Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

Wyszukujesz frazę "(cinema)" wg kryterium: Wszystkie pola


Tytuł:
Želimir Žilnik and Eastern European independent cinema
Autorzy:
Mazierska, Ewa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/920219.pdf
Data publikacji:
2013-01-13
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Independent cinema
transnational cinema
Eastern Eurpean cinema
critical media
cultural industries
Marxism
Opis:
In my paper I will discuss the career of, a director born in 1942 in Nis in Yugoslavia, whose career, spanning over forty years and Yugoslavia, West Germany and Serbia, excellently illustrates the concepts of independent and transnational cinema and their interface. Žilnik’s career well illustrates the advantages and pitfalls of “independent filmmaking”, especially in the context of Eastern Europe. Hence, in my paper, I will use his case to examine this concept, drawing on Marx and Marxist thought, such as the critique of the “culture industry” by Horkheimer and Adorno and the concept of “critical media” by Christian Fuchs, and the history of Eastern Europe and its cinema, with its figure of “artist-dissident” and the specific case of Yugoslavia. My main point is that there is no “independent cinema” in absolute terms; cinema can only be independent from something, hence ‘independent cinema’ means different things in different cultural contexts.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2013, 13, 22; 133-149
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Polish cinema towards independence 1918–2018
Autorzy:
Zwierzchowski, Piotr
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/703512.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN
Tematy:
Polish cinema
independence
historical cinema
national identity
Opis:
The article presents two dimensions of the relationship between cinema and Polish independence. The first part was devoted to the situation of Polish cinema after 1918. I describe the film market, the political situation, relationship between the state and cinematography, films that were then created and their impact on national identity. Then I focus on films in which independence has become a movie theme. I divide them into three periods: until 1939, the People's Republic of Poland and after 1989. I draw attention to their political and historical contexts, functions and film form, and I discuss the meaning and interpretation of each films.
Źródło:
Nauka; 2018, 4
1231-8515
Pojawia się w:
Nauka
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The national and the popular in Israeli cinema
Autorzy:
Avisar, Ilan
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/923281.pdf
Data publikacji:
2019-06-15
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Nationalism
Zionism
Israeli cinema
national cinema
popular culture
Opis:
The article examines Israeli cinema as a critical participant in the local drama of national ideology and national identity. Israeli filmmakers have engaged in enunciating the national culture, in the context of the medium’s history, political ideologies, and the tension between high art and popular culture. The historical review of Israeli films shows dramatic changes over the years from nationalistic propaganda to radical critique and post-Zionism. Israeli cinema appears now to seek a constructive and fruitful dialogue with the viewers. In the recent wave of popular films, the national ideology is more conscious of its past mistakes and inherent deficiencies; its presentation of national identity is less narrow and more open to alternative types, thereby suggesting new vistas of national culture.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2019, 25, 34
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Determinants of the spatial difusion of Bollywood cinema
Autorzy:
Parda, Małgorzata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2137046.pdf
Data publikacji:
2019-02-10
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Geografii i Studiów Regionalnych
Tematy:
popular hindi cinema
spatial difusion
spatial difusion determinants
Bollywood
Bollywood cinema
Opis:
The aim of the paper is to indicate which determinants had the major impact on the spatial difusion of the Bollywood cinema in two aspects: the first appearance of this cinema in diferent countries and the number of films distributed there. The distance between the country and Mumbai and the size of the diaspora were taken as key determinants. The concept of Hägerstrand was adopted as the spatial difusion model. The procedure involved gathering data for 5,832 Hindi movies produced in Mumbai distributed in cinemas in 76 countries from 1970 to 2010. The hypotheses were verified and it was proved that the spatial difusion of the popular hindi cinema was influenced by a number of social, cultural and political determinants, of which the size of the Indian diaspora was the most important. The paper can be a reference to the discussion about diaspora identity and the intersection of cultures.
Źródło:
Miscellanea Geographica. Regional Studies on Development; 2019, 23, 1; 33-38
0867-6046
2084-6118
Pojawia się w:
Miscellanea Geographica. Regional Studies on Development
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Modernist Women and Cinema
Autorzy:
Humm, Maggie
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/636780.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Uniwersytet Jagielloński. Wydawnictwo Uniwersytetu Jagiellońskiego
Tematy:
modernism, women, cinema, viewer, feminist aesthetic
Opis:
Matching the ever-increasing numbers of female participants in the commercial venues of department stores and cinemas in the 1920s, modernist women writers enjoyed a new visibility in the intellectual world of cinema journalism. Yet cinema modernism, like literary modernism, was veined by masculinity in the 1920s. The paper argues that modernist women writers, including Colette, H.D., Dorothy Richardson, and Virginia Woolf, created a feminist standpoint. By replacing the prescriptive male gaze with a feminist aesthetics: identifying with stars and women viewers and by describing audiences as socially constituted and gendered.
Źródło:
Przegląd Kulturoznawczy; 2014, 3(21)
1895-975X
2084-3860
Pojawia się w:
Przegląd Kulturoznawczy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Shakespeare in Chinese Cinema
Autorzy:
Wu, Hui
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/648128.pdf
Data publikacji:
2013-12-01
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
Shakespeare
adaptation
film
Hamlet
Chinese cinema
Opis:
Shakespeare’s plays were first adapted in the Chinese cinema in the era of silent motion pictures, such as A Woman Lawyer (from The Merchant of Venice, 1927), and A Spray of Plum Blossoms (from The Two Gentlemen of Verona, 1931). The most recent Chinese adaptations/spinoffs include two 2006 films based on Hamlet. After a brief review of Shakespeare’s history in the Chinese cinema, this study compares the two Chinese Hamlets released in 2006-Feng Xiaogang’s Banquet and Hu Xuehua’s Prince of the Himalayas to illustrate how Chinese filmmakers approach Shakespeare. Both re-invent Shakespeare’s Hamlet story and transfer it to a specific time, culture and landscape. The story of The Banquet takes place in a warring state in China of the 10th century while The Prince is set in pre-Buddhist Tibet. The former as a blockbuster movie in China has gained a financial success albeit being criticised for its commercial aesthetics. The latter, on the other hand, has raised attention amongst academics and critics and won several prizes though not as successful on the movie market. This study examines how the two Chinese Hamlet movies treat Shakespeare’s story in using different filmic strategies of story, character, picture, music and style.
Źródło:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance; 2013, 10; 71-81
2083-8530
2300-7605
Pojawia się w:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Transnational Dimensions of Iranian Cinema: “accented films” by Mohsen Makhmalbaf
Autorzy:
Wiącek, Elżbieta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/580397.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN
Tematy:
IRANIAN CINEMA
ISLAM
CENSORSHIP
MIGRATION
COSMOPOLITAN
TRANSNATIONAL
ACCENTED CINEMA
Opis:
Iranian film director Mohsen Makhmalbaf left Iran in 2005 shortly after the election of Mahmoud Ahmadinejad. The artist underwent a multiphase evolution away from the supporter of Islamic regime in the early 1980s to cosmopolitan internationally acclaimed auteur. Finally, he became not only a dissident filmmaker but also a political dissident in the aftermath of 2009 presidential election. As exile wears on, Makhmalbaf became postnational filmmaker, making a variety of “accented films”. Not all the consequences of internationalization are positive – to be successful in transnational environment he has to face much larger competition and the capitalist market. Having in mind the categories of displaced Iranian directors distinguished by Hamid Naficy – exilic, diasporic, émigré, ethnic, cosmopolitan – I would like to find out which one of them applies to Mohsen Makhmalbaf’s life and work. I also will focus on the following questions: To what extent the censorship of Makhmalbaf’s artistic activity was a reason for his migration? how are migratory experiences expressed in his movies? What features of “the accented cinema” his movies are manifesting? I would argue that the experience of migration and the transnationality was the characteristic feature of Makhmalbaf’s his work long before leaving the home country. It can be said that regardless this stylistic diversity, all of Makhmalbaf’s movies made abroad can be described as the example of “accented cinema” which comprises different types of cinema made by exilic and diasporic filmmakers who live and work in countries other than their country of origin.
Źródło:
Studia Migracyjne - Przegląd Polonijny; 2020, 46, 3 (177); 61-84
2081-4488
2544-4972
Pojawia się w:
Studia Migracyjne - Przegląd Polonijny
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The Soviet Cinema of 1920s: Problems, Tendency And Tasks
Autorzy:
Motrunych, Mariana
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/519830.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Uniwersytet Mikołaja Kopernika w Toruniu. Wydawnictwo UMK
Tematy:
the Bolsheviks
propaganda tool
the Soviet cinema
a cinema press
a “national” film
the Jewish cinema
shtetl
traditional images
new images
Opis:
The article shows how the Bolsheviks organized the cinematographic process in 1920s and what problems they faced. It interprets the meaning of the “national cinema” with a view to understand how it impacted feature films. It examined, as an example, the Jewish cinema experience. The canon of plot schemes and schemes of heroes is analyzed based on the cinema press and feature films.
Źródło:
Historia i Polityka; 2015, 14(21); 134-144
1899-5160
2391-7652
Pojawia się w:
Historia i Polityka
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
History and Symbols: Lithuanian and Central European Cinema of the 1960s
Autorzy:
Mikonis-Railienė, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/920414.pdf
Data publikacji:
2015-01-13
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Lithuanian cinema
history
Aesopian language
Central European cinema
Opis:
The text discusses the most creative period in Lithuanian cinema, the 1960s. This analysis is an attempt to frame the artistic and thematic changes in Lithuanian cinema within the context of the changes that occurred in Central Europe cinema during the 1960s. Showing that the cinematic influence of the neighbouring countries of Central Europe was sufficiently strong allows us to show the exceptional nature of Lithuanian cinema in the context of the policies towards the arts in the Soviet Union.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2015, 16, 25; 234-248
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The Empire Strikes Back. Russian National Cinema After 2005
Autorzy:
Rawski, Tomasz
Roman-Rawska, Katarzyna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/508818.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Slawistyki PAN
Tematy:
national cinema
Russian cinema
imperial nationalism
politics of memory
Opis:
The Empire Strikes Back. Russian National Cinema After 2005The paper provides critical analysis of the latest wave of Russian national cinema (2005-2013), considered one of key instruments of Vladimir Putin’s nation-building cultural policy. The analysis, focused mostly on historical film and war film, reveals the concept of an ‘imperial nation’ as the main concept underlying this policy. The new Russian nation-concept is calculated to binding elements from two former Russian imperial traditions: tradition of the Russian Empire and the Soviet tradition, thus trying to overcome the identity crisis in contemporary Russia. Imperium kontratakuje. Rosyjskie kino narodowe po 2005 rokuArtykuł zajmuje się krytyczną analizą filmów najnowszej fali rosyjskiego kina narodowego (2005-2013), uważanej tu za jedno z kluczowych narzędzi polityki kulturalnej Władimira Putina obliczonej na budowanie narodu. Autorzy artykułu skupiają się przede wszystkim na filmie historycznym i wojennym, odsłaniając pojęcie „imperialnego narodu” jako konceptu stojącego u podstaw oficjalnej polityki. Nowe rosyjskie pojęcie narodu łączy w sobie dwie tradycje rosyjskie: tradycję Imperium Rosyjskiego oraz tradycję Związku Radzieckiego, próbując w ten sposób przezwyciężyć kryzys tożsamościowy współczesnej Rosji.
Źródło:
Colloquia Humanistica; 2017, 6
2081-6774
2392-2419
Pojawia się w:
Colloquia Humanistica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Kino pamięci narodowej jako proteza: Filmy o żołnierzach wyklętych
Autorzy:
Durys, Elżbieta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/678182.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Slawistyki PAN
Tematy:
historical cinema
Polish cinema
Polish cinema of national remembrance
cursed soldiers
prosthetic memory
Opis:
Cinema of national remembrance as a prosthesis: Polish films on cursed soldiersDespite the established position of historical cinema and the huge social expectations revealed by the reception of the long delayed release of Historia Roja (2016, dir. Jerzy Zalewski), Polish cinema, especially feature films, has only slightly contributed to the creation and preservation of the cursed soldiers phenomenon. In the article I focus on the contemporary films on cursed soldiers, both feature ones and documentaries, from the perspective of Alison Landsberg’s prosthetic memory. I will analyze the former using the Amanda Ann Klein’s concept of film cycles. I will describe the latter in the context of historical documentary filmmaking after 1989, referring to Mirosław Przylipiak’s findings. Kino pamięci narodowej jako proteza: Filmy o żołnierzach wyklętychMimo ugruntowanej pozycji kina historycznego i olbrzymich oczekiwań społecznych, które ujawniły reakcje na odwlekaną premierę Historii Roja (2016, reż. Jerzy Zalewski), polskie kino, zwłaszcza fabularne, w niewielkim stopniu przyczyniło się do współtworzenia fenomenu tzw. żołnierzy wyklętych. W artykule skupiam się na współczesnych filmach o żołnierzach wyklętych przez pryzmat koncepcji pamięci protetycznej Alison Landsberg, biorąc pod uwagę zarówno fabuły jak i dokumenty. Te pierwsze charakteryzuję, używając koncepcji cyklu filmowego Amandy Ann Klein. Te drugie opisuję, umieszczając je w nurcie dokumentalnych filmów historycznych po 1989 roku, przy czym odwołuję się do ustaleń Mirosława Przylipiaka.
Źródło:
Sprawy Narodowościowe; 2019, 51
2392-2427
Pojawia się w:
Sprawy Narodowościowe
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Localised dystopia in Croatian and Serbian cinema
Autorzy:
Gilić, Nikica
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/923160.pdf
Data publikacji:
2018-12-22
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
The Show Must Go On
Unknown Energies
Unidentified Feelings
dystopian cinema
post-yugoslav cinema
Opis:
Genre production is often easily localised in various cultures, but localisations of science fiction seem particularly interesting, due to the technological sources of the genre imagery and typical narrative structures. Localisation to a less technologically-oriented society, such as post-yugoslav Croatia and Serbia, are a very good example, since in such films as The Show Must Go On (by Nevio Marasović) and Technotise – Edit & I (by Aleksa Gajić and Nebojša Andrić) allegorical science fiction deals directly with local problems and narrations, such as Croatia’s obsession with modernisation and Western-European identity (in Marasović’s film) and Serbia’s traumatic relation with Slobodan Milošević’s regime and national pride (in Gajić’s and Andrić’s animated feature film). The experimental concept of Unknown Energies, Unidentified Feelings (by Dalibor Barić and Tomislav Babić) provides another model of dealing with genre structures in a local context, since it directly develops the early-1970s model of connecting experimental cinema with the technological obsessions of the era (important for entire Yugoslavia through the GEFF festival) into a contemporary experimental animated dystopia.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2018, 23, 32
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Kino zapracowane
The Overworked Cinema
Autorzy:
Rojek, Patrycja
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/919764.pdf
Data publikacji:
2011-01-01
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Film Criticism
Polish Cinema
Religious Film
Opis:
The Overworked Cinema In her polemical article, the author argues with the thesis of Jakub Majmurek, who expects Polish cinema to tackle with the image of the Catholic church. It is being proven that such doctrinal disputes should never be the main purpose of filmmaking. The cinema, as free art, cannot be narrowed to ideological battlefield.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2011, 8, 15-16; 218-221
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Oblicza kina gruzińskiego
Faces of Georgian Cinema
Autorzy:
Wieczorek, Bartosz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/514349.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie. Wydział Teologiczny
Tematy:
kino gruzińskie
historia kina
socrealizm
Tengiz Abuładze
georgian cinema
history of cinema
social realism
Tengiz Abuladze
Opis:
Celem niniejszego tekstu jest prezentacja, na podstawie zagranicznej literatury przedmiotu, głównych postaci i najważniejszych linii rozwojowych w kinie gruzińskim od czasu jego powstania do czasów najnowszych. Jak dotąd w Polsce nie pojawiło się żadne całościowe opracowanie tego zagadnienia. Prezentowany artykuł skupia się głównie na historii kina gruzińskiego, pokazując jego specyfikę i wyjątkowość. Bliżej zaprezentowana zostanie sylwetka Tengiza Abuładzego, jednego z najwybitniejszych gruzińskich reżyserów. Niniejszy tekst nie pretenduje do całościowego zaprezentowania panoramy kina gruzińskiego, ale do nakreślenia najważniejszych jego elementów. Pełna prezentacja dorobku kina gruzińskiego wymaga jeszcze licznych studiów.
The purpose of this paper is to present, on the basis of foreign literature, the main characters and the main lines of development in the georgian cinema since its inception to the present time. So far, in Poland there are no comprehensive development of this issue. The presented text focuses mainly on the history of georgian cinema, showing the specificity and uniqueness. Closer to present is silhouette of Tengiz Abuladze, one of the greatest georgian directors. This text does not pretend to present a comprehensive panorama of the georgian cinema, but to outline the most important components. Full presentation of the georgian cinema still requires numerous studies.
Źródło:
Kultura – Media – Teologia; 2015, 22; 9-20
2081-8971
Pojawia się w:
Kultura – Media – Teologia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Chopin on the cinema screen. Aesthetic and cultural determinants
Autorzy:
Kornacki, Krzysztof
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/780343.pdf
Data publikacji:
2010
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Fryderyk Chopin
cinema
biography
music
Opis:
As with most film subjects, the way Chopin has been presented in the cinema has been the result of a particular poetic (depending on the genre) and cultural context. The author classifies cinematographic Chopinalia on the basis of the former determinant, although without neglecting entirely, in some sections of the text, to treat film as a text of culture. The clear majority of documentary and educational films about Chopin have been made in Poland (as a form of promotion for the country, which does not boast too many icons of world culture). For both aesthetic and cultural reasons, the boundary between documentary and educational film has become blurred. Historical documentaries have used the same iconographic material, film shots and utterances, and also - for the purposes of musical illustration - the same Chopinworks as educational films. Cultural considerations have affected the thematic restrictions in respect to silver screen discourse about Chopin: in both genres, it reflects a rather stereotypical approach to the composer’s life story, with no room for the “Chopin mysteries” (e.g. his fascination with Tytus Woyciechowski) that have long been addressed in the literature. In experimental and animated film, the accent has been shifted - in keeping with the essence of those genres - from Chopin’s biography to his music. Nevertheless, here too the pressure of cultural (national) context has determined the choice of film material accompanying particular works. At the same time, experimental films have become anti-war or political films (as in the case of Eugeniusz C^kalski’s Utwory Chopina w kolorze [Chopin’s works in colour], from 1944 or Andrzej Panufnik’s Bailada f moll [Ballade in F minor], from 1945), whilst the presentation of Chopin’s music in animated films has been full of iconographic clichés and pleonasms (a Mazovian landscape with cleft willows, carriages speeding along in the background, dancing ballerinas, falling leaves and so on), creating a schematic visual code that is automatically associated with the compositions of the brilliant Pole. By way of contrast, it is worth emphasising that a few foreign experimental films (Max Ophiils’s La Valse Brillante de Chopin, Germaine Dulac’s Dysk 927) have illustrated Chopin’s music with images of “universal” objects (piano, gramophone, rain) associated more with music than with feelings, and not with Poland. The dozen or so feature films about Chopin have mainly belonged to popular cinema. For that reason, in the overwhelming majority of cases, the film-makers have turned to biographical facts which possess a suitable dramatic potential. Feature films about Chopin have treated history as a background - a costume in which to dress a tale about universal cultural myths: the myth of love (the relationship with George Sand, which has dominated Chopin films), the pseudo-Romantic myth of the great artist and the patriot myth (prime examples being Charles Vidor’s A Song to Remember and Jerzy Antczak’s Chopin. Pragnienie miłości [Chopin. Desire for love]). Some films - albeit few in number - have adopted a different strategy. One such picture attempted to exploit Chopin’s life story to exemplify Marxist historiosophy and a socialist- realist poetic (Aleksander Ford’s Młodość Chopina [Chopin’s youth]); another- Andrzej Żulawski’s Błękitna nuta [La note bleue] - is a truly original picture about the composer and, like almost every original film, tells us as much about the director as about Chopin himself.
Źródło:
Interdisciplinary Studies in Musicology; 2010, 9; 317-342
1734-2406
Pojawia się w:
Interdisciplinary Studies in Musicology
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The Russian Cinema of the Dissolution
Autorzy:
Roman, Katarzyna
Rawski, Tomasz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/508764.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Slawistyki PAN
Tematy:
Russian cinema
Russian culture
transition
Opis:
The Russian Cinema of the DissolutionThe paper takes the issue of Russian reckoning cinema after 1989. This current can be defined as comprising the films which try to lay the foundations of a new narrative about the Soviet Union (alternative to the dominant narrative). The authors reflect on the specificity of the filmmakers’ critical attitude towards the previous system. The story of the break-up of the Soviet Union turns to be a story of the great catastrophe – the tragedy of the whole society, abandoned by hypocritical intelligentsia and deceived by political elites. Rosyjskie kino rozpaduTekst podejmuje problematykę rosyjskiego kina rozliczeniowego po 1989 roku – słabo widocznego nurtu próbującego stworzyć zręby nowej narracji o Związku Radzieckim, która mogłaby stanowić alternatywę wobec narracji dominującej. Stanowi próbę namysłu nad specyfiką krytyki poprzedniego systemu przeprowadzaną przez twórców tego nurtu. Opowieść o rozpadzie Związku Radzieckiego okazuje się tu opowieścią o wielkiej katastrofie – tragedii całego społeczeństwa, opuszczonego przez obłudną inteligencję i oszukanego przez elity polityczne.
Źródło:
Colloquia Humanistica; 2014, 3
2081-6774
2392-2419
Pojawia się w:
Colloquia Humanistica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Film images of Christ in contemporary cinema
Autorzy:
Łęcicki, Grzegorz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1919000.pdf
Data publikacji:
2020-11-30
Wydawca:
Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie
Tematy:
Movie
Christ
cinema
truth
apocryphical film
Opis:
Presentation of film images of Christ in contemporary cinema. Showing the integral relationships of cinema with literature and religion. Postulating the distinction of a new genre of religious film, namely the apocryphal film. Analysis of selected films showing the life and mission of Jesus of Nazareth. Presenting false images of Christ.
Źródło:
Studia Theologica Varsaviensia; 2019, 57, 2; 28-44
0585-5594
Pojawia się w:
Studia Theologica Varsaviensia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
„Smart cinema”. Mądre kino z „indie” świata
Smart Cinema: Wise Cinematography From Indieworld
Autorzy:
Syska, Rafał
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342052.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
smart cinema
quirky cinema
ironia
indieworld
irony
Opis:
Autor poddał analizie jedną z najważniejszych ścieżek amerykańskiego kina niezależnego lat 90. – smart cinema. Opisał kontekst produkcyjno-dystrybucyjny i ulokował go w pejzażu indieworld – fenomenu rozwijającego się od 25 lat w USA. Następnie prześledził najważniejsze cechy smart filmów, koncentrując się na ich konserwatyzmie estetycznym i światopoglądowym, ale także na kwestii ironii oraz przypadku. Uznał, że smart filmy to antyteza kina familijnego, ale jednocześnie tęsknota za pryncypiami amerykańskiego modelu stosunków społecznych. Syska stworzył wstępny zarys zjawiska, przywołał najważniejszych jego twórców: Paula Thomasa Andersona, Tamarę Jenkins, Alexandre’a Payne’a, Todda Solondza i innych, a także zestawił smart cinema z quirky cinema.
The author analyses one of the most important paths of American independent cinema of the 1990s – smart cinema. He describes the context of production and distribution, and places it in the landscape of indieworld – the phenomenon developing over the last 25 years in the United States. Then he traces the most important features of smart films, focusing on their conservative aesthetics and worldview, but also on the question of irony and random chance and coincidence. He argues that smart films are the antithesis of the beloved family film, but at the same time they express a longing for the principles of American social relations. The author creates a preliminary outline of a phenomenon and lists its principle creators: Paul Thomas Anderson, Tamara Jenkins, Alexandre Payne, Todd Solondz and others. He also compares smart cinema with quirky cinema.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 130-139
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Memory images: Holocaust memory in Balkan cinema(s)
Autorzy:
Daković, Nevena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/923162.pdf
Data publikacji:
2018-12-22
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Balkan cinema(s)
Holocaust
memory
trauma
history
Opis:
The aim of this paper is to analyse the shift of the representational and narrative paradigms of Holocaust memory in the Balkan films that belong to two genres – of melodrama and historicalfiction. The hybrid format positons the Holocaust (hi)stories – already caught between forgetting and remembrance – on the unstable ground between trauma and nostalgia; between history and memory; or facts and fiction. The “regained visibility of the Holocaust grant us access” to Balkan past and present and oblige us to investigate the convergence of the history and the memory into Holocaust master narrative of the Holocaust.“Bringing the dark past to light” in cinema has manifold effect. First, the Balkan wave of Holocaustfilms, with its mixed generic performances, offers new answers to the traditional issues of, both, the ethics of memory and the ethics of representation. Second, the analysis of five films reveals that the trauma from the past – resisting the closure – has the potential to powerfully resonate in the present day political crises. Re-dressing the trauma of the past, the films present the future violence while fulfilling “the Holocaust dictum ‘never forget’”. Eventually, new representational paradigm gives consistency to the Balkan (hi)stories of the past and coherence to the identity in the present.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2018, 23, 32
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Pornografia we współczesnym filmie autorskim
Pornography in contemporary autor cinema
Autorzy:
Syska, Rafał
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/517831.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Uniwersytet Wrocławski. Wydział Nauk Historycznych i Pedagogicznych. Katedra Etnologii i Antropologii Kulturowej
Tematy:
film współczesny
kino autorskie
pornografia
feminizm
film gejowski
Contemporary cinema
auteur cinema
pornography
feminism
gay movie
Opis:
Tekst traktuje o rozwijającym się we współczesnym kinie zjawisku, które autor określa mianem art-hard core’u. Zalicza do niego autorskie i artystyczne filmy, które wykorzystują w sferze wizualnej sceny dotychczas rezerwowane dla filmów pornograficznych. Autor przedstawił ewolucję zjawiska, wskazał na najważniejsze i najbardziej przełomowe dzieła omawianej tendencji oraz przyczyny użycia tego rodzaju scen (fabularne, ideologiczne i związane ze strategiami kształtowania recepcji). W tym kontekście podkreślił tematykę psychoseksualnych eksperymentów podejmowanych przez protagonistów, kwestię samotności i ograniczania komunikacji tylko do własnego ciała, a także dyskursu feministycznego i gejowskiego, w których odwrócenie konwencji prezentowania ciała jest ważnym elementem przekazu.
The text employs the evolving phenomenon called by author as “art-hard core”, what means the tendency in contemporary art cinema where there are scenes and tolls so far reserved for pornographic films. The author presents the evolution of the phenomenon and some most important or groundbreaking works characteristic for “art-hard core” as well as reasons for the use of such scenes (in plot, ideology and reception terms). In this context, he stresses the theme of psycho-sexual experiments undertaken by the protagonists, the problem of loneliness and communication limitation only to his/her own body, as well as feminist and gay discourse, where the “anti-conventions” in body representation are important factors of artistic strategy.
Źródło:
Tematy z Szewskiej; 2015, Errotyzm 2(16)/2015; 80-92
1898-3901
Pojawia się w:
Tematy z Szewskiej
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Między Koreą i Europą. O dramaturgii filmów Kim Ki-duka
Between Korea and Europe. The Dramaturgy of Films by Kim Ki-duk
Autorzy:
Domalewski, Adam
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/920481.pdf
Data publikacji:
2015-01-13
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Kim Ki-duk
film dramaturgy
art cinema narration
Korean cinema
violence in cinema
Hamid Naficy
accented cinema
Opis:
The article attempts to point out how Korean director Kim Ki-duk constructs the dramaturgy of his films. His works belong to the European art cinema tradition, and are marked by specific narrative structures and strategies (e.g. chronological order of events, parallel and mirror plot schemes, silent characters and limitation of film dialogue). Dramaturgically significant are also repeating scenes of violence and cruelty, characteristic for Kim. Finally, briefly presented are critical approaches to his films, which together with the director’s biography allow us to call him “an accented filmmaker” (using terms and concepts proposed by Hamid Naficy).
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2015, 16, 25; 53-63
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Kłopotliwe spojrzenia – filmowe ukazywanie nienormatywnych ciał
Troublesome Gazes: Filmic Depictions of Non-normative Bodies
Autorzy:
Szewczyk, Matylda
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/25806671.pdf
Data publikacji:
2022
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
body in cinema
narrative strategies
cinema history
modern cinema
disability in cinema
ciało w kinie
niepełnosprawność w kinie
strategie narracyjne
historia kina
kino współczesne
Opis:
Recenzja książki Adama Cybulskiego „Kłopotliwe” ciała. Strategie przedstawiania fizycznej „anormalności” we współczesnym filmie fikcji (2021). Praca ta to całościowe studium ukazywania niepełnosprawności w kinie, poprzedzone rozdziałami poświęconymi metodologii filmoznawczej oraz dyskusji nad kwestią niepełnosprawności w kulturze. Kolejne partie publikacji koncentrują się na historycznych sposobach przedstawiania wskazanego problemu, od początków kina aż po cezurę, jaką jest dla autora Człowiek słoń (1980) Davida Lyncha. W drugiej części monografii autor klasyfikuje współczesne przykłady filmowe, przypisując je do czterech wyodrębnionych strategii narracyjnych, służących ukazywaniu niepełnosprawności: sentymentalno- -afirmatywnej, voyeurystycznej, panoptykalnej i metatekstualnej. W książce tej, będącej przede wszystkim analizą filmoznawczą, autor stawia pytania o relacje między konstrukcją spojrzenia filmowego a rzeczywistością społeczną, rozważając tym samym kwestie kulturowej roli medium kinowego.
The article is an academic review of Adam Cybulski’s book “Kłopotliwe” ciała. Strategie przedstawiania fizycznej “anormalności” we współczesnym filmie fikcji [“Troublesome” Bodies: Strategies of Presenting Physical “Abnormality” in Contemporary Fiction Film] (2021). The book is a comprehensive study of disability in film, preceded by chapters explaining the author’s methodology and discussing cultural discourses of disability. The following chapters concentrate on historical ways of presenting disability in film, from its beginnings till the contemporary times, marked, according to the author, by the making of David Lynch’s The Elephant Man (1980). In the second part of the book, contemporary examples of films are assigned to four strategies of presenting disability in film, introduced by Cybulski: sentimental-affirmative, voyeuristic, panoptical and metatextual. Constituting, above all, an analysis based in film studies, the Cybulski’s book also asks questions on the relationships between the construction of filmic gaze and social reality, thus becoming a discussion on the cultural role of the medium.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2022, 120; 253-258
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Tradition and Modernization. Contemporary Hungarian Popular Cinema
Autorzy:
Varga, Balázs
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/920226.pdf
Data publikacji:
2013-01-13
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Hungrian film market
Hungarian cinema after transition
Eastern European cinema
węgierski rynek filmowy
kino węgierskie po transformacji
kino Europy Środkowo-Wschodniej
Opis:
This article provides an overview of the recent trends and problems of Hungarian popular cinema with special regard to its cultural context outlining the process of recognition of popular cinema over the past twenty years in Hungary. In general Hungarian cinema is characterised by middle-range genres (dominantly comedy) and not by a large scope. This was the case in the 1930s and 1940s during the ’golden age’ of Hungarian comedies and popular cinema. And this typifies contemporary Hungarian popular cinema as well. However, the first decade after the political changes, the 1990s was characterised by a return to the tradition of the classical Hungarian comedies and only the 2000s brought the modernization of Hungarian popular cinema.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2013, 13, 22; 175-187
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Modernizm a film autorski lat sześćdziesiątych w Chorwacji
Modernism and auteurial Cinema in Croatia in the 1960s
Autorzy:
Gilić, Nikica
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/923236.pdf
Data publikacji:
2019-06-15
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
modernism
auteurial cinema
croatian cinema
1960s
Branko Ivanda
Gravity
Opis:
Croatian film of the 1960s is colored by the poetics of auteurial cinema which was already emerging in the previous decade, but dominated in the 1960s, both in the production of cinema (both fiction films and animation), but also in the reception of these films with independent and ambitious critics. The text discusses the production modes of the era in Croatia and Yugoslavia, as well as several aspects of the poetics of cinematic modernism (its history and the importance of innovation), with Branko Ivanda’s feature debut Gravity (Gravitacija), in which all sorts of stylistic experiments blend well with traditional motifs and cinematic procedures, anticipating Ivanda’s auteuristic oevure.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2019, 25, 34; 148-154
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
In the Old Cinema. Stefan Grabiński and Expressionism
Autorzy:
Majewska, Joanna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1916712.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN
Tematy:
Stefan Grabiński
expressionism
film
cinema
weird fiction
Lviv
Opis:
Stefan Grabiński, a famous Polish author of weird fiction, who is known especially for his collection of short stories Demon ruchu (The Motion Demon, 1919), lived and worked in a period marked by a new artistic style – expressionism. Although Grabiński came from Lviv, often regarded as a province in Poland after the Great War, he could have a contact with the latest ideas concerning art and philosophy. Indeed, both in his short stories and in his novels may be found some traits typical for the expressionist poetics as, for example, a subjective perspective, a color sensitivity or a tendency to violent and dynamic use of formal elements. Grabiński was fascinated by a German literature – he read Gustav Meyrink, E.T.A. Hoffmann and an expressionist magazine “Der Orchideengarten”. Moreover, he liked going to the cinema where he could watch, for example, a famous German expressionist film – The Cabinet of Dr. Caligari. The only text by Grabiński which was adapted into film in his life was a short story Kochanka Szamoty  (Szamota’s Mistress, 1922). Although this seemed to be a great material for an expressionist film, the director – Leon Trystan – decided to realize it in an impressionist poetics.
Źródło:
Nauka; 2020, 4
1231-8515
Pojawia się w:
Nauka
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Diaspora, pamięć i tożsamość – kino Ann Hui
Autorzy:
Loska, Krzysztof
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/636755.pdf
Data publikacji:
2012
Wydawca:
Uniwersytet Jagielloński. Wydawnictwo Uniwersytetu Jagiellońskiego
Tematy:
Ann Hui cinema, Hong Kong cinema, diasporic identity, wo
Opis:
The diaspora, memory and identity – the films by Ann Hui The aim of this article is to present the works of Ann Hui, one of the most eminent film directors of the Hong Kong New Wave. In her fi lms Hui focuses on such issues as memory, ethnic minorities, intercultural communication, and the impact of political factors on the characters’ everyday life. These problems are often addressed from a subjective or even autobiographical perspective, like in her most significant work, Song of the Exile, to which I devote most of my analysis. The film is a perfect illustration of a basic feature of the Hong Kong cinema of the late 20th century, namely, a particular attitude to time, a nostalgia best expressed by a notion of déjà disparu, or a “conviction that all that is new and unique nowadays has already come and gone, and there’s nothing left but clichés and the scraps of memories of the things that never existed” (Ackbar Abbas). The longing for the past that stems from a sense of loss and necessity to reconcile with the passing of things appears to be a characteristic feature not only of Chinese fi lm art, but of Chinese culture as such.
Źródło:
Przegląd Kulturoznawczy; 2012, 4(14)
1895-975X
2084-3860
Pojawia się w:
Przegląd Kulturoznawczy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Kino pod presją
Cinema under pressure
Autorzy:
HENDRYKOWSKI, MAREK
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/921196.pdf
Data publikacji:
2016-10-09
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
cinema
film art
politics
ideology
political correctness
moral correctness
censorship
Opis:
The article contains a synthetic look at the issue of film censorship, taking into account its various forms. The author combines the perspective of a contemporary synchronous with the diachronic perspective, dating back to the distant origins of cinema and filmmaking, in conjunction with politics and ideology.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2016, 18, 27; 19-32
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
„Zone Europa” – promocja kina europejskiego
„Zone Europe” – promotion of European cinema
Autorzy:
Wochowska, Małgorzata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/413113.pdf
Data publikacji:
2008
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
Zone Europa
kino europejskie
polityka kulturalna
polityka audiowizualna
DKF
kino autorskie
Zone Europa channel
European cinema, cultural policy audiovisual policy
film society (fr. ciné club)
author cinema (fr. cinéma d’auteur)
Opis:
Artykuł skupia się na działalności kanału telewizyjnego Zone Europa jako na zjawisku medialnym i estetycznym, i w związku z nim stawia kilka problemów: jaką wartość edukacyjną niesie kino?, jaka jest specyfika europejskiej kinematografii?, jakim narzędziem w budowaniu zbiorowych mitów jest film? Wiele z tych zagadnień wiąże się bezpośrednio z polityką programową stacji Zone Europa. Kanał ten został wprowadzony na rynek środkowo-europejski, w tym także polski, w 1999 roku pod nazwą Wizja Le Cinema. Następnie przez trzy lata – od 2003 do 2006, istniał jako Europa Europa. To prywatna stacja telewizyjna, której twórcy zadeklarowali wypełnianie misji edukacyjnej poprzez wzbogacanie wiedzy filmowej odbiorców. Jak wynika z ich początkowych założeń, ramówka ma odpowiedzieć na zapotrzebowania wymagających widzów, szczególnie zainteresowanych kinem. Autorzy Zone Europa stworzyli manifest programowy stacji, za pomocą którego przedstawili swoistą wizję kina i nietypowy dla stacji komercyjnej cel działania. Podkreślona została szczególnie chęć promowania „europejskiej estetyki filmowej”. Zagadnienia związane z kanałem Zone Europa stanowią punkt wyjścia dla moich rozważań o europejskich mitach i kulturze, również w znaczeniu instytucjonalnym, tj. o europejskiej polityce kulturalnej.
The article focuses on a television channel called Zone Europa as an interesting media and aesthetic phenomena. It poses some questions regarding Zone Europa: What is the educational value of the cinema? What is the main characteristic of European cinematography? What kind of tool is the cinema in creating common myths? Most of questions seen above are linked to the program policy of Zone Europa channel. The channel was introduced to the Eastern-European market; including Poland in 1999 under the name Wizja Le Cinema. Consequently, for three years from 2003 to 2006 it was called Europa Europa. Creators of this private television declared fulfilling an educational mission by enriching movie awareness to their viewers. As it was stated by them, the Zone Europa’s program policy is to correspond to the most demanding movie fans. The channel’s authors wrote a manifest which presents their own vision of cinema, and an aim of creating the channel. An aim which is not typical for a private station. The willingness of promoting “European film aesthetic” was underlined. The questions regarding the Zone Europa channel became a staring point for me to reflect upon European myths and culture, including the institutional approach. i.e. European cultural and audiovisual policy.
Źródło:
Przegląd Socjologiczny; 2008, 57, 2; 147-165
0033-2356
Pojawia się w:
Przegląd Socjologiczny
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
From Villain to Superhero: The Image of the North Korean in Contemporary South Korean Cinema
Autorzy:
Husarski, Roman
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1977461.pdf
Data publikacji:
2019-09-30
Wydawca:
Wydawnictwo Adam Marszałek
Tematy:
cinema and politics
hero and villain
political myth
South Korean cinema
ideology
propaganda
Opis:
Confidential Assignment (Kongjo, Kim Sung-hoon), released on January 18, 2017 between DPRK nuclear tests, tells a story of two special agents. One is from North Korea and the other one from South Korea, and they unite to fight against a common enemy. Extraordinarily, the North Korean agent is portrayed as more formidable than his South Korean counterpart who is unable to match him in every field. Also, the North Korean agent is portrayed by a Korean super star, Hyun-Bin. In this paper, I analyze two other similarly themed movies: The Net (Kŭmul, Kim Ki-Duk) and Steel Rain (Kangch’ŏlbi, Yang Wooseok). All of them were released recently and were huge commercial successes in South Korea. The aim of the following paper is to show and analyze the evolution of the image of North Korean characters in South Korean cinema. During the analysis, the question of how the change from villain to super hero was possible is answered. The way in which the movies talk about inter-Korean relations and how they portray both countries is particularly important to understand the current political sentiments in the Peninsula and how it can affect the Moon Jae-in presidency.
Źródło:
Polish Political Science Yearbook; 2019, 3 (48); 431-446
0208-7375
Pojawia się w:
Polish Political Science Yearbook
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Postkolonialne obrazy we współczesnym kinie włoskim
Postcolonial cinema studies. The perspective of modern Italian cinema
Autorzy:
Baszak, Ewa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/459922.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:
postkolonializm, kino włoskie, migracje, imigranci, multikulturowość, rasizm
postcolonialism, Italian cinema, migration, immigrations, multiculturalism, racism
Opis:
Aim of the study. The aim of this study is the examination of postcolonial imaginary in contemporary Italian cinema, the production of which has significantly increased. Speaking of postcolonialism , we need to first present the colonial legacy of Italy, so that we can then smoothly proceed to the postcolonial study of film with the following analysis of particular movies. Method. Analysis was based on the most important concepts of postcolonial film research. Results. Analysed movies less frequently touch on the subject of postcolonialism directly, also they consider different factors which caused the current migration tendencies, and also the creation of diasporic communities. Postcolonial film research is more frequently applied to the concept of multiculturality. Conclusions. Films under discussion represent contemporary Europe as shaped by the colonial past, which has created a lasting impact on its current state, and also through the prism of what followed it, which was migration - currently one of Europe’s major problems.
Cel badań. Celem poniższej pracy jest zbadanie postkolonialnych obrazów we współczesnym kinie włoskim, których produkcja w ostatnich dwudziestu latach uległa znacznemu rozwojowi, nie tylko we Włoszech, ale i w całej Europie. Mówiąc o postkolonialiźmie w filmie, należy najpierw przedstawić kolonialne dziedzictwo Włoch, aby płynnie przejść do postkolonialnych studiów nad filmem, a co za tym idzie do analizy konkretnych tytułów filmowych. Metody badań. Przedmiotem moich badań są współczesne filmy włoskie, których tematyka pozostaje ściśle związana z postkolonializmem. Analiza została przeprowadzona na podstawie najważniejszych koncepcji postkolonialnych badań nad filmem (teoria Kobeny Mercer i Stuarta Hall, Elli Shohat i Roberta Stam oraz Laury Marks, Sandry Ponzanesi i Marguerite Waller). Wyniki badań. Analizowane filmy coraz częściej nie dotyczą bezpośrednio postkolonializmu, uwzględnia się inne niż tylko kolonialne czynniki sprawcze warunkujące dzisiejsze ruchy migracyjne oraz powstawanie wspólnot diasporycznych. Wnioski. Omawiane filmy ukazują współczesną Europę jako ukształtowaną przez kolonialną przeszłość, która wywarła trwały wpływ na teraźniejszość oraz przez pryzmat jej następstwa, jakim jest zjawisko migracji, które obecnie stanowi duży problem w Europie. Postkolonialne badania nad filmem, coraz częściej odnoszą się do pojęcia multikulturowości.
Źródło:
Ogrody Nauk i Sztuk; 2017, 7; 426-432
2084-1426
Pojawia się w:
Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Meetings with the Polish Cinema: An Outline of a Sociological Study into Traveling Cinema Based on the ‘Light-Sensitive Poland’ Project
Spotkania z kinem polskim. Socjologiczne studium kina ruchomego
Autorzy:
Wejbert-Wąsiewicz, Ewelina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1812190.pdf
Data publikacji:
2021-08-31
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
socjologia kina
socjologia filmu
świat sztuki
współczesne kino polskie
kino ruchome
„Polska Światłoczuła”
sociology of cinema
sociology of film
art world
contemporary Polish cinema
mobile cinema
‘Light- Sensitive Poland’
Opis:
The presented study aims to describe the outdoor movie project called ‘Light-Sensitive Poland’ [Pol. ‘Polska Światłoczuła’] in two perspectives – functional and interactive. During the qualitative field research, the author tried to find out what motivations drive the different sides of the project. The sociological study is based on scientific and statistical sources as well as on the material collected in the period 2012–2014 during the six touring cinema routes in Poland within the ‘Light-Sensitive Poland’ project. The specific objective is to attempt to include the author’s own sociological observations made during the fieldwork in the broader context of the traveling cinema phenomenon. The collected materials provided an opportunity to sketch the socio-cultural atmosphere of meetings between the audience and the works and their creators, in particular the expectations and motivation of both the creators and recipients. The article refers to the author’s own ordinary and participatory observations (both open and hidden). The article used 50 ordinary observations from the screening and from the meetings with the audience (conversations with the audience after the screening and about 100 short recorded conversations with the audience about the movie impressions and motivation to participate in the screening), as well as the insider experience from several dozen days in touring cinemas. The research is not representative of the overall audience of the screenings during the six tours. The author does not discuss the results of the research on the reception of contemporary Polish movies (discussion after screenings), but, rather, focuses on the institutional and interactive approach to mobile cinema.
Prezentowane studium ma na celu opisanie plenerowego projektu filmowego „Polska Światłoczuła” w dwóch perspektywach – funkcjonalnej i interakcyjnej. W trakcie jakościowych badań terenowych autorka próbowała dociec, jakie motywacje kierują różnymi stronami projektu. Socjologiczne studium opiera się o źródła zastane: naukowe i statystyczne oraz o materiał zebrany w okresie 2012–2014 w trakcie sześciu tras kina objazdowego w Polsce w ramach projektu „Polska Światłoczuła”. Cel szczegółowy stanowi próba ujęcia własnych obserwacji socjologicznych, czynionych w trakcie badań terenowych, w szerszym kontekście, jakim jest fenomen kina objazdowego. Zebrane materiały dały możliwość naszkicowania społeczno-kulturowej atmosfery spotkań widzów z dziełami i ich twórcami, w szczególności oczekiwań, motywacji twórców i odbiorców. W artykule odwołano się do własnych obserwacji zwykłych oraz uczestniczących (jawnych i ukrytych). Wykorzystanych zostało 50 obserwacji zwykłych z projekcji oraz ze spotkań z publicznością (rozmowy z publicznością po seansie oraz około stu krótkich, nagrywanych rozmów z widzami na temat wrażeń filmowych oraz motywacji do uczestnictwa w seansie), a także doświadczenia (insidera) z kilkudziesięciu dni w trasach z kinem objazdowym. Badania nie są reprezentatywne odnośnie do całościowej publiki seansów w trakcie sześciu tras. Autorka nie omawia rezultatów badań dotyczących recepcji współczesnych polskich filmów (dyskusje grupowe po projekcji), lecz skupia się na ujęciu instytucjonalnym i interakcyjnym kina ruchomego.
Źródło:
Przegląd Socjologii Jakościowej; 2021, 17, 3; 184-204
1733-8069
Pojawia się w:
Przegląd Socjologii Jakościowej
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Psychoanaliza w kinie weimarskim
Psychoanalysis in Weimar Cinema
Autorzy:
Kłys, Tomasz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/579344.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
psychoanalysis
Weimar
German cinema
Kulturfilm
The Secrets of a Soul
Opis:
Film and psychoanalysis were born almost simultaneously in the last decade of the nineteenth century. However, the first significant entrance of psychoanalysis into the cinema took place in the Weimar Republic. The climax of this German cinema’s interest in psychoanalysis was the Ufa project to make Kulturfilm (i.e. — an educational film) Geheimnisse einer Seele (1926). Its task — fulfilled in an artistically excellent way — was to popularize to the mass audience the basic principles of psychoanalysis and methods of its therapy. Despite Freud’s refusal to participate in the project, two of his very close disciples, Karl Abraham and Hanns Sachs, were scientific consultants of filmmakers throughout the making of the film.
Źródło:
Zagadnienia Rodzajów Literackich; 2016, 59/119 z. 3; 81-94
0084-4446
Pojawia się w:
Zagadnienia Rodzajów Literackich
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Odkrywanie innego. Podróże do Andaluzji w kinie hiszpańskim
Discovering the other. Journeys to Andalusia in the Spanish cinema
Autorzy:
Aleksandrowicz, Joanna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/521433.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Tematy:
Andaluzja
kino hiszpańskie
stereotyp
podróż w filmie
Andalusia
Spanish cinema
stereotype
travel in cinema
Opis:
This paper shows changes in film images of journeys to Andalusia. The starting point are the stereotypes which influenced the image of Andalusia in the first decades of the cinema. During the Francoist dictatorship the region was perceived as a symbol of the whole Spain and the purpose of the journey was to contrast foreign and Andalusian culture. After the political transformation directors focused more on interregional travel. New narrative models and transformations of scenery emerged, which corresponded with realistic trends in contemporary cinema.
Artykuł ukazuje zmiany w filmowych obrazach podróży do Andaluzji. Punktem wyjścia są stereotypy, które wpłynęły na wizerunek południa w pierwszych dekadach kina. W epoce frankistowskiej postrzegano region jako symbol całej Hiszpanii, a podróż miała na celu zderzenie wzorców zagranicznych i andaluzyjskich. Po transformacji ustrojowej reżyserzy koncentrują się raczej na podróżach międzyregionalnych. Pojawiają się nowe rozwiązania fabularne i przekształcenia scenerii, które korespondują z realistycznymi tendencjami w kinie najnowszym.
Źródło:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura; 2020, 12, 1; 24-41
2083-7275
Pojawia się w:
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The Myth of Total Shakespeare: Filmic Adaptation and Posthuman Collaboration
Autorzy:
Lewis, Seth
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2048129.pdf
Data publikacji:
2021-12-30
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
André Bazin
Posthumanism
Cinema 3.0
Shakespeare
Database Cinema
Gender
Florence Pugh
Object Oriented Ontology
Reality
Post-Cinema
Post- Shakespeare
Collaboration
Opis:
The convergence of textuality and multimedia in the twenty-first century signals a profound shift in early modern scholarship as Shakespeare’s text is no longer separable from the diffuse presence of Shakespeare on film. Such transformative abstractions of Shakespearean linearity materialize throughout the perpetual remediations of Shakespeare on screen, and the theoretical frameworks of posthumanism, I argue, afford us the lens necessary to examine the interplay between film and text. Elaborating on André Bazin’s germinal essay “The Myth of Total Cinema,” which asserts that the original goal of film was to create “a total and complete representation of reality,” this article substantiates the posthuman potentiality of film to affect both humanity and textuality, and the tangible effects of such an encompassing cinema evince themselves across a myriad of Shakespearean appropriations in the twenty-first century (20). I propose that the textual discourses surrounding Shakespeare’s life and works are reconstructed through posthuman interventions in the cinematic representation of Shakespeare and his contemporaries. Couched in both film theory and cybernetics, the surfacing of posthuman interventions in Shakespearean appropriation urges the reconsideration of what it means to engage with Shakespeare on film and television. Challenging the notion of a static, new historicist reading of Shakespeare on screen, the introduction of posthumanist theory forces us to recognize the alternative ontologies shaping Shakespearean appropriation. Thus, the filmic representation of Shakespeare, in its mimetic and portentous embodiment, emerges as a tertiary actant alongside humanity and textuality as a form of posthuman collaboration.
Źródło:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance; 2021, 24, 39; 53-69
2083-8530
2300-7605
Pojawia się w:
Multicultural Shakespeare: Translation, Appropriation and Performance
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Charlie Chaplin - osobowość kina
Charlie Chaplin – personality of the cinema
Autorzy:
Moskwa, Maja
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/956371.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Uniwersytet Rzeszowski. Wydawnictwo Uniwersytetu Rzeszowskiego
Tematy:
chalie chaplin
director
screenwriter
composer
icon of the cinema
Opis:
The article presents one of the most influential people in history of cinema Charles Chaplin. Born and raised in extreme poverty of London alleys, after years of hard work, he became the most popular and the richest person of the artistic world at the beginning of the 20th century. Chaplin was the man of genius, who created the character of a Little Fellow recognized all over the world until today. His attributes a short moustache, an old bowler hat, a bamboo stick, a tight jacket, loose pants and too big shoes together with not very smart, but cunning and kind childlike personality provided him an international success. Chaplin himself was very talented, apart from his acting abilities, he was a great director, screenwriter, producer and composer. His career originated in British music halls and after a long time of self development evolved to make Charlie the icon of the cinema. The article describes subsequent stages of that process
Źródło:
Dydaktyka Polonistyczna; 2019, 5 (14); 101-119
2451-0939
Pojawia się w:
Dydaktyka Polonistyczna
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Cinema Metropol – kino, którego nie ma
Cinema Metropol – a place which is not there
Autorzy:
Śliwińska, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/921220.pdf
Data publikacji:
2017-08-17
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
movie theater
Metropol
Chodzież
history
Opis:
This article is devoted to the history of the Metropol movie theater, which started its activity in the interwar period. The story of Metropol intertwines with the history of the town and the fate of its inhabitants.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2017, 20, 29; 329-335
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Time networks: history and synchronicity in contemporary Croatian cinema
Autorzy:
Janica, Tomić
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/923164.pdf
Data publikacji:
2018-12-22
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
network narratives
Croatian film
Balkan cinema
synchronicity
war
cultural memory
Opis:
The paper demonstrates the prominence of network narratives (films with several autonomous storylines, globally popular since the mid-1990s) in post-Yugoslav, particularly Croatian, cinema, with examples such as Metastases (2009), The Reaper (2014), You Carry Me (2015), The Constitution (2016), The Trampoline (2017), etc. Unlike network narratives elsewhere, these films often thematize history, with parallel stories typically set during World War II and the Yugoslav Wars of the 1990s. This has been said to suggest as a circular, synchronic vision of history, a “transhistorical dance macabre” as a leitmotif of Balkan cinema. The films Witnesses (2003) and The High Sun (2015), together with a group of multi-narrative plays, i.e. The Last Link (1994), 3 Winters (2014) and Men of Wax (2016), are analysed as vehicles of counter-memory to such self-Balkanizing representations.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2018, 23, 32
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
O cinema e a legislação do Estado Novo: contexto e análise
Autorzy:
Olchówka, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2080913.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Uniwersytet Warszawski. Wydział Neofilologii
Tematy:
cinema
legislation
António Ferro
Estado Novo
Portugal
Opis:
Thanks to the efforts of Antonio Ferro, who was passionate about cinema and its ideological possibilities, the Seventh Art became one of the Portuguese New State (Estado Novo) interests in the late 30s. This fact opened the legislative process of effective control of all aspects of Portuguese cinematography. An analysis of historical and political context of that period leads to a better understanding of the complexity of the role designed for the fi lm by state authorities and discovers the reasons behind the failure of this policy. The texts studied for this investigation are both enacted legislation acts as well as the parliamentary debates; all together, those documents part from the legislative process. The methods applied to this study are text, context and (explicit and implicit) content analysis and its interpretations. This research demonstrates that the cinematography was treated as an educational and propaganda tool, which was useful but also dangerous and, consequently, not understood as an agent of artistic expression. Some superficial attempts of film industrialization were not realized because of the characteristics and failures of Salazar’s system. The ideological and political changes of the 60s shed some light on the fiasco of the Portuguese legislation and, in fact, the weakness of the national cinema.
Źródło:
Itinerarios; 2016, 24; 309-330
1507-7241
Pojawia się w:
Itinerarios
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Kino (anty)narodowe? „Uczta wigilijna” Luisa Garcíi Berlangi
(Anti)national Cinema? “Plácido” by Luis García Berlanga
Autorzy:
Zielińska, Dominika
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/27754371.pdf
Data publikacji:
2021
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Luis García Berlanga
kino narodowe
españolada
dyktatura
Francisco Franco
nowe kino hiszpańskie
national cinema
dictatorship
new Spanish cinema
Opis:
Autorka omawia film Uczta wigilijna (Plácido, 1961) w reżyserii Luisa Garcíi Berlangi w kontekście przemian, jakie na początku drugiej połowy XX w. przechodziło kino narodowe w Hiszpanii. Okoliczności powstania filmu, ingerencja cenzury oraz jego tematyka i styl autorski to zagadnienia, którym autorka przygląda się w ramach dyskursu kina propagandowego (historycznego) i eskapistycznego (filmowe españolady), programowo wprowadzanego przez frankistów na przełomie lat 30. i 40. XX w. Berlanga blisko współpracował z pisarzem i scenarzystą Rafaelem Azconą, a jako przedstawiciel Nowego Kina w latach 50. i 60. XX w. był jednym z tych twórców, którzy zrewolucjonizowali pojęcie kina narodowego w swoim kraju. Powołując się na prace hiszpańskich teoretyków i znawców twórczości Berlangi, autorka podkreśla znaczenie Uczty wigilijnej w ówczesnej sytuacji społeczno-politycznej, a także wpływ tej produkcji na reinterpretację kategorii kina narodowego w Hiszpanii.
The author discusses the film Plácido (1961) by Luis García Berlanga in the context of the changes of national cinema in Spain at the beginning of the second half of the 20th century. The circumstances of the film’s production, the interference of censorship, as well as the subject matter and the author’s style are the issues that the author reflects on as part of the discourse of propaganda (historical) and escapist (film españolades) cinema, introduced by Francoists programmatically at the turn of the 1930s and 1940s. As a representative of New Cinema, in the 1950s and 1960s Berlanga was one of those who, in cooperation with the author and screenwriter Rafael Azcona, revolutionized the concept of national cinema in the country. Referring to the works of Spanish theoreticians and experts on Berlanga’s work, the author underlines the importance of Plácido in the socio-political context of the time, as well as the impact of the movie on the reinterpretation of the category of national cinema in Spain.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2021, 116; 103-120
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Socjologiczne widzenie filmu i kina. Artykulacje i praktyki w polu socjologii filmu i kina
The sociological perception of film and cinema. Articulations and practices in the field of film and cinema sociology
Autorzy:
Wejbert-Wąsiewicz, Ewelina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/413452.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
socjologia filmu
socjologia kina
film
kino
kinematografia
film sociology
sociology of cinema
cinema
cinematography
Opis:
W artykule podjęto próbę rekonstrukcji kształtowania się pola socjologii filmu i kina na podstawie analizy porównawczej ważnych, zagranicznych i polskich prac mieszczących się w ramach opisywanej subdyscypliny. Wśród nich znajdują się: pionierskie rozprawy oraz badania dotyczące kina i filmu, socjologiczne postulaty i programy badawcze, studia socjologiczne, opracowania poświęcone socjologii filmu i kina. Główny cel stanowiło uporządkowanie i podsumowanie dziedzictwa wąskiej dyscypliny socjologii filmu i kina, ujęcie pewnych praktyk, orientacji i nurtów badawczych. Autorka ukazała także obszar badań poświęcony instytucjom filmowym jako słabo reprezentowanym w praktyce badań socjologicznych w Polsce i za granicą. Inspirację teoretyczną dla nakreślonych poszukiwań stanowi teoria praktyki naukowej Pierre’a Bourdieu, a także pojęcia: habitus, pole oraz kapitał.
The article attempts to reconstruct the field of the sociology of film and cinema based on a comparative analysis of important foreign and Polish works falling within the described subdiscipline. Among them are pioneering dissertations and research on cinema and film, sociological research programs, sociological studies, and studies devoted to the sociology of film and cinema. The main goal was to organise and summarise the heritage of the narrow discipline of film and cinema sociology, and to include certain practices, orientations and research trends. The author also showed the area of research devoted to film institutions as being poorly represented in the practice of sociological research in Poland and abroad. The theoretical inspiration for the explorations is Pierre Bourdieu’s theory of scientific practice as well as the notion of habitus, field and capital.
Źródło:
Przegląd Socjologiczny; 2018, 67, 4; 141-169
0033-2356
Pojawia się w:
Przegląd Socjologiczny
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
“Her-story”: contemporary female film directors in post-Yugoslav cinema
Autorzy:
Durić, Dejan
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/923152.pdf
Data publikacji:
2018-12-22
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
post-Yugoslav cinema
female directors
her story
posttransition
female subjectivity
Opis:
The subject of this paper is a new generation of female directors in former Yugoslav (Croatia, Serbia, Bosnia and Herzegovina) cinematography. It considers the stylistic, narrative and representational strategies in the films Clip (Klip, 2012) by Maja Miloš, Sonja and the Bull (Sonja i bik, 2012) by Vlatka Vorkapić, Our Everyday Life (Naša svakodnevna priča, 2015) by Ines Tanović, Zagreb Cappuccino (2014) by Vanja Sviličić, Trampoline (Trampolin, 2016) by Zrinka Katarina Matijević, You Carry Me (Ti mene nosiš, 2015) by Ivona Juka, and Quit Staring at My Plate (Ne gledaj mi u pijat, 2016) by Hana Jušić. The movies are related through conceptual, thematic and/or stylistic features. They examine the position of female protagonists in a patriarchal society and their daily experiences, wherein they dissect gender, economic and social problems that exist in countries in the territory of former Yugoslavia.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2018, 23, 32
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Uważne spojrzenie – nowy paradygmat poznawczy dla europejskiego kina slow
Mindful look: A new cognitive paradigm for the European slow cinema
Autorzy:
Piskorska, Anna Maria
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1857034.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Narodowe Centrum Kultury
Tematy:
mindfulness
sati
slow cinema
współczesne kino europejskie
postsekularyzm
contemporary european cinema
postsecularism
Opis:
Putting the increasingly popular concept of mindfulness in a wider context of slow movement, the article focuses on its representation in the film culture. Developed in the late 20th century, slow cinema is a cross-cultural trend in art cinema film-making that is not only appreciated but also initiated by the viewers themselves, film critics, selectors, and cinema enthusiasts. According to the author, the artificial construct of slow cinema emerged from the need to experience the so-called secular epiphany, a phenomenon that as of yet hasn’t been thoroughly studied. To capture this post-secular potential of slow cinema, she refers to the concept of mindfulness (or awareness) analysed here both with respect to Jon Kabat-Zinn’s functional definition of mindfulness and the original Buddhist concept of sati (as updated in terms of its epistemological and soteriological sense). The hypothetical usefulness of the concept of mindfulness is verified in the process of interpreting three films included among the classics of slow cinema: Werckmeister Harmonies (2000) by Béla Tarr and Ágnes Hranitzky, Birdsong (2008) by Albert Serra, and Outside Satan (2011) by Bruno Dumont.
Źródło:
Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka; 2020, 110, 3; 148-159
1230-4808
Pojawia się w:
Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Inside Job. First-person Documentary in Trauma Cinema: "Balkan Champion" (2006)
Autorzy:
Stőhr, Lorant
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/919733.pdf
Data publikacji:
2014-06-13
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
trauma
first-person documentary
interethnic conflicts
Hungarian cinema
Opis:
Owing to the disappearance of grand narratives in postmodernism, contemporary documentary has become concerned with personal and collective historical traumas. This paper focuses on the documentary filmmaker’s challenge concerning the treatment of traumatic experience and the re-construction of historical events. It examines the filmmaker’s position in her own film and her attitude towards her subjects in documentaries on historical and personal trauma in the framework of a case study. The film analysed is Balkan Champion (2006), which launched a new trend in Hungarian documentary cinema, touching on sensitive issues in the collective memory of the nation that include the striking, controversial involvement of the fi lmmaker herself. Réka Kincses has made an empathic but highly critical portrait of her own father, the one-time political leader of the Hungarian ethnic minority in Romania, which evolved into a portrait of the interethnic conflicts between Romanians and Hungarians, and the political confl icts arising from the Eastern European transition from communist dictatorship to democracy, as well as their traumatic consequences on the life of an ethnic Hungarian family in Romania. Th e fi lmmaker not only confronts her father with his own failure both as a politician and a father, but also challenges her mother’s chauvinism and careerism. The parents’ opinion about and emotional reactions to the Romanian ethnic majority represent the long-term eff ect of the historical trauma of the treaty of Versailles (1921) and the wounds this left  on the collective psyche of the Hungarian nation. A close analysis demonstrates that, on the one hand, the filmmaker’s first-person interactive techniques helped to reveal the repeated ideological, behavioural and emotional patterns rooted in the historical traumas of Hungarian ethnic minority groups in Romania; on the other hand, these techniques prove to be controversial due to the director’s constant shifting between positions outside and inside her own family and her refusal to take the responsibility that the inside position would involve.
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2014, 15, 24; 5-18
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Oscar Micheaux i początki kina afroamerykańskiego
Oscar Micheaux and the Beginnings of African-American Cinema
Autorzy:
Loska, Krzysztof
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/26850888.pdf
Data publikacji:
2022
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Oscar Micheaux
kino afroamerykańskie
kultura filmowa
początki kina
„film rasowy”
African-American cinema
film culture
early cinema
“race film”
Opis:
Autor omawia początki kina afroamerykańskiego na przykładzie twórczości Oscara Micheaux (1884-1951) – jednego z najwybitniejszych przedstawicieli tzw. filmu rasowego – i sytuuje jego twórczość w szerszym kontekście społecznym, kulturowym i politycznym, na tle działalności innych przedstawicieli branży, którzy w drugiej i trzeciej dekadzie XX w. podejmowali próby realizacji filmów przeznaczonych dla czarnej publiczności. Autor zwraca uwagę na szereg aspektów kształtujących kulturę filmową w społeczności afroamerykańskiej, takich jak system dystrybucji i promocji, praktyki wystawiennicze, wpływ cenzury na ostateczny kształt dzieła. Uwzględnia również zagadnienia stylistyczne oraz tematykę podejmowaną w „filmach rasowych”, a związaną z kwestią awansu społecznego, narracją emancypacyjną, polemiką ze stereotypami rasowymi, strategią „uchodzenia za białego” (passing) oraz obecnością tematów kontrowersyjnych (jak lincz i małżeństwa „międzyrasowe”).
The author discusses the beginnings of African-American cinema on the basis of the films by Oscar Micheaux (1884-1951), who was one of the most prominent representatives of the so-called race film, and situates his work in broader social, cultural and political contexts. The author juxtaposes Micheaux with other directors who attempted to make films intended for black audiences in the second and third decades of the twentieth century. Attention is drawn to a number of aspects shaping the film culture of the African-American community, such as the distribution and promotion system, exhibition practices, or the influence of censorship on the final shape of the work. The author also takes into account stylistic issues and topics taken up in “race films”, e.g. social advancement, emancipation narrative, polemics with racial stereotypes, the “passing” strategy, and the presence of controversial themes (such as lynching or interracial marriages).
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2022, 117; 143-160
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Benshi w „yoseba”, czyli śladami innych cieni
Benshi in “Yoseba” or Following Other Shadows
Autorzy:
Świdziński, Wojciech
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/27761259.pdf
Data publikacji:
2021
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
kino japońskie
początki kina
przemysł filmowy
film niemy
Meiji
benshi
misemono
origins of cinema
film industry
silent cinema
Japanese cinema
Opis:
Książka Dawida Głowni Początki kina w Japonii na tle przemian społeczno-politycznych kraju (2020) przedstawia szczegółowo narodziny kinematografii japońskiej – od sprowadzenia aparatury filmowej w 1897 r. i założenia pierwszych wielkich przedsiębiorstw, takich jak Nikkatsu, po początki cenzury filmowej, ustanowionej w wyniku „skandalu Zigomarowskiego” z 1912 r. Autor ukazuje kontekst społeczny, polityczny i kulturalny powstania kina w Japonii, odnosząc się m.in. do świata ulicznych rozrywek (misemono), do których początkowo zaliczano kinematograf, a także wojny rosyjsko-japońskiej, wydarzenia stymulującego rozwój branży filmowej. Szczegółowo omówiono także genezę benshi – narratorów komentujących pokazy wczesnych filmów. Procesy opisane przez Dawida Głownię zostały zestawione z narodzinami kina na ziemiach polskich na przełomie XIX i XX w.
Dawid Głownia’s book Początki kina w Japonii na tle przemian społeczno-politycznych kraju [The Beginnings of Cinema in Japan in the Context of the Country’s Socio-Political Transformations] (2020) offers a detailed and comprehensive presentation of the birth of Japanese cinematography, from the importation of the film apparatus in 1897 and the establishment of the first major film companies such as Nikkatsu to the establishment of film censorship as a result of the “Zigomar scandal” of 1912. The author also presents manifold social, political and cultural contexts of the emergence of cinema in Japan, such as the world of street performances (misemono), which initially included the cinema, or the Russo-Japanese War, which stimulated the birth of the film industry. The origin of benshi, whose narration accompanied silent film screenings, is also discussed in detail. In the review, the processes described by Dawid Głownia are juxtaposed with the birth of cinema on Polish lands at the turn of the 19th and 20th century.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2021, 116; 235-241
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Agnès Varda amidst Images Sensuous Theory and Strategies of Resistance in Feminist Cinema
Autorzy:
Kwiatkowska, Paulina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/22787270.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydział Ekonomiczno-Socjologiczny
Tematy:
Agnès Varda
Laura U. Marks
Vivian Sobchack
female film directors
women’s cinema
feminist film theory
sensuous theory
auteur cinema
French New Wave
Opis:
Sensuous theory has enriched the way in which we now analyze the multisensory film image as well as the embodied experience of the film viewer. Questions about the corporeality and sensuousness of the director, however, are addressed much less frequently from this perspective. Yet it is precisely this aspect that strikes me as particularly interesting, as it allows us to revisit the issue of the creative strategies employed by women in the cinema, and to pose questions about the meaning and status of the sensuous involvement of the female director in the production of her film. Does her corporeality, her physiological and sensory experience affect how the character are created, how the world is depicted, or, more significantly, the very matter of the film image? Can this involvement also become a conscious tactic of resistance against the dominant narrative and visual structures of “male cinema”? Taking these questions as my point of departure, I focus on the film of Agnès Varda The Beaches of Agnès (Les plages d’Agnès, 2008), which may be regarded as a statement that is just as personal and self-referential as it is possible to universalize. Varda uses the film as a way to examine her own life and art in the context of the history of cinema in the latter half of the 20th century, paying particular attention to the French New Wave, auteur cinema, independent film, and politically and socially engaged cinema. In The Beaches of Agnès Varda reiterates questions about her own status as a female director, accentuating the corporeal, sensuous, and affective connections with the film image, filmed objects, people, and places, the film crew, and, ultimately, the cinema as such.
Źródło:
Władza sądzenia; 2018, 14; 56-72
2300-1690
Pojawia się w:
Władza sądzenia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
O kinie postradzieckim, przedwojennym
About Post-Soviet, Pre-War Cinema
Autorzy:
Viren, Denis
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/26850593.pdf
Data publikacji:
2022
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
kino rosyjskie
trauma
postpamięć
Wielki Terror
Russian cinema
postmemory
Great Terror
Opis:
Recenzja pierwszej polskiej książki filmoznawczej stanowiącej syntezę kina postradzieckiego. Jej autorka przygląda się najważniejszym filmom dotyczącym przepracowania sowieckiej traumy po rozpadzie ZSRR, przy czym nie tylko szczegółowo je analizuje, ale także wpisuje w szeroki kontekst społeczno-polityczny.
A review of the first Polish film studies book constituting a synthesis of post-Soviet cinema. Its author looks at the most important films about working through the Soviet trauma after the collapse of the USSR, and not only analyzes them in detail, but also places them in a broad socio-political context.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2022, 119; 189-194
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Between Documentary and Fiction: Authenticity and Voyeurism in the Cinema of Ulrich Seidl
Autorzy:
Granatowska, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/919720.pdf
Data publikacji:
2014-06-13
Wydawca:
Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu
Tematy:
Ulrich Seidl
authenticity
Austrian cinema
documentary film
voyeurism
Opis:
The peculiarity of the films by Ulrich Seidl lies in the fact that the Austrian director combines freely the feature and documentary film techniques. This makes classifying his works not only impossible, but also pointless. Nevertheless, Seidl was perceived by critics as a documentary film director until he shot “Dog Days” in the year 2001. This film is regarded as a kind of a turning point in his career, a transition from documentary to fictional filmmaking. In fact it is hard to speak of a fundamental change in this instance. It seems more appropriate to perceive Seidl’s work as the director’s own consistently developed concept of cinema. The category of authenticity in meaning, contained in a definition formulated by the German film theoretician Manfred Hattendorf, proves to be very useful for describing the characteristic features of Seidl’s works. The techniques applied by Seidl in order to achieve the impression of authenticity by the viewer also bring to mind the voyeur’s perspective. 
Źródło:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2014, 15, 24; 61-70
1731-450X
Pojawia się w:
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
W kierunku sztuki radykalnej polityczności. O filmach politycznych boliwijskiego kolektywu Ukamau
On the path to a radical political art. on political films og the Bolivian collectice Ukamau
Autorzy:
Minkner, Kamil
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1369777.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Uniwersytet Opolski
Tematy:
kino polityczne
polityczność
kino społecznie zaangażowane
Trzecie Kino
Jorge Sanjinés
Nowe Kino Latynoamerykańskie.
political cinema
the political
social engaged cinema
Third Cinema
New
Latino Cinema.
Opis:
Tekst przedstawia rozważania na temat twórczości boliwijskiego reżysera filmowego, Jorge Sanjinésa w szerokim kontekście społeczno-politycznym i artystycznym. Autor analizuje również manifest teoretyczny Sanjinésa (1976), w których wyłożył on podstawowe założenia zaangażowanego kina politycznego w Ameryce Łacińskiej. Tezą nadrzędną artykułu jest twierdzenie, że filmy Sanjinésa należą do kina radykalnej polityczności. Jest to kino odsłaniające fundamentalne sprzeczności społeczne, a zarazem aktywnie nawołujące do zmiany niesprawiedliwych warunków w systemie. Istotnym wyróżnikiem tego typu aktywności twórczej jest więc nie to, że polega ona na opowiadaniu o zmianie politycznej, ale ma być praktycznym instrumentem nowego, kontrhegemonicznego porządku politycznego. Wśród cech charakterystycznych tego kina wymienia się: ideologiczny sprzeciw wobec neokolonializmu, imperializmu i zapóźnienia społecznego; radykalną formę zrywającą z kodami narracyjnymi kina głównego nurtu; podziemne warunki produkcji; alternatywne formy dystrybucji omijające oficjalne kanały obiegu filmowego. Pod koniec rozważań autor zastanawia się nad współczesnym znaczeniem filmów Sanjinés.
The paper presents reflections on the movies of Bolivian film director Jorge Sanjinés in a broad socio-political and artistic context. The author also analyzes the theoretical mani festo of Sanjinés (1976), in which he laid out the basic assumptions of engaged political cinema in Latin America. The main thesis of the article is that Sanjinés’s films belong to the cinema of the radical political. It is a cinema that reveals fundamental social contradictions, and at the same time actively calls for a change of unfair conditions in the system. An important distinguishing feature of this type of creative activity is not that it consists in a story about a political change, but is supposed to be a practical instrument of a new, counter-hegemonic political order. The characteristics of this cinema include: ideological opposition to neocolonialism, imperialism and social backwardness; a radical form that breaks with the narrative codes of mainstream cinema; underground production; alternative forms of distribution bypassing official film circulation channels. At the end of his deliberations, the author considers the contemporary meaning of Sanjinés’s films.
Źródło:
Studia Krytyczne/ Critical Studies; 2020, 9; 11-33
2450-9078
Pojawia się w:
Studia Krytyczne/ Critical Studies
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
A Transmedia Overturning: Direct Address from Theatre to Cinema
Autorzy:
Cavaletti, Federica
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1964518.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Ośrodek Badawczy Facta Ficta
Tematy:
direct address
Brecht
look at the camera
cinema
theatre
medium specificity
Opis:
A direct address – in visual and audiovisual forms of communication – occurs any time one or more characters inside the fictional world look straight at the spectators, blurring the threshold that separates the images from flesh-and-blood reality. However, different forms of direct address can take place in several media contexts, based on the specificity of each given medium. This is particularly urgent with respect to two types of direct address: the theatrical and cine-matic ones. While the former has studied thoroughly, mainly based on Bertolt Brecht’s dramaturgy, the latter – also known as “look at the camera” – is arguably less understood. In the absence of a dedicated conceptualization, the cinemat¬ic direct address has commonly been treated merely as a transmedia counterpart of the theatrical one, thus overlooking the peculiarities of the two. This article restores the autonomy of the cinematic direct address and elaborates on its specific non-the atrical effects. First, it outlines the nature and functioning of the theatrical direct address as theorized by Bertolt Brecht. Then, by adopting a semiotic approach, it demonstrates that this type of direct address must not be confused with the cinematic one. Lastly, it introduces three non-Brechtian types of cinematic direct address: namely, the diegetic, the meta-filmic, and the documentary look at the camera.
Źródło:
Facta Ficta. Journal of Theory, Narrative & Media; 2018, 2, 2; 135-153
2719-8278
Pojawia się w:
Facta Ficta. Journal of Theory, Narrative & Media
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies