Skocz do pozycji: 1.

Tytuł:

The art without Art

Autorzy:

Wróblewski, Filip

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/644603.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Wydawnictwo Uniwersytetu Jagiellońskiego

Tematy:

Clifford Geertz
thick description
art
media

Opis:

This article is based on an analysis of the social field of the art and cultural category designed to described human taste of aestheticism and need to art creativity. The main idea of this paper is attempt of amendment existing applied notions to the description and analyses of art. To this purpose author is using the analogy between the iconoclash notion suggested by Bruno Latour, and proposed by oneself idea of the mediaclash. This phenomenon characterized by a clash of aesthetics and usage of formal means (especially digital technologies, which are the foundations of the very existence of new media). The second proposition is arthick category, used like Clifford Geertz thick description. This concept show a procedure of interpretation that sets the meaning of particular actions within their proper context, which makes it possible to understand human creative actions and it’s connections with social field.

Źródło:

Prace Etnograficzne; 2013, 41, 2; 113-119
0083-4327
2299-9558

Pojawia się w:

Prace Etnograficzne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 2.

Tytuł:

How Do Nonhuman Animals Make Art? Art as a Practice of Interspecies Questioning

Autorzy:

Cull Ó Maoilearca, Laura

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/31233876.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

art
creator
recipient

Opis:

The presented statement is part of the volume it covers a variety of responses from people who interact with art in different ways. The aim is to suggest to the participant of the contemporary world a new, personal perspective to rethink what is this area of our world that we label with art; thoughts with and without theoretical suggestions - reflections by the creators and reflections by the audience, teaching humility and uniqueness, perhaps - forming a fresh perspective on art.

Źródło:

Roczniki Kulturoznawcze; 2022, 13, 4; 59-64
2082-8578

Pojawia się w:

Roczniki Kulturoznawcze

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 3.

Tytuł:

Experiment and “Art Art”. From Uncertainty to Imitation
Eksperyment i „sztuka artystyczna”. Od niepewności do imitacji

Autorzy:

Białkowski, Łukasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1366146.pdf

Data publikacji:

2020-12-25

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

experiment
Art art
experimental novel
experimental art
pastiche
imitation
eksperyment
sztuka artystyczna
powieść eksperymentalna
pastisz
imitacja
sztuka eksperymentalna

Opis:

The article discusses three various stages of artistic experiment. Both a source concept of experiment in artistic practice, developed by Émile Zola in the 19th century under the banner of 'experimental novel', and the neo-avant-garde distinction into Art art and experimental art created by Allan Kaprow in the 1960s, established a close connection of experiment with uncertainty and risk. In this context, the article investigates the extent to which contemporary artists' practices, including those frequently defined as experimental, can be subsumed under the historical meaning of experiment and poses a question whether they might have created another style of art. The problem is analysed in reference to Artur Żmijewski's film, Powtórzenie [Repetition].
Artykuł przedstawia trzy różne odsłony eksperymentu artystycznego. Źródłowa idea eksperymentu w działalności artystycznej, przedstawiona w XIX wieku przez Émila Zolę pod hasłem „powieści eksperymentalnej” a także neoawangardowe rozróżnienie na „sztukę artystyczną” i eksperymentalną dokonane przez Allan Kaprowa w latach 60. XX wieku łączyły ściśle eksperyment z niepewnością i niewiedzą. W tym kontekście w artykule postawione zostaje pytanie, w jakiej mierze praktyki współczesnych artystów, również często określane mianem eksperymentalnych, wpisują się w historyczne rozumienie eksperymentu i czy nie stały się kolejną artystyczną stylistyką. Kwestia ta jest analizowana w odniesieniu do filmu Powtórzenie Artura Żmijewskiego.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2020, 22; 143-155
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 4.

Tytuł:

Toward a New Concept of Progressive Art: Art History in the Service of Modernisation in the Late Socialist Period. An Estonian Case

Autorzy:

Kodres, Krista

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909522.pdf

Data publikacji:

2019-12-20

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Socialist art history and historiography
Soviet studies
Thaw era and modernisation
centre (Moscow) and periphery (Estonian SSR) relations
art and ideology
progressiveness in art

Opis:

The paper deals with renewal of socialist art history in the Post-Stalinist period in Soviet Union. The modernisation of art history is discussed based on the example of the Estonian Soviet Socialist Republic (Estonian SSR), where art historians were forced to accept the Soviets’ centrally constructed Marxist-Leninist aesthetic and approach to art and art history. In the art context, the idea of progressiveness began to be reconsidered. In previous discourse, progress was linked with the “realist” artistic method that sprang from a progressive social order. Now, however, art historians found new arguments for accepting different cultures of form, both historical and contemporary, and often these arguments were “discovered” in Marxism itself. As a result, from the middle of 1950’s Soviet art historians fell into two camps in interpreting Realism: the dogmatic and revisionist, and the latter was embraced in Estonia. In 1967, a work was published by the accomplished artist Ott Kangilaski and his nephew, the art historian Jaak Kangilaski: the Kunsti kukeaabits – Basic Art Primer – subtitled “Fundamental Knowledge of Art and Art History.” In its 200 pages, Jaak Kangilaski’s Primer laid out the art history of the world. Kangilaski also chimed in, publishing an article in 1965 entitled “Disputes in Marxist Aesthetics” in the leading Estonian SSR literary journal Looming (Creation). In this paper the Art Primer is under scrutiny and the deviations and shifts in Kangilaski’s approach from the existing socialist art history canon are introduced. For Kangilaski the defining element of art was not the economic base but the “Zeitgeist,” the spirit of the era, which, as he wrote, “does not mean anything mysterious or supernatural but is simply the sum of the social views that objectively existed and exist in each phase of the development of humankind.” Thus, he openly united the “hostile classes” of the social formations and laid a foundation for the rise of common art characteristics, denoted by the term “style.” As is evidenced by various passages in the text, art transforms pursuant to the “will-to-art” (Kunstwollen) characteristic of the entire human society. Thus, under conditions of a fragile discursive pluralism in Soviet Union, quite symbolic concepts and values from formalist Western art history were “smuggled in”: concepts and values that the professional reader certainly recognised, although no names of “bourgeois” authors were mentioned. Kangilaski relied on assistance in interpretation from two grand masters of the Vienna school of art history: Alois Riegl’s term Kunstwollen and the Zeitgeist concept from Max Dvořák (Zeitgeist, Geistesgeschichte). In particular, the declaration of art’s linear, teleological “self-development” can be considered to be inspiration from the two. But Kangilaski’s reading list obviously also included Principles of Art History by Heinrich Wölfflin, who was declared an exemplary formalist art historian in earlier official Soviet historiography. Thaw-era discursive cocktail in art historiography sometimes led Kangilaski to logical contradictions. In spite of it, the Primer was an attempt to modernise the Stalinist approach to art history. In the Primer, the litmus test of the engagement with change was the new narrative of 20th century art history and the illustrative material that depicted “formalist bourgeois” artworks; 150 of the 279 plates are reproductions of Modernist avant-garde works from the early 20th century on. Put into the wider context, one can claim that art history writing in the Estonian SSR was deeply engaged with the ambivalent aims of Late Socialist Soviet politics, politics that was feared and despised but that, beginning in the late 1950s, nevertheless had shown the desire to move on and change.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2019, 30; 211-223
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 5.

Tytuł:

Procesualność a materia sztuki. Różne drogi kreacji i funkcjonowania utworu sztuk wizualnych: od tradycyjnej do antysztuki i działań artystycznych
Processuality and matter of art. Different ways of visual artwork creation and its functioning: from the traditional one to anti-art and action art

Autorzy:

Kowalik, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/460123.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Fundacja Pro Scientia Publica

Tematy:

sztuka wizualna, materia sztuki, sztuka w procesie, sztuka współczesna, synteza sztuk
visual art, art matter, process art, contemporary art, art synthesis

Opis:

Purpose of research. The purpose of the study is the analysis of the creation and functioning of art as a continuing process, a quality that is intrinsic to it. Art can be perceived visually as well as with other senses both in the process and through the material outcome. An attempt at its reinterpretation, illustrated with selected works of contemporary Polish and foreign artists, will be presented. Methodology. The dissonance between modern and traditional art lies, among other things, in the variety of, both, the techniques applied and the ways of conveying the message of the work. Art provides the artist with room for freedom which manifests itself in a free choice of artistic means: Teresa Murak celebrates the miracle of living by using natural materials; for Anna Goebel every material she uses tells its own unique story and so the artist considers it to be a medium of creating her own reality, whereas Yves Klein used to say that his paintings were only the ashes of his art, as what is most important is the experience and creation process, including the passage of time. Such a belief comes from the fact that everything art relates to, each creation as well as reception process – all this takes place in a context. Results. Today every sign of artistic activity - from painting, in the traditional sense of the concept, to the "action", experimental imprints of the human body, objects, plants, ephemeral art and spatial forms as environments, installation – can be considered a work of art. Art in process expresses not so much the temporary nature of the artwork formation, , as the necessity - essential for its existence - of being in a state of permanent execution by the author. Conclusions. In contemporary art, it is possible observe a re-evaluation of the stages that influence the creation of the artwork. Examples of art in the text show a different approach to the art in the process and the form and manner of use of the medium. They prove the lack of discrepancies between essence and existence of human and matter that takes on the form of the individual personality.
Cel badań. Celem pracy jest analiza kreacji i funkcjonowania sztuki, która jest w bezustannym procesie, co wynika między innymi z jej natury. Zarówno poprzez proces, jak i materię, może być odbierana wzrokowo, ale także za pomocą innych zmysłów. W artykule dokonano interpretacji na podstawie wybranych dzieł polskich i zagranicznych artystów. Metoda. Dysonans pomiędzy sztuką współczesną a dziełami sztuki dawnej leży między innymi w różnorodności zastosowanych technik i sposobów przekazywania wiadomości. Sztuka to obszar wolności artysty, który manifestuje się dowolnym wyborem środków wyrazu: Teresa Murak celebruje misterium życia, posługując się tworzywami pochodzenia naturalnego, każdy użyty przez Annę Goebel materiał opowiada własną, niepowtarzalną historię i jest traktowany jako medium do stworzenia własnej rzeczywistości, natomiast dla Yvesa Kleina malarstwo jest popiołem sztuki, gdyż najważniejsze są doświadczenie i sam proces tworzenia, wszystko bowiem, do czego sztuka się odnosi, każdy proces twórczy i proces odbioru dokonują się w jakimś kontekście. Wyniki. Dziś dziełem sztuki określa się każdy przejaw działalności artystycznej, począwszy od obrazu w pojęciu tradycyjnym, aż do sztuki „akcji”, eksperymentalnych odcisków ciała ludzkiego, przedmiotów, roślin, sztuki efemerycznej, instalacji i form przestrzennych, takich jak environments. Sztuka w procesie wyraża nie tyle czasowy charakter powstawania dzieła, ile zasadniczą dla jego istnienia konieczność znajdowania się w stanie permanentnego wykonywania przez autora. Wnioski. W sztuce współczesnej następuje przewartościowanie etapów wpływających na tworzenie działa. Przywołane w tekście przykłady ukazują odmienne podejście do sztuki w procesie oraz do formy i sposobu użycia medium. Dowodzą braku rozbieżności pomiędzy istotą i egzystencją człowieka, a materią, która przybiera formę osobowości jednostki.

Źródło:

Ogrody Nauk i Sztuk; 2017, 7; 416-425
2084-1426

Pojawia się w:

Ogrody Nauk i Sztuk

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 6.

Tytuł:

Art After Democracy, Art Before Democracy

Autorzy:

Mizerkiewicz, Tomasz
Anessi, Thomas

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/951464.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

democracy
art
book-art
postmodernism

Opis:

The paper describes today’s new situation of art facing antidemocratic processes. The powerful metaphor of Parthenon of books is used, which once was the name of an installation by Marta Minujín presented just after the fall of Argentinian brutal regime in the early eighties and reinstalled again few years ago. The author points that popular “posts” of humanities (postmodernism, postsecularism etc.) need to be replaced by the philosophy of art being after some definite change. The new temporal and public condition of art being after is the result of its dramatic contemporary and future challenges.

Źródło:

Poznańskie Studia Slawistyczne; 2019, 17; 15-21
2084-3011

Pojawia się w:

Poznańskie Studia Slawistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 7.

Tytuł:

M-sztuka, czyli sztuka w smartfonie
M-Art, The Art in Smartphone

Autorzy:

Sorkowska-Cieślak, Kinga

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/590906.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Uniwersytet Ekonomiczny w Katowicach

Tematy:

Aplikacje mobilne
Beacony
Rozszerzona rzeczywistość
Strony internetowe
Augmented reality
Beacons
Mobile apps
Websites

Opis:

Celem artykułu jest przeanalizowanie, czy polskie muzea i galerie są obecne na ekranach smartfonów. Na potrzeby artykułu przebadano strony internetowe wybranych muzeów i galerii pod kątem ich dostosowania do wyświetlania na urządzeniach mobilnych, sprawdzono również, czy wybrane instytucje posiadają w swojej ofercie aplikacje mobilne.
This article aims to analyze whether the Polish museums and galleries are present on the screens of smartphones. For the purposes of article there were examined websites of selected museums and galleries, for their adaptation for display on mobile devices, also examined whether the selected institutions have in their offer mobile applications.

Źródło:

Studia Ekonomiczne; 2017, 317; 66-92
2083-8611

Pojawia się w:

Studia Ekonomiczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 8.

Tytuł:

Charakterystyka twórczości Anupam Sud
Characteristics of Anupam Suds art

Autorzy:

Bednarz, Ewelina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/460079.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Fundacja Pro Scientia Publica

Tematy:

sztuka współczesna, sztuka indyjska, współczesna sztuka indyjska, sztuka kobieca, grafika, malarstwo, śakti, anupam sud
contemporary art, indian art, contemporary indian art, feminine art, woman art, graphics, painting, shakti, anupam sud

Opis:

Anupam Sud is considered as one of the greatest contemporary artists in India. The author makes polish readers more familiar with this artist. We focused on Sud's main works – graphics, paintings and even a sculpture. The article contains discussion about one of Sud’s most widely used motifs– a woman in search of shakti. Moreover, it covers issues of human depravity, one’s contempt for another, and primarily it points out main problem being faced by Hindu women in a patriarchal society. We draw attention to the most characteristic features of Anupam Sud’s work – artwork as manifested (by which Sud tries to draw attention to the Hindu woman’s situation), chiaroscuro and anatomy.
Anupam Sud jest zaliczana do grona najwybitniejszych współczesnych artystów w Indiach. Autorka w swoim tekście przybliża postać mało znaną polskiemu czytelnikowi. Omawia główne jej dzieła – graficzne, malarskie i jedną rzeźbiarską. Snuje rozważania na temat jednego z popularnych typów przedstawień kobiecych, chętnie ukazywanego przez artystkę – kobiety, która poszukuje śakti. Ponadto porusza problem zepsucia człowieka, gardzenia drugim, a przede wszystkim wskazuje na problemy, jakie towarzyszą Induskom w patriarchalnym społeczeństwie. Autorka prezentuje najbardziej charakterystyczne cechy twórczości Anupam Sud: szczegółowe przedstawianie anatomii, mistrzowskie operowanie światłocieniem oraz dzieła-manifesty, którymi graficzka stara się zwrócić uwagę odbiorców na sytuację kobiet w Indiach.

Źródło:

Ogrody Nauk i Sztuk; 2016, 6; 458-463
2084-1426

Pojawia się w:

Ogrody Nauk i Sztuk

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 9.

Tytuł:

From Art-Viewing to Art-Experiencing: Perspectives of an Artist

Autorzy:

Gros, Capucine

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1788560.pdf

Data publikacji:

2020-09-13

Wydawca:

Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego

Źródło:

Ikonotheka; 2019, 29; 15-17
0860-5769

Pojawia się w:

Ikonotheka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 10.

Tytuł:

Karnoprawna ochrona obiektów i terenów chronionych w świetle wybranych przepisów rozdziału XXII Kodeksu karnego (art. 181 § 2 i 5, art. 187, art. 188 K.k.)
The Criminal Law Protection of Objects and Protected Areas according to Chosen Regulations of Chapter XXII of the Criminal Code (art. 181 § 2 i 5, art. 187, art. 188 C.C.)

Autorzy:

Budyn-Kulik, Magdalena

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1369356.pdf

Data publikacji:

2020-09-30

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II

Tematy:

prawo karne
ochrona środowiska
criminal law
environment protection

Opis:

Ochrona przyrody to przede wszystkim domena prawa administracyjnego, jednak prawnokarna ochrona środowiska stanowi znaczące uzupełnienie regulacji mających na celu utrzymanie równowagi przyrodniczej oraz dążenie do zachowania możliwości odnawiania zasobów naturalnych. W polskim Kodeksie karnym w rozdziale poświęconym przestępstwom przeciwko środowisku zawartych jest pięć samoistnych typów przestępstw, do znamion których należy szczególne miejsce ich popełnienia w postaci terenu lub obiektu objętego ochroną. Są to przestępstwa stypizowane w art. 181 § 2 i 5, art. 187 oraz art. 188 K.k. We wszystkich przedmiotem ochrony jest środowisko. Ich pozostałe znamiona są zróżnicowane. Ponieważ omawiane przepisy mają charakter akcesoryjny, przy ich wykładni konieczne jest odwołanie się do innych niż Kodeks karny ustaw, co rodzi określone problemy. Mogą one pozostawać w różnych konfiguracjach zbiegu z innymi przepisami.
The aim of environmental protection in criminal law is to maintain sustainability in nature as well as try to protect the renewability of natural resources. The Polish Criminal Code contains five autonomic types of crime, which are characterized, among others, by the specific crime scene, such as 'an environmentally protected area or object'. They are included in the Chapter of Crimes against the Environment. They realize the so-called traditional protection of nature, conservational in character. These types are mentioned in: art. 181 § 2 i 5 C.C., art. 187 C.C. and art. 188 C.C. They are accessory to other regulations beyond Criminal Code.

Źródło:

Studia Prawnicze KUL; 2020, 3; 45-64
1897-7146
2719-4264

Pojawia się w:

Studia Prawnicze KUL

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 11.

Tytuł:

Art history and its dialogue with the wider public: promotion and raising the awareness of cultural heritage

Autorzy:

Dolšina, Marjana

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/628825.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Fundacja Pro Scientia Publica

Tematy:

art history, art heritage, public use, dialogue, audience

Opis:

The paper is based on the results of the project All This Painting hasn’t Gone to Waste, 2011, which deals with early 16th century sacral wall paintings in southern Slovenia. It tries to resolve out some dilemmas in communication with the wider public and presents main objectives in regard to awareness-rising and promotion of art heritage, for example encouragement of insti-tutions and individual experts for more intensive study and/or conservation-restoration work.

Źródło:

Journal of Education Culture and Society; 2013, 4, 1; 221-227
2081-1640

Pojawia się w:

Journal of Education Culture and Society

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 12.

Tytuł:

MUZEUM SZTUKI DZIŚ. SZTUKA * NAUKA * POLITYKA
ART MUSEUM TODAY. ART * SCIENCE * POLITICS

Autorzy:

Beata, Lejman,

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/432740.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Krajowy Ośrodek Badań i Dokumentacji Zabytków

Tematy:

muzeum
sztuka
nauka
polityka
dystynkcja
rywalizacja
władza sądzenia
habitus

Opis:

Due to the scientific paradigm of art history, this article was intended to be of interdisciplinary character. I used selected tools of the following related fields of science: philosophy, social psychology, political science, cultural anthropology that I adopted either when visiting numerous museums in Poland and abroad or when analyzing the institution where I have been working since 2000 (with 4 years break). I tried though to maintain an independent status of a theoretician and practician at the same time. Beginning with the new distinction between sociotechnical and social museums, I present the biggest challenges of our time. I point out the notions, which are constantly changing due to the dynamics of the culture: art, science and politics, which are being deformed in practice and – notwithstanding the theory – are present in popular opinion. In the description I deliberately use the language of metaphors of culture, as this refers to certain areas of our collective self-consciousness with moderate exposition of scientific apparatus. In particular, reference has been made to scientific authority of Hannah Arendt and Pierre Bourdieu. As far as the area of social life is concerned, I analyzed both museums and behavior of museum experts – which in my opinion are all museum employees. Final remarks highlight the importance of responsibility for a picture and a word in the culture, the power of thinking, imagination and sensitivity constituting the credo of violence-free museums idea that I have created.
Artykuł ma charakter z założenia interdyscyplinarny, co jest związane z naukowym paradygmatem historii sztuki. Wykorzystuję w nim wybrane narzędzia zaprzyjaźnionych nauk: filozofii, socjolopsychologii, politologii, antropologii kulturowej, które przyswajałam sobie przyglądając się setkom muzeów odwiedzanych w kraju i za granicą, a jednocześnie od środka własnej instytucji, w której pracuję od 2000 (z 4 letnią przerwą), starając się, na ile to możliwe, zachować niezależny status teoretyka i praktyka zarazem. Zaczynając od nowego kryterium podziału muzeów na socjotechniczne i społeczne szkicuję najtrudniejsze wyzwania współczesności. Wskazuję na podlegające dynamice kultury, zmienne w czasie znaczenia tytułowych pojęć: sztuka, nauka i polityka, które ulegając deformacji w praktyce niezależnie od teorii funkcjonują w opinii potocznej. W opisie celowo używam języka metafor naszej kultury, który pozwala odesłać do określonych obszarów naszej zbiorowej samoświadomości, z zachowaniem umiaru w zakresie eksponowania aparatury naukowej; odwołuję się głównie do autorytetu naukowego Hannah Arendt i Pierre’a Bourdieu. Od polityki przechodzę do życia społecznego, lokalizując w nim muzea oraz przyglądając się zasadom funkcjonowania społeczności muzealników, czyli w moim odczuciu wszystkich zatrudnionych w muzeach pracowników. Uwagi końcowe podkreślają znaczenie odpowiedzialności za obraz i słowo w kulturze, wagę myślenia, wyobraźni i wrażliwości jako credo sformułowanej przeze mnie idei muzeum bez przemocy.

Źródło:

Muzealnictwo; 2014, 55; 60-68
0464-1086

Pojawia się w:

Muzealnictwo

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 13.

Tytuł:

Interdyscyplinarność arteterapii − sztuka jako przestrzeń działania arteterapeutycznego
Interdisciplinarity of art therapy – art as an area of activity for art therapy

Autorzy:

Florczykiewicz, Janina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2141785.pdf

Data publikacji:

2021-07-04

Wydawca:

Uniwersytet Przyrodniczo-Humanistyczny w Siedlcach

Opis:

Początki arteterapii lokują się w sferze praktyki i są związane z wykorzystywaniem środków artystycznych i form aktywności z obszaru sztuki do poprawy funkcjonowania jednostki. Rozwojowi metod i form działań arteterapeutycznych towarzyszy słaba podbudowa teoretyczna, co jest przyczyną wielu nieścisłości i nieporozumień. Artykuł jest odpowiedzią na potrzebę rozwijania teorii arteterapii, podjęto w nim próbę usystematyzowania istniejącej wiedzy: wskazano główne nurty teoretyczne, stanowiące bazę dla rozwiązań praktycznych oraz omówiono dwa równolegle rozwijające się jej nurty - medyczny i edukacyjny. Ważnym aspektem rozważań jest podkreślenie znaczenia sztuki w działaniach arteterapeutycznych. Nawiązanie do działań mieszczących się w nurcie edukacyjnym, określanych terminem „edukacja sztuką” jest próbą zainicjowania dyskusji nad przywróceniem sztuce przynależnej rangi w działaniach ukierunkowanych na rozwój podmiotowy.
The origins of art therapy are located in the sphere of practice and are associated with the use of artistic media and forms of activity in the area of art in order to improve the operations of an individual. The development of methods and forms of art therapy activities is accompanied by a weak theoretical foundation, which is the cause of many inaccuracies and misunderstandings. The article is a response to the need to develop the theory of art therapy, it attempts to systematize existing knowledge: identifies the main theoretical currents, which are the basis for practical solutions, and discusses the two parallel developing its trends - medical and educational. An important aspect of the discussion is to emphasize the importance of art in art therapy activities. The reference to actions in the educational trend, as defined by the term "art education", is an attempt to initiate a discussion on reinstating the art of the associated status in activities aimed at the subjective development.

Źródło:

Student Niepełnosprawny. Szkice i rozprawy; 2015, 15(8); 25-41
1689-6416

Pojawia się w:

Student Niepełnosprawny. Szkice i rozprawy

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 14.

Tytuł:

Arte Popular, Arte Ingenuo y Arte Figurativo en la obra pictórica de Bárbaro Rivas
Popular Art, Primitive Art and Figurative Art in the paintings by Bárbaro Rivas
Sztuka ludowa, prymitywizm i figuratywizm w malarstwie Bárbaro Rivasa

Autorzy:

Dimeo, Carlos

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2177480.pdf

Data publikacji:

2013-12-31

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Opis:

Bárbaro Rivas (1893–1967) is considered to be the first ‘primitivist’ and ‘figurativist’ in Venezuela. Local and ludic elements create the central axis of popular and figurative Venezuelan art transformation from the late 19th to the mid-20th century. It was when a sign in painting was redefined – resignified and became an element binding main forms of popular art, reality of artist’s world, simplicity of life transformed into an idea of primitivism. Like other artists of his times (Armando Reverón), Bárbaro Rivas derived his art from life of local society and his own experience. His art is marked with autobiographical elements, which constitute a borderline between common sense and madness. Presented world is permeated with religiousness, magic and superstitions. In visualization, it is important to present reality from a double perspective; his artworks contain twoand three-dimensional grounds embraced in a single depiction. Plastic poetics of Bárbaro Rivas contains contradictory elements, inconsistent prima facie, yet containing in their nature rudimentary elements rooted in popular imagination, religious beliefs, etc. The world, being a mixture of elements, becomes a peculiar metisage expressed through the simplicity of primitivism, in the context of searching and describing new worlds and experience. This article aims not only at explaining how Venezuelan artist imagines and plans his art, but also at describing his approach to popular and local elements in Venezuela, which then spread across the whole Latin America as a form of artistic expression.
Bárbaro Rivas (1893–1967) jest uznawany za pierwszego prymitywistę i „figuratywistę” w Wenezueli. Elementy miejscowe i te o charakterze ludycznym tworzą centralną oś przemian sztuki ludowej i figuratywnej w Wenezueli od końca XIX aż do połowy XX wieku. Znak w malarstwie uległ w tym czasie zmianie znaczenia – resygnifikacji i stał się elementem łączącym główne formy sztuki ludowej, rzeczywistość świata artysty, prostotę życia przekształconą w ideę prymitywizmu. Bárbaro Rivas podobnie jak inni artyści jego epoki (Armando Reverón) wyprowadzał swoją twórczość z życia społeczności lokalnej i swoich własnych doświadczeń życiowych. Sztuka naznaczona została elementami autobiograficznymi, które stanowią granicę między rozsądkiem a szaleństwem. Ukazany świat jest przepojony religijnością, magią, przesądami. W obrazowaniu ważne jest ukazanie rzeczywistości w ujęciu podwójnej perspektywy, w dziełach odnajdujemy plany dwuwymiarowe i trójwymiarowe zamknięte w jednym przedstawieniu. Poetyka plastyczna Bárbaro Rivasa to elementy sprzeczne, nieprzystawalne prima facie, mające jednakże w swej istocie elementy rudymentarne zakorzenione w wyobraźni ludowej, wierzeniach religijnych itp. Świat, będący mieszaniną elementów, staje się swoistym metysażem, wyrażony zostaje prostotą prymitywizmu w kontekście wynajdywania i opowiadania o nowych światach i doświadczeniach. Artykuł ma na celu nie tylko wyjaśnienie, w jaki sposób wenezuelski artysta wyobraża sobie i planuje sztukę, lecz także jaki był jego stosunek do elementów ludowych i lokalnych w Wenezueli, które następnie rozprzestrzeniły się na całą Amerykę Łacińską jako formy artystycznego wyrazu.

Źródło:

Sztuka Ameryki Łacińskiej; 2013, 3; 139-158
2299-260X

Pojawia się w:

Sztuka Ameryki Łacińskiej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 15.

Tytuł:

Photography and sculpture:The multifaceted relation of sculpture to photography and new media in the light of the evolving concept of sculpture

Autorzy:

Dzwonkowska, Paulina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/628677.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Fundacja Pro Scientia Publica

Tematy:

Modern Sculpture, Photography, Polish Art, Environment, Installation Art, New media, Modern Art

Opis:

The relationship between photography and sculpture, unlike the dialogue between the latter and painting, was long treated as a peripheral issue. Yet as early as the mid-20th century photography began to show potential that sculpture seemed to be lack. Aware of a large degree of overlap between the two forms of artistic expression, (e.g. with respect to materiality, spatiality, or accentuating frozen gestures) sculptors did not leave sculpture for photography, but attempted to create works that were interdisciplinary in structure. The rise of interest in photography displayed by Polish sculptors was closely connected with the evolution of the concept of sculpture. In the mid-20th century artists creating traditional sculptures (understood as a solid or as a visually rendered spatial form) began to experiment and cross the boundaries of well-established artistic tradition. The changes introduced enabled sculptors to interweave their field with other artistic disciplines, especially photography, even more closely. More and more frequently, sculpture started to establish multi-faceted relations with the new medium. At the beginning the potential of photography as a documentation tool was exploited. Then sculptors began to appreciate photography’s core values, using it to capture and preserve a given moment in time. Finally, they applied it in works that can be classified as close to hyperrealism. The employment of still newer materials and tools made the link between sculpture and photography inextricable, as can be shown through works of Polish artists.

Źródło:

Journal of Education Culture and Society; 2010, 1, 1; 26-36
2081-1640

Pojawia się w:

Journal of Education Culture and Society

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 16.

Tytuł:

Klaunada – sztuczki czy sztuka?
Clowning – the trick of art or the art of tricks?

Autorzy:

Bisko, Agata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/636982.pdf

Data publikacji:

2011

Wydawca:

Uniwersytet Jagielloński. Wydawnictwo Uniwersytetu Jagiellońskiego

Tematy:

clowning
trick of art

Opis:

The article based on scientific studies and literature is an attempt to describe and analyze this type of circus arts as a response to the title question whether while talking about clowning we are dealing with the actual expression of artistry or with simple tricks intended primarily for middlebrow audience and children. For this purpose various literary sources ranging from textbook for students of clowning, by recognized works of world literature like The Clown of Nobel Prize for Literature winner, Heinrich Böll and The Smile at the Foot of the Ladder of Henry Miller or studies on the circus of Polish authors, to the anthropological essays on the figure of clown are analyzed. The article is conventionally divided into two parts. The first one – so to say – disassembles the clown’s performance to show the workshop of this circus artist. It focuses also on the matter of appearance and props, lists the types of clowns and his shows and describes disciplines involved in his work. The second part introduces briefly the scientific reflection on the scenic character in its three scenes, which are the concept of scapegoat, Savior and troublemaker, at the same time highlighting its ambivalence.

Źródło:

Przegląd Kulturoznawczy; 2011, 2(10); 31-40
1895-975X
2084-3860

Pojawia się w:

Przegląd Kulturoznawczy

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 17.

Tytuł:

Body art – ciało, sztuka, technologia. Od ciała ułomnego do bezawaryjnego humanoida
Body art – body, art, technology. From the defective body to the faultless humanoid

Autorzy:

Franckiewicz-Olczak, Izabela

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1373716.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

bodyart
technology
art
culture
body
new media

Opis:

Analyzing the body condition and its status in the technicized, postbiological world – where the body no longer consists an element of nature – the artistic discourse overlaps with the science discourse not only in terms of research subjects, but also research conclusions. However, both perspectives differ one from another in terms of the applied research methods. This article collates the major issues of the contemporary humanistics, such as: disagreement with ageing, interference in human body, transplantology, genetics, exhibicionism with the thematic of the chosen pieces of art.

Źródło:

Przegląd Socjologii Jakościowej; 2012, 8, 2; 228-241
1733-8069

Pojawia się w:

Przegląd Socjologii Jakościowej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 18.

Tytuł:

To Art, or Not To Art, That Is the Question

Autorzy:

Grima, Tyrone

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/31233891.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

art
creator
recipient

Opis:

The presented statement is part of the volume it covers a variety of responses from people who interact with art in different ways. The aim is to suggest to the participant of the contemporary world a new, personal perspective to rethink what is this area of our world that we label with art; thoughts with and without theoretical suggestions - reflections by the creators and reflections by the audience, teaching humility and uniqueness, perhaps - forming a fresh perspective on art.

Źródło:

Roczniki Kulturoznawcze; 2022, 13, 4; 87-91
2082-8578

Pojawia się w:

Roczniki Kulturoznawcze

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 19.

Tytuł:

Action Art and Theatre Art in Marketing Communication
Sztuka wizualna oraz teatralna w komunikacji marketingowej

Autorzy:

Štrbová, Edita

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593412.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Uniwersytet Ekonomiczny w Katowicach

Tematy:

Komunikowanie marketingowe
Marketing interaktywny
Sztuka
Teatr
Zachowania konsumenta
Art
Consumer behaviour
Interactive marketing
Marketing communication
Theater

Opis:

This paper deals with the application of action art and its particular forms, such as events, happenings and performances in marketing communication. It theoretically elaborates similarities and differences of aesthetic and marketing understanding of the terms "event" and "marketing event" as well as locating their forms in contemporary art and marketing convention. We also deal with the terms "gender", "interaction and interactive audience", "aesthetic emotion" and perception in theatre environment that we link with the environment of event marketing and search for experience in consumer behaviour.

Źródło:

Studia Ekonomiczne; 2014, 205; 72-90
2083-8611

Pojawia się w:

Studia Ekonomiczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 20.

Tytuł:

Art. 191a, art. 200a, art. 200b Kodeksu karnego – analiza krytyczna i propozycje zmian
Articles 191a, 200a and 200b of the Penal Code - critical analysis and proposals of amendments

Autorzy:

Langowska, Agata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/499466.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

grooming
pedofilia
wizerunek
nagość
pedophilia
image
nudity

Opis:

Artykuł opisuje problemy interpretacyjne powstające na tle wprowadzonych do Kodeksu karnego w czerwcu 2010 roku artykułów: 191a, 200a i 200b. Znamiona stypizowanych w tych przepisach typów czynów zabronionych są niejasne i niespójne z założeniami aksjologicznymi, które najpewniej towarzyszyły ustawodawcy podczas ich uchwalania (a zatem nie czynią zadość założeniu o racjonalności aksjologicznej prawodawcy, nie spełniają bowiem należycie swojej funkcji w systemie prawa karnego). Wszystkie spośród poddanych analizie przepisów powinny zostać znowelizowane tak, aby zaczęły należycie chronić te dobra, do których ochrony zostały one powołane w momencie ich wejścia w życie.
The article describes interpretation problems regarding the articles: 191a, 200a and 200b of the Polish Penal Code which became a part of this Code in June 2010. Characteristics of crimes stipulated in these provisions are vague and stand in contrary to axiological presuppositions which apparently legislator had in mind while implementing these types of crimes (as they do not satisfy the rule of axiological rationality of the legislator, and they do not function properly in penal law system). All analyzed regulations should be amended so that they could protect these goods which should have been protected from the beginning of their implementation.

Źródło:

Zeszyt Studencki Kół Naukowych Wydziału Prawa i Administracji UAM; 2014, 4
2299-2774

Pojawia się w:

Zeszyt Studencki Kół Naukowych Wydziału Prawa i Administracji UAM

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 21.

Tytuł:

Ultrasound screening for pyelectasis in pregnant women. Clinical necessity or “art for art’s sake”?
Ultrasonograficzna ocena pielektazji u ciężarnych. Kliniczna konieczność czy „sztuka dla sztuki”?

Autorzy:

Szkodziak, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1033137.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Medical Communications

Tematy:

pregnancy complications

Opis:

Renal pelvicalyceal dilatation is caused by urine retention in the upper urinary tract. It is referred to as pyelectasis in medical literature. This term does not indicate the cause that leads to the dilatation of and urine retention in the renal pelvicalyceal system. Mild pelvicalyceal dilatation during pregnancy is usually considered to be physiological in nature – it can occur in up to 90% of pregnant women. Retention is more common in the right kidney, in primigravidae, in the second half of pregnancy and in multiple pregnancies. Pyelectasis during pregnancy rarely causes clinical symptoms and often does not require treatment. Nevertheless, urine retention in the renal pelvicalyceal system is conducive to the development of asymptomatic bacteriuria and may be a risk factor for recurrent urinary tract infections, pyelonephritis and acute kidney failure; it may also cause renal colic. In consequence, this condition can lead to intrauterine infection and premature labor in the pregnant woman and to prematurity, anemia, congenital pneumonia or sepsis in the child. In a study conducted at the 3rd Department of Gynecology of the Medical University of Lublin it was concluded that unilateral pyelectasis of more than 20 cm3 is associated with a significant increase in the risk of asymptomatic bacteriuria. This volume corresponds to grade 3 and/or 4 pelvicalyceal dilatation according to the Society for Fetal Urology/European Federation of Societies for Ultrasound in Medicine and Biology classification. The pyelectasis volume measuring method using three-dimensional ultrasound scanning included in the criteria for the assessment of asymptomatic bacteriuria was assessed as sensitive and specific. The ultrasound-based evaluation of the kidneys for the presence of pyelectasis and its grade in pregnant women has some clinical implications. It allows for identifying cases with an increased risk of asymptomatic bacteriuria, which requires treatment in pregnant women. Screening during pregnancy for pyelectasis seems to be important in preventing asymptomatic bacteriuria from progressing to symptomatic urinary tract infection.
Poszerzenie układu kielichowo-miedniczkowego jest spowodowane zastojem moczu w górnych drogach moczowych. W piśmiennictwie nosi ono nazwę pielektazji. Termin nie określa przyczyny, która prowadzi do poszerzenia i zastoju moczu w układzie kielichowo-miedniczkowym. W ciąży łagodne poszerzenie układu kielichowo-miedniczkowego zwykle uważa się za zjawisko fizjologiczne – może ono dotyczyć do 90% ciężarnych. Zastój częściej spotykany jest w nerce prawej, u pierwiastek, w drugiej połowie ciąży oraz w ciążach mnogich. Pielektazja w ciąży rzadko wywołuje objawy kliniczne i często nie wymaga leczenia. Mimo to zastój moczu w układzie kielichowo-miedniczkowym sprzyja rozwojowi bezobjawowego bakteriomoczu i może być czynnikiem zwiększającym ryzyko nawracających zakażeń układu moczowego, odmiedniczkowego zapalenia oraz ostrej niewydolności nerek, a także może wywołać kolkę nerkową. W konsekwencji stan ten może prowadzić u ciężarnej do infekcji wewnątrzmacicznej i porodu przedwczesnego, a u dziecka do wcześniactwa, niedokrwistości, wrodzonego zapalenia płuc lub posocznicy. W badaniach przeprowadzonych w III Katedrze i Klinice Ginekologii Uniwersytetu Medycznego w Lublinie stwierdzono, że przy objętości pielektazji jednostronnej powyżej 20 cm3 istotnie wzrasta ryzyko bezobjawowego bakteriomoczu. Objętość ta odpowiada poszerzeniu układu kielichowo-miedniczkowego w stopniu III lub/i IV według Society for Fetal Urology/European Federation of Societies for Ultrasound in Medicine and Biology. Metodę pomiaru objętości z wykorzystaniem USG 3D w kryteriach oceny ryzyka bezobjawowego bakteriomoczu oceniono jako czułą i specyficzną. Ocena nerek pod kątem obecności i wielkości pielektazji podczas badania ultrasonograficznego u ciężarnych ma swoje implikacje kliniczne. Pozwala to wskazać przypadki, gdy istnieje podwyższone ryzyko bezobjawowego bakteriomoczu, który u ciężarnych wymaga leczenia. Badanie przesiewowe w okresie ciąży pod kątem obecności pielektazji wydaje się istotne w zapobieganiu progresji bezobjawowego bakteriomoczu do objawowego zakażenia dróg moczowych.

Źródło:

Journal of Ultrasonography; 2018, 18, 73; 152-157
2451-070X

Pojawia się w:

Journal of Ultrasonography

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 22.

Tytuł:

W ciemnościach. Historia sztuki i sztuka dotyku
In the Dark. History of Art and the Art of Touch

Autorzy:

Świtek, Gabriela

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1934171.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

percepcja sztuki
recepcja sztuki
doświadczenie taktylne
dotyk
perception of art
reception of art
tactile experience
touch

Opis:

A dark room is a “research field” where an art historian moves with uncertainty. The strongest sensual experience that an art historian develops when his/her competence grows is seeing. The most valued trait of an art expert - a collector, museum specialist or an exhibition manager - is his/her “sharp eye”. The methodological paradigm that has dominated in art. history since the 1970s established the accepted “ways of seeing” art. The choice of touch for the subject matter of this paper is not meant as a challenge to the established hierarchy of senses underlying the above-mentioned research paradigm. The eye will stay in the centre of our research, even though not all art is created to be experienced through this sense only. This paper ventures an interpretative analysis of a selection of works which are not to be experienced solely through sight, but mostly by touch. Mirosław Bałka's installation entitled How It Is (2009-2010), exhibited in the London Tate Modern, Anthony McCalls works in his exhibition at the Serpentine Gallery (2007-2008), or Filippo Tommaso Marinetti's project called “the art of tactilism”, reaching back to the 1920s – these are examples of creations which make art. history grope around in the dark. The author does not aim to juxtapose sight and touch in art. interpretation, or to seek some "new empiricist" methodology. The paper is more of an attempt to criticise research tradition that favours sight over touch. Immediacy and elimination of distance are features that distinguish tactile experience from the visual one. In view of the fact that contemporary artistic practices strive to integrate and consolidate all sensual experiences in a holistic fashion, one can pose a crucial question of how to grasp and record the immediate tactile experience in the process of art-historical interpretation.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2010, 58, 4; 269-289
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 23.

Tytuł:

Dandys, esthètes et névropathes: Drogués dart dans le sillage de Baudelaire (1880-1900)
Dandies, beauty seekers and art maniacs : Art addiction in the post-Baudelairian generation (1880-1900)

Autorzy:

Daouda, Marie Kawthar

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1627877.pdf

Data publikacji:

2015-01-01

Wydawca:

Uniwersytet Gdański. Wydawnictwo Uniwersytetu Gdańskiego

Opis:

The late-nineteenth century dandy is, by his own avowal, a cliché blending different influences, amongst which Baudelaire might be seen as a determinant character in building up the aesthete’s identity. As a means of healing or of self-destruction, drugs appear not only as another accessory in the dandy's panoply, but as a path to reach the hidden side of the self. Through painting as much as through writing, artists such as Jean Lorrain and Jeanne Jacquemin struggle to define the dreams and nightmares they fear and yearn for and, above all, yearn to draw the picture of what they fail to know in themselves. Moreover, through the Idealist and Symbolist movements, this addictive artistic struggle to define the unknown tries to give shape, through a renewed language, to shapeless and immaterial thoughts and fantasies, thus announcing the experimental creativity of Surrealism.

Źródło:

Cahiers ERTA; 2015, 7; 25-43
2300-4681

Pojawia się w:

Cahiers ERTA

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 24.

Tytuł:

Still Ekphrasis? Visual and Non-Visual Art in Contemporary Anglophone Fiction

Autorzy:

Hetman, Jarosław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1366474.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej

Tematy:

ekphrasis
allographic art
autographic art
notional ekphrasis
visual art/non-visual art

Opis:

The article explores the ancient notion of ekphrasis in an attempt to redefine it and to adjust it to the requirements of the contemporary literary and artistic landscape. An overview of the transformations in the world of art in the 20th century allows us to adjust our understanding of what art is today and to examine its existence within the literary context. In light of the above, I postulate a broadening of the definition of ekphrasis so as to include not only painting and sculpture on the one side, and poetry on the other, but also to open it up to less conventional forms of artistic expression, and allow for its use in reference to prose. In order to illustrate its relevance to the novel, I have conducted a study of three contemporary novels – John Banville’s Athena, Kurt Vonnegut’s Bluebeard and Don DeLillo’s Mao II – in order to uncover the innovative ways in which novelists nowadays use ekphrasis to reinvigorate long prose.

Źródło:

Lublin Studies in Modern Languages and Literature; 2020, 44, 2; 15-25
0137-4699

Pojawia się w:

Lublin Studies in Modern Languages and Literature

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 25.

Tytuł:

The Concept of Art and Works of Art in the Theory of Art and in the Restoration Industry
Pojęcie sztuki i działa sztuki w teorii sztuki i konserwacji

Autorzy:

Orlenko, Mykola
Ivashko, Yulia

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593899.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

sztuka
dzieło sztuki
restauracja
kryteria określenia
art
work of art
restoration industry
criteria for determination

Opis:

Jawne i ukryte procesy społeczno-polityczne we wszystkich epokach dziejowych miały bezpo¬średni wpływ na działalność artystyczną. Poczynając od pierwszej dekady XX wieku stopniowej transformacji ulega znaczenie terminu «sztuka» oraz «dzieło sztuki». Od tego momentu sztuka nie zawsze jest postrzegana w związku z kategorią piękna. Zaszły także zmiany związane z dobo¬rem artefaktów artystycznych. Proces tworzenia odbywa się stopniowo, poprzez transformację zaobserwowanego zjawiska lub bodźca, a następnie ulega żywiołowej zmianie przy pomocy odpowiednich środków i twórców. Później staje często zjawiskiem społecznym i zajmuje pewną niszę w życiu kulturalnym społeczeństwa. Sztuka zatem jest także środkiem edukacji społeczeń¬stwa, rozwijającym się zgodnie z zasadami estetyki. Przemysł związany z restauracją dzieł sztuki jest dość konserwatywny. Przestrzega kryteriów definiowania dzieła sztuki, jego zachowania i reprodukcji. Rozwinął się w XX i XXI wieku, a renowacja obejmuje dziś nie tylko malarstwo, malowidła ścienne, rzeźbę, a również meble, tkaniny itp.
At all times, art has quickly responded to the evident and concealed socio-political processes in the society. Starting from the first decades of the twentieth century, the semantic meaning of the terms “art” and “work of art” gradually has changed; art does not always refer to the category of beauty, and therefore the criteria for the selection of artefacts to works of art also has changed. The transformation of the phenomenon into art occurs gradually: first it arises spontaneously, then specific genres and professionals appear, then it becomes a social pheno¬menon and holds a particular niche in the cultural life of society. So, art should be a means of educating society, which develops according to the laws of aesthetics and composition, and in this case, the elemental phenomenon becomes an artistic phenomenon. The restoration industry is quite conservative; it adheres to the criteria for defining a work of art and the basics of preserving and reproducing a work of art that developed during the 20th and 21st centuries, in which restoration includes painting, murals, sculpture, carving, iconostasis, furniture, fabrics.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2019, 21; 171-190
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 26.

Tytuł:

Art and the body: The Tatsuno Art Project

Autorzy:

Kasuya, Akiko

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/437304.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie. Instytut Filozofii i Socjologii

Tematy:

body in art; Japanese art and culture; transcultural aesthetics; contemporary art; town as a museum; community based art project

Opis:

The author discusses the relationship between art and the body, as exemplified by the similarities and differences in the works of: two Japanese artists, Matsui Chie (b. 1960) and Higashikage Tomohiro (b. 1978); and the Polish artist, Mirosław Bałka (b. 1958). These examples are referred to in the context of a unique project recently conducted in Japan — the Tatsuno Art Project 2013. Held with the support of the Agency for Cultural Affairs of Japan, the project aims to present contemporary art to people from across Japan and around the globe, and to capitalize on the region’s unique cultural heritage, creating opportunities for people to communicate with local residents and making Tatsuno a more dynamic and popular place to visit. This paper considers various connections between art and the body by focusing on a selection of works included in the Tatsuno Art Project 2013: Arts and Memories. Known in past centuries as the ‘little Kyoto’ of Harima Province, Tatsuno is an atmospheric old castle town. It is mild and relatively warm all year round, with the climate of the nearby Seto Inland Sea region, said to be similar to that of the Mediterranean. Thanks to the support of numerous people, the organizers were able to hold the 2013 event which represented the culmination of their efforts over the past few years, being the largest ever in terms of scale with nine invited artists, eleven other participating artists, and one contemporary musician, for a total of 21 creators contributing works. With new spaces added to create a total of 16 venues, the community‑wide project truly achieved its goal of presenting the ‘historic castle town as a museum’. The project curators were also able to strengthen Tatsuno’s international ties by inviting artists from France and Poland to take part, as well as Japanese artists residing in the UK and Spain.

Źródło:

ARGUMENT: Biannual Philosophical Journal; 2015, 5, 1; 267-274
2083-6635
2084-1043

Pojawia się w:

ARGUMENT: Biannual Philosophical Journal

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 27.

Tytuł:

Informel i sztuka mediów. Na przykładach twórczości Józefa Robakowskiego
Informel art and media art based on Joseph Robakowski’s work

Autorzy:

Guzek, Łukasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487726.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Opis:

In the second half of the 1950’s, abstract expressionist Informel became the leading trend in Polish art and it kept that position throughout the decade of the 1960’s. Informel lost its dominant position only the only under the influence of conceptualism, rising from the beginning of the seventies, but even in the 1970’s, it was still the mainstream in official art. Photo-film media played the key role in the emergence of conceptual art as a separate mainstream media. One of the most important artists who greatly contributed to the development of conceptual art in Poland in early seventies, was Józef Robakowski. However, his artistic path begins at the end of the 1950’s and it coincides with the chronology of the reception of Informel and later conceptual art. Initially, Robakowski concentrated on photography. He produced luxographies and chemigraphies, however, he also developed his own technical procedures. He was interested in self-production of images (automatic creative process) – the process that was beyond the control of an artist. He used photographic methods, although visual forms produced that way were connected with Informel. His photographic experiments from the beginning of the 1970’s were connected with structural trend in photography and film. Structuralism was considered as the study of the internal structure of artwork and extracting its formal and technical components as independent artistic issues. The most important structural issues was to expose the creative process, i.e. revealing the performative character of artwork. Visual expression and the expression of gesture, action, also belong to basic Informel issues. Films by Robakowski are also based on direct action. The camera operates in isolation from eyes and images are formed beyond conscious control of the artist. Just like in the photography, the essence of creativity moves from the image onto the process. The artist is an important element of art. His physical and psychological condition becomes the basis of cinematographic images. Interpretation of images is connected with a person. Robakowski concentrates on light effects. It is a structural problem (because it still is the basis of the creative process in film and photography), but also it is a sign of expression or image energy, as Robakowski often said. He considers ‘Eenergy’ as the key-word in photography, film, performance and his paintings. Image as a sign of the expression is the key to understanding and interpreting of Informel painting. For Robakowski – a media artist, Informel became a kind of ready made art. Informel painting was not important to him; it only indicated the problems of media art in his work.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2014, 18; 148-163
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 28.

Tytuł:

Hommage a Jan Świdziński. Próba wprowadzenia do sztuki jako sztuki kontekstualnej
Hommage A Jan Świdziński. An Essay On Art As Contextual Art

Autorzy:

Piotrowski, Kazimierz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424521.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Tematy:

CONTEMPORARY ART
CONTEXTUAL ART
CONTEXTUALISM
JAN SWIDZINSKI
PERFORMANCE ART

Opis:

Jan Swidzinski (b. 1923) has been the one of the main representatives of the post-conceptual movement since mid-seventies. His artistic doctrine Art as Contextual Art (published in February 1976), considered in confrontation with Joseph Kosuth's tautological model of art, makes it possible to appreciate Swidzinski's contribution to overcome the hegemony of conceptualism and New York. Swidzinski was right to indicate that conceptualism of the Art and Language group and Kosuth, although it did try to bring back the profound meaning of art (art is a meaning, not decoration) by introducing non-artistic considerations (self-consciousness), but in fact replaced the traditional formalism of art with the formalism of the neo-positivistic philosophy which was hard to maintain. Kosuth's thesis that the works of art are analytical and tautological sentences - was a mistake because Wittgenstein's theory of meaning as a method of expression, implied an entropy of meaning in art and revealed a need for some sort of verification of the theory of the meaning itself. The tautological model as a relativistic one, while assuming a self-reflection in the autonomous context of art, did not answer the question: why is the term 'art' used this way and not in a different way? So, in 1975 Swidzinski compared the artifacts not to analytical sentences but to sentences comprising intensional functors (their veracity depends upon the contents replacing the variables). The intensionality of artistic statements, that is to say, the presence of functors in them (I know, I believe, I suppose, I must etc.) studied by the epistemological or deontological logic, indicates that they are restricted by the pragmatic moment of experience. Swidzinski declared that Art as Contextual Art is an opposition to the multiplication of meaning, and thus to relativism, and at the same time he recognized the dissimilarity and changeability of contexts, stating that what is real in one context is not real in another, and therefore he tried to sanction relativism. This is the perspective shown in his book Art, Society and Self-consciousness (1979) in which he attempted to define the structure of intensionality as the antagonistic one. In the global context there coexist various logics that regulate our image of the world: the logic of norms, the logic of freedom, the epistemological logic and the logic of a game. The awareness of the intensional structure of the context requires from us today to work out a model of culture, different from the absolutistic and relativistic one, a model in which the repressive opposition of absolutism and relativism have lost significance. It is a question: what society should be? The book is an introduction to Swidzinski's Freedom and Limitation - The Anatomy of Postmodernism (1987). Today, in my opinion, Swidzinski does not resemble the old contextualist who would foster the intentions of a traveller-researcher. He is more of a neo-pragmatic contextualist-tourist. But his doctrine is very important for our understanding of the present art and culture, though the debate between Kosuth's conceptualism and Swidzinski's contextualism appears only to be a case of the history of conceptism and, last but not least, wit (ingenium comparans).

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2009, 1; 5-20
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 29.

Tytuł:

Inventing the New Art World: On Art Institutions and Their Audience
Tworzenie nowego świata sztuki: o instytucjach sztuki i ich odbiorcach

Autorzy:

Grigar, Ewa

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1812193.pdf

Data publikacji:

2021-08-31

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

nowe muzealnictwo
socjologia muzeum
nowa publiczność
światy sztuki
rozwój publiczności
Becker
Zolberg
instytucje sztuki
Czechy
Polska
inkluzyjne platformy zdobywania wiedzy o sztuce
digitalizacja muzeum
museology
museum sociology
new audience
art worlds
audience development
art institutions
the Czech Republic
Polska
inclusive platforms of gaining knowledge about art
museum digitalization

Opis:

Howard S. Becker (2005 [1982]) and Vera L. Zolberg (1990) suggested the advent of new audiences to be one of the main common motors of change in artistic practice, where art institutions play an important role in delivering both aesthetic and educational experiences, but can also be criticized for persistent exclusivity and for how they create a participatory environment. The aim of this article is to examine the present-day relationship of art museums and galleries with their audiences while taking into account the role played by the advent of a new sociology of art, museum sociology, and the audience development, with all of them questioning the role of museums as socio-cultural institutions focused on the democratization of culture. By employing empirical research conducted in selected art institutions in the Czech Republic and Poland, I will examine how young visitors view art institutions in light of their recent quest for becoming the inclusive platforms of gaining knowledge about art, which promote and facilitate active participation rather than passive consumption.
Howard S. Becker (1982) i Vera L. Zolberg (1990) wskazali na pojawienie się nowej publiczności jako jednej z głównych sił napędowych zmian w praktyce artystycznej, w której instytucje sztuki odgrywają ważną rolę w zapewnianiu doświadczeń zarówno estetycznych, jak i edukacyjnych, ale mogą też spotkać się z krytyką dotyczącą ekskluzywności i takiegoż budowania środowiska partycypacyjnego. Celem niniejszego artykułu jest zbadanie współczesnych relacji muzeów i galerii sztuki z ich odbiorcami, z uwzględnieniem roli, jaką odegrało pojawienie się nowej socjologii sztuki, socjologii muzeum oraz rozwój publiczności, kwestionujących rolę muzeów jako instytucji społeczno-kulturalnych nastawionych na demokratyzację kultury. Posługując się badaniami empirycznymi, które zrealizowano w wybranych instytucjach sztuki w Czechach i Polsce, poddam namysłowi, jak młodzi zwiedzający postrzegają instytucje sztuki w świetle ich niedawnych dążeń do stania się inkluzyjnymi platformami zdobywania wiedzy o sztuce, które promują i ułatwiają aktywne uczestnictwo, a nie bierną konsumpcję.

Źródło:

Przegląd Socjologii Jakościowej; 2021, 17, 3; 126-141
1733-8069

Pojawia się w:

Przegląd Socjologii Jakościowej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 30.

Tytuł:

Recenzja książki Roberto Mansbergera Amorosa pt. La Joven Europa y España: la cuestión de «el arte por el arte». Barcelona, 2013: Laertes. ISBN 978-84-7584-916-4, 466 stron
A Review of a Book by Roberto Mansberger Amorós entitled La Joven Europa y España: la cuestión de «el arte por el arte». Barcelona, 2013: Laertes. ISBN 978-84-7584-916-4, 466 pages

Autorzy:

Draus-Kłobucka, Agata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/504764.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Komisja Nauk Filologicznych Polskiej Akademii Nauk, Oddział we Wrocławiu

Tematy:

“art for art’s sake”
19th century
art and morals
Young Europe
Spanish literature
Decadent movement and Restoration

Opis:

The literary history of the question: “Art for art’s sake” in Europe and, more specifically, in Spain, is the subject of the book by Roberto Mansberger Amorós entitled La Joven Europa y España: la cuestión de «el arte por el arte» (Young Europe and Spain: the question of «art for art’s sake», written in Spanish). The book is composed of six chapters, along with the introduction, conclusion, extensive bibliography and index of names. The chapters focused on the general history of the idea alternate with those dedicated to the particular writers and thinkers. Chapter 1 presents the theory of “art for art’s sake,” its origin and progress. Chapter 2 introduces the subject of Young Europe, with the focus on Young Poland and Young Spain. Chapter 3 is an extensive digression about the subject of morals in Spanish 19th century literature, aesthetics, ethics and critics. Chapter 4 studies the individual stances of Valera and Campoamor, whereas chapter 5 undertakes the issue of the Decadent movement and the Restoration. The sixth and final chapter describes the poetry and the poets related to the concept “art for art’s sake.” The uniqueness of the book rests on the combination of the balanced analyses of literary sources and original period documents and archival material of Real Academia Española concerning the issues of art and morals, along with a reflection about the historical, philosophical and ideological context of the matter. Since this kind of profound knowledge united with the ability to write both persuasively and interestingly is rare, the book by Mansberger Amorós is an enlightening reading experience not only for specialists on the topic, but also for all those interested in the history of Spanish literature and ideas.

Źródło:

Academic Journal of Modern Philology; 2014, 3; 157-162
2299-7164
2353-3218

Pojawia się w:

Academic Journal of Modern Philology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 31.

Tytuł:

Sztuka algorytmów. Algorytmy w sztuce
The art of algorithms. Algorithms in art

Autorzy:

Bomba, Radosław

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1856715.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Narodowe Centrum Kultury

Tematy:

sztuka generatywna
sztuka kodu
kultura cyfrowa
marcin składanek
generative art
the art of coding
digital culture

Źródło:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka; 2019, 104, 1; 154-158
1230-4808

Pojawia się w:

Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 32.

Tytuł:

Idea „sztuki dla sztuki” w kontekście sytuacji komunikacyjnej „autor–czytelnik”
The idea of “art for art’s sake” in the context of the communication situation “author–reader”
Идея «искусства для искусства» в контексте коммуникативной ситуации «автор–читатель»

Autorzy:

Kotin, Andrey

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2085275.pdf

Data publikacji:

2022-05-30

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Rusycystyczne

Tematy:

автореференциальность
искусство для искусства
модернизм
искусство
autoreferencja
sztuka dla sztuki
modernizm
sztuka
selfe-reference
art for art's sake
literature
modernism
art

Opis:

Autor artykułu rozpatruje koncepcję artystyczną „sztuki dla sztuki” (l’art pour l’art) w jej rozmaitych przejawach: jako manifest pewnej epoki historycznej (modernizm, dekadentyzm, postmodernizm) lub też osobisty światopogląd pojedynczych pisarzy i filozofów (Nabokov, Croce). Szczególną uwagę poświęca się nierozerwalnej symbiozie formy i treści, zwłaszcza idei ich strukturalno-semantycznej identyczności. Jednym z kluczowych wniosków przeprowadzonego badania jest wyraźna niejednorodność idei „sztuki dla sztuki”, której główne postulaty i tezy wykazują radykalne, niekiedy wykluczające się nawzajem różnice, w zależności od szkoły literackiej, literaturo- lub kulturoznawczej teorii, indywidualności konkretnego pisarza.
Автором статьи рассматривается художественная концепция «искусства для искусства» (l’art pour l’art) в её разнообразных проявлениях: как манифест определённой исторической эпохи (модернизм, декаданс, постмодернизм) или же личная установка отдельных писателей и философов (Набоков, Кроче). Особое внимание уделяется неразрывной взаимосвязи формы и содержания, а также идее их структурно-семантической тождественности. Одним из ключевых выводов проведённого исследования является крайняя неоднородность идеи «искусства для искусства», главные постулаты и основоположения которой обнаруживают радикальные, подчас взаимоисключающие отличия в зависимости от литературного направления, литературо- или культуроведческой теории, индивидуальности конкретного писателя.
The author of the article examines the artistic concept of “art for art’s sake” (l’art pour l’art) in its various forms: as a manifesto of a certain historical era (modernism, decadence, postmodernism) or the personal attitude of individual writers and philosophers (Nabokov, Croce). Particular attention is paid to the inextricable relationship of form and content, as well as the idea of their structural and semantic identity. One of the key conclusions of the study is the extreme heterogeneity of the idea of “art for art’s sake”, which main postulates and foundations reveal radical, sometimes mutually exclusive differences depending on the literary trend, literary or cultural theory, as well as in the individuality of a particular writer.

Źródło:

Przegląd Rusycystyczny; 2022, 2 (178); 7-22
0137-298X

Pojawia się w:

Przegląd Rusycystyczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 33.

Tytuł:

Kreatywność we współczesnej sztuce pop . Inspiracje twórczością Warhola w edukacji studentów kierunków artystycznych

Autorzy:

Bugajska-Bigos, Iwona
Steliga, Anna Maria

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/606997.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej

Tematy:

creativity, pop-art, Warhol’s art, education
kreatywność, sztuka pop, twórczość Warhola, edukacja

Opis:

Pop-art was one of the most important artistic phenomena in the decade 1960-1970. In 2017 there was a thirty anniversary of andy Warhol’s death. This art revolutionist was a „painter of modern times”. He created, using mass culture products and at the same time showing the way the civilization is heading. a return to his creativeness in the international art project Warhol. pop contexts (30 years later) seems to be interesting: it presents students of art universities being representatives of the information generation who are inspired by Warhol’s work and also the direction in which the main aesthetics of pop style is currently migrating. young artists – are they creative or imitative? The article also describes educational dimension of the project.
Pop-art był jednym z najważniejszych zjawisk artystycznych w dziesięcioleciu 1960–1970. W 2017 roku minęła trzydziesta rocznica śmierci andy’ego Warhola. Ów rewolucjonista sztuki był „malarzem współczesności”. Tworzył, posługując się produktami kultury masowej, przy okazji ukazując drogę, po jakiej zmierza cywilizacja. Powrót do jego twórczości w Międzynarodowym projekcie artystycznym Warhol. Pop konteksty (30 lat później) wydaje się ciekawy: jak studenci szkół artystycznych, będący przedstawicielami pokolenia informacyjnego, inspirują się twórczością Warhola i w jakim kierunku obecnie migruje główna estetyka stylu pop? Czy młodzi twórcy są kreatywni czy naśladowczy? Artykuł opisuje także edukacyjny wymiar projektu.

Źródło:

Lubelski Rocznik Pedagogiczny; 2019, 38, 1
0137-6136

Pojawia się w:

Lubelski Rocznik Pedagogiczny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 34.

Tytuł:

NOWA FORMA MUZEUM SZTUKI – GALERIA SZTUKI W WIELKIEJ BRYTANII W CZASACH WIKTORIAŃSKICH
A NEW FORM OF ART MUSEUM – THE ART GALLERY IN VICTORIAN BRITAIN

Autorzy:

Giles, Waterfield,

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/433137.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Krajowy Ośrodek Badań i Dokumentacji Zabytków

Tematy:

art museum
art gallery
private collections
exhibition

Opis:

The article is devoted to the idea of the art gallery that flourished in Victorian Britain. The author describes the social and political background of the phenomenon of a new form of a museum, namely the art gallery which used to be private and popular expenditure on the arts. A rage for exhibitions erupted in nineteenth century Britain. The exhibition was central to the new art museums. These included high-minded historical surveys of world history or world art; trade exhibitions; displays of work by contemporary artists; displays of single paintings; assemblies of works from private collections, held both at the Royal Academy of Arts and in many major towns; everything except single-artist exhibitions which were regarded as vulgarly commercial. Many of the new museums were financed by such events, so that, for example, the new buildings at Kelvingrove in Glasgow were originally built to accommodate a huge popular exhibition. One of the prime purposes of the new galleries was to accommodate annual shows of work by artists, a tradition that had existed since the early nineteenth century. These art museums flourished for only a short time, and their principal legacy in material terms is the large number of well-built structures that was created for them. But the idea of creating a museum that could be enjoyed by all, free of charge, was a worthwhile one, one that has become hugely important in contemporary Britain, and that represents I believe a pioneering ideal.
Artykuł jest poświęcony idei galerii sztuki, która rozkwitła w Wielkiej Brytanii w epoce wiktoriańskiej. Autor opisuje tło społeczne i polityczne fenomenu nowej formy muzeum, czyli galerii sztuki, które były prywatnym, bardzo popularnym sposobem prezentowania sztuki. W XIX-wiecznej Wielkiej Brytanii nastała mania organizowania wystaw, które stały się punktem kluczowym i działaniem priorytetowym dla nowych muzeów sztuki. Dotyczyło to zarówno merytorycznych badań historycznych nad historią świata czy sztuki światowej, jak i wystaw handlowych, pokazów prac współczesnych twórców, pokazów pojedynczych obrazów czy zbiorów prac z kolekcji prywatnych. Wystawiano zarówno w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych, jak i w wielu mniejszych miastach. Wiele z nowych muzeów poprzez tego typu wydarzenia pozyskiwało środki na dalsze działania, np. nowy budynek Galerii Kelvingrove w Glasgow wybudowano by zorganizować tam wielką popularną wystawę. Jednym z głównych celów nowych galerii było pomieszczenie w nich dorocznych pokazów dzieł artystów; tradycja ta istniała już w początku XIX wieku. Rozkwit muzeów sztuki w Wielkiej Brytanii przypada na krótki okres, a główną pod względem materialnym spuścizną po nich jest ogromna liczba solidnych budynków wzniesionych na ich siedziby. Jednak idea tworzenia muzeum, które sprawiałoby radość i byłoby bezpłatne była tego warta i niezwykle ważna dla współczesnej Wielkiej Brytanii. Moim zdaniem, stanowi ona pionierski ideał.

Źródło:

Muzealnictwo; 2015, 56; 201-214
0464-1086

Pojawia się w:

Muzealnictwo

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 35.

Tytuł:

Omnis natura artificiosa est. Projekt Symbiotyczność tworzenia w świetle teorii wartości paraartystycznych
Omnis natura artificiosa est. Project The Symbiosity of Creation in the light of the theory of paraartistic values

Autorzy:

Milczarczyk, Paula

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424719.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Tematy:

sztuka współczesna, nowe media, interdyscyplinarność, badanie, estetyka, filozofia, krytyka, bio-art, contemporary art, new media, interdisciplinarity, research, aesthetics, philosophy, art-critics

Opis:

The Symbiosity of Creation (2012 – ca. 2034) by Jarosław Czarnecki (aka Elvin Flamingo) is an interdisciplinary art and research project which consists of six mobile incubators, whose interiors recreate the natural habitat of three species of ants. The project consists of three part-stories: “The Reconstruction of Non-human Culture”, “The Kingdom of the Shared Quotidian”, and “After Humans. The Biocorporation”, plus the recordings of failed attempts to create the colony collected in the form of “Subterranean Struggle”. As a result of the materials used (in vivo organism) Czarnecki’s work may seem to be a typical bio-art piece. In my text I would like to point out one very important, yet so far overlooked, critical aspect of the project and show Czarnecki’s artistic activities in the light of the theory of paraartistic values contained in the book Reality aesthetics by Maria Gołaszewska.

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2016, 14; 84-91
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 36.

Tytuł:

Social Art Media. Polska Sztuka Internetu w Obliczu Rewolucji Komunikacyjnej
Social Art Media. The Art of the Internet in the Face of the Communication Revolution

Autorzy:

Miaskowska, Marta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424653.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Tematy:

sztuka,
media,
społeczeństwo,
komunikacja,
internet,
rewolucja
art,
social,
communication,
revolution

Opis:

Artykuł jest próbą systematyzowania ścieżki rozwoju sztuki internetu w oparciu o ogólną strukturę rozwoju sztuki nowych mediów. Uwagę koncentrują media społecznościowe, które w dobie rewolucji komunikacyjnej stały się miejscem społecznej aktywności, a w tym również działań artystycznych. Tekst otwiera dyskurs na temat statusu twórczości w przestrzeni mediów społecznościowych, a także tego jaki wpływ będzie ona miała na muzealnictwo i rynek sztuki w ogóle. Egzemplifikacja w artykule jest oparta na przykładach artystów polskich. Przytoczone opisy prac pokazują przede wszystkim różnorodność kreacji artystycznych powstających w mediach społecznościowych. Jednak dopiero większa baza przykładów pozwoliłaby na kategoryzację tej twórczości, a więc zrobienie pracy krytycznej, czyli dokonanie tego, czego nie uczyniły jeszcze instytucje sztuki czy instytuty badawcze.
The article is an attempt to systematize the path of Internet Art development based on the general structure of the development of new media art. The attention is focused on the social media, which in the era of the communication revolution became a place of social activity, including artistic activities. The text opens a discourse on the status of creativity in the space of the social media, as well as the impact it will have on museology and the art market in general. The exemplification in the article is based on examples of works by Polish artists. The descriptions of works presented here show the diversity of artistic creations in the social media. However, only a larger database of examples would allow the categorization of these works, and thus conducting their critical assessment, that is, to do what art institutions or research institutes have not yet done.

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2019, 20; 159-168
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 37.

Tytuł:

Cuzco School Painting (Esquela Cusqueña) as a Manifestation of Andean Identity in the Past and Present

Autorzy:

Kubiak, Ewa

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1798727.pdf

Data publikacji:

2019-10-30

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

Cuzco painting; Baroque painting; colonial art; neo-Baroque; Peruvian art

Opis:

The Polish version of the article was published in Roczniki Humanistyczne vol. 65, issue 4 (2017). Painting of the Cuzco school developed in the city proper and in the Cuzco region in the 17th and 18th centuries. Its influence was not limited to this area; information about the presence of paintings from Cuzco in distant regions of the Viceroyalty of Peru can be found in numerous sources. The tradition which acknowledged Cuzco painting to be a manifestation of cultural mestization is extremely strong. We can easily point at Spanish (colonial) as well as native (Indian) features in both formal and semantic aspects of representations. However, Cuzco painting is not a matter of the past; nowadays there are still studies which produce neo-Baroque pictures, stylistically imitating old paintings. I would like to present neo-Baroque canvas and subsequent stages of work on them, using field research from 2013 and photographs taken in Galería de Artesanía “Fenix” in Cuzco, run by Luis Alfredo Pacheco Venero. What is important in the summary is reflections on cusqueñismo, a phenomenon typical of the city since the 1920s and wondering whether within its scope there is a place not only for the Inca tradition but also for colonial art. Modern search for regional identity is not limited to the pre-Columbian era, but more and more often highly assesses the colonial legacy.

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2019, 67, 4 Selected Papers in English; 33-57
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 38.

Tytuł:

Sztuka wojenna – sztuką intelektu prowadzenia operacji wojskowych, wykorzystania zasobów informatycznych oraz jakości potencjału logistycznego wojsk
Military art - the art of intellect for conductingmilitary operations, utilizing information resources, and maintaining the quality of armed forces logistics potential

Autorzy:

Mańkowski, Romuald
Nyszk, Łukasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/566142.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Akademia Sztuki Wojennej

Tematy:

sztuka wojenna
logistyka
intelekt
zasady
jakość

Opis:

The aim of this paper is to answer the following questions: what military art is, what it is concerned with, what it is for, how it developed through history, and what its essence and impact on the quality of logistics potential is. While discussing the above, the authors refer to the following issues: • philosophy of military art in historical approach; • theory of Clausewitz versus military art; • vision of nuclear war versus military art; • military art versus information potential of the military; • military art in the logistics system of the military; • quality and quantity of the military and its capability; • quality of logistics in performing military tasks of the military. The essence, specificity, and scope of military art concerning its impact on the knowledge connected with the military and their operational tasks are considered by the authors of this paper in the historical aspect as well as the current reality of the armed forces. The need to improve the quality of performing logistics tasks and the creation and improvement of the logistics system of the military are discussed across the spectrum of military art concerning the current high quality requirements. It is expected within the scope of services rendered by the operational military systems. This paper analyses the essence and necessity of qualitative breakthrough in the current logistic reality on the basis of theoretical interpretations of combat war phenomenon involving its two opposing subsystems (potentials) containing material (energetic) and nonmaterial (informational) aspects. It is assumed that both of these varying aspects of any potential are expected to function properly according to their designation. Therefore, they must be influenced by the proper qualitative logistic potential based on the settled principles of the military art to provide feedback, continuity, and completion of tasks. Finally, having described the great role of logistics in providing the high level of combat operations and expected results, the authors conclude the paper with reflections concerning the place and role of logistics, as well as its qualitative requirements in practical activity, and the contribution of the military art in this approach.

Źródło:

Obronność – Zeszyty Naukowe Wydziału Zarządzania i Dowodzenia Akademii Sztuki Wojennej; 2017, 2(22); 15
2084-7297

Pojawia się w:

Obronność – Zeszyty Naukowe Wydziału Zarządzania i Dowodzenia Akademii Sztuki Wojennej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 39.

Tytuł:

„Jelenie na rykowisku”: o demonach sztuki i granicach sztuki popularnej

Autorzy:

Sikorska, Karolina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/694817.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Ludoznawcze

Tematy:

high art, popular art, popular culture, James Clifford, kitsch, authenticity, aura, polysemy
sztuka wysoka, sztuka popularna, kultura popularna, James Clifford, kicz, autentyczność, aura, wieloznaczność

Opis:

In this article I consider the role of popular artistic representations, first of all referring to perfectly known but ill-famed motive of “deer in rut”. Starting with “art-culture”, the scheme proposed by James Clifford, I try to argue for the fluidity and cultural contextualization of paintings which escape easy categorizations as bad art or kitsch. As a result, through the analysis of meanings of this kind of representations, I attempt to point out how these representations are situated both in the sphere of high (modern) art and in popular culture, still synonymous with low culture. I also show results of this polysemous entanglement.
W artykule zastanawiam się nad rolą popularnych przedstawień artystycznych, odnosząc się przede wszystkim do doskonale znanego, choć niecieszącego się dobrą sławą motywu „jeleni na rykowisku”. Wychodząc od schematu „sztuka – kultura, zaproponowanego przez Jamesa Clifforda”, próbuję argumentować na rzecz przemieszczeń i kulturowych kontekstualizacji obrazów, które nie dają się łatwo zaklasyfikować jako zła sztuka lub kicz. W konsekwencji poprzez analizę znaczeń tego rodzaju przedstawień próbuję pokazać, w jaki sposób są one osadzone zarówno w obszarze tzw. sztuki wysokiej (modernistycznej), jak i w obszarze kultury popularnej, utożsamianej ciągle jeszcze z kulturą niską – i co z tego wieloznacznego uwikłania wynika.

Źródło:

Literatura Ludowa; 2018, 62, 1
2544-2872
0024-4708

Pojawia się w:

Literatura Ludowa

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 40.

Tytuł:

Sztuka architektury a sztuka kulinarna
The art of architecture and the art of cooking

Autorzy:

Palej, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2056167.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

sztuka kulinarna
dobry smak
palenisko
identyfikacja regionalna
slow food
culinary art
good taste
hearth
regional identification

Opis:

Sztuka architektury i sztuka kulinarna to dziedziny, pomiędzy którymi znaleźć można liczne związki o charakterze społecznym i przestrzennym. W niniejszej publikacji wymienione zostaną najważniejsze z nich oraz omówione rozwiązania, które promują umiarkowanie w stosowaniu zasobów, przestrzeni i środków estetycznych, bazują na wiedzy wynikającej z kontekstu i ludzkiej skali czy wskazują na konieczność zwolnienia tempa życia, co - w obliczu współczesnych przemian cywilizacyjnych - stanowi szczególnie doniosłe wyzwania.
The art of architecture and the art of cooking are fields, where we can find numerous social and spatial relationships. This publication will enumerate the most important of these and discuss solutions, that promote moderation in using resources, space and aesthetic means, that are based on knowledge arising from context and the human scale, and that points to the necessity to slow down the pace of our lives, which are the major challenges in the face of contemporary civilisational changes.

Źródło:

Teka Komisji Urbanistyki i Architektury Oddział PAN w Krakowie; 2020, 48; 135--147
0079-3450
2450-0038

Pojawia się w:

Teka Komisji Urbanistyki i Architektury Oddział PAN w Krakowie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 41.

Tytuł:

Dialogue about Art: Introduction to “What Is Art? Horizons of the Creator and Recipient”

Autorzy:

Kawalec, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/31233873.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

art
creator
recipient

Opis:

The presented statement is part of the volume it covers a variety of responses from people who interact with art in different ways. The aim is to suggest to the participant of the contemporary world a new, personal perspective to rethink what is this area of our world that we label with art; thoughts with and without theoretical suggestions - reflections by the creators and reflections by the audience, teaching humility and uniqueness, perhaps - forming a fresh perspective on art.

Źródło:

Roczniki Kulturoznawcze; 2022, 13, 4; 7-19
2082-8578

Pojawia się w:

Roczniki Kulturoznawcze

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 42.

Tytuł:

„Jelenie na rykowisku”: o demonach sztuki i granicach sztuki popularnej

Autorzy:

Sikorska, Karolina

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/694950.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Polskie Towarzystwo Ludoznawcze

Tematy:

high art, popular art, popular culture, James Clifford, kitsch, authenticity, aura, polysemy
sztuka wysoka, sztuka popularna, kultura popularna, James Clifford, kicz, autentyczność, aura, wieloznaczność

Opis:

In this article I consider the role of popular artistic representations, first of all referring to perfectly known but ill-famed motive of “deer in rut”. Starting with “art-culture”, the scheme proposed by James Clifford, I try to argue for the fluidity and cultural contextualization of paintings which escape easy categorizations as bad art or kitsch. As a result, through the analysis of meanings of this kind of representations, I attempt to point out how these representations are situated both in the sphere of high (modern) art and in popular culture, still synonymous with low culture. I also show results of this polysemous entanglement.
W artykule zastanawiam się nad rolą popularnych przedstawień artystycznych, odnosząc się przede wszystkim do doskonale znanego, choć niecieszącego się dobrą sławą motywu „jeleni na rykowisku”. Wychodząc od schematu „sztuka – kultura, zaproponowanego przez Jamesa Clifforda”, próbuję argumentować na rzecz przemieszczeń i kulturowych kontekstualizacji obrazów, które nie dają się łatwo zaklasyfikować jako zła sztuka lub kicz. W konsekwencji poprzez analizę znaczeń tego rodzaju przedstawień próbuję pokazać, w jaki sposób są one osadzone zarówno w obszarze tzw. sztuki wysokiej (modernistycznej), jak i w obszarze kultury popularnej, utożsamianej ciągle jeszcze z kulturą niską – i co z tego wieloznacznego uwikłania wynika.

Źródło:

Literatura Ludowa; 2018, 62, 1
2544-2872
0024-4708

Pojawia się w:

Literatura Ludowa

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 43.

Tytuł:

Uwagi o formalnych I praktycznych warunkach korzystania z uprawnień policjantów zawartych w art. 15 I art. 16 ustawy o policji przez żołnierzy Sił Zbrojnych Rzeczypospolitej Polskiej

Autorzy:

Hac, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1920836.pdf

Data publikacji:

2019-11-15

Wydawca:

Wyższa Szkoła Policji w Szczytnie

Tematy:

wojsko
Żandarmeria Wojskowa
porządek publiczny
środki przymusu bezpośredniego
stan wyjątkowy
zamieszki

Opis:

W artykule przedstawiono podstawy prawne użycia Sił Zbrojnych Rzeczypospolitej Polskiej w razie zagrożenia bezpieczeństwa publicznego lub zakłócenia porządku publicznego, przede wszystkim koncentrując uwagę na możliwości korzystania przez żołnierzy z uprawnień policyjnych wynikających z zapisów art. 15 i art. 16 ustawy o Policji. W drugiej części artykułu wyszczególniono przewidywane zagrożenia i sytuacje, w których może nastąpić potrzeba wykorzystania żołnierzy do zaprowadzenia porządku, pokazano czynniki determinujące podjęcie decyzji o użyciu wojska, sposoby działania i związane z tym niebezpieczeństwa. Reasumując przedstawione treści, autor wyszczególnił i opisał wynikające z ich analizy wnioski oraz zalecenia

Źródło:

Przegląd Policyjny; 2016, 2(122); 174-185
0867-5708

Pojawia się w:

Przegląd Policyjny

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 44.

Tytuł:

Rethinking Polish assemblages of the 1960s: The (re)turn to things

Autorzy:

Błotnicka-Mazur, Elżbieta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1806875.pdf

Data publikacji:

2019-10-23

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

polskie asamblaże; zwrot materialny; przedmioty w sztuce; polska sztuka lat 60. XX wieku
Polish assemblages; material turn; objects in art; Polish art of the 1960s

Opis:

Przemyśleć na nowo polskie asamblaże z lat 60. XX wieku: powrót do rzeczy Celem artykułu jest analiza statusu obiektu w praktykach neoawangardowych wybranych polskich artystów w latach 60. XX wieku, z perspektywy „zwrotu materialnego”, zainicjowanego przez kryzys reprezentacji postrukturalizmu w naukach społecznych i humanistycznych. Chęć wyjścia poza tradycyjne dzieło malarskie, pojmowane w kategoriach płaskiej, dwuwymiarowej powierzchni, sprawiła, że artyści zaczęli wprowadzać do sztuki przedmioty z prawdziwego życia, dzięki czemu dzieło zyskiwało nowe życie i „osobowość”. Artykuł koncentruje się na pracach czterech wybitnych polskich artystów neoawangardowych: Erny Rosenstein, Włodzimierza Borowskiego, Tadeusza Kantora i Aliny Szapocznikow. Biorąc pod uwagę różnice między ich postawami artystycznymi i osobistymi doświadczeniami, można zaobserwować wspólne zainteresowanie materialnością świata, które zaowocowało różnorodnymi interpretacjami przedmiotów (Rosenstein, Borowski, Kantor), a także reifikacją ciała (Szapocznikow). Odniesienie do teorii aktora-sieci Latoura tworzy także nową perspektywę dla badań nad rolą obiektów w dziełach sztuki (Kantor).
The article aims to analyse the status of the object in the neo-avantgarde practice of selected Polish artists in 1960s assemblages, from the perspective of the ‘material turn’, initiated by postructuralism’s crisis of representation in the social sciences and humanities. Trespassing on the intellectual ground associated with traditional painting, which was conceived as a flat two-dimensional surface, led the artists to introducing objects from real life into their art, this gave the artwork containing objects new life and ‘personality’. The paper focuses on the works by four prominent modernist Polish artists: Erna Rosenstein, Włodzimierz Borowski, Tadeusz Kantor and Alina Szapocznikow. Taking into account the differences between their artistic attitudes and personal experiences, one may observe a common interest in the materiality of the world that resulted in a variety of object interpretations (Rosenstein, Borowski, Kantor) as well as the reification the body (Szapocznikow). Reference to Latour’s Actor-Network-Theory also creates a new perspective for research on the objects in works of art (Kantor).

Źródło:

Roczniki Humanistyczne; 2018, 66, 4; 131-150
0035-7707

Pojawia się w:

Roczniki Humanistyczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 45.

Tytuł:

Wstęp do zagadnienia wykorzystania sztuki filmowej w terapii
Introduction to using the art of film in art therapy and psychotherapy

Autorzy:

Mytnik, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/468077.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Uniwersytet Pedagogiczny im. Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

Art Therapy
Film Therapy
Therapy
Mental Disorders
arteterapia
filmoterapia
terapia
choroby i zaburzenia psychiczne

Opis:

Film art is increasingly used in art therapy and psychotherapeutic activities. The therapeutic value of films was discovered long ago, beginning with the researchers from the field of psychoanalysis and cognitive psychology. Only currently, however, a surge of interest among researchers and theoreticians from the field of film therapy can be noted. The emergence of a relatively young trend in psychology, namely positive psychology, has further deepened the ability to use films in therapy. The art of film has many means of influencing the viewer. One of these are reception mechanisms, based on the emotional and intellectual reception of the film and its specific components. It should be emphasized, that not every film has therapeutic potential. Nevertheless, the addressed life issues in the plots make it possible to use selected films as possible tools to influence the viewer. One of the therapeutic issues concerns mental and emotional illnesses and therapy. There are many works objectively showing certain problems, but many films depict distorted images of psychotherapy and the people involved. Both ways of presenting the problem constitute an indispensable source of knowledge and reflection on therapy, for people using therapeutic elements in their work, as well as for the loved ones and families of patients struggling with various disorders and diseases.
Od początku swojego istnienia, sztuka filmowa dzięki wykorzystaniu techniki wprowadzającej obraz w ruch stała się atrakcyjnym sposobem spędzania wolnego czasu. Dzięki rozwojowi języka wypowiedzi filmowej oraz powstaniu nowych konwencji i gatunków filmowych nieustająco dostarcza widzom rozrywki, a także wzbudza różnorodne emocje. Film jako narzędzie oddziaływania na widza stał się obiektem zainteresowania nie tylko filmoznawców, ale też psychologów, a sztuka filmowa znalazła zastosowanie w arteterapii dzięki oddziaływaniu jej poszczególnych elementów oraz poprzez uruchamiane w widzu mechanizmy bazujące na emocjonalnym i intelektualnym odbiorze prezentowanych obrazów. Niniejszy artykuł ma na celu ukazanie zastosowań sztuki filmowej w ramach działań terapeutycznych, a także wskazanie poruszanych w sztuce filmowej problemów i zagadnień, stanowiących podstawy dla zastosowania wybranych filmów jako ewentualnych narzędzi oddziaływania na widza. Zagadnienia te zostaną opisane na przykładzie ukazywanego w sztuce filmowej obrazu chorób i zaburzeń psychicznych, który może stanowić materiał dla prowadzenia działań terapeutycznych oraz edukacyjnych.

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Psychologica; 2018, 11; 98-114
2084-5596

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Psychologica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 46.

Tytuł:

Uwagi o formalnych i praktycznych warunkach korzystania z uprawnień policjantów zawartych w art. 15 i art. 16 ustawy o Policji przez żołnierzy Sił Zbrojnych Rzeczypospolitej Polskiej

Autorzy:

Hac, Piotr.

Powiązania:

Przegląd Policyjny 2016, nr 2, s. 174-185

Data publikacji:

2016

Tematy:

Stan wyjątkowy prawo Polska
Bezpieczeństwo publiczne
Przymus bezpośredni
Prawo
Żandarmeria wojskowa

Dostawca treści:

Bibliografia CBW

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 47.

Tytuł:

Rola sztuki akcji w ukształtowaniu specyfiki artystycznej grupy Łódź Kaliska
The role of action art in shaping Kaliska Art Group

Autorzy:

Guzek, Łukasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487583.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Opis:

Kaliska Art Group uses mainly photography and film as their medium. However, their use is "extended" according to the idea of "expanded cinema", which is the starting point of artistic exploration by the group. They concentrate on action in their production of artistic photographs and films. Action determines images and photographs. They take photographs in order to register actions, therefore photographs are considered as secondary medium. Actions are dynamic forms of expression. Also, criticism, pastiche and irony contribute to producing a momentum. Łódź Kaliska is a postmodernist art group. Guzek analyzes their activity in the context of conceptual art and the role of action art in their artistic development. They concentrate on the deconstruction of modernist and avant-garde artistic ideas. He considers his analysis as case study of actionism and its influence on art. He describes the typology of the group including performance for photography and film (all actions are group actions), conceptual ‘performance’ in front of the camera by different members of the group, the ‘Fluxus’- kind of performance which combines art and everyday life, ‘environmental’ actions which are more open and involve people from outside of the group (friends), jokes connected with other artists and celebrities of art (not planned as art). After all, action art reveals the position of artists superior to their work and existential elements in art.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2013, 16; 276-294
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 48.

Tytuł:

Sztuka spekulacji a sztuka inwestowania
The Art of Speculation and the Art of Investing

Autorzy:

Przyłuska, Judyta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/30031075.pdf

Data publikacji:

2009

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL

Tematy:

spekulacja
inwestowanie
rynek kapitałowy
papiery wartościowe
instrumenty finansowe
speculation
investment
capital market
securities
financial instruments

Opis:

The article describes the best ways of investing. As far as capital markets are concerned, the basic financial instruments represent various degrees of risk. The investor has to decide which investment is proper for him, and in order to earn money one has to know about them. The investor has to know what risk he may and wants to run, in order to reach his investment’s aims. It should be remembered that the market is only an arena for possibilities, and not for guarantees.

Źródło:

Roczniki Ekonomii i Zarządzania; 2009, 1; 99-111
2081-1837
2544-5197

Pojawia się w:

Roczniki Ekonomii i Zarządzania

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 49.

Tytuł:

Taking stock of a city by art. Neo-avant-garde art as a repository for images of Łódź from 1970-1990

Autorzy:

Jóźwiak, Jacek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424395.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2015, 12; 45-52
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 50.

Tytuł:

Problematyka udziału konsula lub urzędnika konsularnego w czynnościach, o których mowa w art. 177 § 1b pkt 2, art. 586 § 1 oraz w art. 177 § 1 w zw. z art. 582 § 1 i art. 581 § 1 k.p.k.
The issue of participation of a consul and consular officer in activities referred to in art. 177 § 1b point 2, art. 586 § 1 and in art. 177 § 1 in connection with art. 582 § 1 and art. 581 § 1 of the Code of Criminal Procedure

Autorzy:

Sowiński, Piotr Krzysztof

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/28407817.pdf

Data publikacji:

2023

Wydawca:

Uczelnia Łazarskiego. Oficyna Wydawnicza

Tematy:

urzędnik konsularny
tajemnica konsularna
immunitet konsularny
odmowa zeznań
proces karny
przesłuchanie
świadek
oskarżony
biegły
consular officer
consular secrecy
consular immunity
refusal to testify
criminal trial
interrogation
witness
accused
expert

Opis:

Tekst stanowi analizę rozwiązań normatywnych dotyczących udziału członków urzędów konsularnych (polskich i obcych) w czynnościach dowodowych podejmowanych w procesie karnym. Omówiono problematykę udziału polskich urzędników konsularnych w przesłuchaniu oskarżonych i świadków (art. 177 § 1b pkt 2 k.p.k.), a także przesłuchania tych uczestników postępowania karnego przez konsula jako organu zastępującego w tym zakresie sąd polski. Czynności te, zgodnie z wolą polskiego ustawodawcy, ale i prawa narodów, mieszczą się w tym, co określa się mianem postępowania karnego ze stosunków międzynarodowych, ale także i prawa konsularnego. Podjęto tu także rozważania odnośnie do prawa do odmowy zeznań, które przysługuje członkom urzędów konsularnych w zakresie okoliczności związanych z pełnioną przez nich funkcją. W ocenie autora można mówić o istnieniu w tym zakresie tajemnicy konsularnej, która stanowi odmianę tajemnicy funkcyjnej lub zawodowej.
The text is an analysis of normative solutions regarding the participation of members of consular offices (Polish and foreign) in evidentiary activities undertaken in criminal proceedings. The issue of participation of Polish consular officials in the interrogation of defendants and witnesses was discussed (Article 177 § 1b point 2 of the Code of Criminal Procedure), as well as the interrogation of these participants in criminal proceedings by the consul as the body replacing the Polish court in this respect. These activities, in accordance with the will of the Polish legislator and the law of nations, are included in what is called criminal proceedings in international relations, but also in consular law. Considerations were also made regarding the right to refuse to testify, which members of consular posts are entitled to in the circumstances related to their function. In the author’s opinion, there may be consular secrecy in this respect, which is a form of functional or professional secrecy.

Źródło:

Ius Novum; 2023, 17, 4; 40-60
1897-5577

Pojawia się w:

Ius Novum

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 51.

Tytuł:

Warsztat plastyczny i jego walory arteterapeutyczne w pracy z dzieckiem
The Art Workshop and its Art Therapeutic Value in Work with Children

Autorzy:

Szuścik, Urszula

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/479012.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Akademia Ignatianum w Krakowie

Tematy:

twórczość
arteterapia
warsztat plastyczny
dziecko
techniki plastyczne
creativity
art therapy
art workshop
child
plastic techniques

Opis:

Artykuł ma charakter teoretyczny na temat arteterapii, a ściślej terapii przez plastykę. Autorka wskazuje na sztukę jako swoistą formę komunikatu o człowieku. Ujmuje twórczość w działaniach terapeutycznych jako proces, dzięki któremu tworzący uzyskuje wgląd w nurtujący go problem i jego rozwiązanie. W ramach zajęć arteterapeutycznych jest realizowana ich funkcja katartyczna, diagnostyczna, poznawcza i wychowawcza, które Autorka wyjaśnia. W pracy pedagogicznej arteterapia to strategia pedagogiczna stosowana w procesie wychowania, która wspomaga proces integracji osobowości. Podstawowy walor terapeutyczny w przypadku plastyki tkwi we właściwym zastosowaniu jej warsztatu, czyli materiałów i narzędzi. Jest on dobierany do indywidualnych możliwości osoby. Prace plastyczne – jak podkreśla Autorka – odzwierciedlają rozwój emocjonalny, umysłowy, percepcyjny, społeczny i estetyczny dziecka. Wszystkie one zostały w artykule scharakteryzowane. Autorka wskazuje też na celowość i walory terapeutyczne warsztatu plastycznego w pracy z dzieckiem. Zwraca szczególną uwagę na techniki plastyczne malarskie, rysunkowe, graficzne, collage, frottage, dripping i przestrzenne, które zaleca w arteterapii. Podkreśla przy tym, że poprzez formę plastyczną dziecko wyraża i określa siebie. Dzieci, które uczestniczą w tego typu zajęciach, mają poczucie satysfakcji, że potrafią coś zrobić. Wpływa to na poprawę ich samooceny i lepsze samopoczucie. Uczą się rozumieć, słuchać, rozmawiać, współpracować z innymi.
The article is of a theoretical nature and concerns art therapy and specifically therapy through visual art. The author underscores the role of art as the specific form of man’s expressive ability. An artistic work in including the process in therapeutic action, thanks to which the act of creation affords access to the problem and the relevant solution for the artist. Art in this respect has a cathartic, diagnostic, cognitive and education function which the author explains. In terms of pedagogical work, therapy through art is a pedagogical strategy applied in the process of up bringing which supports the integration process of the personality. The basic therapeutic advantage in the case of fine arts is to be found in the art workshop, i.e. through the materials and tools therein. The art workshop is adapted to the individual possibilities of the person. Artistic works reflect the intellectual, perceptual, social, aesthetic and emotional development of a child and the opportunity is taken here to underline and set out what is characteristic of them. The author highlights the appropriateness and therapeutic advantages of the art workshop in work with the child. She pays special attention to plastic techniques: painting, drawing, collage, frottage, dripping and spatial techniques which are recommended in art therapy. She emphasizes that through the plastic form the child expresses and describes himself. Children who are involved in classes of this type have a sense of satisfaction rooted in the fact that they are able to do something. It affects the improvement in their self-assessment and their sense of well-being. They are learning to understand one another, to listen, to talk, to cooperate with one another.

Źródło:

Edukacja Elementarna w Teorii i Praktyce; 2016, 11, 3(41); 31-40
1896-2327

Pojawia się w:

Edukacja Elementarna w Teorii i Praktyce

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 52.

Tytuł:

Ocena propozycji zmian przepisów art. 156 i art. 158 Kodeksu postępowania administracyjnego
Assessment of the proposed amendment of Article 156 and 158 of the Code of Administrative Proceedings

Autorzy:

Szydło, Marek

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2211880.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Kancelaria Sejmu. Biuro Analiz Sejmowych

Tematy:

the Code of Administrative Proceedings
petition

Opis:

Amendments of the Code of Administrative Proceedings, suggested in the assessed petition, introduce an exclusion of the possibility of declaring an administrative decision invalid, if the decision has been issued without legal basis or with a gross infringement of law, after 10 years from the day the decision has been delivered or published. The proposed solution consisting of an application of the limitation period set out in Article 156 para. 2 of the Code even to such decisions issued without legal basis or with the gross infringement of law which have not been a basis for acquiring a right or expectative of a right (wider than in the Constitutional Tribunal’s judgment, ref. no. P 46/13) – stays, in the author’s opinion, in accordance with Article 2 of Polish Constitution and it could be regarded as optimally balancing the principle of the rule of law, the principle of legal certainty and the principle of the protection of legitimate expectation. Moreover, the author claims that introducing the new Article 158 para. 3 of the Code, according to which a declaration a questioned decision as invalid due to its issue without legal basis or with a gross infringement of law of issue of a decision with an infringement of law shall constitute grounds for declaration of invalidity of a decision issued on the basis of the former one, is justified.

Źródło:

Zeszyty Prawnicze BAS; 2018, 2(58); 119-140
1896-9852
2082-064X

Pojawia się w:

Zeszyty Prawnicze BAS

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 53.

Tytuł:

Shaftesbury’s Dictionary of Terms of Art
„Dictionary of Terms of Art” – Słownik pojęć teoretycznych-artystycznych Shaftesbury’ego

Autorzy:

Kern, Ulrike

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2082091.pdf

Data publikacji:

2020

Wydawca:

Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN

Tematy:

art theory
aesthetic theory
literary theory
18th Century British aesthetics
vocabulary of art theory and art history terms
aesthetic experience

Opis:

This article discusses Shaftesbury’s fragmentary ‘Dictionary of art terms’, an appendix to the unfinished Plastics, and its relevance in establishing an aesthetic and moral art theory in Britain. The article argues that, although the ‘Dictionary’ is rudimentary, it already reveals enough information to assess it as an important document of English art philosophy. Given that Shaftesbury’s dictionary project was the first English attempt to produce a theoretical art dictionary, it is discussed in the light of traditions of the art dictionary in this country. The study clarifies notions of the dictionary’s art terms through comparative analyses with the use of the words in the aesthetic discourses in the Plastics. It looks at Shaftesbury’s creation of novel words based on classical literature and his use of contemporary literary sources which was partly ambivalent, for fear that only words were transferred from their original context but no ideologies that the author disapproved of. With the help of exemplary discussions of Shaftesbury’s art vocabulary, the study illustrates the shaping of an aesthetic vocabulary in England.

Źródło:

Rocznik Historii Sztuki; 2020, 45; 19-29
0080-3472

Pojawia się w:

Rocznik Historii Sztuki

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 54.

Tytuł:

„Trzecia kultura” w dobie posthumanizmu i transhumanizmu
The “Third Culture” in the Age of Postand Transhumanism

Autorzy:

Gajewska, Grażyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/16037329.pdf

Data publikacji:

2018-06-15

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

the two cultures
the third culture
interdisciplinarity
posthumanism
transhumanism
robotic art
bio art
bio-robotic art

Opis:

Since the mid-twentieth century, there has been a discussion in the academy about “two cultures”: humanities and sciences and the so-called third culture. In this article I outline the history of this debate. I also present new trends in contemporary humanistic reflection: posthumanism and transhumanism, which are based on interdisciplinary research. I am also describing the projects and the output of several currents of contemporary art: robotic art, bio art and bio-robotic art.

Źródło:

Studia Europaea Gnesnensia; 2018, 17; 99-115
2082-5951

Pojawia się w:

Studia Europaea Gnesnensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 55.

Tytuł:

Tego się nie robi kotu, czyli o ciałach martwych zwierząt w sztuce najnowszej
You can’t do that to a cat, or dead animals in recent art

Autorzy:

Pitrus, Andrzej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/692152.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego

Tematy:

sztuka współczesna, taksydermia, części ciała, rynek sztuki
contemporary art, taxidermy, body parts, art market

Opis:

The article deals with the subject of art made with body parts of animals. The motive of a dead animal has been present in art since its beginning; in cave paintings and later in Flemish still lives. Yet it is contemporary art that tries to go even further. Instead of representing dead bodies, the artists simply use them. They could be “mere” dead flies, or giant sharks. Andrzej Pitrus discusses taxidermy, which normally is not considered a proper art, but many “real” artists use this technique as well. Some ethical issues are also discussed, because many of the works are nowadays sold for steep prices. Where does the critical art end, and exploitation start? It is hard to answer this question, which nevertheless sould be asked.

Źródło:

Zoophilologica. Polish Journal of Animal Studies; 2019, 5
2719-2687
2451-3849

Pojawia się w:

Zoophilologica. Polish Journal of Animal Studies

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 56.

Tytuł:

Od sztuki site-specific po sztukę partycypacyjną. Sztuka zaangażowana – wybrane współczesne teorie i praktyki artystyczne
From site-specific to participatory art. Socially engaged art – an overview of contemporary theories and artistic practices

Autorzy:

Urwanowicz-Rojecka, Eliza

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/952057.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Uniwersytet w Białymstoku. Wydawnictwo Uniwersytetu w Białymstoku

Tematy:

participatory art
site-specific art
socially engaged art

Opis:

Site-specific art has been changing through the years. Firstly, it was connected with its location and directly corresponding with a given site, then critically reconfiguring it. Later it became art that served aesthetic processes in the site, and finally, art that defined the site in a very abstract way (which marked the beginnings of public and community art). Among different paradigms of artistic practices, the latter may take the form of participatory art. Miwon Kwon, Grant Kester and Claire Bishop are considered to be its key theorists. Changes within site-specific practices and their aspiration for a meaningful social context have helped to (re)define the categories of public space, community, and participation. The last of the three has become globally common for artistic practices, without regard for cultural differences, varied political contexts, or issues of funding of this genre of art. Why participatory art is so popular? What kind of impact does it have on the socio-cultural reality? The paper provides an overview of the changes that have taken place within site-specific artistic practices, showing that even a provisionary answer to the above questions cannot be found without an interdisciplinary approach.

Źródło:

Pogranicze. Studia Społeczne; 2015, 26; 31-47
1230-2392

Pojawia się w:

Pogranicze. Studia Społeczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 57.

Tytuł:

Michelangelo Merisi da Caravaggio and multimedia presentations - a marriage of beauty of art and the art of presentation
Michelangelo Merisi da Caravaggio i prezentacje multimedialne - mariaż piękna sztuki i sztuki prezentacji

Autorzy:

Szyłak-Szydłowski, M.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/106374.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Towarzystwo Chemii i Inżynierii Ekologicznej

Tematy:

art
background
Caravaggio
color
multimedia
paintings
presentations
barwa
obrazy
prezentacje
sztuka
tło

Opis:

In this paper, the evolution of the style of Caravaggio had been traced and, focusing on the selected images it had been proved that the methods used by that eminent painter can successfully be applied during the creation of modern, effective multimedia presentations. The strength of Caravaggio was in its simplicity and mundane. For indicated formal measures may be included, inter alia: the elimination of tonally extended second plan and replace it with a dark, uniform background. Caravaggio calmed down composition painting almost monochromatic paintings, which emphasizes the foreground, as well as the keynote message. In the paper it was emphasized that exactly the same objectives should be guided in the creation of multimedia presentations, extracted from unnecessary embellishments that irrupt to the fore dispersing attention. Based on the analysis of selected paintings, in the article, review of procedures associated with the colors of multimedia presentations, extremely important in creating multimedia presentations and highlighting media had been proposed. Several theories related to the psychology of color had been also presented, and also sought to answer the question of why we should not trust psychologists boundlessly.
W artykule, prześledziwszy ewolucję stylu Caravaggio i skupiwszy się na wybranych obrazach, dowiedziono, że metody stosowane przez tego wybitnego malarza z powodzeniem mogą zostać wykorzystane podczas tworzenia współczesnych, efektywnych prezentacji multimedialnych. Napisano, że siła tego wybitnego malarza tkwiła w prostocie i przyziemności. Do wspomnianych środków formalnych zaliczone mogą być między innymi: eliminacja rozbudowanego tonalnie drugiego planu i zastąpienie go ciemnym, jednolitym tłem. Caravaggio „uspokoił” kompozycję, malując niemal monochromatyczne obrazy uwypuklające plan pierwszy, przekaz i myśl przewodnią. W artykule podkreślono, że dokładnie te same cele przyświecać powinny w tworzeniu prezentacji multimedialnych, wyekstrahowanych z ozdobników wdzierających się niepotrzebnie na pierwszy plan, rozpraszając uwagę odbiorcy. Na podstawie analizy wybranych obrazów zaproponowano przegląd zabiegów związanych z kolorystyką w prezentacjach multimedialnych, niezmiernie istotną przy tworzeniu prezentacji multimedialnych i uwypuklaniu przekazu. Przedstawiono tu kilka teorii związanych z psychologią barw, a zarazem starano się odpowiedzieć na pytanie, dlaczego nie należy bezgranicznie ufać psychologom.

Źródło:

Chemistry-Didactics-Ecology-Metrology; 2014, 19, 1-2; 47-57
2084-4506

Pojawia się w:

Chemistry-Didactics-Ecology-Metrology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 58.

Tytuł:

Sztuka – życie – arteterapia. Recenzja książki: Wita Szulc (2021). Arteterapia i życie. Historia osobista. Legnica: Wydawnictwo Państwowej Wyższej Szkoły Zawodowej im. Witelona, ss. 196
Art - Life - Art Therapy. A Review of: Wita Szulc (2021). Arteterapia i życie. Historia osobista. Legnica: Wydawnictwo Państwowej Wyższej Szkoły Zawodowej im. Witelona, ss. 196

Autorzy:

Zarębski, Tomasz
Szymajda, Agnieszka

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2139683.pdf

Data publikacji:

2021-12-21

Wydawca:

Wydawnictwo Naukowe Dolnośląskiej Szkoły Wyższej

Tematy:

arteterapia
kulturoterapia
muzykoterapia
Wita Szulc
art therapy
culture therapy
music therapy

Źródło:

Teraźniejszość – Człowiek – Edukacja; 2021, 23, 2(90); 131-140
1505-8808
2450-3428

Pojawia się w:

Teraźniejszość – Człowiek – Edukacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 59.

Tytuł:

Blask Taboru. Światło ikony. Od bizantyńskiej mozaiki do Andrieja Rublowa
The Taboric Light and the Light of the Icon: From Byzantine Mosaics to Andrei Rublev

Autorzy:

BRĄŻKIEWICZ, Bartłomiej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1046858.pdf

Data publikacji:

2020-01-12

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II

Tematy:

sztuka bizantyńska, sztuka staroruska, Teofanes Grek, Andriej Rublow, hezychazm
Byzantine Art, Old Russian Art, Theophanes the Greek, Andrei Rublev, Hesychasm

Opis:

Ikona, czyli obraz, jest nie tylko dziełem sztuki, lecz przede wszystkim widomym znakiem Boga. Potwierdzają to nawiązujące do teorii estetycznych antycznej Grecji wczesnochrześcijańskie rozważania teologiczne, z objawiającym się człowiekowi bytem transcendentnym łączące kategorię piękna. Wnikliwy ogląd zachowanych zabytków sztuki sakralnej – bizantyńskiej mozaiki i staroruskiego malarstwa ikonowego – pozwala stwierdzić, że zarówno jedne, jak i drugie powstawały pod wpływem monastycznego hezychazmu: pierwsze kształtowane w duchu tradycji egipskich ojców pustyni, drugie zaś poprzez oddziaływanie doktryny św. Grzegorza Palamasa. Przekonanie o możliwości ujrzenia Bożej Światłości w wyniku kontemplacyjnych praktyk ascetycznych znajdowało nie tylko odbicie, lecz również uzasadnienie w przedstawieniu biblijnego Przemienienia. Motyw objawionego na górze Tabor światła symbolizował zewnętrzną względem człowieka światłość, będącą swoistym preludium do uczestnictwa w przebóstwieniu, czyli do wewnętrznej światłości duszy. Uwidoczniony na bizantyńskich mozaikach oraz na ikonach Teofanesa Greka i Andrieja Rublowa temat może być postrzegany nie tyle na poziomie dydaktycznym (jako przekazująca religijne treści ilustracja), ile jako sprzyjające wewnętrznej przemianie źródło modlitewnej zadumy.
The icon, having originally been an image, is not only a piece of art, but above all a visible sign of God. Such an interpretation of the icon was approved in the early Christian theological thought referring to the aesthetic theories of ancient Greece which linked beauty with the essence of the transcendent being revealed to mankind. A thorough overview of Byzantine mosaics and Old Russian iconic paintings, the preserved works of sacred art, shows that both of them developed under the influence of monastic hesychasm, the former shaped in the spirit of the Egyptian desert fathers, the latter formed by the impact of the Palamist doctrine. The belief in the potentiality of seeing God’s Light as a result of contemplative ascetic practices was not only reflected, but also grounded in the biblical narrative of the Transfiguration. The Light revealed at Mount Tabor was the Light coming to humanity from without, which signified a possibility of theosis: obtaining inner Light by the human soul and its resultant divinization. The theme recognized in the Byzantine mosaics, as well as in the icons by Theophanes the Greek and Andrei Rublev, can be seen not so much as the fulfilment of didactic purposes, a plain illustration spreading religious content, but rather as a source of prayerful reflection leading to inner metamorphosis.

Źródło:

Ethos; 2017, 30, 3 (119); 59-74
0860-8024

Pojawia się w:

Ethos

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 60.

Tytuł:

Model logiki logika modelu. Kilka uwag krytycznych na marginesie teorii "sztuki jako sztuki kontekstualnej"
The Model Of Logic And The Logic Of A Model. Some Critical Notes On The Theory Of 'Art As Contextual Art'

Autorzy:

Łukasiewicz, Bartosz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424295.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Tematy:

CONTEMPORARY ART
CONTEXTUAL ART
CONTEXTUALISM
JAN SWIDZINSKI
PERFORMANCE ART

Opis:

The aim of this article is to critically analyse the theory of 'art as contextual art' by Jan Swidzinski. The theory of 'art as contextual art' has not been reconstructed sufficiently in terms of its logical constitution, or its formal assumptions. The area that should be analysed, through the means of logic, becomes analysed per analogiam: that is through searching until we find the simplest and the most obvious comparisons with other contemporary, or past art theories. Swidzinski claims that the logic of the game described by him, is a useful depiction of processes that take place in the reality that surrounds us, whereas the theory of 'art as contextual art' itself contains a set of events referred to as 'the logic of a game'. This text attempts to answer the following question: What do we need to verify the above assertion? (as well as others posted by Swidzinski.) Swidzinski attempts to employ the models outlined in the essay to reveal the conflicts brought on by the misunderstandings of concepts used to describe the worlds we live in. As such, models are inscribed in the long tradition going back to Hegel. They are also present in the writings of Marquard, Habermas, Welsch and Foucault; this is irrespective of the fact that the scopes of their conceptualisation differ within the writings of these writers. The models are the one of many ways in which reality may be encompassed. Their usability is determined by some particular aims. Finally, the models serve for Swidzinski to rationalise the crisis in art. It seems rather obvious that the ability to verify them is periodical – the facts, inasmuch, may both support and refute them. The essay tries to find an answer to a question: what if the categories used by the theory of 'art as contextual art' have the ability to describe reality, but only in relation to the past which is being negated and refuted by them? Doing so, they do not directly determine what the current state is, but what it is not, in relation to what has become to be accepted as such. This is a deductive method and what is more, a negative one (it is defined by negation). In this approach the theory of 'art as contextual art' turns out to be yet another archive, another collection of truths and norms. The worst that we could have done is to treat it as true. It will never be true, it will never be fully refuted, just like in the case of truths, aspiring to the status of righteousness, which will never be verified. Perhaps, what matters here is simply to remember to never accept anything as true by belief or habit. And perhaps persistently refute, verify and redefine those truths.

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2010, 2; 5-25
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 61.

Tytuł:

Ars Electronica 2021 – A New Digital Deal

Autorzy:

Myoo, Sidey

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2154953.pdf

Data publikacji:

2022-09-30

Wydawca:

Akademia Górniczo-Hutnicza im. Stanisława Staszica w Krakowie

Tematy:

media
interaktywność
cyberkultura
Ars Electronica
sztuka nowych mediów
interactivity
cyberculture
new media art

Opis:

Recenzja zawiera informacje dotyczące między innymi nagrodzonych i wyróżnionych prac z zakresu sztuki nowych mediów zaprezentowanych na Ars Electronica – Festiwalu Sztuki, Nauki i Społeczeństwa corocznie organizowanym w Linzu. Festiwal gromadzi tysiące artystów i artystek, interdyscyplinarnych naukowców, teoretyków sztuki i krytyków z całego świata – jest największą tego rodzaju wystawą wraz z konferencyjnymi wystąpieniami, gromadzącą najnowsze przykłady takiej sztuki, jak na przykład sztuka interaktywna, GPS art, bio art, sztuka sztucznej inteligencji i cyborgizacji lub muzyka elektroniczna. Festiwal Ars Electronica to również okazja do spotkań i wymiany poglądów pomiędzy osobami rozwijającymi lub tworzącymi teorię mediów, zainteresowanymi cyberkulturą i sztuką elektroniczną. Prezentowane są tu również najnowsze osiągnięcia techniczne.
The review from Ars Electronica 2021 contains information on awarded and distinguished works of new media art, which are presented at the annual Ars Electronica Festival of Art, Science and Society organized in Linz. The festival gathers thousands of artists, interdisciplinary scientists, art theorists and critics from all over the world – it is the largest exhibition of this kind with conference presentations, gathering the latest examples of such art, for example as interactive art, GPS art, bio art, art of artificial intelligence and cyborgization or electronic music. The Ars Electronica Festival is also an opportunity to meet and exchange views between people developing or creating media theory, interested in cyberculture and electronic art. The latest technical developments are also presented here.

Źródło:

Studia Humanistyczne AGH; 2022, 21, 3; 77-84
2084-3364

Pojawia się w:

Studia Humanistyczne AGH

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 62.

Tytuł:

Performatywny charakter estetyki

Autorzy:

Dziamski, Grzegorz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487587.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Tematy:

AESTHETICS
AESTHETICS OF POPULAR ART
AESTHETIC EXPERIENCE, ARTISTIC VALUES
AESTHETIC VALUES
FINE ARTS
INSTITUTIONAL ART
AESTHETIC ART
DEFINING ART
ABSOLUTE ART
ANTI-ART
ESTETYKA
ESTETYKA SZTUKI POPULARNEJ
DOŚWIADCZENIE ESTETYCZNE
WARTOŚCI ARTYSTYCZNE
WARTOŚCI ESTETYCZNE SZTUKI PIĘKNE
SZTUKA INSTYTUCJONALNA
SZTUKA ESTETYCZNA
DEFINIOWANIE SZTUKI
SZTUKA ABSOLUTNA
ANTYSZTUKA

Opis:

The performative character of aesthetics Many lecturers of aesthetics feel that the subject of their lectures is not necessarily aesthetics, but history of aesthetics, the aesthetic views of Plato and Aristotle, Kant and Hegel, Hume and Burke, the British philoso- phers of taste and German romanticists. Does that mean that aesthetics feeds on its own past, is nurtured by reinterpretations of its classics, defends concepts and categories that inspire no one and do not open new cognitive perspectives? Does it mean that aesthetics is dead today, like Latin or Sanskrit, while its vision of art and beauty is outdated, invalid and totally useless? Aesthetics is a polysemous concept, which has never been sufficient- ly defined. It can determine a way of perceiving and experiencing the world that is specific for a given community, in other words, taste, yet it can also mean certain countries’ or regions’ contribution to aesthetic thought, to the aesthetic self-knowledge of man. Thus its dimension is practical, cultural and philosophical. Today aesthetics faces new challenges that it has to live up to; its ma- jor tasks include the defence of popular art, polishing the concept of aes- thetic experience, aestheticization of everyday life and de-aestheticiza- tion of art, transcultural aesthetics and its approach to national cultures. In the book “Aesthetics: the Big Questions” (1998) Carolyn Korsmeyer reduces the main issues of contemporary aesthetics to six questions. The first question, old but valid, is a question about the definition of art. What is art? Nowadays everything can be art because art has shed all limita- tions, even the limitations of its own definition, and has gained absolute freedom. It has become absolute, as Boris Groys says. It has become absolute, because it has made anti-art a full-fledged part of art, and it has not been possible either to question or negate art since, as even the negation of 50 Grzegorz Dziamski art is art, legitimized by a more than 100 year long tradition, going back to the first ready-made by Marcel Duchamp in 1913. Today making art can be art and not making art can be art, as well, art is art and anti-art is art. The old question: “What is art?” loses its sense, and so does Nel- son Goodman’s question: “When art?”. When does something become art? These questions are substituted by new ones: “What is art for you?”, “What do you expect from art?”. There can be a lot of answers, because defining art has a performative character. Louise Bourgeois has ex- pressed the performative character of defining art in an even better way: “Art is whatever we believe to be art”. And for some reasons, which we do not fully realize ourselves, we want to make others share our belief. The text in an introduction to a new book on contemporary aesthetics by Grzegorz Dziamski.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2018, 26; 32-50
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 63.

Tytuł:

Czy street art jest sztuką społeczną? Kulturotwórczy i obywatelski sens sztuki ulicznej w perspektywie koncepcji społecznych enklaw
Is street art a social art? Cultural and civil aspects of street art from the perspective of the concept of social enclaves

Autorzy:

Niziołek, Katarzyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/952051.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Uniwersytet w Białymstoku. Wydawnictwo Uniwersytetu w Białymstoku

Tematy:

civil society
social art
social enclaves
street art

Opis:

In spite of its apparently growing popularity, street art still remains largely unexplored both in its aesthetic, and social dimension. The article is an attempt to capture the hybrid socio-artistic sense of this global phenomenon with the use of the concept of social enclaves. For that purpose, the authoress looks into its relation to the art world, on one hand, and civil society, on the other. She shortly presents the origins of street art, as well as its artistic repertoire and social reception. She provides an insight into the present-day processes of its institutionalization and commercialization, which, however, do not seem to weaken the street artists’ primary motivation for bringing changes in their aesthetic and social surrounding. Also some other features of street art, such as: anti-elitism, grassroots and dialogical quality, not infrequently – participation, and above all – attachment to civil values, allow her to classify this practice as social art, that is art with a public-good aim.

Źródło:

Pogranicze. Studia Społeczne; 2015, 26; 49-73
1230-2392

Pojawia się w:

Pogranicze. Studia Społeczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 64.

Tytuł:

Zespół witraży w kościele parafialnym w Mszance koło Gorlic. Przyczynek do dziejów witrażownictwa krakowskiego 2. ćwierci XX wieku

Autorzy:

Laskowski, Andrzej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/669621.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Uniwersytet Papieski Jana Pawła II w Krakowie

Tematy:

Stained glass art, 20th-century art, Jan Kusiak, Maksymilian Romańczyk, Teodor Zajdzikowski, S. G. Żeleński, Kraków

Opis:

Windows in the parish church of the Holy Apostles Peter and Paul in Mszanka near Gorlice, which supplements the architecture of the church built in 1938–1940 following the design of Edward Okoń, an architect from Tarnów, comprises 12 stained glass: two figural in the chancel, eight geometrical with medallions in the nave and transept, and two with monograms on both sides of the main entrance. Although plain in the artistic sense, and in the case of the figural ones – mediocre, these stained glass successfully complement the bright and orderly interior of the parish church. The inscriptions on two panels and existing archival sources inform us that the windows were created in 1938 in the Kraków workshop of Maksymilian Romańczyk. The archival documents describe the entire investment process leading to their creation and their repair which was necessary due to their deficient construction. This task was undertaken in 1949 by the renowned Kraków Stained Glass Company S. G. Żeleński, which is also described in detail in the historical records.Stained glass and primarily the archival materials preserved in Mszanka are excellent sources of many valuable details on stained glass workmanship in Poland in the second quarter of the 20th century, the division of tasks within stained glass workshops, the involvement of the clients, and on projects that the above-mentioned workshops were working on concurrently at that time – information which was previously unknown. In turn, the preserved company letterhead authorised with the original stamps provides useful information on the functioning of these types of workshops, their products and achievements. In quite a distinct manner, the letterhead also tells us a little about the history of the workshops.The above example confirms that works of art or archival material stored until this day in locations outside urban areas can valuably supplement and sometimes even alter our knowledge of stained glass art in Poland.

Źródło:

Analecta Cracoviensia; 2013, 45
2391-6842
0209-0864

Pojawia się w:

Analecta Cracoviensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 65.

Tytuł:

„Nie tylko art déco” Sztuka witrażowa w okresie międzywojennym Konferencja międzynarodowa, Rzeszów, 6-8 października 2011 r.
“More than art déco” The art of stained glass in the interwar period International conference, Rzeszów, 6-8 october 2011

Autorzy:

Laskowski, Andrzej

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/537633.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Narodowy Instytut Dziedzictwa

Tematy:

sztuka witrażowa
witraże
Stowarzyszenie Miłośników Witraży
konferencja Rzeszów
Nie tylko art déco

Opis:

On 6-8 October 2011, the 7th international conference on the art of stained glass was held in Rzeszów, organised once again by the “Ars Vitrea Polona” Association of Stained Glass Enthusiasts, this time in cooperation with the Centre for Contemporary Sacred Art Documentation at the Faculty of Art of the University of Rzeszów. The main theme was the art of stained glass of the interwar period. A very interesting, varied picture of Polish stained glass craft of the time emerged from nearly 30 papers presented on the topic. It confirmed the rightness of the thesis put forward in the conference’s title that back then, the Art Déco style was just one of the numerous variants of the Polish stained glass art, situated somewhere halfway between the most conservative and the most avant-garde tendencies and widely accepted by the audience of the time. The meeting in Rzeszów gathered a representative group of Polish stained glass scholars and experts (mainly from Kraków, Katowice and Wrocław), speakers from Lviv and Chicago and a few participants who have only just started their research in the field. During the conference, several theoretical and synthesis papers were presented, as well as – in most cases – papers contributing to further research, discussing selected examples of stained glass art, designers and workshops. The prevailing subjects centred around the Upper and Lower Silesia regions and south-eastern Poland, and works from the areas of Greater Poland and Pomerania were mentioned on occasion. The proceedings, held in the building of the University of Rzeszów Library, were accompanied by an exhibition in the local Art Exhibitions Bureau, entitled In statu nascendi visum and dedicated to Kraków’s stained glass artists of the second half of the 20th century, as well as a tour of places connected with the sacred stained glass art of Rzeszów and Łańcut, organised on the third day of the conference. The conference also provided an opportunity to promote new publications by its co-organisers: a book published by the Association, Witraże secesyjne. Tendencje i motywy (Art Nouveau Stained Glass. Tendencies and Motifs) (the outcome of the previous session on stained glass, held in 2009 in Łódź), and the 3rd issue of the Sacrum et Decorum academic journal of the 19th– and 20th–century sacred art, prepared by the Centre.

Źródło:

Ochrona Zabytków; 2010, 1-4; 295-300
0029-8247

Pojawia się w:

Ochrona Zabytków

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 66.

Tytuł:

Between Practice and Theory. Comments on the Specificity of Art History and Art Education in Poland and Ukraine
Między praktyką a teorią. Uwagi o edukacji artystycznej i z zakresu historii sztuki w polsce i na Ukrainie

Autorzy:

Gryglewski, Piotr
Chernyshev, Denys
Kashchenko, Oleksandr
Shilo, Alexander
Ivashko, Yuliа
Dmytrenko, Andrii
Ivashko, Oleksandr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2041826.pdf

Data publikacji:

2021-11-25

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

art theory
artistic education
teaching methodology
history of art
Łódź
Kiev
teoria sztuki
edukacja artystyczna
metodologia nauczania
historia sztuki
Kijów

Opis:

Changes taking place in the area of artistic practice happen in parallel with transformations in the social area. Artistic and architectural activity coexists with theoretical reflection in the field of art. Changes of this kind also translate into assumptions that guide research in the area of art history. Contemporary art is characterized by dynamic changes and re-evaluations, in which practice and theory are intertwined. The nature of these phenomena is also a challenge on the level of academic education dealing with the subject of art, architecture and art history. The specificity of the analyzed phenomena makes it necessary to combine theoretical knowledge with broadly understood practice in this process. The aesthetic premises of contemporary art are widely used in the process of artistic education. An example of this can be activities undertaken by the Kiev National University of Construction and Architecture (KNUCA). Successive lecturers at this university have consistently combined theory with creative practice in the educational process. These premises have found application in architectural design that uses plastic elements. The ties between theory and practice are also inherently inscribed in the history of the history of art department at the University of Lodz. It was largely influenced by the specificity of Łódź as an artistic center in which, very early, before World War II, there was an interest in modern art at the level of theory, practice and museology. This attitude was also close to the academic activity of prof. G. Sztabiński who successfully combined in-depth aesthetic and theoretical reflections with the experiences of an artistic practitioner
Przemiany zachodzące w obszarze praktyki artystycznej dokonują się równolegle z przekształceniami w obszarze społecznym. Plastyczna i architektoniczna aktywność współistnieje z refleksją teoretyczną z zakresu sztuki. Zmiany tego rodzaju przekładają się również na założenia jakimi kierują się badania z obszarów historii sztuki. Współczesna sztuka charakteryzuje się dynamicznymi przemianami i przewartościowaniami, w których przeplata się praktyka i teoria. Charakter tych zjawisk jest wyzwaniem również na poziomie edukacji akademickiej podejmującej tematykę sztuki, architektury czy historii sztuki. Specyfika analizowanych zjawisk wpływa na konieczność łączenia w tym procesie wiedzy teoretycznej z szeroko pojmowaną praktyką. Estetyczne założenia sztuki współczesnej są szeroko wykorzystywane w procesie edukacji artystycznej. Przykładem tego mogą być działania podejmowane w ramach Kijowskiego Narodowego Uniwersytetu Budownictwa i Architektury (KNUCA, Kyiv Civil Engineering Institute). Kolejni wykładowcy tej uczelni konsekwentnie w procesie edukacyjnym łączyli założenia teoretyczne z praktyką twórczą. Założenia te znalazły zastosowanie w projektowaniu architektonicznym, wykorzystującym elementy plastyczne. Związki teorii i praktyki są immanentnie wpisane również w dzieje historii sztuki na Uniwersytecie Łódzkim. Duży wpływ na to miała specyfika łódzkiego ośrodka, w którym bardzo wcześnie, już przed II wojną światową, pojawiło się zainteresowanie sztuka nowoczesną, na poziomie teorii, praktyki i muzealnictwa. Taka postawa była też bliska aktywności akademickiej prof. G. Sztabińskiego, który pogłębione refleksje estetyczno-teoretyczne w udany sposób łączy z doświadczeniami artysty praktyka.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2021, 23; 168-190
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 67.

Tytuł:

Ruch galeryjny w Polsce. Zarys historyczny. Od lat sześćdziesiątych poprzez galerie konceptualne lat siedemdziesiątych po ich konsekwencje w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych
The Art Gallery Movement in Poland. A Historical Outline. From the Sixties, Through the Conceptual Galleries of the Seventies, Until Their Consequences in the Eighties and the Nineties

Autorzy:

Guzek, Lukasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424263.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Tematy:

conceptual art
conceptual gallery
conceptual galleries movement
art gallery movemet conceptual art in Poland
art of 70s

Opis:

The gallery movement was in fact an art institution in Poland. The movement created its own art world based on the principles of self-organisation and self-study. People who participated in it were artists, art professionals and art lovers, altogether so called ‘conducive people’. Around each of such institutions its circles emerged – communities that co-operated with each other within the town, the country or internationally. This is how the network of personal ties as well as artistic influences appeared. A formal-artistic feature of the movement was the great number of various action art forms or, more broadly – art based on the present-ness. The history of the movement embraces half a century of contemporary Polish art. It starts just after Stalinist times. In 1956 in Krakow there emerged the Krzysztofory Gallery founded by the Grupa Krakowska [Krakow Group] Association, that directly continued the tradition of the pre-war avant-garde. The development of the movement in the seventies was especially dynamic, forming a conceptual art decade during when the conceptual galleries movement emerged. The expansion of the definition of art by the conceptual art movement allowedfor the making of a gallery to be as significant as making art. That period was ended by the imposition of martial law on December 13th, 1981. In those extremely unfavourable conditions the gallery movement and art communities showed their strength. After the total elimination of art in the public sphere, the world of art revived quickly and relocated into the private sphere – private studios and apartments. The art community in Łódź, where the tradition of selforganisation was especially strong, was able to organise the movement throughout the whole country. It was later called the “Pitch-in Culture”. After 1989 and the fall of communism, first in Poland and then in the whole of Eastern Europe, the new social and political conditions caused changes in the way the art world began to be organised.

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2012, 7; 13-30
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 68.

Tytuł:

Neoawangarda, wprowadzenie do sztuki współczesnej
Neo-avantguard: Introduction to Contemporary Art

Autorzy:

Dziamski, Grzegorz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487681.pdf

Data publikacji:

2011

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Opis:

Frank Popper believes that neo-avantguard of the 1960’s and the 1970’s contributed to democratization of art. Jerzy Ludwiński believes that neo-avantguard led art into post-artistic era, in which art ceased to be visually different from non-art. Both writers tried to reveal logic hidden in the changes in neo-avantguard, based on their assumption that the changes in neo-avantguard include meta-narration. When art gave up meta-narration, every thing could be considered as art. Art became absolute, total, arbitrary and it established its own borderlines and forms, because it included its own contradiction – non-art and anti-art. What does it mean, that art is now in post-historic era? Doesn’t it need explanatory meta-narration? What should be a reflection on art in posthistoric era?

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2011, 12; 6-30
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 69.

Tytuł:

Andrzej Biernaczyk: Zarys problematyki czynności operacyjnych realizowanych w trybie art. 19, 19a, 19b ustawy z dnia 6 kwietnia 1990 r. o Policji, (w:) Praktyczne elementy zwalczania przestępczości zorganizowanej i terroryzmu Nowoczesne technologie i prac

Autorzy:

Warykiewicz, Tomasz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/666538.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego

Opis:

Problematyka szczególnych, operacyjnych uprawnień Policji, opisanych w art. art. 19, 19a i 19b, stanowi interesujący poznawczo obszar w dyskusji na temat praktycznych i legalnych aspektów stosowania tychże uprawnień przez Policję. Zagadnienie to nie traci na aktualności w świetle wzrastających zagrożeń między innymi terroryzmem. Stosowanie wskazanych ustawą narzędzi w demokratycznym państwie prawnym wzbudza dyskusję wokół możliwości i potrzeb ograniczania praw i swobód obywatelskich na rzecz sprawnego przeciwdziałania zagrożeniom dla bezpieczeństwa obywateli.

Źródło:

Studia Politicae Universitatis Silesiensis; 2016, 17
1895-3492
2353-9747

Pojawia się w:

Studia Politicae Universitatis Silesiensis

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 70.

Tytuł:

O koncepcjach prymitywizmu, sztuki ludowej i twórczości dziecięcej w pismach Stefana Szumana
On the notion of the primitive, folk art and children’s art in the writings of Stefan Szuman

Autorzy:

Juszkiewicz, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2034017.pdf

Data publikacji:

2021-12-08

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

primitive art
children’s art
folk art
Stefan Szuman
personalistic pedagogy
sztuka prymitywna
sztuka dziecka
sztuka ludowa
pedagogika personalistyczna

Opis:

Artykuł poświęcony jest koncepcjom estetycznym polskiego filozofa i teoretyka pedagogiki, Stefana Szumana (1898–1972). Jego zainteresowanie twórczością dziecka i sztuką ludową wpisuje się w szeroki w kulturze europejskiej początków XX w. zwrot ku „prymitywowi”, będący pochodną tyleż krytycznej oceny procesów modernizacyjnych i regeneracyjnych tęsknot, co ówczesnych badań antropologicznych nad strukturą społeczeństw pierwotnych i ich twórczością. Podobnie jak Franz Boas, który w swej teorii sztuki prymitywnej odrzucił model ewolucjonistyczny i utożsamienie „prymitywu” z niższym stadium rozwoju, Szuman podkreślał swoistość twórczości dziecięcej i sztuki ludowej. Nawiązując do etnologa neoewolucjonisty Maxa Richarda Verworna (pojęcie „ideoplastyki”) i do psychologicznych hipotez Jeana Piageta, w sztuce dziecka widział związek z organicznym rozwojem zdolności poznawczych i potrzebą ich uzewnętrzniania. Proponowana przez Szumana koncepcja wychowania przez sztukę, zakładająca nie tyle gotowy program kształcenia, co wspomaganie indywidualnego rozwoju uczniów, stała się częścią silnego w polskiej tradycji nurtu pedagogiki personalistycznej, reprezentowanej m.in. przez Henryka Rowida, Janusza Korczaka czy Antoniego Kenara.
The article is devoted to the aesthetic concepts of the Polish philosopher and pedagogical theorist, Stefan Szuman (1898-1972). Szuman’s interest in the work of children and folk art was in line with the shift towards the “primitive” in European culture at the beginning of the 20th century, which resulted from the critical assessment of the processes of modernization and longings for regeneration, as well as from the anthropological research on the structure of primitive societies and their creativity. Like Franz Boas, who in his theory of primitive art rejected the evolutionist model and the identification of “primitive” with a lower stage of development, Szuman emphasized the specificity of children’s creativity and folk art. Referring to the neo-evolutionist ethnologist Max Richard Verworn (the concept of “ideoplastic”) and to the psychological hypotheses od Jean Piaget, Szuman saw in the art of children a connection with the organic development of cognitive abilities and the need to externalize them. The concept of education through art proposed by Szuman, which assumed not so much a ready curriculum as supporting the development of students, has become a part of the trend of personalistic pedagogy, represented in Poland among others by Henryk Rowid, Janusz Korczak and Antoni Kenar.

Źródło:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Philosophica. Ethica – Aesthetica – Practica; 2021, 39; 11-22
0208-6107
2353-9631

Pojawia się w:

Acta Universitatis Lodziensis. Folia Philosophica. Ethica – Aesthetica – Practica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 71.

Tytuł:

Artystki śląskie czy na Śląsku? Wystawa Sztuka kobiet - kobiety w sztuce w Muzeum Śląskim w Katowicach
Silesian women artists or women artists in Silesia? Exhibition Women’s art - women in art in the Silesian Museum in Katowice

Autorzy:

Stanicka-Brzezicka, Ksenia
Jarmuł, Katarzyna
Szeligowska-Farquhar, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424299.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2016, 15; 134-141
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 72.

Tytuł:

„Sztuka dla sztuki” czy „sztuka dla narodu”? Działalność artystyczna, krytycznoliteracka oraz wydawnicza Iwana Trusza wobec wyzwań ukraińskiego życia społecznego w Galicji na przełomie XIX i XX wieku
“Art for the art’s sake” or “art for the nation”? Iwan Trusz’s artistic, critical literary and publishing activity against the challenges of Ukrainian social life in Galicia at the turn of the 19th and 20th centuries

Autorzy:

Neszew, Vira

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/40615046.pdf

Data publikacji:

2023-12-30

Wydawca:

Uniwersytet Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie

Tematy:

Iwan Trusz
Galicja
modernizm
polsko‑ukraińskie kontakty artystyczne na przełomie XIX i XX wieku
Galicia
modernism
Polish-Ukrainian artistic relations at the turn of the 19th and 20th centuries

Opis:

The article is an attempt at reconstructing the artistic and critical literary activity of a Ukrainian painter Iwan Trusz, who noticed a great need of the Ukrainian society to cultivate and develop national art. The Ukrainian artist also contributed to the development of Polish art of that period, as he was highly estimated among Polish intellectuals and took an active part in Polish and Ukrainian cultural enterprises that took place in Lviv at the turn of the 19th and 20th centuries. The experience which Trusz gained during his education in the Cracow Academy of Fine Arts, as well as his direct contact with distinguished Polish painters (e.g. Leon Wyczółkowski, Jan Stanisławski) evoked in the painter a great need to take care of the enrichment of contemporary Ukrainian art and to raise the awareness of Galician Ukrainians about the effect which art has on the formation of every nation. Looking at the activity of Trusz‑an artist or Trusz‑an art critic from the perspective of the 21st century, makes it possible to find the answers to some key questions: “Should national art be promoted?”, “How to educate society through art?” and “What is the role of an artist during the formation of an independent nation?”

Źródło:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria; 2023, 23; 73-93
2081-1853

Pojawia się w:

Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia Historicolitteraria

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 73.

Tytuł:

Problematyka zbiegu art. 242 § 1 k.k.z art. 338 i art. 339 k.k.= The issue of concurrence of Article 242 § 1 of the Criminal Code with the paragraphs of Article 338 and Article 339 of the Criminal Code

Autorzy:

Poniatowski, Piotr

Powiązania:

Wojskowy Przegląd Prawniczy 2019, nr 4, s. 93-105

Data publikacji:

2019

Tematy:

Prawo karne
Prawo wojskowe
Ucieczki więźniów
Zbieg przepisów ustawy
Żołnierze
Artykuł problemowy
Artykuł z czasopisma naukowego
Artykuł z czasopisma prawniczego

Dostawca treści:

Bibliografia CBW

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 74.

Tytuł:

The Return of the Silenced: Aboriginal Art as a Flagship of New Australian Identity

Autorzy:

Wilczyńska, Elżbieta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/888770.pdf

Data publikacji:

2019

Wydawca:

Uniwersytet Warszawski. Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego

Tematy:

Australia
Aboriginal art
national identity
multiculturalism
colonel painters
cross-cultural cooperation

Opis:

The paper examines the presence of Aboriginal art, its contact with colonial and federation Australian art to prove that silencing of this art from the official identity narrative and art histories also served elimination of Aboriginal people from national and identity discourse. It posits then that the recently observed acceptance and popularity as well as incorporation of Aboriginal art into the national Australian art and art histories of Australian art may be interpreted as a sign of indigenizing state nationalism and multicultural national identity of Australia in compliance with the definition of identity according to Anthony B. Smith.

Źródło:

Anglica. An International Journal of English Studies; 2019, 28/3; 71-84
0860-5734

Pojawia się w:

Anglica. An International Journal of English Studies

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 75.

Tytuł:

Region Karkonoszy - jego sztuka i tożsamość we współczesnej historii sztuki.
The region of the Karkonosze Mountains – its art and identity in modern art history.

Autorzy:

Rome-Dzida, Agata

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/560250.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Uniwersytet Wrocławski. Instytut Historii Sztuki

Tematy:

Karkonosze
Szklarska Poręba

Opis:

The text focuses on methodological problems common among contemporary studies of art of artists’ colonies in the Karkonosze Mountains. It also points potential possibilities of formulating them again. The stylistic and comparative analysis is to be replaced with a deconstruction of category of genius loci proposed by Piotr Piotrowski and the employment of Jan Bialostocki’s category of ‘periphery’. The change of paradigm may in a significant way redefine the way of perceiving art created at the turn of the 19th century. The role of this art should not be identified with the outcome of progressive tendencies of European centers but become an important voice in defining the cultural identity of the country.

Źródło:

Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego; 2010, 2(16); 55-65
1896-4133

Pojawia się w:

Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 76.

Tytuł:

Sztuka cierpienia – sztuka umierania. Sytuacje graniczne jako szansa „przekroczenia progu nadziei”
The Art of Suffering – the Art of Dying. Terminal Situations as a Chance for “Trespassing of the Threshold of Hope”

Autorzy:

Pater, Dariusz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2036071.pdf

Data publikacji:

2015-06-30

Wydawca:

Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie

Źródło:

Collectanea Theologica; 2015, 85, 2; 133-150
0137-6985
2720-1481

Pojawia się w:

Collectanea Theologica

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 77.

Tytuł:

Gry i zabawy sztuki współczesnej. Świat sztuki - świat na opak
Games and Plays of Contemporary Art

Autorzy:

Możdżyński, Paweł

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487643.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Opis:

Możdżyński in his analysis of contemporary visual arts uses Johan Huizinga’s theory of a play, and his idea, that a play is a source of human culture. The text begins from recalling Pierre Bourdieu’s theory of field of art. According to this perspective contemporary art is “inverted world”, process of creativity and artistic way of life is a play. In the next parts of this paper the author presents ludic aspects of 20th and 21st visual arts describing selected collages, assemblages, actions, installations, ar t out of the gallery (earth art, site-speciffic art, land art), and body art. In the last part of essay Możdżyński analyses contemporary art in the context of the postmodern culture of“never-ending carnival”.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2012, 13-14; 138-156
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 78.

Tytuł:

Neuropsychologia sztuki wizualnej. Od diagnozy dzieła do diagnozy artysty
Neuropsychology of Visual Art. From the Work of Art Diagnosis to the Diagnosis of the Artist

Autorzy:

Markiewicz, Piotr

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/952104.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Uniwersytet Warmińsko-Mazurski w Olsztynie

Tematy:

neuropsychologia
mózg
sztuka wizualna
udar naczyniowy mózgu
otępienie
neuropsychology
brain
visual art
cerebrovascular accident
dementia

Opis:

Uszkodzenie mózgowia o różnej etiologii wiąże się często z następczą zmianą zdolności poznawczych, emocjonalnych i motorycznych. Dotyczy to także osób zajmujących się bardziej lub mniej profesjonalnie tworzeniem dzieł artystycznych. W związku z tym powstaje pytanie o charakter zmian w stylu artystycznym po epizodzie neurologicznym oraz neuronalne korelaty takich zmian. Neuropsychologia jest jedną z dyscyplin zajmujących się empiryczną analizą zmian artystycznych po epizodzie neurologicznym. Jak dotąd nie wypracowano spójnego modelu badań neuropsychologicznych w tym zakresie, dominują subiektywne analizy zmian artystycznych, zaś tematyka badawcza jest znacznie rozproszona. Nie ma też zadowalających odpowiedzi na fundamentalne pytania dotyczące relacji pomiędzy uszkodzonym mózgiem i zachowaniami artystycznymi. W artykule przedstawiono najpierw krytyczną analizę „koncepcji medycznej”, zgodnie z którą samo dzieło artystyczne pozwala na diagnozowanie form patologii. Następnie podejęto próbę ustalenia względnie jednolitej i adekwatnej metodologii badań zmian artystycznych po epizodzie neurologicznym. Dodatkowo przedstawiono zarys aktualnych kluczowych tendencji badawczych i wyników neuropsychologii sztuki wizualnej. Ponadto krytycznej ocenie poddano modelowe badanie określające nasilenie i zakres zmian artystycznych po uszkodzeniu mózgowia.
CNS lesions of different etiologies are often associated with following changes in cognitive, emotional and motor skills. This also refers to individuals involved in creating works of art, either vocationally or as non-professional activity. This implies the question of the nature of changes of artistic style after a neurologic episode and neuronal correlates of these changes. Neuropsychology is one of disciplines among these concerned with the empirical study of changes in artistic style after a neurologic episode. No coherent neuropsychological paradigm enabling the assessment of artistic expression change following brain injury has evolved. Subjective analyses of the artistic changes predominate. This research area remains rather vague. There are no satisfactory reflections over essential questions regarding the nature of relationship between damaged brain and artistic behaviors. This article presents a critical analysis of the “medical conception” which states that a single piece of art allows the diagnosis of any pathology, e.g. brain pathology. Also, a relatively consistent and pertinent research methodology in the assessment of changes in artistic style after brain injury, is proposed. Finally, a review of current key research trends, results of studies in the neuropsychology of visual art are accompanied by the critical analysis of a standard study design evaluating the quantitative and qualitative aspects of changes in the artistic style following CNS damage.

Źródło:

Humanistyka i Przyrodoznawstwo; 2017, 23; 131-167
1234-4087

Pojawia się w:

Humanistyka i Przyrodoznawstwo

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 79.

Tytuł:

Rzeczy stają się sztuką-rzeczy tworzą sztukę. O zachowaniu upartych obiektów

Autorzy:

Dietmar Rübel, Dietmar

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/909483.pdf

Data publikacji:

2019-05-07

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Materiality
work of art
art object
thing
Andreas Slonimski

Opis:

Translation into Polish of a text, originally published in German, by the German scholar Dietmar Rübel. He analyzes and theorizes issues related to materiality of an art work and art object in contemporary art. His account is an important voice in the recently topical debate in the humanities on the materiality or “thingness” of artworks, sometimes described as the “material turn”.

Źródło:

Artium Quaestiones; 2018, 29; 229-257
0239-202X

Pojawia się w:

Artium Quaestiones

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 80.

Tytuł:

Ogrody Keplera – Ars Electronica 2020
Kepler’s Gardens – Ars Electronica 2020

Autorzy:

Myoo, Sidey

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1955289.pdf

Data publikacji:

2021-06-15

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

Festival Ars Electronica
new media art
contemporary art
interactive media
electronic image
virtuality

Opis:

The article presents the content shown at the “Festival of Art, Science and Society - Ars Electronica 2020”, which is organized annually in Linz. The focus was on the awarded and distinguished artistic works, taking into account their interpretation and the workshop in which they were created. In the article are presented i.a. such works of art as computer animation, network art, artificial intelligence art, hybrid art or bioart, which was briefly interpreted in relation to the currently being developed technologies and social contexts that accompanies it. The text was written as a result of the author’s personal participation in the festival, which also allowed to take into account the differences between the festival held mostly by web, as it was in 2020, compared to the stationary participation in it, as it was in previous years.

Źródło:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2021, 29, 38; 283-287
1731-450X

Pojawia się w:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 81.

Tytuł:

Zofia Ernst (1918–1994): l’arte di vivere, l’arte di tradurre.
Zofia Ernst (1918–1994): the Art of Life and the Art of Translation

Autorzy:

Biernacka-Licznar, Katarzyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/446450.pdf

Data publikacji:

2017

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

Zofia Ernstl
children’s literature
translation histories
topobiography
Nasza Księgarnia
Zofia Ernst
letteratura italiana per l’infanzia
storia di traduzione
topobiografia

Opis:

The aim in this article is to present the life and work of Zofia Ernst (1918–1994), an ardent connoisseur of Italian culture and literature and an accomplished translator of Italian books for adults and children. Drawing on D’hulst’s historiographic model (2001, 2010) and Kaczmarek’s topobiographical approach (2013), I address key moments in Ernst’s life. The focus on the life story of this one translator helps me outline the milieu in which she lived and worked as well as show her impact on how the representations of Italian literature took shape in Poland before 1994. I also explore translations of Italian literature for children and young adults that Zofia Ernst produced for the Polish publisher Nasza Księgarnia during the period of 1954–1974, as they still form an under-examined field.
L’obiettivo dell’articolo è quello di presentare la figura di Zofia Ernst (1918–1994), amante della cultura e della letteratura della Penisola Appenninica, e nota traduttrice della letteratura italiana per adulti e per ragazzi. Avvalendomi del modello storiografico di D’hulst (2001, 2010) e dell’approccio topobiografico di Kaczmarek (2013), analizzo i momenti chiave della biografia di Zofia Ernst. Uno studio attento della vita di una traduttrice ha permesso di descrivere l’ambiente in cui visse e lavorò, come pure di delineare il suo impatto sull’immagine della letteratura italiana in Polonia entro il 1994. Infine, mi sono concentrata sulle traduzioni della letteratura italiana per l’infanzia e l’adolescenza, preparate da Zofia Ernst negli anni 1954–1974 per la casa editrice Nasza Księgarnia, finora non studiate in maniera approfondita.

Źródło:

Italica Wratislaviensia; 2017, 8.2; 11-36
2084-4514

Pojawia się w:

Italica Wratislaviensia

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 82.

Tytuł:

Jaka piękna katastrofa
What a beautiful catastrophe

Autorzy:

Mormul, Jowita

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/487776.pdf

Data publikacji:

2017-10-09

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu

Tematy:

Death
art
tragedy
sensation
populariza
Śmierć
sztuka
tragedia
sensacja
popularyzacj

Opis:

Jowita Mormul What a beautiful catastrophe Tragic human death is nowadays commonplace in the news media, on the Internet, advertising and in the arts. Art-pieces on post-mortal, sepulchral and sacral subjects and war include the elements of death in creative discourse. Massively reproduced photography and film reproduce images related to death and violence, which are perceived both in the context of information and art. Art-pieces in galleries and different collections contribute to the fact that death begins to fall under market law and functions as commodities. Based on selected phenomena in art, history and media communication, Mormul analyzes the mechanisms that cause the popularity of death related themes and the associated sensation to be the inspiration for artists.

Źródło:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2017, 23; 102-125
1733-1528

Pojawia się w:

DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 83.

Tytuł:

Plant growth promoting properties of Serratia fonticola ART-8 and Pseudomonas putida ART-9 and their effect on the growth of spring wheat (Triticum aestivum L.)

Autorzy:

Przemieniecki, S. W.
Kurowski, T. P.
Kotlarz, K.
Krawczyk, K.
Damszel, M.
Karwowska, A.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/363300.pdf

Data publikacji:

2016

Wydawca:

Uniwersytet Warmińsko-Mazurski w Olsztynie

Tematy:

Fusarium
plant growth promoting bacteria
Pseudomonas putida
Serratia fonticola
spring wheat

Opis:

Two bacterial strains, Serratia fonticola ART-8 and Pseudomonas putida ART-9, were isolated from soil sown with rye in a monoculture. Although the S. fonticola strain produced more chitinase than the P. putida strain, P. putida produced more cellulase, lipase, HCN, and fluorescent siderophores. P. putida also solubilized more phosphate, and was the only strain to produce pyoverdine. Neither bacteria produced indoleacetic acid (IAA), nor did they produce siderophores on the CAS medium. Neither of the strains was highly effective at inhibiting Fusarium culmorum (~5%) or F. oxysporum (~24%). Wheat plants inoculated with these bacterial strains had higher (5.7-10.0%) thousand kernel weight and there appeared to be a positive association between thousand kernel weight and ear length.

Źródło:

Environmental Biotechnology; 2016, 12, 2; 35-39
1734-4964

Pojawia się w:

Environmental Biotechnology

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 84.

Tytuł:

Historia sztuki w dobie globalizacji - IV Środkowoeuropejskie Forum Doktorantów Historii Sztuki. Wrocław, 5-8 listopada 2009 roku.
Report on the International Scientific Conference – the 4th Forum of Doctoral Students of Art History entitled ‘Art History in the Age of Globalisation. Wrocław, 5-8 November 2009

Autorzy:

Kaluch-Tabisz, Marta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/560082.pdf

Data publikacji:

2010

Wydawca:

Uniwersytet Wrocławski. Instytut Historii Sztuki

Opis:

On 5-8 November 2009 the 4th Central-European Forum of Doctoral Students of Art History entitled Art History in the Age of Globalisation took place at the seat of the Institute of Art History at the University of Wrocław. Of all the papers sent in for the conference forty-five texts were chosen, including thirty-eight papers from Poland and seven from abroad. Their topics concerned methodological problems, containing issues referred to by the doctoral students in their theses. The papers were divided into topic-chronological group. After each series of the presentations the audience and the participants had a possibility to discuss them. The topic sections were moderated by the lecturers from the Institute of Art History. Fifteen-minute presentations referred to history of art in its classical sense, treated as a chronicle of separate historic-artistic phenomena, history of architecture and building or painters, sculptors and architects’ oeuvre. Many doctoral students presented papers concerning the interdisciplinary matters, what indicates that history of art is a discipline open to wide circles of knowledge. A group of doctoral students from the Mikołaj Kopernik University in Toruń presented theses concerning techno- logical and conservatory issues. There were also papers on art theory and related to it phenomena. Another numerous group of doctoral students introduced papers on contemporary art and current events in art and culture.

Źródło:

Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego; 2010, 1(15); 74-79
1896-4133

Pojawia się w:

Quart. Kwartalnik Instytutu Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 85.

Tytuł:

Sztuka rozumienia i sztuka widzenia. Dwie rozmowy – z Danutą Danek i Krzysztofem Hejkem
The art of understanding and the art of seeing. Two interviews: with Danuta Danek

Autorzy:

Danek, Danuta
Hejke, Krzysztof

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1391113.pdf

Data publikacji:

2013-01-01

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

literatura
fotografia
manuskrypt
Maria Szymanowska
Stanisław Morawski

Opis:

Two interviews: ”The art of understanding”, with the professor of literary history, Danuta Danek, and “The art of seeing”, with the professor of art photography, Krzysztof Hejke, are connected with the issue of the publication of the manuscript written in 1849 by an outstanding writer Stanisław Morawski (1802–1853) preserved in the Polish Library in Paris, entitled “Memoires about Maria Szymanowska” (containing, among other things, a romantic treatise on music, unknown till now), as well as with the set of art photographs taken in Lithuania, in the land estate of the writer.

Źródło:

Przestrzenie Teorii; 2013, 19; 173-181
2450-5765

Pojawia się w:

Przestrzenie Teorii

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 86.

Tytuł:

Od świętego wizerunku do dzieła sztuki w sztuce kolumbijskiej od XVI do XX w.
From sacral representation to piece of art in Colombian Art. from 16th to 18th century
De la imagen religiosa a la obra de arte en Colombia del siglo XVI hasta XX

Autorzy:

Acosta Luna, Olga Isabel
Więckowska, Elżbieta

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2182089.pdf

Data publikacji:

2011-12-31

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Opis:

Maria’s Images and cult appears In New Grenada Kingdom from the beginning of the new World conquista. Despite of Council of Trent decisions concerning the importance of image in religiuus life revering of miraculous icons of The Blessed Virgin and the cult of these icons were a part of New Grenada’s everyday life. Since the moment the country had become independent from the Spanish government and, most of all, after the enactment of The Church, property nationalization had been executed, the situation of Maria’s images changed. They still have their sacred function but they started to be perceived as objects of historical and artistic value as well. This process is connected with weakening of sacred iconography in aid of laic painting and academic art development that took place in 19th century. Miraculous icons from colonial age have become an object of History of Art studies. The article below concerns the problem of the transformation, basing on Maria’s images from 16th till 20th century from Columbia.
La imagen mariana y el culto a la Virgen aparecen en el Reino de Nueva Granada desde los mismos comienzos de la Conquista del Nuevo Mundo y a pesar de las resoluciones establecidas por el Concilio de Trento sobre el papel de la imagen, la veneración de las vírgenes milagrosas y su culto deja parte de la sociedad neogranadina. Después de la Independencia de España y sobre todo a partir de la Ley de la Desamortización de Bienes Muertos las imágenes religiosas empiezan a ser vistas también como objetos de valor artístico e histórico, aunque una gran parte de la iconografía conserva también sus funciones sacras. A la vez se ve debilitada la dominación de la imagen religiosa a favor de la pintura profana y a partir del siglo XIX hay un interés común en el desarrollo de la formación académica para artistas. Las imágenes religiosas de la época colonial pasan en el siglo XX a formar parte de la investigación de la historia del arte. El siguiente artículo reflexiona sobre esta transformación a partir del estudio de imágenes marianas en el periodo de larga duración comprendido entre los siglos XVI y XX en Colombia.

Źródło:

Sztuka Ameryki Łacińskiej; 2011, 1; 279-294
2299-260X

Pojawia się w:

Sztuka Ameryki Łacińskiej

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 87.

Tytuł:

Beziehungen zwischen Literatur und Film am Beispiel des Schaffens von Kathrin Röggla

Autorzy:

Wojno-Owczarska, Ewa

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/700303.pdf

Data publikacji:

2013

Wydawca:

Stowarzyszenie Germanistów Polskich

Tematy:

film and literature, literature and cinematic art, influence of modern filmic art on Kathrin Röggla’s work, Kathrin Röggla

Opis:

In the article I attempt to analyze Kathrin Röggla’s “cinematic style” using a theory which assumes the simulation of media-related forms in literature (e.g. Philipp Löser’s works). Her literary style is characterized by features such as film metaphor (e.g. the “dual perception” phenomenon), editing seemingly unconnected scenes, citations from TV and interview recordings, and narration inspired by film techniques such as time-lapse and slow motion. The author seems to be fascinated by Japanese anime and Harun Farocki’s film essays. David Lynch’s and Tom Tykwer’s masterpieces function as metaphors for today’s entangled reality in her work. In “tokio, rückwärtstagebuch” she depicts the culture clash phenomenon similarly to Sofia Coppola in Lost in Translation. Both Kathrin Röggla and Susan Sontag criticize the voyeuristic personality of modern man and the influence of our media-dominated culture on the means of artistic expression.

Źródło:

Zeitschrift des Verbandes Polnischer Germanisten; 2013, 2, 4
2353-656X
2353-4893

Pojawia się w:

Zeitschrift des Verbandes Polnischer Germanisten

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 88.

Tytuł:

Art as a laboratory – Guy Ben-Ary’s work

Autorzy:

Szykowna, Sylwia

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/923265.pdf

Data publikacji:

2019-06-15

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

bio art
posthumanism
new media art
laboratory
tissue culture
collectivity
Ars Electronica
art world
Guy Ben-Ary
SymbioticA

Opis:

The present paper deals with the work of an Israeli artist, Guy Ben-Ary. His work is a prime example of artistic practice in the field of bio art. Bio art provokes critical thinking about the place and role of people in today’s world. The main purpose of the article is to describe changes in contemporary artistic practices within the framework of art as a laboratory, the aim of which is to study reality.  

Źródło:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2019, 25, 34
1731-450X

Pojawia się w:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 89.

Tytuł:

STREET ART AND GUERRILLA MARKETING AS ATTEMPTS TO CREATE A PUBLIC SPACE

Autorzy:

Grotowska, Stella

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/647200.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Akademia Górniczo-Hutnicza im. Stanisława Staszica w Krakowie

Tematy:

street art
public art
graffiti
public space
guerrilla marketing

Opis:

This article addresses a problem of the social functions of street art. The starting point is the assumption that art (not just street art) is present in all spheres of life - in a political propaganda, religious portraits, objects of trade, media, collective memory, etc. Explicitly or implicitly art supports the morale, co-creates the sense of community, social solidarity, can be used for - supporting the social order as well as for its criticism. The text consists of 4 subsections. The first summarises the origins of street art, inthe second one street art is considered as fram¬ing, in the third - street art has been analysed as a tool for building awareness of opposition, and the fourth one discusses the use of aesthetics of street art in the market games based on the example of guerrilla marketing and marketing activities of public institutions. The paper ends with a conclusion that street art is the art involved, the role of which in a public debatę relies on the production and maintaining awareness of opposition, although there are several factors that hinder the initiation of social change: a lack of understanding by the local com¬munity, limited freedom of speech, blurring the boundary between street art and street art aesthetics used for other purposes (such as guerrilla marketing).

Źródło:

Studia Humanistyczne AGH; 2012, 11, 3
2084-3364

Pojawia się w:

Studia Humanistyczne AGH

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 90.

Tytuł:

Entre l’art de l’invisibilité et l’art de la démesure : Marcel Proust caricaturé par Jean Cocteau
Between the art of invisibility and the art of exaggeration: Marcel Proust caricatured by Jean Cocteau

Autorzy:

Thiel-Jańczuk, Katarzyna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1038055.pdf

Data publikacji:

2020-12-30

Wydawca:

Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Wydawnictwo Werset

Tematy:

Proust
Cocteau
visibilité
démesure
caricature
visibility
exaggeration

Opis:

Partant d’un dessin de Marcel Proust par Jean Cocteau conçu en 1922 ainsi que d’un essai biographique de Claude Arnaud publié en 2013, l’auteur de l’article présente la relation entre les deux écrivains en référence à la problématique de leur « visibilité » (Nathalie Heinich). Dans ce contexte-là, le dessin de Cocteau, restant en accord avec le caractère démesuré de Marcel Proust, peut être aujourd’hui considéré comme une représentation caricaturale de l’auteur de la Recherche qui démythifie une image de Proust-écrivain invisible créée par la vulgate structuraliste. Aussi, dans le contexte médiatique et théorique contemporain, la représentation visuelle de Proust par Cocteau peut s'avérer utile pour la réflexion à propos de la « conduite » non-narrative de Proust qui, à côté de son activité discursive, définit la « posture » (Jérôme Meizoz) de l’auteur de la Recherche dans le champ littéraire français.
The paper discusses the relationship between Marcel Proust and Jean Cocteau in connection with the problem of their “visibility” (Nathalie Heinich) based on Jean Cocteau’s portrait (1922) of Marcel Proust and Claude Arnaud’s biographical essay (2013). In this context, Cocteau’s drawing, which conveys Marcel Proust’s extravagant character, could nowadays be considered not only a caricatural representation of the author of In Search of Lost Time, but also a demythologizing one, especially in contrast to the image of invisible Proust created by structuralist interpretations. Also, in the mediatic and theoretical contemporary context, Cocteau’s visual representation of Proust could be used to reflect on Proust ’s action (conduite) which, combined with his narrative discourse, defines the “posture” (Jérôme Meizoz) of the author of In Search… within the literary field.

Źródło:

Quêtes littéraires; 2020, 10; 185-196
2084-8099
2657-487X

Pojawia się w:

Quêtes littéraires

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 91.

Tytuł:

Sensitivity of the Art Market to Price Volatility

Autorzy:

Borowski, Krzysztof

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1022752.pdf

Data publikacji:

2020-06-30

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

art market
art indexes
financial market efficiency
normal distribution

Opis:

The purpose of the article: The art market becomes very popular among investors, when there is strong turbulence on the stock market. In times of calm, the art market is used by investors to diversify risk and build more efficient investment portfolios according to the Markovitz’s theory. The aim of this paper is to: (i) present the peculiarity of investment on the art market, represented by art market indexes in comparison to traditional investments in other financial market segments (money market, equity indexes and commodity market), (ii) to verify the hypothesis of normality of the distribution of rates of return of the analyzed art market indices as well as (iii) to analyze calendar effects occurrence on the art market.Methodology: Comparison of rates of return on the stock, bond, commodity and money markets with rates on the art market in four different time intervals. For each of the analyzed periods, an income-risk map was presented, taking into account the spectrum of financial instruments, including six art indexes: Old Masters, 19th Century, Modern art, Post War art, Contemporary art and Global art. The hypothesis of normality of the distribution of rates of return of the art market indices for four analyzed periods was verified with the use of Jarque-Bera test.Results of the research: Comparison of rates of return on the stock market and art market leads to the conclusion that their relationship depends on the period chosen. For two of the analyzed periods, the rates of return on the stock market were higher than on the art market, but for others periods, the opposite. The distribution of quarterly rates of return resulted to be a normal distribution for almost all of analyzed indices and time periods. Calendar effects were observed in the case of four analyzed indexes.

Źródło:

Finanse i Prawo Finansowe; 2020, 2, 26; 11-36
2391-6478
2353-5601

Pojawia się w:

Finanse i Prawo Finansowe

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 92.

Tytuł:

Sensitivity of the Art Market to Price Volatility

Autorzy:

Borowski, Krzysztof

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2121840.pdf

Data publikacji:

2021-09-03

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

art market
art indexes
financial market efficiency
normal distribution

Opis:

The purpose of the article: The art market becomes very popular among investors, when there is strong turbulence on the stock market. In times of calm, the art market is used by investors to diversify risk and build more efficient investment portfolios according to the Markovitz’s theory. The aim of this paper is to: (i) present the peculiarity of investment on the art market, represented by art market indexes in comparison to traditional investments in other financial market segments (money market, equity indexes and commodity market), (ii) to verify the hypothesis of normality of the distribution of rates of return of the analyzed art market indices as well as (iii) to analyze calendar effects occurrence on the art market. Methodology: Comparison of rates of return on the stock, bond, commodity and money markets with rates on the art market in four different time intervals. For each of the analyzed periods, an income-risk map was presented, taking into account the spectrum of financial instruments, including six art indexes: Old Masters, 19th Century, Modern art, Post War art, Contemporary art and Global art. The hypothesis of normality of the distribution of rates of return of the art market indices for four analyzed periods was verified with the use of Jarque-Bera test. Results of the research: Comparison of rates of return on the stock market and art market leads to the conclusion that their relationship depends on the period chosen. For two of the analyzed periods, the rates of return on the stock market were higher than on the art market, but for others periods, the opposite. The distribution of quarterly rates of return resulted to be a normal distribution for almost all of analyzed indices and time periods. Calendar effects were observed in the case of four analyzed indexes.

Źródło:

Finanse i Prawo Finansowe; 2021, Numer Specjalny; 25-50
2391-6478
2353-5601

Pojawia się w:

Finanse i Prawo Finansowe

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 93.

Tytuł:

Polish Files in the Lomholt Archive of Mail Art
Polskie dokumenty w archiwum Nielsa Lomholta

Autorzy:

Dziamski, Grzegorz

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593847.pdf

Data publikacji:

2014

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

mail art
net
network
archive
art documentation
post-conceptual under-standing of art
alternative scene
databases
computer culture
narratives
sieć
archiwum
dokumentacja
pokonceptualne dzieło sztuki
scena alternatywna
bazy danych
kultura komputera
narracje

Opis:

This text is devoted to the archives of mail art complied by the artists and the participants of the mail art network. Mail art was one the most representative artistic phenomena of the 1970s along with feminist art, performance, video art and land art. Today, all those phenomena find their place in the official art world except for mail art, which still remains outside the official institutions of the art world, in private collections. In recent years, most of those collections have been systematized and presented to the public. We should therefore attempt to establish the artistic significance and value of those private archives. This text seeks to contribute to this project, describing in details the Polish section of the archive compiled by the Danish artist Niels Lomholt.
Tekst dotyczy archiwów gromadzonych przez artystów mail artu i uczestników mail artowskiej sieci w latach 70. Mail art był zjawiskiem charakterystycznym dla sztuki lat 70., obok sztuki feministycznej, performance, sztuki video czy sztuki ziemi. O ile jednak wszystkie te zjawiska znalazły dzisiaj swoje miejsce w świecie sztuki, to mail art pozostał poza instytucjami świata sztuki, w rozlicznych archiwach, które są dzisiaj porządkowane i opracowywane. Jakie jest znaczenie i artystyczna wartość tych archiwów? Na to pytanie stara się odpowie-dzieć ten tekst, przyglądając się polskiej części archiwum duńskiego artysty Nielsa Lomholta.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2014, 16; 138-146
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 94.

Tytuł:

Habitus sztuki a autorzy
The habitus of art vs authors

Autorzy:

Daszkiewicz, Joanna
Doda-Wyszyńska, Agnieszka

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/945790.pdf

Data publikacji:

2015

Wydawca:

Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego

Tematy:

art brut
author
fancier
education
experience
autor
amator
edukacja
doświadczenie

Opis:

The French term art brut (English - outsider art), meaning "raw art" or "rough art", is a label created by French artist Jean Dubuffet to describe art created outside the boundaries of mainstream culture. In the centre of our discussion is the category of the author (the creator) and the category of the fancier (the recipient loving art). These two categories were analysed by Alain Bouillet - a researcher of art brut of 30 years, who has accumulated an impressive collection of this kind of art. Pierre Bourdieu in Distinction (1979), argues that judgments of taste are related to social position. From time to time, the focus of the dominant class changes from education to experience. Especially today, the involvement in the creation process becomes more important. We have to introduce various issues in art in a different manner. What kind of experience the art opens us up to? It is largely contradictory to the educational experience.

Źródło:

Internetowy Magazyn Filozoficzny Hybris; 2015, 31 (4)
1689-4286

Pojawia się w:

Internetowy Magazyn Filozoficzny Hybris

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 95.

Tytuł:

The Development of Art Appreciation Abilities of Pupils in Primary School

Autorzy:

Duh, Matjaž
Korošec Bowen, Anita

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2031698.pdf

Data publikacji:

2014-06-30

Wydawca:

Wydawnictwo Adam Marszałek

Tematy:

art appreciation
visual arts education
primary school
perception and reception of artworks

Opis:

In Slovenian schools pupils have few opportunities to observe, understand and enjoy works of art. Contemporary art education in Slovenia should aim to combine the development of productive and receptive artistic abilities. This would make more comprehensive artistic development of pupils possible. In this study we monitored the development of the art-appreciation abilities of 10–11-year old pupils in primary schools in northeastern Slovenia. Th e results show that the level of art-appreciation abilities is somewhat average, however, girls showed higher developed art-appreciation abilities than boys. Based on the results we can conclude that the development of art appreciation abilities in our art-education program is given too little attention.

Źródło:

The New Educational Review; 2014, 36; 42-54
1732-6729

Pojawia się w:

The New Educational Review

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 96.

Tytuł:

Pętla obrazów. Wideo według Mariny Abramović
The Loop of Images. Video According to Marina Abramowić

Autorzy:

Krawczak, Michał

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/920272.pdf

Data publikacji:

2009-06-13

Wydawca:

Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu

Tematy:

performance art
video art
iconography
video loop
installation art
photography
Marina Abramović

Opis:

The connection between video art and performance art has been inseparable since 1967, when the first commercial camera Sony Portapak appeared on the American market. The development of video art and performance art has been parallel. On the one hand, autonomous languages which used different discourses were created, on the other hand, the interaction was inextricable, long-lasting and very stimulating. Marina Abramović, recording her activities as a performer on video and then placing them in the space of her installations, gained a high level of energy in the picture, which became transcendent, a sign of body and life, a meditation. Abramović consciously sacralizes her art and highlights its meditational character. In that way the art became a loop of a video sequence, a multifaceted icon.

Źródło:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication; 2009, 7, 13-14; 235-241
1731-450X

Pojawia się w:

Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 97.

Tytuł:

Konceptualizm i sztuka interaktywna. Analiza polskich przykładow
Conceptualism And Interactive Art. The Analysis Of Polish Examples

Autorzy:

Kluszczyński, Ryszard W.

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/424339.pdf

Data publikacji:

2012

Wydawca:

Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku

Tematy:

CONTEMPORARY ART
CONCEPTUAL ART
CONCEPTUALISM
WOJCIECH BRUSZEWSKI
JÓZEF ROBAKOWSKI
DIGITAL ART
INTERACTIVE ART

Opis:

Contemporary interactive art, which is created through digital computer technologies, has its roots in the artistic trends of a new avant-garde that developed at the end of the 1950s. Conceptual art played a significant and specific role in this process along with kinetic art, action art, installation and electronic media art. It formed not only a deep logic and framework for neo avant-garde tendencies in art, but also a favourable context to develop participatory tendencies and to prepare the conceptual ground for interactive art. In this complex field of artistic genres of that time, many artworks created had features which allow us to consider them in relation to interactive art. Amongst them, we can find works of such artists as Wojciech Bruszewski and Jozef Robakowski. Their numerous installations and objects from the seventies link conceptual and analytical attitudes with interactive characteristics.

Źródło:

Sztuka i Dokumentacja; 2012, 6; 73-78
2080-413X

Pojawia się w:

Sztuka i Dokumentacja

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 98.

Tytuł:

Digital art – w poszukiwaniu różnych form wyrazu artystycznego w kulturze nowych mediów
Digital art – in the search of various forms of artistic expression in new media culture

Autorzy:

Sikorska, Joanna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/2131984.pdf

Data publikacji:

2022

Wydawca:

Uniwersytet Wrocławski. Wydział Nauk Historycznych i Pedagogicznych. Instytut Pedagogiki. Zakład Historii Edukacji

Tematy:

cyberprzestrzeń
twórczość artystyczna
digital art
digital painting
młodzież
cyberspace
artistic creativity
adolescents

Opis:

Wprowadzenie. Twórczość artystyczna staje obecnie przed nowymi wyzwaniami, a także sama takie wyzwania przed sobą stawia. Coraz częściej powiązana jest ona z rozwojem nowych technologii prowadzących zarówno do zmian w tworzeniu, jak i odbiorze sztuki. Sztuka w Internecie różni się od net artu (sztuki Internetu/wirtualnej) czy digital artu (sztuki cyfrowej), dla których cyberprzestrzeń stała się miejscem ściśle powiązanym z ekspozycją wytworów artystycznych, choćby tym, że sztuka w Internecie istnieje przede wszystkim poza Siecią, a Internet wykorzystuje się w jej przypadku jedynie jako medium i jedną z wielu możliwości dotarcia do odbiorcy; dla net artu czy digital artu z kolei Sieć staje się tworzywem, naturalnym środowiskiem, kontekstem, a w wielu wypadkach również tematem wytworów. Cel. Głównym celem tego artykułu jest przedstawienie, w jaki sposób młodzież postrzega malarstwo cyfrowe (digital painting), jakie znaczenie mu przypisuje w procesie tworzenia własnych wytworów i które z miejsc w cyberprzestrzeni wybiera jako miejsca prezentacji tworzonej przez siebie sztuki. Metoda. W oparciu o przegląd literatury podjęto próbę krytycznej refleksji nad wartościami sztuki cyfrowej. Wskazano na wstępne wyniki badań pilotażowych projektu Digital art: Sztuka młodzieży w cyberprzestrzeni, w którym wykorzystano podejście jakościowe oparte na art-based research oraz arts-informed research. Wyniki. Wyniki badań wykazują, że odwołanie się do przeżyć i wątków bliskich młodzieży, umożliwienie jej wykorzystania aprobowanych przez nią samą, cyfrowych środków artystycznego wyrazu powoduje, że młodzi ludzie, zaangażowani w proces twórczy i aktywnie poszukujący konstruktywnych opinii innych na temat realizowanych przez siebie prac, czują się docenieni i zaspokajają potrzebę samorealizacji.
Introduction. Artistic creation is currently facing new challenges, but it is also posing challenges to itself, as it is increasingly linked to the development of new technologies that are leading to changes in both the creation, and reception, of art. Art on the Internet, and net art (Internet/virtual art), or digital art, for which cyberspace has become a place closely related to the display of artistic creations, differ from each other, mainly because the art on the Internet exists outside the Web and is used only as a medium and one of many possibilities to reach the recipient, while for net art or digital art the Web becomes a material, a natural environment, a context, and in many cases the subject of their creations. Aim. The main aim of this article is to present how adolescents perceive digital painting, what meaning they attach to it in the process of creating their own creations and which places in cyberspace they choose as places to present the art they create. Methods. In this article, based on a literature review, an attempt is made to critically reflect on the values of digital art. Furthermore, this article also presents the preliminary results of a pilot study of the project Digital art: Adolescent art in cyberspace, which used a qualitative approach based on art-based research and arts-informed research. Conclusion. The results of the research indicate that referring to the experiences and themes close to young people, as well as enabling them to use digital means of artistic expression, approved by them, makes adolescents, involved in the creative process and actively looking for constructive opinions from others about their works, feel appreciated and it fulfi lls the need for self-realization.

Źródło:

Wychowanie w Rodzinie; 2022, XXVI, (1/2022); 189-199
2082-9019

Pojawia się w:

Wychowanie w Rodzinie

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 99.

Tytuł:

Utracone, poszukiwane i odzyskane dziedzictwo kulturowe Łodzi przemysłowej na przykładzie Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki
Lost, Sought, and Recovered: The Cultural Heritage of Industrial Łódź and the Example of Art_Inkubator in Fabryka Sztuki [Art Factory]

Autorzy:

Moreno-Kamińska, Natalie

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/1047575.pdf

Data publikacji:

2020-12-21

Wydawca:

Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego

Tematy:

Art_Inkubator
Fabryka Sztuki
dziedzictwo kulturowe
Łódź przemysłowa
postindustrializm
rewitalizacja
Fabryka Sztuki [Art Factory]
cultural heritage
industrial Łódź
postindustrialism
revitalisation

Opis:

Over the past 25 years, Łódź has seen an evolution in attitude towards the city’s post-industrial heritage, both material and non-material. Exemplifying these processes of loss, seeking, and retrieval is Art_Inkubator, a complex of 19th-century factories in the city’s central district of Księży Młyn that once belonged to Karol Scheibler and Ludwik Grohman. The goal of the project, carried out by a municipal cultural institution known as Fabryka Sztuki, has been to revitalize and adapt former factory buildings, including them in its incubator program dedicated to the support of activities within the creative industries sector. Another cultural heritage site known as MuseumABC is also located in this area. Fabryka Sztuki’s efforts have preserved the factory buildings as part of the city’s cultural heritage and made it possible to put their historic features to good use in the development of innovative and creative activities. After decades of neglect, the characteristic red-brick buildings have beengiven “new life” as centres of culture and business enterprise.

Źródło:

Studia Etnologiczne i Antropologiczne; 2020, 20
1506-5790
2353-9860

Pojawia się w:

Studia Etnologiczne i Antropologiczne

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce

Skocz do pozycji: 100.

Tytuł:

Participatory art, new media and convergence art based on the example of La Fura Dels Baus Group
Sztuka partycypacyjna, nowe media i kultura konwergencji na przykładzie grupy La Fura dels Baus

Autorzy:

Pawłowska, Aneta
Wendorff, Anna

Powiązania:

https://bibliotekanauki.pl/articles/593913.pdf

Data publikacji:

2018

Wydawca:

Łódzkie Towarzystwo Naukowe

Tematy:

La Fura dels Baus
participation
Theatre of Cruelty
spectacle
audience
partycypacja
teatr okrucieństwa
spektakl
publiczność

Opis:

The article attempts to present various categories of activities related to participatory art that we can find in the extensive artistic output of the Catalan group named La Fura dels Baus. Ever since it was established in 1979, the group has been presenting a wide variety of forms: open-air events, dramatic plays, operas, and performances. It uses typically theatrical techniques, emphasizing especially quasi-religious experiences and experiments originating from mythical prehistory of the stage art and newer group techniques (happening, techniques developed by groups of the contestation period). The article discusses such shows as: Accions (1983), Suz/O/Suz (1985), Noun (1990), Manes and MTM (both 1996), as well as XXX (2001). Special attention is paid to acquisition and adaptation of Artaud’s concept of “Theatre of Cruelty” in relation to the group’s activities, which at the same time are analysed from the perspective of audience participation in performances forced by artistic means.
Artykuł jest próbą przedstawienia różnych kategorii działań związanych ze sztuką partycypacyjną, jakie możemy odnaleźć w bogatej twórczości artystycznej katalońskiej grupy La Fura dels Baus. Od momentu gdy zespół powstaje w 1979 r. prezentuje bardzo rozmaite formy: spektakle plenerowe, przedstawienia dramatyczne, opery, performansy. Operuje technikami typowo teatralnymi, akcentując zwłaszcza doświadczenia i eksperymenty quasi-religijne wywodzące się z mitycznej prehistorii sztuki sceny i nowsze techniki grupowe (happening, techniki wypracowane przez zespoły okresu kontestacji). Omówione zostały takie widowiska jak: Accions (1983), Suz/O/Suz (1985), Noun (1990), Manes i MTM (oba 1996) oraz XXX (2001). Przedmiotem szczególnych rozważań jest, przejęcie i dostosowanie Artaudowskiego konceptu „teatru okrucieństwa”, w odniesieniu do działań grupy, które jednocześnie są analizowane w perspektywie wymuszonej środkami artystycznymi partycypacji publiczności w spektaklach.

Źródło:

Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2018, 20; 217-233
1641-9278

Pojawia się w:

Art Inquiry. Recherches sur les arts

Dostawca treści:

Biblioteka Nauki

/5

Artykuł

Zmień widok

• na półce