active leading role in the configuration of a specific theatrical type and taste and increased the education of the nuns and young women who were educated in the monastery, representing and legitimising new feelings and sensibilities. The religious women found a way to talk of their feelings and concerns together; they forged relationships even with the environments outside of the monastery and especially with the Queen’s court and with the courts of the aristocratic palaces of their families of origin.
Studi recenti hanno fatto luce sull’ambiente musicale e sul teatro monastico femminile di molte città italiane tra Cinque e Settecento, conferendo spessore documentario alla fama di cui tali forme di spettacolo godevano nella letteratura da viaggio e nella memorialistica cittadine dell’epoca. Si trattava di pratiche culturali vietate dalla normativa post-tridentina, eppure spettacoli teatrali, sia in prosa che in musica, ebbero una enorme fortuna e diffusione nei monasteri maschili e femminili. Napoli, in particolare, sin dal secolo XVII, se non da addirittura prima, richiamò viaggiatori provenienti da mezza Europa anche in virtù della eccellenza delle esecuzioni musicali e teatrali di cui era possibile fruire nei monasteri della città. Il saggio prova a far luce su tempi, modalità e contenuti dell’offerta teatrale dei monasteri femminili napoletani agli inizi del secolo XVIII, in particolare del monastero delle francescane di S. Chiara che, grazie al patronage della regina Maria Amalia, pare abbia avuto un ruolo attivo e trainante nella configurazione di uno specifico genere e gusto teatrali volto a incrementare l’istruzione delle religiose e delle giovani che venivano educate nel monastero, ma anche a rappresentare e legittimare sentimenti e nuove sensibilità. Le religiose vi trovarono un modo per raccontarsi, fare affiorare e comunicare i propri sentimenti e inquietudini, attivare forme di sociabilità e di relazioni sociali dentro e fuori il monastero, tra i monasteri e le corti, quella della Regina e le corti dei palazzi aristocratici delle loro famiglie di origine.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 119-133
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Attrici d’avanguardia e teatro femminista a Roma negli anni Settanta: nuovi luoghi e linguaggi
Avant-garde Actresses and Feminist Theatre in Rome in the 1970s: New Stages and New Forms of Expression
Autorzy:
Giacobbe Borelli, Maia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446652.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
avant-garde theatre
feminism
New Theatre
Rome
1974–1979
avanguardia teatrale
femminismo
Nuovo Teatro
Roma
Opis:
This essay is based on one of the ORMETE (Oralità Memoria Teatro: www.ormete.net) projects: Donne di teatro a Roma ai tempi della mobilitazione femminista (1965–1985). The research shows the inter-relations between the feminist movement and the actresses of the avant-garde scene in Rome. The focus of each of the women’s personal narrations is characterised by its strong and definite feminist or anti-conformist identity and by its determination to channel its own imagery in the experimental scene of the avant-garde. Many of the women gathered in feminist companies or joined collective groups; some ventured the road of dramaturgy, while still others dared more alternative, experimental kinds of solo performances. This text sheds light on a variety of alternative spaces for performances in Rome. It is there where these new forms of theatrical expressions were born.
L’intervento, che attinge a una ricerca in corso nel quadro di ORMETE (Oralità Memoria Teatro: www.ormete.net) Donne di teatro a Roma ai tempi della mobilitazione femminista (1965– –1985), cerca di mettere a fuoco gli intrecci fra mobilitazioni femministe e protagonismo delle attrici a Roma, fra il 1974 e il 1979. L’affermazione di un’identità femminile forte e anticonformista caratterizza il racconto di tutte queste donne, determinate a trovare la strada per esprimere il proprio immaginario e la propria diversa presenza nel mondo romano della ricerca teatrale. Molte si sono associate in compagnie o collettivi, alcune hanno tentato la strada della drammaturgia, altre hanno scelto la forma della performance più trasgressiva. L’indagine mette l’accento sui molti luoghi di Roma dove i diversi linguaggi scenici hanno trovato la luce.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 257-273
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
A paradoxal asimilación da actividade teatral anterior á Guerra Civil no momento refundacional do teatro galego
Autorzy:
Biscainho-Fernandes, Carlos-Caetano
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2079168.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
galician theater
reestablishment
legitimacy
memory recovery
national imaginary
teatro galego
refundación
lexitimación
recuperación da memoria
imaxinario nacional
Opis:
A finais da pasada década de sesenta, iníciase na Galiza un proceso de recuperación da actividade dramática vehiculizada en galego. Os participantes nese proceso refundacional do sistema teatral galego ignoraban inicialmente todo o realizado nos palcos do país antes do golpe de estado fascista. O réxime ditatorial encargárase de apagar calquera información que puidese servir de elemento cohesionador da sociedade galega e promovía outros trazos –intensamente folclorizados– que, permitindo unha lasa filiación emocional coa terra, non colidisen coa súa ideoloxía imperialista. A recuperación e a posta en valor do sucedido teatralmente na Galiza antes de 1936 encaixaba perfectamente na vontade de contestación ao réxime e de procura dun espazo galego de participación cidadá que o franquismo negaba, vontade que os tiña levado ao reencontro coa reivindicación nacional. Os envolvidos na actividade escénica galega refundacional foron conscientes de que o coñecemento do pasado enriquece o imaxinario nacional e este representa unha poderosa arma contra a subalternidade. Repásanse aquí os paradoxos en que se tiveron que mexer, pois a actividade teatral galega das primeiras décadas do século XX ficaba temática e esteticamente moi afastada do teatro que se quería facer e trazar a ponte co pasado tornábase difícil.
Źródło:
Itinerarios; 2014, 20; 89-99
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Dopo l’Ottocento delle attrici, qualche punto fermo sulle attrici italiane del Novecento
After the 1800’s, “Century of Actresses”, a Few Core Points on Italian Actresses in the 1900’s
Autorzy:
Mariani, Laura
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/446418.pdf
Data publikacji:
2019-11-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
19 th century
20 th century
theatre
actress
history of women
Ottocento
Novecento
teatro
attrice
storia delle donne
Opis:
Critical studies on the theatre from the 19 th and 20 th centuries, even founding ones, are limited as they do not include a gender category – a paradox in a space where bodies are central. The actresses, in fact, give life to different stories, which allow for the enrichment of historical-critical reconstructions. Given the vastness of the topic, this article aims to identify some fundamental turning points. We begin with the legacy of the 19 th century, rich from both a linguistic and a historical-critical viewpoint; the article moves on to the post-Duse period, which saw, on the one hand, the birth of the actor-artist’s Italian specificity and, on the other, the crisis of female leaders of theatre companies; then, the article discusses the birth of Italian theatre direction in the period following the Second World War and the reaction of a few actresses, like Anna Magnani, who aimed to re-create the reality that was to be reclaimed by the history of theatre. Finally, the article explores the breakdown caused by the New Theatre and even calls into discussion the word for “actress”, with overlaps in the fields of theatre direction and dramaturgy.
Gli studi critici sul teatro dell’ 800 e del 900, anche quelli fondativi, hanno il limite di non usare la categoria di gender: un paradosso in un ambito in cui il corpo è centrale. Le attrici infatti danno vita a storie diverse, che permettono di arricchire le ricostruzioni storico-critiche. Data l’ampiezza del tema, il saggio punta sull’individuazione di alcuni snodi fondamentali: il lascito ottocentesco, ricco sia dal punto di vista del linguaggio che da quello socio-culturale; il dopo-Duse, che registra da un lato la nascita della specificità italiana dell’attore-artista e, dall’altro, la crisi del capocomicato femminile; la nascita della regia italiana nel secondo dopoguerra e la reazione di alcune attrici che puntano sulla ri-creazione della realtà, come Anna Magnani, che va riconquistata alla storia del teatro; la rottura operata dal Nuovo teatro e la messa in discussione sin della parola attrice, con sconfinamenti nei campi della regia e della drammaturgia.
Źródło:
Italica Wratislaviensia; 2019, 10.2; 195-222
2084-4514
Pojawia się w:
Italica Wratislaviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 23

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies