Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "PERFORMANCE ART" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 83
Tytuł:
ПСИХОФИЗИОЛОГИЧЕСКИЕ ОСОБЕННОСТИ РЕАЛИЗАЦИИ ИСПОЛНИТЕЛЬСКИХ ФУНКЦИЙ МУЗЫКАНТОМ САКСОФОНИСТОМ В УСЛОВИЯХ ПЕРЕДАЧИ ОРИГИНАЛЬНОЙ АВТОРСКОЙ ИДЕИ
PSYCHOPHYSIOLOGICAL FEATURES OF PERFORMING FUNCTIONS REALIZATION BY THE MUSICIAN SAXOPHONIST IN THE CONDITIONS OF THE ORIGINAL AUTHOR’S IDEA TRANSFER
Autorzy:
Зотов, Денис Игоревич
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/566520.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Akademia Pomorska w Słupsku
Tematy:
музыкальное искусство
саксофоновое исполнительство
интерпретационная деятельность
психология саксофониста
психофизиология музыканта
musical art
saxophone performance
interpretive activity
psychology of
saxophonist
psychophysiology of a musician
Opis:
The specificity of the study is to reveal the properties of the solo saxophonist psychophysiological activity, which is a symbiosis of many factors, from the stamina of the organism to the thoughtful lability, aimed at solving executive issues. It manifests first and foremost in solving problems of performing practice, aimed at expanding the possibilities of the instrument in the field of evolution of expressive capabilities, techniques of performance and acoustic qualities. This direction of artistic and psychological science sets the theoretical basis for understanding the deep physiological mechanisms aimed at the implementation of the mental processes of the development of performing arts. The conducted research is based on the analytical comparative and cognitive method of the artistic direction aimed at revealing the specifics of the creative process, which is a complex combination of physiognomic and psychic functions of the human body representing a unique symbiotic system aimed at fulfilling the set artistic tasks. The performance of the musical work as one of the most complex forms of manifestation of creative thought puts musicians with multistage tasks of creative interpretively, the quality of which depends on the degree of transmission of the artistic design of the author of the work, and the limit of perception by his audience. The scientific novelty of this work consists in an attempt to adapt existing theoretical postulates concerning psychophysiological activity of the musician to the conditions of practically-performing development of a professional saxophonist aimed at revealing the original author’s idea. Setting the task for revealing a certain work, the saxophonist raises several guidance goals in front of him and adheres to the process of artistic analysis, in particular: reopening the author's context of the work by filling it with new emotions and even changing partly or completely the general concept of the composition; Transferring to the content of the work his/her life-professional experience and personal experiences; If necessary, changes the technical and expressive composition plan. The result of this activity is the phenomenon of interpretation, which is one of the options for interpreting the author’s content of a musical work, based on the subjective relation of the performer to the artistic material.
Źródło:
Ars inter Culturas; 2017, 6; 155-166
2083-1226
Pojawia się w:
Ars inter Culturas
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Петриківка – давній осередок витинанки в Україні
Petrykivka, an ancient centre of paper cutting art in Ukraine
Autorzy:
Kosytska, Zinaida
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31343298.pdf
Data publikacji:
2021-12-31
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego
Tematy:
витинанки
петриківська витинанка
вирізування з паперу
традиційні мотиви
авторська манера виконання
народне мистецтво
традиції
новації
paper cutting art pieces
Petrykivka paper cutting art
paper cutting
conventional motifs
auctorial manner of performance
folk art
traditions
innovations
Opis:
У вивченні народного мистецтва України важливе значення мають розвідки про мистецькі традиції окремих осередків. У статті розглянуто традиційні мотиви й композиції народних витинанок, створених майстрами села Петриківка Дніпропетровської області – давнього осередку з декоративного розпису й витинанки. Проаналізовано паперові твори Василя Вовка, Поліни Глущенко, Ганни Гречанової, Антоніни Авдієнко, Наталі Авдєєнко та інших майстрів. Розглянуті авторські твори демонструють поєднання глибинних традицій народного мистецтва із особистісними естетичними смаками кожного митця, що зумовлює щораз відмінну неповторну стилістику. Важливо, що власний досвід вони передавали й продовжують передавати наступним поколінням.
While studying the Ukrainian folk art, it is important to explore artistic traditions of individual centres. The article considers traditional motifs and compositions of folk paper cutting art pieces, common in the village of Petrykivka (Dnipropetrovsk Region), an ancient core of paper cutting art. Such home paper decorations have become widespread in the centre since the late XIXth to early XXth centuries. Among the well-known masters – fellow villagers who created paper cutting art pieces were Vasyl Vovk, Pelaheya Hlushchenko, Hanna Hrechanova, Antonina Avdieyenko, Nataliya Avdieyenko and other masters. The auctorial paper cutting art pieces under study demonstrates the combination of deep traditions of folk art and personal aesthetic tastes of each of the artists, which determined each time a distinct unique style. It is important that they have been passing on their experience to next generations. It is important that modern masters continue to pass on their experience to next generations.
Źródło:
Studia Ucrainica Varsoviensia; 2021, 9; 87-101
2299-7237
Pojawia się w:
Studia Ucrainica Varsoviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Znaczenia nie da się oddzielić od ciała
The Meaning Cannot Be Separated From The Body
Autorzy:
Dworakowska, Zofia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1359084.pdf
Data publikacji:
2021-06
Wydawca:
Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu
Tematy:
qualitative research
participatory art
performance studies
representation
Symphony of the Ursus Factory
Opis:
The text is a proposal to analyse the film Symphony of the Ursus Factory from three different perspectives: performance studies, qualitative research, and participatory art. Departing from a quote by the director, Jaśmina Wójcik, where she reminisces about her first encounters with the former employees of the factory, the author focuses on the issue of embodied knowledge. Through discussing different moments of the film and its visual and audial strategy, the author also shows how theatricality mixes with documentality in the production. The author also refers to different events and activities from the nine-year-long Factory Ursus Project to show it as a long-term process grounded on different modes of participation and collaboration, without which the movie could not have been possible and which legitimates its artistic form.
Źródło:
Didaskalia. Gazeta Teatralna; 2021, 163/164; 28-51
2720-0043
Pojawia się w:
Didaskalia. Gazeta Teatralna
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Zasiewy Teresy Murak jako Medium Kształtowania Tożsamości w Miejskiej Przestrzeni Publicznej
Sowings by Teresa Murak as a Medium of Constructing Identity in the Urban Public Space
Autorzy:
Sobocińska, Małgorzata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1015485.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
performans
przestrzeń performatywna
przestrzeń publiczna
sfera publiczna
tożsamość polityczna
zasiew
teresa murak
performance art
performative space
political identity
public space
sowing
Opis:
Artykuł omawia performatywne działania Teresy Murak Procesję (1974) oraz Zasiewy w budkach telefonicznych (1990 - 1991), w których artystka wykorzystuje charakterystyczną dla swojej twórczości formę zasiewu, aby wkroczyć do miejskiej przestrzeni publicznej. Gest performatywny, którego wizualność przejawia się w roślinnym płaszczu, prowadzi do zaburzenia porządku i konfrontacji, koncentrując w ten sposób uwagę współuczestników przestrzeni na kobiecym podmiocie – performerce. Dążenie do zaburzenia równowagi pozwala uczestnikom performansu poczuć, że biorą udział w wydarzeniu wykraczającym poza codzienność. Takie właściwości posiada również rytuał i celebracja, do których formalnie nawiązuje w swojej twórczości artystka. Czynności te stanowią przeciwieństwo codziennej rutyny i określane są mianem zdarzeń liminalnych, służących przejściu lub zmianie, nakierowanej nie tylko na wykonawcę ale także na zewnątrz, dzięki czemu zyskują wymiar społeczny. Medium performatywne umożliwia wytworzenie sfery społecznego współuczestnictwa, którą korzystając z estetyki performatywności Eriki Fisher-Lichte, określam mianem przestrzeni performatywnej. Natomiast Elżbieta Matynia te obszary wspólne nazywa przestrzeniami widzialności, nawiązując do agonistycznego modelu przestrzeni publicznej Hannah Arendt. Proponowane przeze mnie spojrzenie zakłada, iż performans przyczynia się bycia widzialnym i czynnym uczestnikiem przestrzeni wspólnej, a tym samym kształtowania się tożsamości politycznej. Można zatem potraktować omawiane performansy jako działania o charakterze politycznym wynikające z afektywnej potrzeby uczestnictwa w przestrzeni i życiu publicznym. Zestawienie dzieł wykonanych w różnych okresach pozwala na ukazanie konsekwentnie budowanej przez Murak narracji wokół roślinnej sukni – artystycznego manifestu. Z drugiej strony wskazuje na istotne zmiany, jakie zachodziły w strategii twórczej, wynikające z kształtowania się demokratycznej przestrzeni i sfery publicznej, a także komercjalizacji środowiska artystyczno-instytucjonalnego po 1989 roku.
The article discusses Teresa Murak's performative actions Procesja/ Procession (1974) and Zasiewy/ Sowings in telephone booths (1990-1991), in which the artist uses the form of sowing to enter urban public space that is characteristic for her works. The performative gesture, the visuality of which manifests itself in a plant coat, leads to disorder and confrontation, thus concentrating the attention of co-participants on the female subject - the performer. Striving to break the balance allows the participants of the performance to feel that they are participating in an event that goes beyond everyday life. Such properties are also present in the ritual and celebration, to which the artist formally refers in her works. These activities are the opposite of the daily routine and are referred to as liminal events, serving the purpose of transition or change, directed not only to the experience of the performer but also to the outside, thanks to which they gain social dimension. The performance as a medium makes possible to create a sphere of social co-participation, which I call performative space, using Erika Fisher-Lichte's concept of aesthetics of the performative. Elzbieta Matynia referring to the agonistic model of public space by Hannah Arendt, calls these common areas spaces of appearance. The perspective I propose assumes that performance contributes to being a visible and active participant of the common space, and thus to the formation of political identity. Therefore, performances can be treated as a political gesture resulting from an affective need to participate in public life and space. The juxtaposition of works made in different historical periods indicates the narration, consistently built by Murak, around a plant gown - her artistic manifesto. On the other hand, it points to significant changes that took place in the artist’s creative strategy, resulting from the formation of a democratic public domain, as well as the commercialization of the artistic scene and institutions after 1989 in Poland.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2020, 23; 199-212
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
ZASADY ODPOWIEDZIALNOŚCI SPRZEDAWCY PRZY SPRZEDAŻY FAŁSZYWEGO DOBRA KULTURY
Terms of seller’s liability for the sale of a false cultural object
Autorzy:
Gredka-Ligarska, Iwona
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/443406.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Wyższa Szkoła Humanitas
Tematy:
fałszowanie dóbr kultury
fałszerstwa na rynku sztuki
odpowiedzialność z tytułu rękojmi
świadczenie wadliwe
świadczenie aliud pro alio
uprawnienia kupującego
forging cultural objects
forgery on the art market
liability under statutory warranty
defective performance
performance aliud pro alio
buyer’s rights
Opis:
W niniejszym opracowaniu przeprowadzono analizę zasad odpowiedzialności sprzedawcy z tytułu zbycia fałszywego dzieła sztuki lub zabytku. W części wprowadzającej zwrócono uwagę na zjawisko fałszowania dóbr kultury w celu wprowadzenia falsyfikatów do obrotu, co w odniesieniu do zabytków stanowi przestępstwo fałszerstwa, zagrożone grzywną, karą ograniczenia wolności albo pozbawienia wolności do lat 2 (art. 109a ustawy z dnia 23.07.2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami, Dz.U. nr 162, poz. 1568, z późn. zm.). W dalszej części opracowania zwrócono uwagę, że dla ustalenia zasad cywilnoprawnej odpowiedzialności sprzedawcy – w tym również sprzedawcy sfałszowanego dobra kultury – kluczowe znaczenie posiada rozgraniczenie pomiędzy świadczeniem wadliwym, uruchamiającym odpowiedzialność z tytułu rękojmi, a świadczeniem innego przedmiotu, które nie stanowi w ogóle wykonania zobowiązania. Podzielono pogląd, zgodnie z którym dla ustalenia reżimu odpowiedzialności sprzedawcy – w przypadku świadczenia przedmiotu innego niż uzgodniony – decydujące znaczenie ma akt przyjęcia świadczenia. Rozważania przeprowadzono z punktu widzenia interesów nabywcy sfałszowanego dobra kultury. W związku z tym wskazano, że dla kupującego optymalnym rozwiązaniem jest skorzystanie w pierwszej kolejności z uprawnienia do odstąpienia od umowy sprzedaży na podstawie przepisów o rękojmi, a dopiero w sytuacji gdy nie jest to możliwe, sięgnięcie do instytucji błędu uregulowanej w art. 84 Kodeksu cywilnego.
This study includes analysis of the terms of a seller’s liability for the sale of a false cultural object or monument. In the introductory part, attention was paid to the phenomenon of forging cultural objects with a view to marketing counterfeits, which, in reference to monuments, constitutes the offense of forgery threatened by fine, restriction of liberty or imprisonment up to 2 years (Art. 109a of the Act of 23.07.2003 on the protection and care of monuments, Dz. U. No. 162, item 1568, as amended). Further in the study, attention was drawn to the fact that for the determination of terms of civil law liability of a seller – including sellers of forged cultural objects – key importance attaches to the differentiation between defective performance, which triggers liability under statutory warranty, and provision of another object, which does not amount to performance of an obligation at all. Emphasis was put on the importance of the opinion that the decisive factor for the determination of the seller’s liability regime in case of provision of an object other than agreed is the act of acceptance of performance. The considerations were made from the perspective of interests of a forged cultural object’s buyer. As a result, it was indicated that for the buyer the optimal solution is to exercise, in the first place, the right to withdraw from the sale contract under the provisions on statutory warranty and, only where this is impossible, to invoke the construction of error, as defined in Art. 84 of the Civil Code.
Źródło:
Roczniki Administracji i Prawa; 2019, specjalny, XIX; 321-336
1644-9126
Pojawia się w:
Roczniki Administracji i Prawa
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Z historii polskiego performansu. Happening, performans, intermedialność
From the history of Polish performance. Happening, performance, intermediality
Autorzy:
Hendrykowski, Marek
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1040129.pdf
Data publikacji:
2019-01-31
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
film
television
new media
intermediality
transmediality
corespondance des arts
Gesamtkunstwerk
contemporary art
off cinema
student counter-culture
performance
happening
spontaneity-discipline conflict
art of film
metaphor
irony
sarcasm
Opis:
Marek Hendrykowski’s case study shows the original idea of The Salon Niezależnych’s performances, one of the most spectacular events of 1970s Polish student counter-culture.
Źródło:
Przestrzenie Teorii; 2018, 29; 343-356
2450-5765
Pojawia się w:
Przestrzenie Teorii
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The Signifier Cannot Be Detached from the Body
Autorzy:
Dworakowska, Zofia
Rusek, Mirosław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1955934.pdf
Data publikacji:
2021-12
Wydawca:
Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu
Tematy:
qualitative research
participatory art
performance studies
representation
Symphony of the Ursus Factory
Opis:
The text is a proposal to analyse the film Symphony of the Ursus Factory from three different perspectives: performance studies, qualitative research, and participatory art. Departing from a quote by the director, Jaśmina Wójcik, where she reminisces about her first encounters with the former employees of the factory, the author focuses on the issue of embodied knowledge. Through discussing different moments of the film and its visual and audial strategy, the author also shows how theatricality mixes with documentality in the production. The author also refers to different events and activities from the nine-year-long Factory Ursus Project to show it as a long-term process grounded on different modes of participation and collaboration, without which the movie could not have been possible and which legitimates its artistic form.
Źródło:
Didaskalia. Gazeta Teatralna; 2021, English Issue 2021; 90-112
2720-0043
Pojawia się w:
Didaskalia. Gazeta Teatralna
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The relevance of Maria Pinińska-Bereś and Jerzy Bereś for the local cultural heritage. Contribution to the debate on the Prądnik Museum concept
Autorzy:
Ozaist-Zgodzińska, Zofia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/27752179.pdf
Data publikacji:
2022-06-20
Wydawca:
Krajowy Ośrodek Badań i Dokumentacji Zabytków
Tematy:
Maria Pinińska-Bereś
Jerzy Bereś
New Museology
participation
performance
ecomuseum
social sculpture
Joseph Beuys
Yayoi Kusama
Matsumoto
Cracow Group
feminist art
ecological art
Kraków (Cracow)
Prądnik
Opis:
The 2021 Programme Study of the Prądnik Museum sums up the discussion on the presentation of the heritage of northern Cracow. The world-renown artists Jerzy Bereś and Maria Pinińska-Bereś who lived and created their art in this part of the city are not exposed within the public space, and most likely for this reason they have not been exposed in the Study, either. Meanwhile, without any institutional involvement, residents undertake artistic actions close to the performances of the Bereśes. The Sledge Protest conducted in the summer reminds of the Landscape Annexation and The Banner of Pinińska-Bereś; social garden establishing reminds of the Living Pink; the transfer of the Prądnik River water is reminiscent of the Praying for Rain; while neighbourly bonds echo the Kite-Letter and Letters Dispatched with Forces of Nature. Owing to these unconscious similarities the Pinińska-Bereś’s artistic output seems worthy of being included in the proposed Museum. Furthermore, three additional proposals for the Prądnik Museum are discussed in the paper: they take into consideration the oeuvre of the Bereśes, residents’ social and artistic activity, as well as the demands of New Museology (rooting in the local community and focus on education and participation). A performance museum may be a reaction to the lack of collection, allowing to benefit from the artistic output of the community and the artists presently living in Cracow, including Bettina Bereś’s reenactment. A biographical museum may provide an opportunity for storytelling and identity investigation, as well as bonding. The inspiration for the latter may be derived from the Yayoi Kusama Museum: it was her oeuvre that was used for the visual identification in her native city of Matsumoto. An ecomuseum, in turn, allows to incorporate the preserved atelier of the Bereśes, the Prądnik River, as well as the post-industrial heritage. Adding this potential to the conclusions drawn from the Study, in the northern part of Cracow a new city landmark can indeed be created.
Źródło:
Muzealnictwo; 2022, 63; 36-46
0464-1086
Pojawia się w:
Muzealnictwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The performative turn in the visual arts. The art of Paul Klee
Zwrot performatywny w sztukach plastycznych. Koncepcja sztuki Paula Klee
Autorzy:
Sztabińska, Paulina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/593794.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
performative turn
Paul Klee
performative geometry
motion of the lines
performance art
zwrot performatywny
geometria performatywna
ruch linii
sztuka performance
Opis:
The 1970s saw the emergence of the performative turn in many areas of the humanities. Although its most important representatives emphasized that it did include visual arts, specific examples were usually limited to action art phenomena, bordering on performance art, painting, or sculpture. This article is an attempt to demonstrate that the performative approach to art can be traced back to the avant-garde movement of the first half of the twentieth century. Moreover, Paul Klee’s concept of painting discussed here shifts the performative aspect from the artist's activity to the elements of the image, interpreted from the point of view of their interactions. The article examines the theoretical and pedagogical writings by Klee (both published during his lifetime and posthumously), considered as the basis for the interpretation of his paintings. The artist assumed that the pictorial elements are bound by the principle of motion – a line is a trace left by a moving point, while a plane is created by the movement of a line. Associated with this theory, defined as “performative geometry,” is the semantic interpretation. The whole concept leads to approaching a painting as a unique “performance” of pictorial elements. The article also points to other contemporary interpretations of Klee’s works, which examine the problems of performatics. On this basis, the author concludes that the source of the performative turn in the visual arts can be sought in the art of the 1920s and 1930s, as well as outside direct references to performance art.
Zwrot performatywny w wielu dziedzinach nauk humanistycznych zaznaczył się w latach siedemdziesiątych XX wieku. Wprawdzie najważniejsi jego reprezentanci podkreślali, że obejmuje on także sztuki plastyczne, jednak konkretne przykłady ograniczane były zwykle do akcjonistycznych zjawisk artystycznych z pogranicza sztuki performance i malarstwa lub rzeźby. Niniejszy artykuł stanowi próbę wskazania, że tendencja do performatywnego ujmowania sztuki występowała już w ramach działań awangardowych pierwszej połowy XX wieku. Ponadto omawiany w nim przykład koncepcji malarskiej Paula Klee przenosi obszar performatywności z aktywności artysty na elementy plastyczne interpretowane z punktu widzenia zachodzących między nimi działań. Przedmiotem analiz prowadzonych w artykule są pisma teoretyczne i pedagogiczne Klee (zarówno opublikowane za jego życia, jak pośmiertnie) rozważane jako podstawa interpretacji jego obrazów. Artysta zakładał, że elementy plastyczne wiąże zasada ruchu - linia to ślad przesuwania się punktu, płaszczyzna to ślad ruchu linii. Z tą teorią, która zostaje określona jako „geometria performatywna”, związana jest interpretacja semantyczna. Całość koncepcji prowadzi do ujęcia obrazu jako swoistego „performansu” elementów plastycznych. W artykule wskazane są również inne współczesne interpretacje twórczości Klee, w których rozważane są problemy performatyki. Na tej podstawie autorka wnioskuje, że źródeł zwrotu performatywnego w sztukach plastycznych można poszukiwać w twórczości lat 20. i 30. ubiegłego stulecia, a ponadto że znajdują się one także poza obszarem bezpośrednich odniesień do performance art.
Źródło:
Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2015, 17; 129-144
1641-9278
Pojawia się w:
Art Inquiry. Recherches sur les arts
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The Cosplay Phenomenon in Intentions of Art Marketing
Autorzy:
Hodinková, Dana
Púchovská, Oľga
Račkovičová, Lucia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2150917.pdf
Data publikacji:
2021
Wydawca:
Univerzita sv. Cyrila a Metoda. Fakulta masmediálnej komunikácie
Tematy:
art marketing
cosplay
digital culture
performance art
personal brand
social media
Opis:
Since the 1980s, the cosplay phenomenon has become a significant aspect of popular culture mainly in Japan, but also in other parts of Asia and in the Western world as well. Nowadays, cosplay events are the most common feature of various fan conventions and there are also dedicated conventions, such as local and international competitions. Websites, social networks, and other forms of social media centred on cosplay activities are just as popular places for the presentation of cosplayers work, and also for cosplay fan conventions. We encounter the definition of this phenomenon mainly in sociological studies, but in its definition from a marketing point of view, and also in term of art studies is less frequent in an academic environment. In the presented study, we look at the cosplayer as an artist with the possibility to become a brand. Cooperation with cosplayers is attractive for different categories of products, not only directly connected with popular culture, e.g., cooperation with bank institutions. On the other hand, it is really necessary to underline the connection with products and texts of popular culture. In the case of self-promotion of cosplayers, games, movies and other pop-culture festivals and events take really important place. This study aims to present a theoretical reflection of the cosplay phenomenon from the perspective of art marketing, as a potential basis for the further research in this area. The situation is illustrated by practical examples.
Źródło:
Acta Ludologica; 2021, 4, 2; 78-95
2585-8599
Pojawia się w:
Acta Ludologica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Teatr przedmiotu i teatr podmiotu. Kulturowe uwarunkowania relacji teatr–performans
Theatre of the Object and Theatre of the Subject: Cultural Determinants of Theatre–Performance Relationship
Autorzy:
Kawalec, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1807466.pdf
Data publikacji:
2020-01-02
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
teatr
performans
performatyka
sztuka
kultura
podmiot
działanie
czyn
praca aktora
theatre
performance
art of performance
performance studies
art
culture
subject
acting
work of the actor
Opis:
The distinction between philosophy of the object and of the subject is deeply rooted in our culture. Many consequences, including cultural ones, follow from it. Among them is also a change regarding the ways of how the works of art are made and received and also regarding the criterion of art. One instance of this phenomenon is the so called ‘performative turn’. The distinction between theatre of the object and of the subject (which parallels the philosophical distinction) propounded by the main claim of this paper is intended to facilitate understanding of the essence of the change which accompanied the development of the art of performance. The art of the object is represented, to my mind, by the theater; the art of the subject – by the artistic performance. The criterion, in a manner similar to the case of philosophy, is the conviction (or belief) of the creators (as well as of the audience) of the primacy of the subject over the object, of human ability to create an autonomous reality, of human decisiveness regarding the fact of its existence. The conclusion of the presented investigations concerns the character of theatre: the theatre is in its essence performative, however not in the sense attributed to it by contemporary representatives of performance studies. Rather it is so in the sense of how the very nature of reality determines the relation between the subject and the object, human being and the world.
Źródło:
Roczniki Kulturoznawcze; 2010, 1; 147-161
2082-8578
Pojawia się w:
Roczniki Kulturoznawcze
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Strijd ∞ - a Performative Exhibition
Autorzy:
SPERLING, Ezra BENUS, Tamara BREUGELMANS, Cristina BUTA, Sepp ECKENHAUSSEN, Astrid KERCHMAN, Christa-Maria LERM HAYES, Emily RHODES, Jeroen de SMALEN, Frederike
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424681.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
Strijd
performance
Maagdenhuis
University of Amsterdam
experimental institutionalism
art of protest
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2017, 16; 133-141
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Spaces of (Re)Connections: Performing Experiences of Disabling Gender Violence
Autorzy:
Fayard, Nicole
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/641424.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
gender violence
performance art
disability
trauma
identity politics
Opis:
The article explores the potential “healing” role performance art can have when representing disabling trauma, and engaging, as part of the creative process, participants who have experienced in their lives significant trauma and physical, as well as mental health concerns arising from gender violence. It focuses on the show cicatrix macula, performed during the exhibition Speaking Out: Women Healing from the Trauma of Violence (Leicester, 2014). The exhibition involved disabled visual and creative artists, and engaged participants in the process of performance making. It was held at the Attenborough Arts Centre in Leicester (UK), a pioneering arts centre designed to be inclusive and accessible. The show cicatrix macula focused on social, cultural, mental, and physical representations of trauma and disability, using three lacerated life-size puppets to illustrate these depictions. Working under the direction of the audience, two artists attempted to “repair” the bodies. The creative process was a collaborative endeavour: the decision-making process rested with the audience, whose privileged positions of witness and meaning-maker were underscored. Fayard demonstrates the significance of cicatrix macula in debunking ablist gender norms, as well as in highlighting the role played by social and cultural enablers. She calls attention to its potential for mobilizing positive identity politics, including for viewers who had experienced trauma. For example, the environment of the participatory performance space offered some opportunities for the survivor to become the author or arbiter of her own recovery. In addition, the constant physical exchange of bodies within this space of debate was well-suited to the (re)connection with the self and with others.
Źródło:
Text Matters: A Journal of Literature, Theory and Culture; 2019, 9; 273-291
2083-2931
2084-574X
Pojawia się w:
Text Matters: A Journal of Literature, Theory and Culture
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sound Art: materialność dźwięku
Sound Art: Materiality of Sound
Autorzy:
Sitko, Agata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/467538.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego
Tematy:
materialność
dźwięk
sound art
performatyka
materiality
sound
performance studies
Opis:
Sound art is a term used to classify works which incorporate sound as the main artistic means of communication with the audience. If we look at the presence of sound in art from a historical viewpoint, our attention can be drawn by Cabaret Voltaire and the performances of Dadaist on its stage. Sound became also an element of performances, and constituted an integral part of many of them. However, it only accompanied the artworks and was not an independent object of art. The text focuses on materiality which is an integral part of Sergei Tcherepin’s sound artworks. In his artworks, a material object and sound constitute a specific unity.
Sound art to pojęcie określające prace, w których dźwięk jest dominującym środkiem artystycznym. Z historycznego punktu widzenia, naszą uwagę może przyciągnąć Cabaret Voltaire i występy dadaistów na jego scenie. Dźwięk stał się też elementem performansów i stanowił integralną część wielu z nich. Jednakże stanowił element „towarzyszący”, a nie był samodzielnym „obiektem” sztuki. Artykuł skupia się na materialnym elemencie towarzyszącym pracom Sergeia Tcherepina, amerykańskiego artysty, którego twórczość zaliczana jest do sound art. W jego pracach materialny obiekt i dźwięk stanowią swoistą jedność.
Źródło:
ER(R)GO: Teoria – Literatura – Kultura; 2016, 33
1508-6305
2544-3186
Pojawia się w:
ER(R)GO: Teoria – Literatura – Kultura
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Rola dokumentacji w procesie zachowania i konserwacji sztuki współczesnej
The Function Of Documentation In Contemporary Art
Autorzy:
Jadzińska, Monika
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424676.pdf
Data publikacji:
2011
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
CONSERVATION
CONTEMPORARY ART
DOCUMENTATION
INSTALLATION ART
PERFORMANCE ART
PRESERVATION
PRESERVATION STRATEGIES
Opis:
The incredible diversity and complexity of unconventional works of contemporary art has changed the role of documentation in the process of preservation and conservation. It has become absolutely necessary for the future existence of the work, in order to further understanding, acquisition, installation, arranging, displaying, transportation, conservation and many other areas. Besides a description of the traditional history of the object, its materials and techniques used, or the conservation work which it was subjected to, the documentation is also a form of a copyright certificate, an educational base, and sometimes it may even replace the work of art. This research paper defines a new role for the importance of documentation of contemporary works of art. It focuses on what it means to 'preserve through the documentation' and on the importance of profiled interviews with artists. It describes how and when to document the work of art and how to capture its intangible aspects. Based on the example of installation art, specific methods and a current registration system are pointed out.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2011, 4; 71-79
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 83

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies