Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "Sztuka wspólczesna" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-25 z 112
Tytuł:
58. Międzynarodowa Wystawa Sztuki La Biennale di Venezia – przestrzeń refleksji (bez) nadziei
Autorzy:
Marcinkowska, Beata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/26850707.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi
Tematy:
sztuka współczesna
biennale
wenecja
Źródło:
Powidoki - magazyn artystyczno-naukowy; 2020, 3; 200-205
2657-652X
Pojawia się w:
Powidoki - magazyn artystyczno-naukowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Dzien-Nik Jacka Wesołowskiego. Historia, poetyka, etyka.
Autorzy:
Zalejski-Smoleń, Tomasz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/560065.pdf
Data publikacji:
2006-02-02
Wydawca:
Uniwersytet Wrocławski. Instytut Historii Sztuki
Tematy:
sztuka współczesna
XX wiek
Jacek Wesołowski
Źródło:
Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego; 2006, 2(2); 60-76
1896-4133
Pojawia się w:
Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Prywatne + dialekt = kapitał
Autorzy:
Deliss, Clémentine
Nowicka-Wojnowska, Martyna
Półtorak, Arkadiusz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2194919.pdf
Data publikacji:
2022-02-11
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
produkcja wiedzy
sztuka współczesna
autoetnografia
anonimowość
Opis:
Esej stanowi próbę namysłu nad specyficznym charakterem produkcji wiedzy w kontekście sztuki współczesnej. Autorka dowodzi w nim znaczenia nieformalnych działań wiedzotwórczych, odnosząc się w autoetnograficzny sposób do własnych projektów edukacyjnych, wydawniczych i kuratorskich (jak Metronome Press czy Future Academy).
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Arte et Educatione; 2020, 15, 335; 56-66
2081-3325
2300-5912
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Arte et Educatione
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Codzienność i polityka. Społeczny wymiar nowej duchowości w polskiej sztuce współczesnej
Everyday life and politics. Social dimension of new spirituality in Polish contemporary art
Autorzy:
Chodań, Przemysław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424332.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
nowa duchowość
codzienność
polityka
posthumanizm
sztuka współczesna
Opis:
Current interest in religion, religiosity and spirituality may be viewed as belonging to a post-secular turn, representatives of which are related to critical, social and philosophical, leftist theory. Literary studies of the Bible, traditional religious iconography and contemporary art have become sources of extra-ecclesiastical, feminist and queer theology. Post-humanist thought is an equally significant theoretical context or the so-called ‘new spirituality’ in Polish contemporary art as post-secularism. In her essential study, Bio-transfigurations. Art and Aesthetics of Posthumanism, Monika Bakke argues that it is impossible to speak today about a single posthumanism, however, for Rosi Braidotty, the leading spokesperson for posthumanism, post-secularism seems to be a notable point of reference. It is also note-worthy that numerous tenets of Braidotti’s posthumanism seem to correspond with extant conceptualisations of posthumanism in academic discourse: the struggle for emancipation of subjects (new spirituality speaks of transgression and transcending individual limitations); immanentism (sacrum accessible in earthly life); deconstruction of oppositions and a tendency towards holism, or even monism (in posthumanism, Spinoza-inspired new/vitalist materialism of Braidotti); emphasis on the affective dimension of cognitive processes (including, in social sciences); importance of experience; and connecting a critical with an affirmative approach. The work by Ola Kozioł, Honorata Martin and Magdalena Starska provides examples of individualised spirituality, focused on everyday life, with an interest in interpersonal and inter-species relationships. The political in these artforms is expressed in an examination of risks and direct formulation of postulates for social change (Kozioł), but its primary expression is a commitment to everyday life, opening an individual to a search for meanings beyond themselves, in group activities, in a dialogue with others, with nature and in inter-species relationships (Kozioł, Starska, Martin). A postuhmanist perspective points at new forms of spirituality, manifested in a very different realm than the religion of the future, proclaimed by the pioneer of sociology, Emil Durkheim, or ‘the cult of the individual’. It presupposes a communality and a relational construction of meanings; it has feminist aspects and sometimes reiterates counter-cultural postulates, resembling those put forward by the 1960s counter-culture.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2017, 16; 81-89
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Amerykańskie Madonny. Macierzyństwo w twórczości Mary Kelly i Roberta Gobera.
Autorzy:
Markowska, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/560135.pdf
Data publikacji:
2007
Wydawca:
Uniwersytet Wrocławski. Instytut Historii Sztuki
Tematy:
amerykańska sztuka współczesna
Mary Kelly
Robert Gober
Źródło:
Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego; 2007, 2(4); 73-91
1896-4133
Pojawia się w:
Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka i krytyka socjopolityczna na stacji benzynowej. O Cremasterze 2 Matthew Barneya.
Autorzy:
Markowska, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/560199.pdf
Data publikacji:
2006-02-02
Wydawca:
Uniwersytet Wrocławski. Instytut Historii Sztuki
Tematy:
sztuka współczesna
Matthew Barney
Cremaster
postbiologizm
posthumanizm
Źródło:
Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego; 2006, 2(2); 77-94
1896-4133
Pojawia się w:
Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Religious Motifs in Polish Contemporary Art Using the Crucifixion: An Outline of the Problem
Motyw religijny w polskiej sztuce współczesnej na przykładzie ukrzyżowania. Zarys problemu
Autorzy:
Bigaj-Zwonek, Beata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1038201.pdf
Data publikacji:
2020-03-01
Wydawca:
Akademia Ignatianum w Krakowie
Tematy:
ukrzyżowanie
ikonografia
sztuka współczesna
crucifixion
iconography
contemporary art
Opis:
Sacred motifs have a long tradition in art and ample figurative representation. They have been present in the visual arts for numerous reasons, from the need to identify faith to artistic expression based on commonly-known truths and stories saturated with meaning. In the art of the twentieth century, Christian motifs were often an excuse to speak about the world, its threats and fears, and the human condition. Polish artists frequently availed themselves of religious symbols and systems in the post-war era, and during the political transformation of the 1980s, they became a way to articulate uncertainty, expectation, and hope for change. Today, the religious trope is a pretext for artistic commentary on religion, social problems, and internal issues of the creators themselves. The article explores the causes and the nature of artistic practice rooted in Christian iconography in Polish contemporary art, with a particular emphasis on the motif of the crucifixion.
Motywy sakralne mają w sztuce długą tradycję i bogatą reprezentację figuralną. W plastyce były obecne z różnych pobudek, od potrzeby identyfikacji wiary po możliwość artystycznej ekspresji bazującej na powszechnie znanych prawdach i historiach nasyconych treścią. W sztuce XX wieku motyw chrześcijański bywał wielokrotnie pretekstem do wypowiedzi o świecie, o jego zagrożeniach, lękach, o kondycji człowieka. W Polsce po znaki i układy religijne sięgano w sztuce niejednokrotnie w czasach powojennych, a w okresie przełomu politycznego lat 80. stały się one sposobem wyrażania niepewności oraz oczekiwania i nadziei na zmiany. Także dzisiaj motyw religijny stanowi pretekst do różnorodnych wypowiedzi artystycznych, które dotyczą religii, problemów społecznych oraz wewnętrznych przeżyć samych twórców. Artykuł zarysowuje powody i charakter przekazów plastycznych opierających się na ikonografii chrześcijańskiej w polskiej sztuce współczesnej, ze szczególnym uwzględnieniem motywu ukrzyżowania.
Źródło:
Perspektywy Kultury; 2020, 28, 1; 149-166
2081-1446
2719-8014
Pojawia się w:
Perspektywy Kultury
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
List do Jane (Dochodzenie w sprawie pewnej funkcji)
Autorzy:
Sheikh, Simon
Półtorak, Arkadiusz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2194920.pdf
Data publikacji:
2022-02-11
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
zwrot edukacyjny
pedagogika
kuratorstwo
krytyka instytucjonalna
sztuka współczesna
Opis:
W eseistycznym tekście autor rozwija oryginalne ujęcie zwrotu pedagogicznego czy edukacyjnego w sztukach i kuratorstwie. Posiłkując się interpretacjami prac artystycznych (jak Museum Highlights: A Gallery Talk Andrei Fraser 1991), wiedzą historyczną oraz analizami pojęć teoretycznych, autor przekonuje, że omawiany zwrot stanowił swoistą odpowiedź na przemiany muzeów w dobie późnego kapitalizmu, w tym na pogłębiającą się specjalizację pracy muzealników. Postuluje też, że związek pomiędzy praktykami wystawienniczymi oraz pedagogiką nie jest wcale novum w historii sztuki, lecz stanowi relację konstytutywną dla sztuki nowoczesnej od samego jej zarania.
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Arte et Educatione; 2020, 15, 335; 8-20
2081-3325
2300-5912
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Arte et Educatione
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The artist as a contemporary contestant in literary essays of Lech Majewski
Artysta jako współczesny kontestator w esejach literackich Lecha Majewskiego
Autorzy:
Kaptur, Ewa Barbara
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/33545462.pdf
Data publikacji:
2022
Wydawca:
Polski Uniwersytet na Obczyźnie w Londynie
Tematy:
świat współczesny
sztuka współczesna
anamneza
ukryte znaczenie
symbol
Opis:
Przedmiotem wystąpienia jest krytyczna diagnoza współczesności wypowiedziana językiem Lecha Majewskiego – współczesnego humanisty, artysty totalnego XX i XXI wieku – w trzech tomach jego esejów: Oficjalne centrum świata (1998), Pejzaż intymny (2017) i Ukryty język symboli (2020). Artysta piętnuje nasze zapomnienie języka sztuki i postuluje jego anamnezę jako artysta zadomowiony w świecie symboliki antyku grecko-rzymskiego i Biblii, podwalin kultury europejskiej. Bez znajomości wspomnianej symboliki współczesne zrozumienie dzieł sztuki minionych wieków, a także współczesności jest jednowymiarowe, a przestrzeń kultury, w której funkcjonujemy, paradoksalnie pozostaje przed nami ukryta, przestaje dla nas istnieć. Jak twierdzi Majewski: Eksplozja bodźców prowadzi do implozji znaczenia i odczuwania, eksplozja środków komunikacji prowadzi do zaniku treści. Ponieważ człowiek to animal symbolicum, egzystencja bez symboli powoduje, że współczesny człowiek ucieka od siebie samego, istnieje w oddaleniu od siebie samego – współczesność nas niweluje. Diagnoza Majewskiego pozbawia nas złudzeń – współczesna sztuka to sztuka anihilacji. Fakt, iż w XX wieku człowiek wyparował ze sztuki, Majewski wiąże z ogromem wojen ubiegłego wieku i pyta, czy to sztuka naśladuje naturę, czy natura sztukę.
Źródło:
Zeszyty Naukowe PUNO; 2022, 1; 149-157
2052-319X
Pojawia się w:
Zeszyty Naukowe PUNO
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Interpretacje nieobecności i obecności historii w artystycznych projektach wizualnych
Autorzy:
Sobolewska, Ludmiła Małgorzata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/646070.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
konflikt zbrojny
antyhistoria
anegdota
sztuka współczesna
anty-pomnik
Opis:
Interpreting the presence and absence of history in artistic visual projects In the article I analyze selected artistic projects presented at international art exhibitions - 55. The Biennial of Art in Venice (2013) and Documenta (13) in Kassel (2012). What binds the projects is the historical connotation which becomes a pre-text for artistic creation. The artists were inspired by unwritten events, yet determined by the presence of other facts. The origin of the topics are military conflicts which provoke questions concerned with experiencing violence, as well as nationalist ideologies confronted with the ideas of humanism. What is more, the ethic part of these projects becomes a value of itself, which is particularly visible in the non-traditional form. The projects described are as follows: Letter to a Refusing Pilot by Akram Zaatari, an installation by Zsolt Asztalos entitled Fired but Unexploded and a countermonument by Horst Hoheisel in Kassel. Akram Zaatari uses an anecdote, a mysterious historical detail as an exemplum of the event which deconstructs the official political order. The installation by Zsolt Asztalos Fired but Unexploded mentions dormant conflicts which nonetheless bear the same historic burden. A negative reconstruction of a fountain called Jewish by Horst Hoheisel found in Kassel, is a postulate of revoking traumatic history. Key words: military conflict; counterhistory; anecdote; modern art; counter-monument;
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria; 2015, 15; 148-156
2081-1853
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Artystyczna funkcja pracy konserwatora (Artykuł dyskusyjny)
THE ARTISTICAL FUNCTION OF THE CONSERVATOR’S WORK
Autorzy:
Furdyna, Józef
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/535925.pdf
Data publikacji:
1970
Wydawca:
Narodowy Instytut Dziedzictwa
Tematy:
konserwator-artysta
sztuka dawna
sztuka współczesna
teoria konserwacji
dokumentacja konserwatorska
Opis:
To throw the light on some doubtful problems connected with the work of a conservator acting as an artist was the author’s intention in preparing of his article. For his considerations were taken into account both the art of the past and that modern seen from the point of view of their social function with regard to actual cultural requirements and basing on elements of the art and artistic production theory. Going on an assumption that the monuments of art affected by the action of time and under influence of local conditions are subjected to constant changes and destruction it may be generally stated that the scope of conservation in equal measures consists in protection and preservation of both the documentary and artistic values present in the works but also in the aesthetical and artistical preparation and arranging of the objects subjected to conservation for utilitarian purposes. As has already many times been emphasized in his theoretical publications and practically applied solutions by the late Professor J. E. Dutkiewicz the conservation so meant may, and in several cases should display an artistically active and creatively orientated attitude. As an obligatory rule in conservation should be accepted the striving to get the most precisely defined truth about the work of art — comprising the historical, material, content, and artistic truth in the object by itse lf representing an authentic record of the time, style, place and ideology. In his efforts aimed at the practical defining the precise truth about the work the conservator as an executor should possess a good deal of manual abilities and also be conscious in his choice of technological methods and possibilities of historical and style argumentation. As the manual abilities of a conservator are to be understood both the skill and artistry able to subordinate his activities to the final, purely artistic result. The problem, however, does not merely consist in the active apprehension of conservation as an one of artistic disciplines. A considerable number of works of art has come up to our days in fragmentary forms. In the proper elaboration, arrangement and organisation on a wall, within an interior, in a sculpture or picture of authentic elements are to be sought the possibilities and in some cases even the artistic and utilitarian sense of the conservator’s action. Since the conditionings of an existence are not only contemporary but also historical ones, in his search for authenticity in works which frequently enough is not linked with a single author or even the single historical period he must form these works purposefully, by his creative will, at the same time furnishing them with a documentary force and binding them with the context of the local artistic realities. A purposeful arrangement of an ancient work of art in a neighbourhood of modern elements or with a linkage to the new social, ideological, educational or utilitarian functions frequently results in a quite unexpected, artistically modern expression. And also in this respect it may be considered as the creative act from the other artistic disciplines differing only by its kind and „taste” of engagement. The conservator’s ex e cu tion in Poland, repudiating the formerly observed rules of the style purity, the ignoring of the cultural context of the work, the belief that the work of art represents a pure product of an artistic concept as such deserving the extension of its life, is rising nowadays to the level of an authentic artistical discpline with its strictly determined and unique, own peculiarities. As the expression of such approach to this profession may be considered the fact that those w illing to act as conservators are being trained mainly at the Academies of Fine Arts and within the final period of their studies specialising in their respective lines of the future activities. At the end of his article the author makes an attempt to determine the terms — fine arts and beautiful arts, relating them to the specialised section of the Union of Polish Artists which, according to its statuary outlines, is being understood as a kind of professional community. Within this community there is a place for different artistical orientations, including the s.c. applied art, to which the conservation is closely related being today lastingly connected with the programme of building the culture of the nation who has suffered such immense losses in her history.
Źródło:
Ochrona Zabytków; 1970, 4; 243-249
0029-8247
Pojawia się w:
Ochrona Zabytków
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Wpływ figuratywności obrazu i zapoznania się z informacją katalogową na percepcję estetyczną malarstwa współczesnego przez ekspertów i laików
The Influence of Figurative Images and Catalogue Information on the Aesthetic Perception of Contemporary Painting
Autorzy:
Szubielska, Magdalena
Niestorowicz, Ewa
Bałaj, Bibianna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/468052.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
sztuka współczesna
percepcja estetyczna
malarstwo figuratywne i abstrakcyjne
eksperckość
Opis:
Przedmiotem artykułu jest badanie percepcji estetycznej obrazów figuratywnych i abstrakcyjnych, których oglądanie poprzedzało bądź nie zapoznanie się z informacją katalogową przez laików i ekspertów. Tło teoretyczne badań stanowiła koncepcja uwzględniająca postrzeganie dzieła malarskiego z perspektywy formy, treści i aksjologii. Uzyskane wyniki sugerują, że laicy mogą mieć trudności w odbiorze warstwy formalnej sztuki współczesnej. Laicy mogą też napotkać problemy, interpretując obrazy abstrakcyjne, w czym jednak może pomóc im zapoznanie się z opisem katalogowym.
The aim of the article is to examine the aesthetic perception of figurative and abstract paintings by groups of naive and experienced viewers with or without the knowledge of the information provided in the catalogue. The experiment was based on the theoretical concept of viewing the paintings from the perspective of form, content and axiology. The results of the research suggest that naive viewers can find the reception of the formal level of contemporary art difficult. They are also inclined to experience difficulties in the interpretation of abstract paintings. This, however, can be facilitated by providing them with the catalogue description.
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Psychologica; 2016, 9; 21-34
2084-5596
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Psychologica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The impact of reading or listening to a contextual information relating to contemporary paintings on the evaluation by non-experts in the field of art
Autorzy:
Szubielska, Magdalena
Francuz, Piotr
Niestorowicz, Ewa
Bałaj, Bibianna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1165493.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Uniwersytet Kazimierza Wielkiego w Bydgoszczy
Tematy:
informacja kontekstowa
malarstwo abstrakcyjne i figuratywne
ocena estetyczna
sztuka współczesna
Opis:
Celem badania była analiza wpływu zapoznania się z opisem katalogowym w różnych warunkach: przeczytania lub wysłuchania opisu przed obejrzeniem obrazu, wysłuchania opisu w trakcie oglądania obrazu, braku opisu (warunek kontrolny) na ocenę abstrakcyjnego i figuratywnego malarstwa współczesnego. W badaniach uczestniczyli studenci, którzy nie byli ekspertami w dziedzinie sztuki. Badani oglądali reprodukcje obrazów, znając bądź nie ich opisy katalogowe. Obrazy oceniano z perspektywy formy, treści i aksjologii, z wykorzystaniem kwestionariusza oceny dzieła malarskiego. Jego konstrukcję wywiedziono z teorii estetyki Romana Ingardena. Za podstawę teoretyczną badań posłużyły koncepcje: (1) pamięci roboczej, (2) podwójnego kodowania oraz (3) płynności przetwarzania i przyjemności estetycznej. Weryfikowano hipotezy, zgodnie z którymi nieprofesjonalni odbiorcy oceniają wyżej na wymiarze aksjologicznym obrazy, jeśli zapoznają się z ich opisami katalogowymi (zwłaszcza w sytuacji jednoczesnego oglądania obrazu i słuchania opisu); a także jeśli są to obrazy figuratywne. Okazało się, że nieprofesjonalni odbiorcy sztuki bardziej doceniają współczesne obrazy figuratywne niż abstrakcyjne – co potwierdza przyjętą hipotezę. Stwierdzono też, że wartościowanie dzieła przez niedoświadczonego widza zależy nie tyle od podania mu informacji katalogowej, ale od sposobu zapoznania się odbiorcy z tą informacją. Odkryciem nowym w stosunku do wcześniejszych badań jest ustalenie, iż nieprofesjonalnym odbiorcom sztuki współczesne obrazy podobają się bardziej i w większym stopniu wzbudzają pozytywne emocje, gdy ich oglądaniu towarzyszy wysłuchanie informacji katalogowej, niż gdy informacja katalogowa wysłuchana jest tuż przed oglądaniem dzieła. Rezultat ten jest ważny aplikacyjnie i może zostać wykorzystany m.in. przez działy edukacji galerii i muzeów.
Źródło:
Polskie Forum Psychologiczne; 2018, XXIII, 3; 610-627
1642-1043
Pojawia się w:
Polskie Forum Psychologiczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Studenci Uniwersytetu Zielonogórskiego jako odbiorcy współczesnej sztuki
University of Zielona Gora students as the receivers of contemporary art
Autorzy:
Mianowska, Edyta
Narkiewicz-Niedbalec, Ewa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/423603.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Lubuskie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
Studenci
Sztuka wspólczesna
Instytucje kultury
Students
Sontemporary art
Cultural institutions
Opis:
Artykuł przedstawia wyniki badań empirycznych z początku 2011 roku, dotyczących uczestnictwa w kulturze studentów Uniwersytetu Zielonogórskiego. Jedna grupa badanych studentów została do badania wylosowana, druga dobrana celowo spośród studentów pedagogiki, a trzecią stanowili studenci Wydziału Artystycznego – muzycy i plastycy, którzy zgodzili się wziąć udział w badaniu. Za wskaźniki uczestnictwa w kulturze przyjęto uczęszczanie do kina, teatru, filharmonii, na koncerty muzyki popularnej (rockowej) oraz czytanie książek. Studenci najliczniej chodzą do kina, dość często na koncerty muzyki popularnej. Zdecydowanie rzadziej chodzą do teatru, a sporadycznie do filharmonii. Sprawdzano, jakie cechy (płeć, sytuacja materialna, pozostawanie w związku, wykształcenie matki i ojca) różnicują uczestnictwo w kulturze. Znacząca różnica dotyczy czytelnictwa – studentki częściej niż studenci sięgają po książki (80 % do 68 %). Drugim wątkiem zaprezentowanym w artykule jest sposób postrzegania współczesnych, kontrowersyjnych dzieł sztuki bądź działań artystycznych. Studenci dzielą się niemalże na trzy równoliczne grupy, takich którzy uznają pełną swobodę artystów do tworzenia, takich którzy uznają pewne dzieła/działania za przejaw sztuki, ale nie potrafią ich osobiście zaakceptować. Trzecia grupa to studenci, którzy kontrowersyjnym dziełom/działaniom w ogóle odmawiają miana sztuki.
The paper presents the results of empirical research conducted at the beginning of 2011 concerning the participation of University of Zielona Góra students in culture. One group of the examined students was randomly chosen, the other was selected deliberately among the students of pedagogy, and the third group included the students of the Faculty of Arts – musicians and visual artists who agreed to participate in the research. The following indicators of participation in culture were adopted: going to the cinema, theatre, concert hall, pop music concerts (rock) and reading books. Students most often go to the cinema and relatively often to pop music concerts. They definitely rarely go to the theatre and only occasionally to the concert hall. It was checked what characteristics (sex, financial situation, being in a relationship, education of parents) differentiate participation in culture. A significant difference applies to reading – female students (80%) more often read books than male students (68%). Another exception presented in the article is the way of perceiving contemporary and controversial pieces of art or artistic activities. Students are divided into almost three equal groups: those who recognize the artistic freedom, those who recognize certain works/activities as a manifestation of art but cannot accept them personally, and those who refuse the name of art to controversial pieces of art/ activities.
Źródło:
Rocznik Lubuski; 2014, 40, 2a; 291-313
0485-3083
Pojawia się w:
Rocznik Lubuski
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
JAK NADAWAĆ ZNACZENIE? WYSTAWA „STAN ŻYCIA. POLSKA SZTUKA WSPÓŁCZESNA W KONTEKŚCIE GLOBALNYM” W NATIONAL ART MUSEUM OF CHINA W PEKINIE
HOW TO GIVE MEANING? “STATE OF LIFE. POLISH CONTEMPORARY ART WITHIN A GLOBAL CONTEXT”. AN EXHIBITION IN THE NATIONAL ART MUSEUM OF CHINA IN BEIJING
Autorzy:
Jarosław, Lubiak,
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/433512.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Krajowy Ośrodek Badań i Dokumentacji Zabytków
Tematy:
sztuka współczesna
sztuka globalna
narratologia
muzeum
ekspozycja narracyjna
tożsamość narodowa
konstelacja doświadczeń.
Opis:
In 2015, the National Art Museum of China in Beijing hosted an exhibition entitled “State of Life. Polish Contemporary Art within a Global Context”. It was a comprehensive and diversified presentation of Polish culture in China, and both its content and professional intent drew upon three main challenges. The first consisted in incorporating the experiences dispersed and offered by contemporary art in a story which would at some point correspond to the format of a national presentation. The core difficulty was the complexity and ambiguity of the relationship between contemporary art and national identity, and more precisely the form of the nation. The second challenge was translating those experiences into a story which would be understood by the audience from a different and remote culture. The obstacle was not only the translation itself, but also the very subtle aspect of the differences in the importance of similar experiences in diverse cultural contexts. The third challenge was to arrange cooperation between two countries whose cultural policies differ completely and whose cultural infrastructure is organised quite differently. Those challenges resulted in the methodology of the exhibition which, contrary to narrative exhibitions and typical expositions of contemporary art, implied the creation of a story through experiences materialised in works of art.
W 2015 r. odbyła się w National Art Museum of China w Pekinie wystawa „Stan życia. Polska sztuka współczesna w kontekście globalnym”. Była elementem szerokiej i zróżnicowanej prezentacji kultury polskiej w Chinach, jednocześnie na poziomie merytorycznym oraz profesjonalnym stanowiła odpowiedź na trzy zasadnicze wyzwania. Pierwsze z nich polegało na wpisaniu rozproszonych doświadczeń oferowanych przez sztukę współczesną w opowieść, spotykającą się w jakikolwiek sposób z formatem prezentacji narodowej. Podstawowa trudność wynikała tu ze złożonej i niejednoznacznej relacji sztuki współczesnej do narodowej tożsamości, a ściślej do formy narodu. Drugim wyzwaniem było przełożenie tych doświadczeń na opowieść, która byłaby czytelna dla odbiorców z odmiennej i odległej kultury. Trudnością nie była tu wyłącznie sama translacja, lecz również subtelna kwestia różnic w ważko- ści podobnych doświadczeń w odmiennych kontekstach kulturowych. I wreszcie trzecim wyzwaniem było ułożenie współpracy w sytuacji, gdy w obu krajach prowadzone są zupełnie odmienne polityki kulturalne oraz zupełnie inaczej zorganizowana jest kulturalna infrastruktura. W odpowiedzi na te wyzwania opracowana została metodologia wystawy, która w przeciwieństwie do ekspozycji narracyjnych oraz typowych pokazów sztuki współczesnej, zakładała stworzenie opowieści przez ustanawianie konstelacj
Źródło:
Muzealnictwo; 2016, 57; 154-165
0464-1086
Pojawia się w:
Muzealnictwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka wobec przemian wartości – perspektywa pedagogiczna
Autorzy:
Zalewska-Pawlak, Mirosława
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/33953824.pdf
Data publikacji:
2022
Wydawca:
Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej
Tematy:
education
art
values
modern art
culture
edukacja
sztuka
wartości
sztuka współczesna
kultura
Opis:
Celem podjętych rozważań jest ukazanie aksjologicznego statusu sztuki, zwłaszcza sztuki współczesnej, wobec kulturowych przemian wartości. Wskazano na zagrożenie w zachodzących przemianach wartości w skali globalnej i europejskiej. Zaprezentowane zostały próby przeciwdziałania tym niekorzystnym zmianom w sferze wartości. Jednym z kierunków poszukiwań jest odwołanie do trwałych wartości kultury europejskiej, stanowiących dorobek wielu pokoleń. Innym kierunkiem poszukiwań jest ustalenie wartości, które mogą być akceptowane w świecie zróżnicowanym kulturowo. Dobro wspólne jest proponowane jako uniwersum aksjologiczne. W kontekście ukazanych współczesnych problemów przedstawiono potencjał aksjologiczny sztuki w polskiej teorii pedagogicznej. Zawiera się on zarówno w ukazaniu sztuki jako wartości autotelicznej, jak i w zaktualizowanych wartościach edukacyjnych. Uwzględniono zmiany w obszarze edukacyjnym sztuki, biorąc pod uwagę sztukę współczesną, popularną i net-art. Przywołano koncepcje sztuki z postmodernistycznej filozofii, które obecne są w interpretacji pedagogicznej, co wpłynęło na podkreślenie wartości rozumienia siebie i świata przez sztukę. Z uwagi na podwójny potencjał sztuki w pedagogice sztuka może stanowić uniwersum aksjologiczne dla edukacji XXI w.
The purpose of undertaken considerations is to exhibit axiological status of art, modern art in particular, against cultural transition of values. Dangers of ongoing transformation of values on global and European scale were pointed out. Attempts of counteracting those adverse changes of values have been presented. One course of the research is a reference to the permanent values of European culture constituting achievements of many generations. Another direction is determination of values, that can be accepted in multicultural world. The common good is proposed as an axiological universe. The axiological potential of art in Polish pedagogy theory is shown in the context of contemporary problems. It is incorporated in presenting art as an autotelic value and in updated educational values. Changes in the field of art education have been considered, including modern, popular and net-art. The concepts of art from postmodern philosophy present in pedagogical interpretation were recalled, which emphasizes value of understanding oneself and the world through art. Due to the dual potential of art in pedagogy, it can constitute axiological universe for 21st-century education.
Źródło:
Annales Universitatis Mariae Curie-Skłodowska, sectio J – Paedagogia-Psychologia; 2022, 35, 4; 19-29
0867-2040
Pojawia się w:
Annales Universitatis Mariae Curie-Skłodowska, sectio J – Paedagogia-Psychologia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Charakterystyka twórczości Anupam Sud
Characteristics of Anupam Suds art
Autorzy:
Bednarz, Ewelina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/460079.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:
sztuka współczesna, sztuka indyjska, współczesna sztuka indyjska, sztuka kobieca, grafika, malarstwo, śakti, anupam sud
contemporary art, indian art, contemporary indian art, feminine art, woman art, graphics, painting, shakti, anupam sud
Opis:
Anupam Sud is considered as one of the greatest contemporary artists in India. The author makes polish readers more familiar with this artist. We focused on Sud's main works – graphics, paintings and even a sculpture. The article contains discussion about one of Sud’s most widely used motifs– a woman in search of shakti. Moreover, it covers issues of human depravity, one’s contempt for another, and primarily it points out main problem being faced by Hindu women in a patriarchal society. We draw attention to the most characteristic features of Anupam Sud’s work – artwork as manifested (by which Sud tries to draw attention to the Hindu woman’s situation), chiaroscuro and anatomy.
Anupam Sud jest zaliczana do grona najwybitniejszych współczesnych artystów w Indiach. Autorka w swoim tekście przybliża postać mało znaną polskiemu czytelnikowi. Omawia główne jej dzieła – graficzne, malarskie i jedną rzeźbiarską. Snuje rozważania na temat jednego z popularnych typów przedstawień kobiecych, chętnie ukazywanego przez artystkę – kobiety, która poszukuje śakti. Ponadto porusza problem zepsucia człowieka, gardzenia drugim, a przede wszystkim wskazuje na problemy, jakie towarzyszą Induskom w patriarchalnym społeczeństwie. Autorka prezentuje najbardziej charakterystyczne cechy twórczości Anupam Sud: szczegółowe przedstawianie anatomii, mistrzowskie operowanie światłocieniem oraz dzieła-manifesty, którymi graficzka stara się zwrócić uwagę odbiorców na sytuację kobiet w Indiach.
Źródło:
Ogrody Nauk i Sztuk; 2016, 6; 458-463
2084-1426
Pojawia się w:
Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Golem. Podmiotowość Posthumanistyczna, Zbuntowana i Rewolucyjna
The Golem. Posthumanistic, Rebellious and Revolutionary Subjectivity
Autorzy:
Maciudzińska-Kamczycka, Magdalena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424319.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
Golem,
judaizm,
kabała,
posthumanizm,
sztuka współczesna
judaism,
Kabbala,
posthumanism,
contemporary art
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2018, 19; 59-65
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Jacquine Livigstone. Fotografia Jako Narzędzie Socjo-Politycznej Zmiany
Jacqueline Livingston. Photography as a Tool of Socio-Political Change
Autorzy:
Balińska, Mariola
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424399.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
Golem,
judaizm,
kabała,
posthumanizm,
sztuka współczesna
judaism,
Kabbala,
posthumanism,
contemporary art
Opis:
Amerykańska artystka Jacqueline Livingston eksperymentowała z narracją biograficzną i socjologicznym komentarzem zmian społecznych lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych dwudziestego wieku. W swoich pracach artystka rejestrowała najbliższe otoczenie oraz wątki związane z przemijaniem i materialnością ludzkiego życia. Jej sztuka odnosi się do dwóch kluczowych dekad w sztuce amerykańskiej i takich zjawisk, jak wkraczająca na scenę artystyczną druga fala feminizmu, połączona z politycznymi postulatami równości płci, ze sprzeciwem wobec dyskryminacji oraz z ruchami pacyfistycznymi. Jej twórczość była głosem pokolenia, które ceniło wolność i ideały demokratyczne. Wczesne fotografie Livingston pochodzą z lat sześćdziesiątych kiedy artystka rozpoczęła edukację artystyczną w Arizona State University. Brała wówczas udział w demonstracjach przeciwko wojnie w Wietnamie, angażowała się także w działalność grup feministycznych mających na celu podnoszenie świadomości równouprawnienia wśród kobiet. To działanie na rzecz przemian politycznych i społecznych był dla Livingston impulsem do tworzenia sztuki odrzucającej obowiązujące standardy tematyczne i wystawiennicze. Feminizm stał się ruchem społecznym, walczącym również z przejawami dyskryminacji kobiet w świecie sztuki. Przemiany społeczno-polityczne połączone z rewolucją seksualną skierowały uwagę artystki na ciało i seksualność człowieka. W jej twórczości wiele jest fascynacji męskim ciałem w różnym wieku. Jako wykładowczyni akademicka w 1975 roku podczas zbiorowej wystawy pokazała akty swego 6-letniego syna, co uruchomiło atak męskiego środowiska akademickiego i oskarżenia. Mimo że zarzuty wobec artystki zostały odrzucone, jej kariera artystyczna nie rozwinęła się należycie. Livingston dokonała świadomego przeniesienia tego, co jest prywatne, w przestrzeń publiczną. Dokumentując przestrzeń prywatną własnej rodziny, Livingston stała się częścią polityki, a jej prace poddano szerokiej ocenie wartościującej negatywnie. Ostatnie 30 lat życia dzieliła między Ithacę i Maui (Hawaje), gdzie mieszka jej syn z rodziną. Wciąż wykonywała tysiące fotografii swoim najbliższym, tworząc kolekcję obrazów opowiadających o bliskości, miłości i intymności. Jacqueline Livingston zmarła w 2013 roku. Mimo odważnej i nieugiętej postawy manifestowanej potrzebą równości w podejmowaniu tematów sztuki jej twórczość pozostała w cieniu feminizmu lat siedemdziesiątych. Warto podjąć refleksję i zbadać dorobek tej artystki, aby przywrócić pamięć o tak ważnej postaci dla amerykańskiej kultury.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2018, 19; 43-50
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Zderzenia: „oswajanie” różnicy przez sztukę współczesną
Collisions: ”taming” the difference by contemporary art
Autorzy:
Kwiatkowska-Tybulewicz, Barbara
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/544192.pdf
Data publikacji:
2013
Wydawca:
Uniwersytet Kazimierza Wielkiego w Bydgoszczy
Tematy:
Teoria Wychowania Estetycznego
inny
różnica
sztuka współczesna
wychowanie
wychowanie przez sztukę
Opis:
Sztuka współczesna jest ważnym partnerem dla pedagogiki w dyskusji zarówno na temat szeroko ujmowanych problemów współczesnego świata, jak i wiedzy dotyczącej człowieka. Jednym z tematów, łączących oba wymienione obszary zainteresowania współczesnych artystów i pedagogów jest różnica. W artykule zaprezentowane zostaną wybrane projekty artystyczne, które wpisują się w pedagogiczną akceptację różnicy jako nowego wzorca wychowawczego. Sztuka współczesna, eksponująca różnice, zadaje pytanie: czy różnica jest dla nas zagrożeniem, czy twórczym potencjałem? Jacy jesteśmy wobec Innych? Czy uznajemy ich podmiotowość? Czy wykluczamy, wyrzucamy poza nawias, odbieramy głos? Analizując wybrane projekty artystyczne z perspektywy pedagogicznej (na bazie założeń teorii wychowania estetycznego), ukazany zostanie ich wychowawczy potencjał, dzięki któremu sztuka i pedagogika będą mogły wspólnie zabrać głos w dyskusji na temat relacji „różnica-edukacja-inkluzja”.
Źródło:
Przegląd Pedagogiczny; 2013, 2; 71-84
1897-6557
Pojawia się w:
Przegląd Pedagogiczny
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Mandala – symbol emanacji jedności w wielości Interpretacja motywu w sztuce współczesnej
Mandala – a symbol of the reflection of unity in multiplicity. The interpretation of this motif in contemporary art
Autorzy:
Gil, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/514888.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Fundacja dzień dobry! kolektyw kultury
Tematy:
mandala
buddhism
Jung
interpretation
contemporary art
jung
buddyzm
interpretacja
sztuka współczesna
Opis:
The mandala symbol, which is a sui generis cultural phenomenon, however not because of its uniqueness, but generality of occurrence, and also a subject of the author's research interests, became the reason for writing this article. Mandala in the Eastern tradition, precisely in Buddhist tradiction, is a symbol of fullness, wholeness, emanation of unity in multiplicity. That is a uni-versal motif, which can be found in a wide range of cultural circles (f.e. in architecture, crafts and rituals). The aim of the article is to prove, that this symbol refers to unity and multiplicity in various ways of interpreting, among others, in Jungian psychology, semiology or Buddhist phi-losophy.
Źródło:
Amor Fati; 2017, 1(7); 58-77
2449-7819
Pojawia się w:
Amor Fati
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Muzyka i malarstwo - poszukiwanie wspólnego gruntu na marginesie Partytur do baletu Sokrates Włodzimierza Pawlaka
Autorzy:
Majewski, Piotr Bolesław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/634237.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej
Tematy:
muzyka i malarstwo
Włodzimierz Pawlak, korespondencja sztuk, malarstwo abstrakcyjne, sztuka współczesna
Opis:
Artykuł podejmuje problematykę relacji pomiędzy malarstwem a muzyką. Punktem wyjścia jest analiza obszernego, liczącego kilkadziesiąt obrazów, cyklu malarskiego Włodzimierza Pawlaka, zatytułowanego Partytury do baletu Sokrates (2002-2008). Wspólne dla wszystkich obrazów tego cyklu jest zastosowanie przez malarza motywu pięciolinii. Na poszczególnych obrazach pojawiają się ponadto malowane w typie „gorącej abstrakcji” plamy barwne tworzące zróżnicowane efekty kolorystyczno-ekspresyjne, które nadają obrazom charakter zapisu emocji związanych z przeżyciem muzycznym.  W dalszej części artykułu przywołane są niektóre aspekty muzycznych fascynacji w malarstwie wybranych artystów reprezentujących tradycję modernizmu, a szczególnie abstrakcji (Kandinsky, Mondrian). Autor zwraca też uwagę na postępujący od XIX w. proces nasycania słownika teorii i krytyki artystycznej terminami muzycznymi, odwołując się do klasycznych autorów, takich jak Delacroix, Baudelaire’a i Pater. W konsekwencji autor spogląda na malarski cykl Włodzimierza Pawlaka jako na przykład współczesnej kontynuacji romantycznych w swych źródłach ideałów estetycznych, zwracając uwagę na ich ahistoryczny, nie wyczerpany do dziś potencjał. 
Źródło:
Annales Universitatis Mariae Curie-Sklodowska, sectio L – Artes; 2016, 14, 1
2083-3636
1732-1352
Pojawia się w:
Annales Universitatis Mariae Curie-Sklodowska, sectio L – Artes
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka w COVIDZIE. Instytucje upowszechniające sztukę współczesną w czasie pandemii i ich publiczność
Art in COVID-19 pandemic. Institutions disseminating contemporary art during the pandemic and their audience
Autorzy:
Franckiewicz-Olczak, Izabela
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/20679234.pdf
Data publikacji:
2023
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
COVID-19
sztuka współczesna
anomia
muzea
galerie
contemporary art
anomy
museums
galleries
Opis:
Artykuł, bazując na badaniach jakościowych i danych dotyczących frekwencji, analizuje funkcjonowanie instytucji upowszechniających sztukę współczesną i zachowania ich odbiorców podczas pandemii COVID-19. Do interpretacji omawianych zjawisk zastosowana została koncepcja anomii Émile’a Durkheima i typów indywidualnego przystosowania Roberta K. Mertona.
The article, based on qualitative research and attendance data, analyzes the functioning of institutions promoting contemporary art and the behavior of their recipients during the COVID-19 pandemic. The concept of Émile Durkheim’s anomy and Robert K. Merton’s deviant behavior was used to interpret the discussed phenomena.
Źródło:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Sociologica; 2023, 85; 43-55
0208-600X
2353-4850
Pojawia się w:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Sociologica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The current state of language in contemporary art and cinema: from William Wordsworth and Hugo von Hofmannsthal to Jean Luc-Godard and Milosz Odobrovic
Aktualny stan języka w sztuce i kinie współczesnym: od Williama Wordswortha i Hugo von Hofmannsthala do Jeana Luc-Godarda i Miłosza Odobrovicia
Autorzy:
Vaso, Jora
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1361185.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Akademia Pomorska w Słupsku
Tematy:
język
nowoczesność
sztuka współczesna
kino
digitalizacja
Language
Modernity
Contemporary Art
Cinema
Digitalization
Opis:
The ability of language to fully capture the human experience or encompass nature’s limitlessness has been questioned since before the 1900’s. “O nature, and O soul of man! how far beyond all utterance are your linked analogies” writes Herman Melville in 1851’s Moby Dick. In Hugo von Hofmannsthal’s The Letter of Lord Chandos, the former writer Lord Chandos agonizes over language’s lack of profundity, seeking to think “in a medium more immediate, more liquid, more glowing than words.” Lord Chandos indeed describes a future “with a language that is no language and that, until this language is found, the only possibility is silence” (Richard Sheppard, Modernism: A Guide to European Literature), echoing Ludwig Wittgenstein’s words: “what can be said at all can be said clearly, and what we cannot talk about we must pass over in silence”. Since then, the digital age has brought on such a simplification of language – with acronyms, emoticons, chatting, and an increased reliance on images – that without entirely relinquishing language, is unintentionally moving humanity towards a kind of silent existence. Is this a sign of the apocalypse of language, an acceptance of its inadequacy or merely a transformational phase? In Invisible Cities, Italo Calvino attributes the undoing of language to the cyclical nature of communication, as Marco Polo and Kublai Khan shift from simplistic gestures to descriptive language and vice versa, failures of one leading to the reintroduction of the other. As contemporary art and cinema illustrate (specifically Jean Luc-Godard’s recent film Goodbye to Language as well as the works of modern artists like Milosz Odobrovic, among others) we find ourselves confronting the failures of language but not yet equipped to fathom a world without it.
Zdolność języka do pełnego uchwycenia ludzkiego doświadczenia lub objęcia nieograniczonej natury została zakwestionowana przed 1900 rokiem. W „Liście lorda Chandosa” Hugo von Hofmannsthala pisarz Lord Chandos dręczy się brakiem głębi języka, starając się myśleć „w bardziej bezpośredni sposób, bardziej płynny, jaśniejszy niż słowa”. Od tego czasu era cyfrowa przyniosła takie uproszczenie języka – z akronimami, emotikonami, rozmowami online i zwiększoną zależnością od obrazów – które bez całkowitego zrzeczenia się języka, nieumyślnie przenosi ludzkość w kierunku pewnego rodzaju cichego istnienia. Czy jest to znak apokalipsy języka, akceptacja jego nieadekwatności, czy tylko faza transformacyjna?
Źródło:
Świat Tekstów. Rocznik Słupski; 2019, 17; 21-30
2083-4721
Pojawia się w:
Świat Tekstów. Rocznik Słupski
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Czy to jeszcze sztuka? Dylematy współczesnej estetyki
Is it still art? Dilemmas of contemporary aesthetics
Autorzy:
Góra, Sylwia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/459878.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:
estetyk
sztuka współczesna
zmierzch
dylemat
artysta
aesthetics
contemporary art
fall
dilemma
artist
Opis:
Niniejszy artykuł pokazuje kilka z najważniejszych w wieku XX i XXI problemów z jakimi musi się zmierzyć estetyka. Czy wciąż może ona być „partnerem” dla sztuki współczesnej? Czy potrafi ją zrozumieć, opisać i wyjaśnić odbiorcy? A może już nie na tym polega jej rola? Artykuł przybliża początek problemów estetyki związanych z brakiem porozumienia ze sztuką, na przykładzie rozważań polskiej krytyk sztuki i dyrektor licznych muzeów sztuki współczesnej Anny Marii Potockiej. Oprócz teoretycznych rozważań niniejsza praca próbuje również zobrazować dylematy współczesnej sztuki na przykładzie konkretnych działań artystycznych w Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie.
This article shows some of the most important problems in the twentieth and twenty-first centuries of issues facing aesthetics. Can you still be a partner for contemporary art? Are you able to understand, describe and bring the audience? Or maybe it's not its role? My article introduces the beginning of the problems of aesthetics and art, for example considerations of the Polish art critic and director of many contemporary art museums Anna Maria Potocka. In addition to theoretical considerations, this paper also attempts to portray it as an example of specific artistic activities at the Museum of Contemporary Art in Krakow.
Źródło:
Ogrody Nauk i Sztuk; 2014, 4; 519-523
2084-1426
Pojawia się w:
Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-25 z 112

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies