Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "Polska Akademia Nauk." wg kryterium: Wszystkie pola

  Lista filtrów
Wyrównaj
    Wyświetlanie 1-12 z 12
    Tytuł:
    Netflix: The Future Is Now?
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31339783.pdf
    Data publikacji:
    2023
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Netflix
    streaming
    konwergencja
    platformy streamingowe
    algorytmizacja
    big data
    convergence
    streaming platforms
    algorithmization
    Opis:
    Celem tekstu jest prześledzenie historii oraz znaczenia Netfliksa w kontekście przemian rynku audiowizualnego, jakie zaszły w XXI w., a także ewolucji praktyk odbiorczych. Autorka skupia się na takich aspektach, jak dominujący udział serwisu w zwrocie streamingowym, autonarracja platformy kreująca jej wizerunek jako firmy technologicznej, a nie medialnej, rola algorytmizacji służącej targetowaniu oferty przy stosowaniu kontrowersyjnych praktyk (data mining). W artykule zostaje podkreślony wpływ Netfliksa na sposób funkcjonowania produkcji oraz dystrybucji treści audiowizualnych w całym przemyśle rozrywkowym, a także strategie budowania marki, związane zarówno z aspektem technologicznym, jak i charakterem promowanych treści. Autorka stawia pytania o rolę Netfliksa jako katalizatora przemian i o ich charakter, zwłaszcza w szerszej perspektywie, ujmującej zachodnią produkcję rozrywkową nie jako zbiór tekstów kultury, ale efekt procesów biznesowo-technologicznych w określonym kontekście społeczno-kulturowym.
    The aim of the article is to analyze the history and relevance of Netflix in the context of the changes in the audiovisual market that have taken place in the 21st century, as well as the evolution of audience participation. The author focuses on such aspects as the platform’s dominant role in the streaming boom, it’s self-narration as a technology company rather than a media company, the role of algorithmisation in targeting by using controversial practices (data mining). The article highlights the impact of Netflix on the way audiovisual content is produced and distributed throughout the entertainment industry, as well as its branding strategies in terms of both the technological aspect and the type of content promoted. The author raises questions about Netflix’s role as a catalyst for change and the nature of that change, especially in a broader perspective that sees Western entertainment production not as a set of cultural texts, but as the effect of business and technological processes in a specific socio-cultural context.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2023, 124; 27-49
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Narodowe kino autorów końca wieku
    National Cinema of Authors at the End of the Century
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340646.pdf
    Data publikacji:
    2019
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    historia kina
    film history
    Opis:
    Recenzja dotyczy podręcznika Historia kina. Tom 4. Kino końca wieku (2019) pod redakcją Iwony Sowińskiej, Tadeusza Lubelskiego i Rafała Syski, stanowiącego kontynuację serii podręczników historii kina zapoczątkowanej tomem o kinie niemym. Autorka koncentruje się zarówno na całościowej koncepcji tomu (obejmującego zakres czasowy lat 80. i 90. XX w.), sprofilowanego przede wszystkim na kino narodowe oraz autorskie, jak i na poszczególnych testach przygotowanych przez filmoznawców z kilku ośrodków polskich i zagranicznych. Szczególny nacisk został położony na realizację podstawowej funkcji wiązanej z formułą, jaką jest podręcznik, czyli poznawczej, oraz na strategie stosowane zarówno przez redakcję, jak i poszczególnych autorów mierzących się z obszarem światowych kinematografii końca wieku.
    The review deals with the textbook Historia kina. Tom 4. Kino końca wieku [History of Cinema. Volume 4. Cinema of the End of the Century] (2019) edited by Tadeusz Lubelski, Iwona Sowińska and Rafał Syska, which is a continuation of a series of textbooks on the history of cinema initiated with the volume on silent cinema. The author focuses both on the overall concept of the volume (covering the time range of the 1980s and 1990s), profiled primarily on national and author cinema, as well as on individual texts prepared by film scholars from several Polish and foreign research centres. Particular emphasis was placed on the implementation of the basic function associated with the textbook formula, that is the cognitive function, and on further strategies used by both the editors and individual authors dealing with the area of global cinematography of the end of the century.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 242-248
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Tom Tykwer – wizjoner kina
    Tom Tykwer – A Visionary of the Cinema
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341248.pdf
    Data publikacji:
    2017
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Ewa Fiuk
    Tom Tykwer
    kino niemieckie
    German cinema
    Opis:
    Recenzja książki Obrazo-światy, dźwięko-przestrzenie. Kino Toma Tykwera (2016) autorstwa Ewy Fiuk. Włodek zwraca uwagę, że recenzowana publikacja nie jest tradycyjną monografią Tykwera, ani tym bardziej jego biografią. Ewa Fiuk, znawczyni współczesnego kina niemieckiego, nie idzie utartą ścieżką omawiania „życia i twórczości” oraz chronologicznego analizowania kolejnych filmów. Zamiast tego koncentruje się na wątkach i obsesjach obecnych w twórczości tego reżysera, a także na kwestiach technicznych. Recenzentka detalicznie prezentuje budowę książki i zawartość poszczególnych rozdziałów, a jednocześnie poddaje je konstruktywnej krytyce. W ocenie Patrycji Włodek wielką zaletą tej książki jest dająca o sobie znać biegłość Fiuk w kwestiach technologicznych, które nie doczekały się w Polsce zbyt obszernej literatury. W zakończeniu pojawia się sugestia, że publikacja ta może być zajmująca nie tylko dla czytelników zainteresowanych kinem Tykwera bądź współczesną kinematografią niemiecką, ale również dla osób szukających mniej konwencjonalnego podejścia do zagadnienia kina autorskiego oraz spragnionych przystępnych analiz kwestii technologicznych.
    Book review of Obrazo-światy, dźwięko-przestrzenie. Kino Toma Tykwera [World-Images, Sound-Spaces: Tom Tykwer’s Cinema] (2016) by Ewa Fiuk. Włodek points out that the peer-reviewed publication is not a traditional monograph on Tom Tykwer nor his biography. Ewa Fiuk, a specialist in contemporary German cinema, does not follow the routine of describing the “life and work” and the chronological analysis of his films. Instead, she focuses on the themes and obsessions present in the director’s work, as well as on technical issues. The reviewer presents the structure of the book in detail as well as the contents of the individual chapters, while also giving constructive criticism. In Patrycja Włodek’s opinion, the great advantage of this book is Fiuk’s proficiency in technological issues, which is largely absent from Polish literature on film. In conclusion, it is suggested that this publication may be of interest not only to readers interested in Tykwer’s cinema or in contemporary German cinema but also to those seeking a less conventional approach to the subject matter of cinema and those who are keen on an analysis of technological issues.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2017, 99; 227-232
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Hollywood na frontach zimnej wojny
    Hollywood on the Cold War Frontline
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31342046.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    makkartyzm
    zimna wojna
    Hollywood
    McCarthyism
    Cold War
    Opis:
    Lata 50. przeszły do historii Ameryki jako czas makkartyzmu, polowania na czarownice i czarnych list. Pod wpływem interesów wielkich wytwórni i powojennej zmiany w Waszyngtonie, gdy władzę przejęli republikanie, atmosferę zimnej wojny zaczęto wykorzystywać do wewnętrznych rozgrywek. Narzędziem makkartyzmu, które najbardziej dotknęło Hollywood, była Komisja do spraw Badania Działalności Antyamerykańskiej w latach 1947-1960 prowadząca przesłuchania pracowników branży filmowej w poszukiwaniu komunistów i ludzi o niewygodnych poglądach. Skutkowało to atmosferą zastraszania, inkryminacją określonych tematów, zakazami pracy, miało też wpływ na kształt kinematografii amerykańskiej w latach 50. – dominację bądź deficyt pewnych kwestii, a nawet narodziny całych gatunków i nurtów filmowych.
    The 1950s are remembered in the American history as a time of McCarthyism, witch hunting and black lists. Due to the politics and influence of big production studios and post-war changes in Washington, when the Republicans took over, the atmosphere of Cold War was used in internal strife. McCarthyism, and its arm in the form of Committee on Un-American Activities which affected Hollywood the most, carried out investigations among workers of the film industry in search of communists and people of inconvenient views. This resulted in an atmosphere of intimidation, incrimination of certain topics, work bans, and influenced the overall shape of 1950s American cinematography – causing a domination or deficit of certain problems and giving rise to whole new themes and film genres.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 67-83
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Postironia i trzy twarze melodramatu
    Post-Irony and Three Faces of Melodrama
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341202.pdf
    Data publikacji:
    2017
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    postironia
    melodramat
    Nowa Szczerość
    Jim Collins
    post-irony
    melodrama
    New Sincerity
    Opis:
    Jak we wstępie do artykułu odnotowuje Włodek, tytułowe „trzy twarze” oznaczają trzy momenty w istnieniu melodramatu – preironiczny, ironiczny i postironiczny. W tym właśnie kluczu autorka prezentuje wzbogaconą licznymi przykładami filmowymi refleksję teoretyczną nad zagadnieniem melodramatu filmowego w jego trzech okresach. Pierwszą część tekstu poświęca kwestiom interpretacji melodramatu, jego definicji oraz relacji z kinem klasycznym, a także zastosowaniu pojęć „postironia” i „Nowa Szczerość”. W części drugiej skupia się na wybranych filmach i strategiach aktualizowania melodramatu na ekranie, a także wyodrębnia jedną z kluczowych dla tego gatunku figur, jaką jest ladacznica o złotym sercu. Podkreśla ponadto, że rozszerzone rozumienie melodramatu okazuje się szczególnie zasadne, jeśli spojrzymy na niego diachroniczne – od pre- do postironii. W podsumowaniu zauważa, że każda z tych omówionych form melodramatyczności dowodzi, jak migotliwe i żywe jest nie tylko kino współczesne, ale i to starsze, nawet poprzedzające okres klasyczny. Każda z przywołanych formacji kinematograficznych (przedklasyczna i przedkodeksowa, postmodernistyczna i postironiczna) funkcjonuje – zgodnie ze spostrzeżeniami cytowanego przez Włodek Jima Collinsa – w metamitologicznym wymiarze zbudowanym z warstw popularnych mitologii, które współistnieją i są stale redefiniowane.
    As Włodek notes in the introduction to the article, the title “three faces” refer to the three moments in the existence of melodrama - pre-ironic, ironic and post-ironic. It is in this schema that the author presents a theoretical reflection, enriched with numerous film exam- ples, on the issue of film melodrama in its three periods. The first part of the text is devoted to the interpretation of the melodrama, its definition and relation to the classic cinema, as well as the application of the concepts of “post-irony” and “New Sincerity”. In the second part, she focuses on selected films and strategies for updating the melodrama on cinema screen, and also identifies one of the key figures for this genre, which is a harlot with a heart of gold. She also emphasizes that the extended understanding of melodrama turns out to be particularly justified if we consider melodrama from a diachronic perspective - from pre- to post-irony. In summary, she notes that each of these discussed forms of melodrama shows how flickering and vivid is not only contemporary cinema, but also older films, even those before the classic period. Each of the evoked cinematographic formations (pre-classic and pre-codex, post-modernist and post-ironic) function - in accordance with the observations of Jim Collins quoted by Włodek - in a metamythological dimension built of layers of popular mythology that coexist and are constantly redefined.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2017, 100; 222-235
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Hanna Schygulla – w pułapce Fassbindera
    Hanna Schygulla – Trapped by Fassbinder
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341612.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Hanna Schygulla
    Rainer Werner Fassbinder
    nowe kino niemieckie
    New German Cinema
    Opis:
    Recenzja pracy zbiorowej Kino Hanny Schygulli pod redakcją Andrzeja Gwoździa (2015). Recenzentka omawia zawartość i konstrukcję książki, wskazując najważniejsze kwestie, którym współautorzy tomu poświęcili swe artykuły. W opinii Włodek wieloautorskość tej publikacji jest jej niewątpliwą zaletą, ze względu na różne punkty widzenia, ale zarazem rodzi groźbę powielenia pewnych kwestii. Recenzentka zauważa, że o ile analizy wypełniające trzecią część publikacji rzeczywiście wprowadzają wątki dla książki raczej nowe, o tyle w niektórych syntezach można znaleźć wiele powtórzeń, zwłaszcza tych obejmujących rozległe tematy rozpisane na wiele filmów. Włodek rekonstruuje też podskórnie obecną w książce tezę mówiącą o tym, że Hanna Schygulla przez długi czas tkwiła w pułapce Fassbindera, uwalniając się z niej właściwie dopiero po śmierci reżysera, choć i tak do dziś jest postrzegana przede wszystkim jako stworzona przez niego ikona Nowego Kina Niemieckiego. Recenzentka podkreśla także, iż publikacja jest cenna również z tego względu, że oferuje wszechstronną i bogatą analizę aktorstwa Schygulli.
    A book review of Kino Hanny Schygulli [Cinema of Hanna Schygulla] (2015), a volume edited by Andrzej Gwóźdź. The reviewer presents an overview of the content and construction of the book, and points to the most important issues taken up by the authors of the articles. According to Włodek the fact that this publication has many authors is an advantage, in that sense it presents a variety of points of view, and yet it stands behind the repetitions that appear in the book. The reviewer notes that although the analysis presented in the third part of the book introduces new topics, in a number of syntheses one may find repetitions, especially those dealing with wider themes spread over several films. Włodek reconstructs the thesis implicit in the book, that is that Hanna Schygulla was for a long time a “prisoner” of Fassbinder, and only freed herself following the death of the director. Even so, to this day she is primarily seen as an icon, created by Fassbinder, of the New German Cinema. Włodek points out that the publication is also valuable, because it offers a comprehensive and rich analysis of Schygulla’s acting.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 96; 231-237
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Rock’n’roll i „nowe stracone pokolenie” amerykańskiego kina
    Rock’n’Roll and the “New Lost Generation” of American Cinema
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31342089.pdf
    Data publikacji:
    2015
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    rock’n’roll
    kino amerykańskie
    bunt
    młode pokolenie
    American cinema
    rebellion
    young generation
    Opis:
    Rock’n’roll stał się kulturowym i popkulturowym fenomenem lat 50. w Stanach Zjednoczonych, nie tylko rewolucjonizując scenę muzyczną, ale i wywierając głęboki wpływ na kinematografię. Zarówno wielkie studia, jak i producenci niezależni chcieli skapitalizować jego bezprecedensowy oddźwięk, zwłaszcza wśród nastoletniej publiczności. Rewolucyjny i subwersywny potencjał rock’n’rolla, opór starszej generacji, jego natychmiastowe powiązanie w społecznym odbiorze z buntem i przestępczością młodocianych sprawiły, że powstające filmy, manewrując między cenzurą i moralną paniką a hołdowaniem „nastokulturze”, stanowią do dziś interesujący przedmiot analizy osadzającej fenomeny muzyczne i kinematograficzne w kontekście społecznym.
    Rock’n’roll became a cultural and popcultural phenomenon of the 1950s. It not only revolutionised the music scene in the United States, but also exerted a profound influence on the cinema. Both major studios and independent producers wanted to capitalise on the unprecedented response, especially among teenage audiences. The revolutionary and the subversive potential of rock’n’roll, the resistance of the older generation, and the immediate association in its social perception with rebellion and juvenile delinquency led to the resulting films maneuvering between censorship, moral panic and the admiration of “teenculture”. Today they represent an interesting object of analysis embedding musical and cinematographic phenomena in a social context.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2015, 91; 6-19
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Amerykańskie przedmieścia w cieniu wielkiego miasta
    American Suburbs in the Long Shadow of the Big City
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341126.pdf
    Data publikacji:
    2020
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    kino amerykańskie
    przedmieścia
    urbanistyka
    terytorium symboliczne
    ideologia
    kapitalizm
    American cinema
    suburbs
    urban planning
    symbolic territory
    ideology
    capitalism
    Opis:
    Przedmieścia to Rosja, tylko że z pieniędzmi – ten żart przytoczony przez Williama H. Whyte’a w słynnej książce The Organization Man wskazuje na co najmniej ambiwalentny status dzielnic podmiejskich, obecny także w reprezentacjach kulturowych. Z jednej strony suburbia pozostają faktem urbanistycznym, z drugiej – niemal od razu stały się przestrzenią w równym stopniu namacalną, jak i symboliczną oraz mityczną, mikrokosmosem całego społeczeństwa oraz zideologizowaną metonimią znacznie szerszych pojęć kluczowych dla powojennej Ameryki, takich jak naród, kapitalizm, bezpieczeństwo, pax Americana. W swym tekście autorka koncentruje się na mechanizmach oraz przyczynach wytwarzania przez kino przedmieść jako terytorium symbolicznego, stawiając pytanie o to, skąd w amerykańskim imaginarium wzięły się suburbia i poszukując jej w kolejnych epokach reprezentacji, od okresu powojennego po współczesność, w wymiarze synchronicznym i diachronicznym.
    Suburbs are “a Russia, only with money” – the joke quoted by William H. Whyte in The Organization Man points to the ambivalent status of suburban districts, noticeable also in their cultural representations. On the one hand, suburbia are simply a way of spatial planning, on the other – this particular space has always been as tangible as symbolic and mythical. They serve as a microcosm and metonymy of ideas crucial for post-war America, such as nation, capitalism, security, pax Americana. The article focuses on the mechanisms and reasons (considered both synchronically and diachronically) for the very existence of the movie-made American suburbia seen as symbolic territories.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2020, 109; 121-136
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Czas zatrzymany – amerykańska nostalgia za epoką rock’n’rolla
    Time on Hold – The American Nostalgia for the Rock and Roll Era
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/28408974.pdf
    Data publikacji:
    2014
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    lata 50.
    Reaganizm
    rock’n’roll
    kontestacja
    1950s
    Reaganism
    rock and roll
    constestation
    Opis:
    Lata 50. to szczególny okres w historii Stanów Zjednoczonych. Ta jedna z najbardziej mitologizowanych i fetyszyzowanych epok XX w. w kulturze Ameryki; jest jednocześnie jedną z bardziej ambiwalentnych i podatnych na zewnętrzne oczekiwania co do jej wizerunku kreowanego w kinie. Lata 50. – rozpięte między idealną all American erą Eisenhowera a narodzinami kultury młodzieżowej i ruchów społecznych, które diametralnie zmieniły Amerykę w epokach kolejnych – już w punkcie wyjście były ambiwalentne, co odbijało się z jednej strony w clean teen movies, a z drugiej w melodramatach rodzinnych. Szczególne znaczenie zyskały w latach 80., kiedy nostalgia za erą rock’n’rolla jako część „Reaganoretro” i „Reaganizmu”, czyli konserwatywnego nurtu w kinematografii, wyparła społeczny kontekst i tło historyczne, zamieniając paradoksalne lata 50. w serię popkulturowych, często pustych ikon.
    The 1950s are a special period in the history of the United States. It is one of the most mythologised and fetishised eras in the American culture of the 20th century. At the same time it is one of the most ambiguous periods, susceptible to external expectations as to its image created in the cinema. The 1950s – stretching from the ideal all American era of Eisenhower and the birth of youth culture and social movements that radically changed America in the following periods – was ambivalent already at the point of exit, which was reflected on the one hand in clean teen movies, and on the other hand in family melodramas. In particular 1950s gained significance in the 1980s, when the nostalgia for the rock and roll era, as part of Reaganism and Reagan-retro, that is a conservative trend in the cinema, ousted the social context and historical background of the era, turning the paradoxical 1950s into a pop culture theme park full of often empty icons.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2014, 86; 113-133
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Między stłumieniem a ekscesem – Tennessee Williams w amerykańskim kinie lat 50.
    Between Suppression and Excess – Tennessee Williams in American Cinema of the 1950s
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/28628508.pdf
    Data publikacji:
    2014
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Tennessee Williams
    kodeks Haysa
    Hollywood
    eksces
    Hays Code
    excess
    Opis:
    Jeśli dramaty Tennessee Williamsa zdają się stworzone bardziej dla kina niż teatru, zawdzięczają to kilku filmom nakręconym w latach 50. i 60. w Hollywood, których twórcy potrafili połączyć reżyserski talent i aktorski instynkt z kontrowersyjnymi tematami, a także – mimo obowiązującej wówczas cenzury – umiejętnie podjąć obecne w sztukach kwestie erotyki i przemocy. Adaptatorzy dramatów Williamsa musieli balansować między treściami i postaciami przesyconymi seksem (także tym uważanym za nienormatywny) a wyznacznikami kodeksu Haysa. Interesującym paradoksem jest więc to, że choć znacząco ocenzurowane w procesie adaptacyjnym, nadal zachowywały swój wywrotowy potencjał, wpisujący się zresztą w klimat i konwencje popularne w Hollywood lat 50. (np. melodramat rodzinny) – rozpiętych między stłumieniem i konserwatyzmem obyczajowym a ekscesem i postępującym permisywizmem.
    If the plays of Tennessee Williams seem designed more for the cinema than the theatre, they owe it to a number of films shot in the 1950s and 1960s in Hollywood, whose makers were able to combine directorial talent and actors’ instinct with controversial issues, and – despite the censorship present at the time – skillfully present issues related to eroticism and violence present in the arts. Adapters of Williams’ dramas had to balance between content and characters oversaturated with sex (including sex considered to be non-normative) and the determinants of Hays Code. An interesting paradox is that although the plays were significantly censored in the process of adaptation, they still preserved their subversive potential, at the same time fitting the mood and conventions popular in the Hollywood of the 1950s (e.g. family melodrama) – which stretched between suppression and moral conservatism and excess and advancing permissiveness.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2014, 87-88; 83-98
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Imperium nie trzęsie się w posadach. „Neo-heritage” w kinie i telewizji brytyjskiej XXI wieku
    The Empire Is Not Shaking at Its Foundations: Neo-Heritage in British Cinema and Television of the 21st Century
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31341030.pdf
    Data publikacji:
    2018
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    neo-heritage
    James Ivory
    Downton Abbey
    imperium brytyjskie
    British empire
    Opis:
    Autorka analizuje powrót sentymentów imperialnych w filmach i serialach brytyjskich XXI w., umieszczając je w tradycji kina dziedzictwa (heritage). O ile jednak twórcy filmów z lat 80. i 90. kojarzeni z tym nurtem, np. James Ivory, osadzając akcję w czasach Imperium, ujmowali ją z dystansem, melancholijnie, ale zarazem ironicznie, o tyle strategie współczesne zmieniają się. Wizualnie i tematycznie (życie klas wyższych) filmy, np. Czas mroku, oraz seriale, np. Korona, są kontynuacją kina dziedzictwa. Przeorientowaniu ulega jednak ocena świata przedstawionego. Stąd pojęcie neo-heritage, którego twórcy uwznioślają fikcyjnych (Downton Abbey) i historycznych (królowa Wiktoria, Elżbieta II) przedstawicieli klas panujących, manipulując fabułą i narracją tak, by zyskać dla nich nie tylko sympatię widzów, ale też poczucie wyjątkowej roli i misji społecznej pełnionej przez owe warstwy.
    The author analyses the return of imperial sentiments in British films and TV series of the 21st century, placing them in the tradition of heritage cinema. However, while film-makers from the 1980s and 1990s associated with this trend, for example James Ivory, set the action in the time of the Empire, and did so with a distance, with a certain melancholy and irony, contemporary strategies are changing. Visually and thematically (life of the upper classes) films such as The Time of Darkness and TV series, such as The Crown, are a continuation of the heritage cinema. However, the assessment of the presented world is reoriented. Hence the concept of neo-heritage, whose creators elevate the fictitious (Downton Abbey) and historical (Queen Victoria, Elizabeth II) representatives of ruling classes, manipulating the story and narrative so as to gain for them not only the sympathy of viewers, but also a sense of unique role and social mission fulfilled by these social layers.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2018, 101-102; 75-91
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Podróż do emancypacji. O ambiwalentnym znaczeniu motywu drogi na przykładzie tematu rasy w kinie amerykańskim
    Journey to Emancipation. On the Ambivalent Meaning of the Motif of the Road Using the Example of the Theme of Race in American Cinema
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340640.pdf
    Data publikacji:
    2019
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    kino amerykańskie
    kino drogi
    prawa obywatelskie
    relacje rasowe
    rasa
    American cinema
    road movies
    race
    civil rights
    racial relations
    Opis:
    Motyw podróży zalicza się zarówno do najbardziej uniwersalnych w tekstach kultury en bloc, jak i szczególnie chętnie aktualizowanych w kulturze amerykańskiej. Jest w niej chętnie łączony z kategoriami postępu i emancypacji, nie tylko społecznych, ale też indywidualnych. Dlatego w amerykańską drogę często ruszają postaci w jakiś sposób wykluczone bądź nieuprzywilejowane. Oczywistość zestawienia podróży i emancypacji jest jednak problematyczna w kinie głównego nurtu podejmującego temat relacji rasowych od lat 50., przez 80., aż po współczesność. Akurat w tych trzech momentach filmowcy hollywoodzcy ze zwiększoną intensywnością sięgali właśnie po te tematy, wpisując je zarówno w dystynktywne zjawiska filmowe (np. civil rights cinema), jak i w topos podróży.  
    The theme of travel belongs to both the most universal in cultural texts en bloc, and those readily updated in American culture. There it is eagerly combined with categories of progress and emancipation, not only social but also individual. That is why characters in some way excluded or underprivileged often set off on the American road. The obviousness of the juxtaposition of journey and emancipation, however, is problematic in mainstream cinema dealing with the topic of racial relations from the 1950s, through the 1980s to the present day. In those three moments, Hollywood film-makers reached for these themes with greater intensity, placing them within distinctive film phenomena (e.g. civil rights cinema), as well as in travel topos.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2019, 107; 24-36
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
      Wyświetlanie 1-12 z 12

      Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies