Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "Sztuka" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 25
Tytuł:
Tendencje sprzedaży dzieł sztuki nowoczesnej i współczesnej na rynku światowym
Autorzy:
Joanna, Białynicka-Birula,
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/542869.pdf
Data publikacji:
2020-04-28
Wydawca:
Główny Urząd Statystyczny
Tematy:
sztuka
rynek sztuki
aukcje dzieł sztuki
sztuka nowoczesna
sztuka współczesna
analiza dynamiczna rynku
analiza rynku sztuki
Opis:
Celem artykułu jest identyfikacja oraz omówienie zmian zachodzących na rynku sztuki nowoczesnej i współczesnej na świecie w latach 2009–2015. Podstawę źródłową przeprowadzonych analiz stanowią dane statystyczne zestawiane corocznie przez Artprice i ArtTactic. W celu identyfikacji zmian wartości sprzedaży na światowym rynku sztuki nowoczesnej i współczesnej wykorzystano w pierwszej kolejności jednopodstawowe i łańcuchowe wskaźniki dynamiki. Następnie w ramach analizy dynamicznej zastosowano metodę analizy funkcji trendu, która pozwoliła na skonstruowanie matematycznych modeli funkcji trendu o postaci liniowej i wykładniczej, opisujących zmiany zachodzące na rynku sztuki. Zaprezentowano także zmiany wartości sprzedaży na aukcjach dzieł sztuki w największych domach aukcyjnych na świecie: Sotheby’s i Christie’s w latach 2000–2015. Sprzedaż dzieł sztuki nowoczesnej i współczesnej została przedstawiona na tle sprzedaży innych prac. Zwrócono uwagę na artystów współczesnych, których dzieła uzyskały najwyższą wartość sprzedaży aukcyjnej w ostatnich sezonach aukcyjnych. Dowiedziono empirycznie, że rynek sztuki nowoczesnej i współczesnej na świecie dynamicznie się rozwija. Na podstawie zebranych danych wysunięto wniosek o szybkim i intensywnym wzroście wartości sprzedaży dzieł sztuki współczesnej w transnarodowych domach aukcyjnych Sotheby’s i Christie’s.
Źródło:
Wiadomości Statystyczne. The Polish Statistician; 2020, 65, 4; 19-31
0043-518X
Pojawia się w:
Wiadomości Statystyczne. The Polish Statistician
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Rozumienie granic Granice rozumienia Fenomenologicznie inspirowane interwencje w polu sztuki i humanistyki. Wprowadzenie
Autorzy:
Biały, Kamila
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/450961.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydział Ekonomiczno-Socjologiczny
Tematy:
fenomenologia
sztuka
fotografia
Opis:
Prezentowane „Wprowadzenie” oraz materiał wizualny są częścią będącej w druku książki pod redakcją Kamili Biały i Marka Domańskiego „Rozumienie granic. Granice rozumienia. Fenomenologicznie inspirowane interwencje w polu sztuki i humanistyki”. Red. Kamila Biały i Marek Domański Wydawnictwo ASP ISBN: 978-83-65403-88-9 Łódź 2018
Źródło:
Władza sądzenia; 2017, 13
2300-1690
Pojawia się w:
Władza sądzenia
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
JAK NADAWAĆ ZNACZENIE? WYSTAWA „STAN ŻYCIA. POLSKA SZTUKA WSPÓŁCZESNA W KONTEKŚCIE GLOBALNYM” W NATIONAL ART MUSEUM OF CHINA W PEKINIE
HOW TO GIVE MEANING? “STATE OF LIFE. POLISH CONTEMPORARY ART WITHIN A GLOBAL CONTEXT”. AN EXHIBITION IN THE NATIONAL ART MUSEUM OF CHINA IN BEIJING
Autorzy:
Jarosław, Lubiak,
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/433512.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Krajowy Ośrodek Badań i Dokumentacji Zabytków
Tematy:
sztuka współczesna
sztuka globalna
narratologia
muzeum
ekspozycja narracyjna
tożsamość narodowa
konstelacja doświadczeń.
Opis:
In 2015, the National Art Museum of China in Beijing hosted an exhibition entitled “State of Life. Polish Contemporary Art within a Global Context”. It was a comprehensive and diversified presentation of Polish culture in China, and both its content and professional intent drew upon three main challenges. The first consisted in incorporating the experiences dispersed and offered by contemporary art in a story which would at some point correspond to the format of a national presentation. The core difficulty was the complexity and ambiguity of the relationship between contemporary art and national identity, and more precisely the form of the nation. The second challenge was translating those experiences into a story which would be understood by the audience from a different and remote culture. The obstacle was not only the translation itself, but also the very subtle aspect of the differences in the importance of similar experiences in diverse cultural contexts. The third challenge was to arrange cooperation between two countries whose cultural policies differ completely and whose cultural infrastructure is organised quite differently. Those challenges resulted in the methodology of the exhibition which, contrary to narrative exhibitions and typical expositions of contemporary art, implied the creation of a story through experiences materialised in works of art.
W 2015 r. odbyła się w National Art Museum of China w Pekinie wystawa „Stan życia. Polska sztuka współczesna w kontekście globalnym”. Była elementem szerokiej i zróżnicowanej prezentacji kultury polskiej w Chinach, jednocześnie na poziomie merytorycznym oraz profesjonalnym stanowiła odpowiedź na trzy zasadnicze wyzwania. Pierwsze z nich polegało na wpisaniu rozproszonych doświadczeń oferowanych przez sztukę współczesną w opowieść, spotykającą się w jakikolwiek sposób z formatem prezentacji narodowej. Podstawowa trudność wynikała tu ze złożonej i niejednoznacznej relacji sztuki współczesnej do narodowej tożsamości, a ściślej do formy narodu. Drugim wyzwaniem było przełożenie tych doświadczeń na opowieść, która byłaby czytelna dla odbiorców z odmiennej i odległej kultury. Trudnością nie była tu wyłącznie sama translacja, lecz również subtelna kwestia różnic w ważko- ści podobnych doświadczeń w odmiennych kontekstach kulturowych. I wreszcie trzecim wyzwaniem było ułożenie współpracy w sytuacji, gdy w obu krajach prowadzone są zupełnie odmienne polityki kulturalne oraz zupełnie inaczej zorganizowana jest kulturalna infrastruktura. W odpowiedzi na te wyzwania opracowana została metodologia wystawy, która w przeciwieństwie do ekspozycji narracyjnych oraz typowych pokazów sztuki współczesnej, zakładała stworzenie opowieści przez ustanawianie konstelacj
Źródło:
Muzealnictwo; 2016, 57; 154-165
0464-1086
Pojawia się w:
Muzealnictwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Procesualność a materia sztuki. Różne drogi kreacji i funkcjonowania utworu sztuk wizualnych: od tradycyjnej do antysztuki i działań artystycznych
Processuality and matter of art. Different ways of visual artwork creation and its functioning: from the traditional one to anti-art and action art
Autorzy:
Kowalik, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/460123.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:
sztuka wizualna, materia sztuki, sztuka w procesie, sztuka współczesna, synteza sztuk
visual art, art matter, process art, contemporary art, art synthesis
Opis:
Purpose of research. The purpose of the study is the analysis of the creation and functioning of art as a continuing process, a quality that is intrinsic to it. Art can be perceived visually as well as with other senses both in the process and through the material outcome. An attempt at its reinterpretation, illustrated with selected works of contemporary Polish and foreign artists, will be presented. Methodology. The dissonance between modern and traditional art lies, among other things, in the variety of, both, the techniques applied and the ways of conveying the message of the work. Art provides the artist with room for freedom which manifests itself in a free choice of artistic means: Teresa Murak celebrates the miracle of living by using natural materials; for Anna Goebel every material she uses tells its own unique story and so the artist considers it to be a medium of creating her own reality, whereas Yves Klein used to say that his paintings were only the ashes of his art, as what is most important is the experience and creation process, including the passage of time. Such a belief comes from the fact that everything art relates to, each creation as well as reception process – all this takes place in a context. Results. Today every sign of artistic activity - from painting, in the traditional sense of the concept, to the "action", experimental imprints of the human body, objects, plants, ephemeral art and spatial forms as environments, installation – can be considered a work of art. Art in process expresses not so much the temporary nature of the artwork formation, , as the necessity - essential for its existence - of being in a state of permanent execution by the author. Conclusions. In contemporary art, it is possible observe a re-evaluation of the stages that influence the creation of the artwork. Examples of art in the text show a different approach to the art in the process and the form and manner of use of the medium. They prove the lack of discrepancies between essence and existence of human and matter that takes on the form of the individual personality.
Cel badań. Celem pracy jest analiza kreacji i funkcjonowania sztuki, która jest w bezustannym procesie, co wynika między innymi z jej natury. Zarówno poprzez proces, jak i materię, może być odbierana wzrokowo, ale także za pomocą innych zmysłów. W artykule dokonano interpretacji na podstawie wybranych dzieł polskich i zagranicznych artystów. Metoda. Dysonans pomiędzy sztuką współczesną a dziełami sztuki dawnej leży między innymi w różnorodności zastosowanych technik i sposobów przekazywania wiadomości. Sztuka to obszar wolności artysty, który manifestuje się dowolnym wyborem środków wyrazu: Teresa Murak celebruje misterium życia, posługując się tworzywami pochodzenia naturalnego, każdy użyty przez Annę Goebel materiał opowiada własną, niepowtarzalną historię i jest traktowany jako medium do stworzenia własnej rzeczywistości, natomiast dla Yvesa Kleina malarstwo jest popiołem sztuki, gdyż najważniejsze są doświadczenie i sam proces tworzenia, wszystko bowiem, do czego sztuka się odnosi, każdy proces twórczy i proces odbioru dokonują się w jakimś kontekście. Wyniki. Dziś dziełem sztuki określa się każdy przejaw działalności artystycznej, począwszy od obrazu w pojęciu tradycyjnym, aż do sztuki „akcji”, eksperymentalnych odcisków ciała ludzkiego, przedmiotów, roślin, sztuki efemerycznej, instalacji i form przestrzennych, takich jak environments. Sztuka w procesie wyraża nie tyle czasowy charakter powstawania dzieła, ile zasadniczą dla jego istnienia konieczność znajdowania się w stanie permanentnego wykonywania przez autora. Wnioski. W sztuce współczesnej następuje przewartościowanie etapów wpływających na tworzenie działa. Przywołane w tekście przykłady ukazują odmienne podejście do sztuki w procesie oraz do formy i sposobu użycia medium. Dowodzą braku rozbieżności pomiędzy istotą i egzystencją człowieka, a materią, która przybiera formę osobowości jednostki.
Źródło:
Ogrody Nauk i Sztuk; 2017, 7; 416-425
2084-1426
Pojawia się w:
Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka, postsztuka, autosztuka i ...
Art, postart, autoart and…
Autorzy:
Wnuk, Kamil
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/459651.pdf
Data publikacji:
2011
Wydawca:
Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:
sztuka
postsztuka
symulakrum
postmodernizm
art
postart
postmodernism
Opis:
Celem sztuki staje się dążenie do eliminacji wszystkiego, napiętnowanie wszelkiej niesprawiedliwości. Dzieła demaskują wszelkie postawy i często wykraczają poza formy, konwencje sztuki, pozostają bezradne i akceptują taką sytuację. Pojawia się przy tym stwierdzenie, że artyści podejmują przewrotną i dywersyjną grę przeciwko komercji i lansowaniu. Skutek jest dokładnie odwrotny. Powstaje zjawisko postsztuki (forma uczestniczenia w grze o dominację kolejnych kulturowych aktualności. Artefakt postsztuki to spektakl, wydarzenie, produkt), którą można zdefiniować jako to, co wypada, by było sztuką ze względu na jej aktualne uwarunkowania zewnętrzne, czyli dzisiejsze rynkowo-medialne wydarzenia. Jest to zjawisko odmienne od sztuki, kieruje się inną celowością, innymi środkami.
The purpose of art is to aim at eliminating everything, branding injustice. The art works uncover al attitudes and often cross the forms and conventions, become helpless and accept such situation. Artists are said to play a diversionary game against lancing and commercialisation. But the result is completely opposite. The phenomenon of postart appears (the form of participation in a game for domination of following cultural actualities. Postart artifact are: events, performance, products). Postart can be defined as that what must be called art because of market trends. It is a different phenomenon than art, which follows different rules and methods.
Źródło:
Ogrody Nauk i Sztuk; 2011, 1
2084-1426
Pojawia się w:
Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Reklama – popularna forma sztuki?
Autorzy:
Łuczaj, Kamil
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/555552.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Uniwersytet Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie
Tematy:
reklama
sztuka
estetyka
estetyzacja życia codziennego
konsumpcja
Opis:
Celem artykułu jest analiza podobieństw, które zachodzą pomiędzy dwoma polami produkcji kulturalnej: produkcją komercyjną (przemysły kreatywne) i światem sztuki. Artykuł wskazuje możliwe podejścia teoretyczne do tego zagadnienia, koncentrując się na ujęciu sztuki jako doświadczenia (art as experience) znanego z prac Johna Deweya. Omówiono tu powinowactwa, takie jak proces kodowania i dekodowania, wartości estetyczne i ideologie zawarte w dziele, wartość dla kolekcjonerów, nawiązania intertekstualne, konwencje, profesjonalna krytyka, a także rola twórców. W ponowoczesności, gdzie obserwujemy estetyzację życia codziennego, istnieją więc istotne powody, aby uznać reklamę za popularną formę sztuki. Reklama pozwala bowiem konsumować symbole szerokim rzeszom odbiorców.
Źródło:
Załącznik Kulturoznawczy; 2015, 2; 256-286
2392-2338
Pojawia się w:
Załącznik Kulturoznawczy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Podział świata sztuki i jego zniesienie
Autorzy:
Grzegorz, Dziamski,
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/487878.pdf
Data publikacji:
2019-08-04
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu
Tematy:
WESTERN ART
EASTERN ART
THIRD GENERATION OF AVANT-GARDE
ART MARKET
SZTUKA ZACHODNIA
SZTUKA WSCHODNIA
TRZECIA GENERACJA AWANGARDY
RYNEK SZTUKI
Opis:
A starting point is the division of the world of art onto Western and East- ern, and the question whether this division is still relevant after 1989? The Western world of art was equated with the market, the Eastern with ideol- ogy. Does the Eastern art have to join the Western world of art? Will the term avant-garde of third generation allow to better describe the transi- tion of art in real socialism countries? Does avant-garde in the times of post-modernist’s pluralism exist?
Źródło:
DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2019, 27; 68-87
1733-1528
Pojawia się w:
DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka jako symboliczna interpretacja świata w filozofii Cassirera
Art as a symbolic interpretation of the world in the philosophy of Ernst Cassirer
Autorzy:
Raube, Sławomir
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/423330.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Uniwersytet w Białymstoku. Wydawnictwo Uniwersytetu w Białymstoku
Tematy:
art
conceptualization
perceptualization
symbol
cognition
experience forms
sztuka
konceptualizacja
perceptualizacja
poznanie
formy doświadczenia
Opis:
In the philosophy of Ernst Cassirer art is one of the symbolic forms of understanding of reality. Each of them – myth, religion, language, art, history, science – is not only a part of human culture but also a kind of interpretation of the world. It means that there are different worlds – seen and unedrstood by each of the symbolic forms. The main difference between art and science (for example) is that the former relates with intuition, the other with logical concepts and a process of abstraction. Cassirer wrote that science uses conceptualization, but art is founded upon a scheme of perceptualization. The author of the text tries to show which meaning is hidden under these views.
Źródło:
IDEA. Studia nad strukturą i rozwojem pojęć filozoficznych; 2015, 27; 105-115
0860-4487
Pojawia się w:
IDEA. Studia nad strukturą i rozwojem pojęć filozoficznych
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
KORPUS DARU FELIKSA JASIEŃSKIEGO – DWA PIERWSZE TOMY
THE COLLECTION OF FELIKS JASIEŃSKI’S DONATION – THE FIRST TWO VOLUMES
Autorzy:
F, de Rosset, Tomasz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/433587.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Krajowy Ośrodek Badań i Dokumentacji Zabytków
Tematy:
kolekcjonerstwo
zbiory
malarstwo
sztuka nowoczesna
sztuka polska
sztuka japońska
drzeworyt japoński
Kraków
Towarzystwo Zachęty Sztuk Pięknych w Warszawie
Muzeum Narodowe w Krakowie
collecting
collections
painting
modern art
Polish art
Japanese art
Japanese woodcut
European engraving
Cracow
Zachęta Society of Fine Arts in Warsaw
National Museum in Cracow
Opis:
These are the first two volumes out of the ten planned by the National Museum in Cracow, which together will constitute the publication of the body of work donated to the museum by Feliks “Manggha” Jasieński. One volume presents the collector’s creative biography and the history of his various collections. There are also attempts to interpret the nature of the content of his collections, mainly woodcuts and other Japanese objects, as well as modern Polish art, paintings, engravings (together with a set of European engravings) and decorative arts. The second volume is the first part of a monumental catalogue of the collection which covers drawings, watercolours and pastels by Polish artists. The subsequent eight volumes are envisaged to cover particular parts of this extensive collection (of Polish, European and Eastern paintings, drawings, sculpture, engravings and decorative arts). This enormous undertaking marks the 100th anniversary of Jasieński’s donation (1920–2020), and, as Zofia Gułubiew put it, is intended to visualise and fix the extent and variety of the collection in the public’s awareness. The publishing project by the National Museum in Cracow is extremely valuable, and it should be hoped that it will succeed as intended.
Są to dwa pierwsze tomy, podjętej z inicjatywy Muzeum Narodowego w Krakowie (MNK) idei 10-tomowej publikacji – korpusu podarowanej muzeum kolekcji Feliksa „Mangghi” Jasieńskiego. W jednej z tych pozycji zaprezentowana została twórcza biografia zbieracza oraz historia jego różnorodnej kolekcji. Jest w niej także próba interpretacji charakteru zawartości zbiorów, przede wszystkim drzeworytów i innych przedmiotów japońskich, a także sztuki nowoczesnej polskiej, malarstwa, grafiki (wraz z zespołem grafik europejskich), zdobnictwa. Druga stanowi 1. część monumentalnego katalogu kolekcji, która obejmuje rysunki, akwarele i pastele autorstwa artystów polskich. W następnej kolejności przewidziano jeszcze 8 tomów będących katalogami poszczególnych partii tych bogatych zbiorów (malarstwa, rysunku i rzeźby oraz grafiki i rzemiosła artystycznego – polskiego i europejskiego oraz wschodniego). To kolosalne przedsięwzięcie podjęto, aby uczcić setną rocznicę darowizny Jasieńskiego (1920–2020) oraz wedle słów Zofii Gołubiew unaocznić i utrwalić w powszechnej świadomości rozmiar i różnorodność ofiarowanego zbioru. Projekt wydawniczy MNK jest niezwykle wartościowy i należy mieć nadzieję, że z sukcesem zostanie zrealizowany wedle zamierzeń.
Źródło:
Muzealnictwo; 2017, 58; 138-142
0464-1086
Pojawia się w:
Muzealnictwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Jak się rzeczy mają?
How are things going?
Autorzy:
Glinkowska, Joanna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424683.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
zwrot materialny, rzeczy, sprawczość, sztuka, archeologia, posthumanizm, material turn, things, agency, art, archeology, posthumanism
Opis:
There is a growing tendency in the contemporary humanities to supersede anthropocentric thinking by nonhierarchcal notions, placing humans and nonhumans (animals, plants, objects) on a par. This shift is particularly interesting when considered in the context of the material turn. The aim of this paper is to introduce a new approach towards things through presenting main concepts of thinking about material culture like Bruno Latour’s Actor-Network Theory, Igor Kopytoff’s biographies of things, agency and performativity of things. Furthermore the question of things is being considered in the field of contemporary art and its relations with archeology in the analysis of Agnieszka Chojnacka’s exhibition Things.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2016, 14; 168-171
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Autokreacja jako zamazanie umysłu
Autorzy:
Ewa, Bobrowska,
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/487818.pdf
Data publikacji:
2019-08-04
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu
Tematy:
SELF-CREATION
SELF-PORTRAIT
SELF-AWARENESS
SKEPTICISM
DE MAN
ART
AUTOKREACJA
AUTOPORTRET
SAMOŚWIADOMOŚĆ
SCEPTYCYZM
SZTUKA
Opis:
The analysis in the text presented concerns the phenomenon of self-cre- ation and self-perception, referring Paul de Man’s contemplations in the Autobiography as De-facement study, as well as early monography by Em- manuel Levinas, From Existence to Existents. Self-creational and autobi- ographical statement or action reveal moments in which a certain mul- tithreading is exposed, a tear, which becomes a basis for the analysis of works by Chuck Close, Yves Klein, Cy Twombly and Marina Abramović. Self- perception and self-introspection lay at grassroots of thinking and artistic creativity, and in a way also self-mythology of solipsistic ego. By creating a self-portrait the artist duels oneself in a most difficult self-creative clash. Impersonal “I” as another form of revealing “I”, it exposes through, among others, vigil and insomnia as a particular state of mind, similar to de Man’s “blurring” of the mind described by me.
Źródło:
DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu; 2019, 27; 126-145
1733-1528
Pojawia się w:
DYSKURS: Pismo Naukowo-Artystyczne ASP we Wrocławiu
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
PRZEŁOMY. PROPOZYCJA INNEGO MUZEUM HISTORYCZNEGO
UPHEAVALS. SUGGESTION FOR A NEW HISTORICAL MUSEUM
Autorzy:
Piotr, Kosiewski,
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/432899.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Krajowy Ośrodek Badań i Dokumentacji Zabytków
Tematy:
Centrum Dialogu Przełomy
muzeum historyczne
muzeum narracyjne
sztuka współczesna w muzeum historycznym
upamiętnienie Grudnia’70
Opis:
The Dialogue Centre Upheavals (later CDP or Upheavals) in Szczecin, which opened in January 2016, may be an example of the dilemmas faced today by the creators of historical narrative museums. Devoted to the fate of Szczecin in the period 1939–1989, it is intended to construct the inhabitants’ identity and at the same time tell the history of this city in a broader Polish perspective. It is also supposed to commemorate the victims of the December’70 protests. Building the CDP re-defined the character of this part of the city and introduced a new urban order. The design of the building managed to blend the idea of a public square and city buildings. However, the creators of the permanent exhibition at Upheavals departed from the scenographic solutions which dominate Polish art museums. Instead, they chose modern art to be an integral part of it, a solution which is a novelty in historical museology. Works by among others Hubert Czerepok, Robert Kiśmirowski and Kobasa Laksy complement the exhibition, and also illustrate or comment upon the past.
Na przykładzie otwartego w styczniu 2016 r. szczecińskiego Centrum Dialogu Przełomy (dalej CDP lub Przełomy) można pokazać dylematy, przed jakimi stają dzisiaj twórcy historycznych muzeów narracyjnych. Poświecone dziejom Szczecina w latach 1939–1989 CDP ma budować poczucie tożsamości mieszkańców, a jednocześnie pokazać historię tego miasta w ogólnopolskiej perspektywie. Ma także upamiętniać ofiary Grudnia’70. Budowa gmachu CDP na nowo zdefiniowała charakter tej części miasta i wprowadziła nowy, urbanistyczny ład. W projekcie budynku udało się połączyć w jednym idee placu publicznego i miejskiej zabudowy. Natomiast twórcy wystawy stałej Przełomów odeszli od scenograficznych rozwiązań dominujących w polskich muzeach sztuki. Jej integralną częścią stała się – co jest nowością w muzealnictwie historycznym – sztuka współczesna. Prace, m.in. Huberta Czerepoka, Roberta Kuśmirowskiego i Kobasa Laksy dopełniają ekspozycję, ilustrują przeszłość lub są do niej komentarzem.
Źródło:
Muzealnictwo; 2016, 57; 228-235
0464-1086
Pojawia się w:
Muzealnictwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Taniec jako sztuka relacji
Dance - the art of relations
Autorzy:
Zerek, Ula
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424732.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
sztuka tańca,
współczesna choreografia,
improwizacja,
ciało,
ruch,
art of dance,
contemporary choreography,
improvisation,
body,
movement
Opis:
Humans were expressing their needs and emotions in movement far before developing speech or any other civilised skills. The body as a source of movement is the closest and primary form of experiencing life as well as perceiving the surrounding world. Dealing with dance as a form of artistic expression, I question the essence and meaning contained in dance presentations from both the perspective of a dancer and as a researcher. Contradictory to visual arts, literature and even music, dance is a living ephemeral art that evolves in time and space in front of the spectator. Without time and space the experience would not be possible. By observing transformations within the art of dance, searching for deeper understanding of its roots as well as for artistic self reflection, I have come upon with principles which can define the essence of dance. In addition to the previously mentioned condition of time and space, there is a fusion of body and mind. Dance exceeds stereotypes and limiting ideologies. Dance as a field of art practice is able to challenge both the artist and the spectator. All the elements – body, mind, time, space, artist, spectator may take different configurations influencing each other. Therefore dance is the art of relations. The direct input on the individual character of dance experience and interpretation lays in body awareness. This phenomenon is explained through the phenomenology of perception by the French philosopher Maurice Merleau-Ponty, and further developed studies by the contemporary researcher Richard Shusterman. The potential of dance seems to be infinite which might be the reason for the unlimited explorations of artists in relation to dance voyaging beyond the boundaries of the discipline. In this text a variety of contemporary dance art is presented by introducing examples of chosen artists and their works. Art performances which are hard to classify, often cause controversy and difficulties with reception and interpretation. There is another element necessary for the understanding of the contemporary art of dance and this is the theory and practice which builds a discourse that develops a tradition. This paper is a reflective analyses which goes beyond explicit meanings and theories while at the same time following the primal essence of dance.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2016, 14; 118-143
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Kobiecość w paleolicie – analiza i interpretacja figurek „Wenus” z obszaru Europy Środkowej
Femininity in the Paleolithic - analysis and interpretation of the figures “Venus” from the region of Central Europe
Autorzy:
Grzelczyk, Maciej
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/460196.pdf
Data publikacji:
2013
Wydawca:
Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:
paleolit
sztuka mobilna
fi gurki kobiece
kobiecość
„Wenus”
paleolithic
mobile art
female fi gurines
femininity
“Venus
Opis:
Fascynacja kobietami trwa od dawna. Ich ciało oraz gesty były, są i zapewne nadal będą inspiracją dla twórczości niezliczonych artystów. Podziw ten rozpoczął się kilkadziesiąt tysięcy lat temu w paleolitycznej Europie, kiedy to nasi przodkowie zaczęli tworzyć z różnych materiałów, małe fi gurki przedstawiające kobiety, tzw. „Wenus”. Często o nieproporcjonalnych kształtach i ponadnormatywnych, trzeciorzędowych cechach płciowych, było to jednak uwarunkowane stylem, a zarazem kulturą paleolitu, w której powstawały. Możemy zaobserwować zmiany zachodzące w sposobie ukazywania kobiet, od realistycznych przedstawień do praktycznie samych konturów kobiecego ciała, z ewidentnym wyszczególnieniem pośladków. Napisano wiele prac traktujących o przeznaczeniu tego typu fi gurek, a temat ten budzi burzliwe dyskusje na międzynarodowej arenie naukowej. Niektórzy z badaczy dopatrują się w nich poświadczenia hipotez na istnienie matriarchatu w najdawniejszych społeczeństwach Starego Kontynentu, inni z kolei skłaniają się ku twierdzeniu, że spełniały funkcje totemów gwałtów lub swego rodzaju „sex toys”, mających na celu wywoływać uczucie podniecenia u mężczyzn. Najtrafniejsza w moim odczuciu wydaje się być teoria, która opiera swe założenia na przekonaniu, iż fi gurki te były tworzone w celach kultowych, związanych z płodnością. Przedstawienie analizy oraz koncepcji na temat wybranych postaci „Wenus” z Europy Środkowej, daje możliwość ukazania ewolucji postrzegania kobiecości w okresie paleolitu.
The Venus Figurines for many years have fascinated scientists. The Venus from Willendorf is a symbol of pop culture, her depiction we can found on clothing, in feminist organization logo’s or New Age organizations. Any museum where is exhibition with Venuses att racts lots of tourists. Certainly, The Venus Figurines are one of the greatest monuments of European culture and all humanity. However, we still do not know why they were created. We know many theories on Venuses, but establishment which is a true is very diffi cult. Some claim that Venuses were “sex toys”, totems of rape or symbol of fertility but we still don’t know why prehistoric artist carved a small women fi gurines.
Źródło:
Ogrody Nauk i Sztuk; 2013, 3
2084-1426
Pojawia się w:
Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Osobliwości ikonografii w twórczości Juwenaliusza Mokryckiego i Jerzego Nowosielskiego: aspekt filozoficzny i teologiczny
Special Features of Iconography in the Artistic Work of Juvenaly Mokrystskyy and Jerzy Nowosielski: Philosophical and Theological Aspects
Autorzy:
Kostiv, Natalia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424571.pdf
Data publikacji:
2013
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
ikonografia
Juwenaliusz Mokrycki
Jerzy Nowosielski
Natalia Kostiv
ikona
ikony
malarstwo ikonowe
teologia,sztuka ukraińska
Ukraina
Lwów
Kraków
Opis:
This article deals with the artistic work of two iconographers: Juvenaly Mokrystskyy, a monk belonging to the Studite order who was born in Lviv, and Jerzy Nowosielski, who was born in Krakow. Both artists are vivid representatives of sacred art from the second half of the 20th century. The works of these artists are kept in many European countries and also in the USA. In particular, the iconography by J. Mokrystskyy can be found in Greek Catholic temples in England, Italy, Germany, Argentina, USA, Canada, and Ukraine. The works by J. Nowosielski are situated in Catholic and Orthodox temples in Poland, Germany, France and also in private collections. This article deals with the interpretation of philosophical and theological themes within the icons of Juvenaly Mokrystskyy and Jerzy Nowosielski. The influence of Byzantine art which is reflected in the iconographers’ artistic individualities, is also analysed. Despite the differences, which occur in the icons of the two artists, many similar stylistic features can be found in their art. Biographic data and facts that influenced the development of the individual styles of the two artists are also considered in the article: for example the experience of visiting of the Museum named after Аndrey Sheptytsky in Lviv and the events of the Second World War. E xamples of the work of the two artists are considered and in addition, the basic directions in icon painting that prevailed in the second half of the 20th century and remain relevant until now.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2013, 8; 27-33
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 25

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies