Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

Wyszukujesz frazę "CONTEMPORARY ART" wg kryterium: Temat


Tytuł:
Religious Motifs in Polish Contemporary Art Using the Crucifixion: An Outline of the Problem
Motyw religijny w polskiej sztuce współczesnej na przykładzie ukrzyżowania. Zarys problemu
Autorzy:
Bigaj-Zwonek, Beata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1038201.pdf
Data publikacji:
2020-03-01
Wydawca:
Akademia Ignatianum w Krakowie
Tematy:
ukrzyżowanie
ikonografia
sztuka współczesna
crucifixion
iconography
contemporary art
Opis:
Sacred motifs have a long tradition in art and ample figurative representation. They have been present in the visual arts for numerous reasons, from the need to identify faith to artistic expression based on commonly-known truths and stories saturated with meaning. In the art of the twentieth century, Christian motifs were often an excuse to speak about the world, its threats and fears, and the human condition. Polish artists frequently availed themselves of religious symbols and systems in the post-war era, and during the political transformation of the 1980s, they became a way to articulate uncertainty, expectation, and hope for change. Today, the religious trope is a pretext for artistic commentary on religion, social problems, and internal issues of the creators themselves. The article explores the causes and the nature of artistic practice rooted in Christian iconography in Polish contemporary art, with a particular emphasis on the motif of the crucifixion.
Motywy sakralne mają w sztuce długą tradycję i bogatą reprezentację figuralną. W plastyce były obecne z różnych pobudek, od potrzeby identyfikacji wiary po możliwość artystycznej ekspresji bazującej na powszechnie znanych prawdach i historiach nasyconych treścią. W sztuce XX wieku motyw chrześcijański bywał wielokrotnie pretekstem do wypowiedzi o świecie, o jego zagrożeniach, lękach, o kondycji człowieka. W Polsce po znaki i układy religijne sięgano w sztuce niejednokrotnie w czasach powojennych, a w okresie przełomu politycznego lat 80. stały się one sposobem wyrażania niepewności oraz oczekiwania i nadziei na zmiany. Także dzisiaj motyw religijny stanowi pretekst do różnorodnych wypowiedzi artystycznych, które dotyczą religii, problemów społecznych oraz wewnętrznych przeżyć samych twórców. Artykuł zarysowuje powody i charakter przekazów plastycznych opierających się na ikonografii chrześcijańskiej w polskiej sztuce współczesnej, ze szczególnym uwzględnieniem motywu ukrzyżowania.
Źródło:
Perspektywy Kultury; 2020, 28, 1; 149-166
2081-1446
2719-8014
Pojawia się w:
Perspektywy Kultury
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka przyjazna człowiekowi. Świat sztuki współczesnej - świat odbiorcy. Próba porozumienia
ART FRIENDLY TO MAN. THE WORLD OF CONTEMPORARY ART – THE WORLD OF THE RECIPIENT. ATTEMPT OF AGREEMENT
Autorzy:
Kwiatkowska-Tybulewicz, Barbara
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/579466.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Kujawsko-Pomorska Szkoła Wyższa w Bydgoszczy
Tematy:
sztuka współczesna
edukacja
wychowanie przez sztukę
contemporary art
education
education through art
Opis:
Tematem artykułu jest problem odrzucania sztuki współczesnej przez odbiorcę nieprofesjonalnego oraz związane z tym trudności z wykorzystaniem współczesnych projektów artystycznych w działaniach pedagogicznych. Autorka poszukuje przyczyn widocznego dziś rozdźwięku między światem sztuki współczesnej a światem odbiorcy, wykorzystując filozofię sztuki Arthura C. Danto oraz estetykę relacyjną Nicolasa Bourriauda. Współczesny odbiorca czuje się niekomfortowo w świecie sztuki, gdyż odbiega ona znacznie od potocznego rozumienia tego, czym jest sztuka „prawdziwa”. W artykule analizie poddano kilka wybranych projektów artystycznych mogących budować nić porozumienia między odbiorcą, a „sztuką po końcu sztuki”. Autorka poszukuje także miejsca dla pedagoga sztuki w relacji sztuka współczesna – odbiorca, zachęcając do spojrzenia na dzisiejsze działania artystyczne z perspektywy pedagogiki krytycznej.
The subject of the article is the problem of rejection of contemporary art by an unprofessional recipient and associated with this problem difficulties with the use of contemporary art projects in pedagogical activities. The author is seeking reasons for the gap between the world of contemporary art and the world of a recipient, using philosophy of Arthur C. Danto and relational aesthetics of Nicolas Bourriaud. Recipient feels uncomfortable in the contemporary art world, because it differs significantly from the current understanding of what “real” art should be. The article analyzes some selected artistic projects, which could build a common understanding between a recipient and the “art after the end of art.” The author is also looking for a space for a pedagogue of art in a relation between contemporary art and a recipient of art, and encourages us to look at today’s artistic activities from the perspective of critical pedagogy.
Źródło:
Rocznik Naukowy Kujawsko-Pomorskiej Szkoły Wyższej w Bydgoszczy. Transdyscyplinarne Studia o Kulturze (i) Edukacji; 2016, 11; 249-271
1896-5903
Pojawia się w:
Rocznik Naukowy Kujawsko-Pomorskiej Szkoły Wyższej w Bydgoszczy. Transdyscyplinarne Studia o Kulturze (i) Edukacji
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka i państwo - refleksje na marginesie 'Wolnego wyboru' Miltona i Rose Friedman
The Art and State - reflections on the margins of Milton and Rose Friedmans "Free to Choose"
Autorzy:
Tendera, Paulina
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/945725.pdf
Data publikacji:
2017-12
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
contemporary art
art market
libertarianism
capitalism
kapitalizm
sztuka współczesna
rynek sztuki
libertarianizm
Opis:
In this article we reflect on the relationship between the state and the contemporary art world. We show the errors that occur in the politics of art financed from public funds. Our authority are Milton and Rose Friedman and their book Free to choose.
Źródło:
Internetowy Magazyn Filozoficzny Hybris; 2017, 39 (4)
1689-4286
Pojawia się w:
Internetowy Magazyn Filozoficzny Hybris
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Skąd się wziął impas? Marii Poprzęckiej refleksje o sztuce współczesnej
Where Did the Impasse Come From? Maria Poprzęcka’s Reflections on Contemporary Art
Autorzy:
Dąbrowska, Judyta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2095970.pdf
Data publikacji:
2022-07-14
Wydawca:
Wydawnictwo Uniwersytetu Śląskiego
Tematy:
Maria Poprzęcka
impas
sztuka współczesna
kryzys sztuki
impasse
contemporary art
art crisis
Opis:
Celem artykułu jest skomentowanie wybranych problemów podjętych w ostatniej książce Marii Poprzęckiej pt. Impas. Opór, utrata, niemoc, sztuka (Gdańsk 2019) poszerzone o perspektywę wcześniejszych zainteresowań i prac naukowych oraz wypowiedzi krytycznych autorki. Rozważania nad problemami dzisiejszej twórczości artystycznej osnuto wokół kolejnych pojęć zawartych w podtytule książki. Uwagę skupiono na zagadnieniach związanych m.in. ze współczesnym opisem sztuki i osobowości artystów, ontologią dzieł oraz historyczną utratą umiejętności ich wartościowania. Autorka artykułu eksponuje wyzwania, jakie przed badaczami i krytykami sztuki stawia charakter współczesnej twórczości artystycznej w perspektywie jej odczuwalnego w społeczeństwie kryzysu odbiorczego. Przywołuje inspirujące opinie Poprzęckiej w tym zakresie, poparte jej wieloletnim namysłem badawczym. Podkreśla, iż autorka Impasu nie akceptuje tez o końcu sztuki i jako rozwiązanie zaistniałej sytuacji wskazuje potrzebę wychodzenia w dzisiejszym dyskursie krytyczno-artystycznym poza tradycyjnie rozumiane ramy nauki o sztuce, ku zagadnieniom antropologicznym czy socjologicznym. Intencją artykułu jest więc przybliżenie szerszemu gronu odbiorców proponowanej przez Poprzęcką otwartości na nowe perspektywy metodologiczne, niezbędne do pełnego zrozumienia problematyki współczesnej sztuki, a co za tym idzie – przełamania tytułowego impasu.
Judyta Dąbrowska’s aim in this article is to comment on selected problems addressed in Maria Poprzęcka’s latest book Impas. Opór, utrata, niemoc, sztuka [Impasse. Resistance, Loss, Impotence, Art] (Gdańsk 2019). The perspective has been broadened by the inclusion of the latter’s previous interests and scholarly works as well as critical statements. Dąbrowska relates her reflections on the problems of contemporary artistic creation to the concepts named in the subtitle of Poprzęcka's book. Dąbrowska focuses her attention on issues related to, among other things, the contemporary description of art and of the personality of artists, the ontology of works and the historical loss of their ability to evaluate works of art. Dąbrowska highlights the challenges posed to researchers and art critics by the nature of contemporary artistic creation in the perspective of its crisis as it is experienced by society. She recalls Poprzęcka’s inspiring opinions in this area, supported by the latter’s many years of research and reflection. Dąbrowska emphasizes that Poprzęcka does not accept the thesis about the end of art, and points, as a solution to the existing situation, to the need to go beyond the traditionally understood framework of art science in today’s critical-artistic discourse, so as to open reflection on art to anthropological or sociological issues. Dąbrowska’s intention in this article is therefore to bring closer to a wider audience the openness to new methodological perspectives proposed by Poprzęcka, as a condition that makes it possible to fully understand the issues of contemporary art, and thus to overcome the impasse named in the title of the book.
Źródło:
Postscriptum Polonistyczne; 2022, 29, 1; 1-13
1898-1593
2353-9844
Pojawia się w:
Postscriptum Polonistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Golem. Podmiotowość Posthumanistyczna, Zbuntowana i Rewolucyjna
The Golem. Posthumanistic, Rebellious and Revolutionary Subjectivity
Autorzy:
Maciudzińska-Kamczycka, Magdalena
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424319.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
Golem,
judaizm,
kabała,
posthumanizm,
sztuka współczesna
judaism,
Kabbala,
posthumanism,
contemporary art
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2018, 19; 59-65
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Jacquine Livigstone. Fotografia Jako Narzędzie Socjo-Politycznej Zmiany
Jacqueline Livingston. Photography as a Tool of Socio-Political Change
Autorzy:
Balińska, Mariola
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424399.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
Golem,
judaizm,
kabała,
posthumanizm,
sztuka współczesna
judaism,
Kabbala,
posthumanism,
contemporary art
Opis:
Amerykańska artystka Jacqueline Livingston eksperymentowała z narracją biograficzną i socjologicznym komentarzem zmian społecznych lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych dwudziestego wieku. W swoich pracach artystka rejestrowała najbliższe otoczenie oraz wątki związane z przemijaniem i materialnością ludzkiego życia. Jej sztuka odnosi się do dwóch kluczowych dekad w sztuce amerykańskiej i takich zjawisk, jak wkraczająca na scenę artystyczną druga fala feminizmu, połączona z politycznymi postulatami równości płci, ze sprzeciwem wobec dyskryminacji oraz z ruchami pacyfistycznymi. Jej twórczość była głosem pokolenia, które ceniło wolność i ideały demokratyczne. Wczesne fotografie Livingston pochodzą z lat sześćdziesiątych kiedy artystka rozpoczęła edukację artystyczną w Arizona State University. Brała wówczas udział w demonstracjach przeciwko wojnie w Wietnamie, angażowała się także w działalność grup feministycznych mających na celu podnoszenie świadomości równouprawnienia wśród kobiet. To działanie na rzecz przemian politycznych i społecznych był dla Livingston impulsem do tworzenia sztuki odrzucającej obowiązujące standardy tematyczne i wystawiennicze. Feminizm stał się ruchem społecznym, walczącym również z przejawami dyskryminacji kobiet w świecie sztuki. Przemiany społeczno-polityczne połączone z rewolucją seksualną skierowały uwagę artystki na ciało i seksualność człowieka. W jej twórczości wiele jest fascynacji męskim ciałem w różnym wieku. Jako wykładowczyni akademicka w 1975 roku podczas zbiorowej wystawy pokazała akty swego 6-letniego syna, co uruchomiło atak męskiego środowiska akademickiego i oskarżenia. Mimo że zarzuty wobec artystki zostały odrzucone, jej kariera artystyczna nie rozwinęła się należycie. Livingston dokonała świadomego przeniesienia tego, co jest prywatne, w przestrzeń publiczną. Dokumentując przestrzeń prywatną własnej rodziny, Livingston stała się częścią polityki, a jej prace poddano szerokiej ocenie wartościującej negatywnie. Ostatnie 30 lat życia dzieliła między Ithacę i Maui (Hawaje), gdzie mieszka jej syn z rodziną. Wciąż wykonywała tysiące fotografii swoim najbliższym, tworząc kolekcję obrazów opowiadających o bliskości, miłości i intymności. Jacqueline Livingston zmarła w 2013 roku. Mimo odważnej i nieugiętej postawy manifestowanej potrzebą równości w podejmowaniu tematów sztuki jej twórczość pozostała w cieniu feminizmu lat siedemdziesiątych. Warto podjąć refleksję i zbadać dorobek tej artystki, aby przywrócić pamięć o tak ważnej postaci dla amerykańskiej kultury.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2018, 19; 43-50
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Mandala – symbol emanacji jedności w wielości Interpretacja motywu w sztuce współczesnej
Mandala – a symbol of the reflection of unity in multiplicity. The interpretation of this motif in contemporary art
Autorzy:
Gil, Anna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/514888.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Fundacja dzień dobry! kolektyw kultury
Tematy:
mandala
buddhism
Jung
interpretation
contemporary art
jung
buddyzm
interpretacja
sztuka współczesna
Opis:
The mandala symbol, which is a sui generis cultural phenomenon, however not because of its uniqueness, but generality of occurrence, and also a subject of the author's research interests, became the reason for writing this article. Mandala in the Eastern tradition, precisely in Buddhist tradiction, is a symbol of fullness, wholeness, emanation of unity in multiplicity. That is a uni-versal motif, which can be found in a wide range of cultural circles (f.e. in architecture, crafts and rituals). The aim of the article is to prove, that this symbol refers to unity and multiplicity in various ways of interpreting, among others, in Jungian psychology, semiology or Buddhist phi-losophy.
Źródło:
Amor Fati; 2017, 1(7); 58-77
2449-7819
Pojawia się w:
Amor Fati
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Skandal artystyczny
The Art Scandal
Autorzy:
Golka, Marian
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/985751.pdf
Data publikacji:
2013-03-01
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN
Tematy:
art scandal
media scandal
kitsch
contemporary art
skandal artystyczny
skandal medialny
kicz
sztuka współczesna
Opis:
Scandals can occur in various spheres of life and can involve customs, religion, politics, or art. Of course, these aspects are sometimes intertwined, but the author’s considerations here concern primarily scandals related to art, both real art scandals and media scandals, their manifestations and effects. The underlying premise is that an art-related media scandal is kitsch in reverse - that is, a marketing action intended to help the functioning of the art market. Under the impact of provocations and media scandals, the system of art’s functioning is undergoing a profound transformation. Although scandals bring art (or at least some of its manifestations) into wider social circulation, it is an extremely trivial and superficial circulation; above all, it is not always adequate to the value of the art offering.
Źródło:
Kultura i Społeczeństwo; 2013, 57, 1; 103-116
2300-195X
Pojawia się w:
Kultura i Społeczeństwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Marka artystyczna. Jak rozumiane jest pojęcie marki w świecie sztuki?
The Artistic Brand: How is the Concept of a Brand Understood in the Art World?
Autorzy:
Szymańska-Palaczyk, Agnieszka
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1373208.pdf
Data publikacji:
2017-01-30
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN
Tematy:
brand
artistic brand
contemporary art
art world
marka
marka artystyczna
sztuka współczesna
świat sztuki
Opis:
This article shows how members of the contemporary art world in Poland understand the concept of the brand: how they define and validate it; what associations it evokes; and what kind of language is used to speak about it. The article summarizes part of the research conducted in 2015 with members of the art world within the framework of the project ‘The Artistic Brand as a Social Phenomenon: The Creation, Differentiation, and Role of Artistic Brands in Contemporary Poland.’ Thoughts on the subject of art brands lead to a description of the state of contemporary art in Poland. The definitions formulated by the respondents are compared to marketing theories, thus making it possible to determine the respondents’ level of knowledge of such theories. In conclusion, definitions of artistic brands are reviewed and supplemented on the basis of the material obtained from the research.
Źródło:
Kultura i Społeczeństwo; 2017, 61, 1; 231-251
2300-195X
Pojawia się w:
Kultura i Społeczeństwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka w COVIDZIE. Instytucje upowszechniające sztukę współczesną w czasie pandemii i ich publiczność
Art in COVID-19 pandemic. Institutions disseminating contemporary art during the pandemic and their audience
Autorzy:
Franckiewicz-Olczak, Izabela
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/20679234.pdf
Data publikacji:
2023
Wydawca:
Uniwersytet Łódzki. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego
Tematy:
COVID-19
sztuka współczesna
anomia
muzea
galerie
contemporary art
anomy
museums
galleries
Opis:
Artykuł, bazując na badaniach jakościowych i danych dotyczących frekwencji, analizuje funkcjonowanie instytucji upowszechniających sztukę współczesną i zachowania ich odbiorców podczas pandemii COVID-19. Do interpretacji omawianych zjawisk zastosowana została koncepcja anomii Émile’a Durkheima i typów indywidualnego przystosowania Roberta K. Mertona.
The article, based on qualitative research and attendance data, analyzes the functioning of institutions promoting contemporary art and the behavior of their recipients during the COVID-19 pandemic. The concept of Émile Durkheim’s anomy and Robert K. Merton’s deviant behavior was used to interpret the discussed phenomena.
Źródło:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Sociologica; 2023, 85; 43-55
0208-600X
2353-4850
Pojawia się w:
Acta Universitatis Lodziensis. Folia Sociologica
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The current state of language in contemporary art and cinema: from William Wordsworth and Hugo von Hofmannsthal to Jean Luc-Godard and Milosz Odobrovic
Aktualny stan języka w sztuce i kinie współczesnym: od Williama Wordswortha i Hugo von Hofmannsthala do Jeana Luc-Godarda i Miłosza Odobrovicia
Autorzy:
Vaso, Jora
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1361185.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Akademia Pomorska w Słupsku
Tematy:
język
nowoczesność
sztuka współczesna
kino
digitalizacja
Language
Modernity
Contemporary Art
Cinema
Digitalization
Opis:
The ability of language to fully capture the human experience or encompass nature’s limitlessness has been questioned since before the 1900’s. “O nature, and O soul of man! how far beyond all utterance are your linked analogies” writes Herman Melville in 1851’s Moby Dick. In Hugo von Hofmannsthal’s The Letter of Lord Chandos, the former writer Lord Chandos agonizes over language’s lack of profundity, seeking to think “in a medium more immediate, more liquid, more glowing than words.” Lord Chandos indeed describes a future “with a language that is no language and that, until this language is found, the only possibility is silence” (Richard Sheppard, Modernism: A Guide to European Literature), echoing Ludwig Wittgenstein’s words: “what can be said at all can be said clearly, and what we cannot talk about we must pass over in silence”. Since then, the digital age has brought on such a simplification of language – with acronyms, emoticons, chatting, and an increased reliance on images – that without entirely relinquishing language, is unintentionally moving humanity towards a kind of silent existence. Is this a sign of the apocalypse of language, an acceptance of its inadequacy or merely a transformational phase? In Invisible Cities, Italo Calvino attributes the undoing of language to the cyclical nature of communication, as Marco Polo and Kublai Khan shift from simplistic gestures to descriptive language and vice versa, failures of one leading to the reintroduction of the other. As contemporary art and cinema illustrate (specifically Jean Luc-Godard’s recent film Goodbye to Language as well as the works of modern artists like Milosz Odobrovic, among others) we find ourselves confronting the failures of language but not yet equipped to fathom a world without it.
Zdolność języka do pełnego uchwycenia ludzkiego doświadczenia lub objęcia nieograniczonej natury została zakwestionowana przed 1900 rokiem. W „Liście lorda Chandosa” Hugo von Hofmannsthala pisarz Lord Chandos dręczy się brakiem głębi języka, starając się myśleć „w bardziej bezpośredni sposób, bardziej płynny, jaśniejszy niż słowa”. Od tego czasu era cyfrowa przyniosła takie uproszczenie języka – z akronimami, emotikonami, rozmowami online i zwiększoną zależnością od obrazów – które bez całkowitego zrzeczenia się języka, nieumyślnie przenosi ludzkość w kierunku pewnego rodzaju cichego istnienia. Czy jest to znak apokalipsy języka, akceptacja jego nieadekwatności, czy tylko faza transformacyjna?
Źródło:
Świat Tekstów. Rocznik Słupski; 2019, 17; 21-30
2083-4721
Pojawia się w:
Świat Tekstów. Rocznik Słupski
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Czy to jeszcze sztuka? Dylematy współczesnej estetyki
Is it still art? Dilemmas of contemporary aesthetics
Autorzy:
Góra, Sylwia
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/459878.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Fundacja Pro Scientia Publica
Tematy:
estetyk
sztuka współczesna
zmierzch
dylemat
artysta
aesthetics
contemporary art
fall
dilemma
artist
Opis:
Niniejszy artykuł pokazuje kilka z najważniejszych w wieku XX i XXI problemów z jakimi musi się zmierzyć estetyka. Czy wciąż może ona być „partnerem” dla sztuki współczesnej? Czy potrafi ją zrozumieć, opisać i wyjaśnić odbiorcy? A może już nie na tym polega jej rola? Artykuł przybliża początek problemów estetyki związanych z brakiem porozumienia ze sztuką, na przykładzie rozważań polskiej krytyk sztuki i dyrektor licznych muzeów sztuki współczesnej Anny Marii Potockiej. Oprócz teoretycznych rozważań niniejsza praca próbuje również zobrazować dylematy współczesnej sztuki na przykładzie konkretnych działań artystycznych w Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie.
This article shows some of the most important problems in the twentieth and twenty-first centuries of issues facing aesthetics. Can you still be a partner for contemporary art? Are you able to understand, describe and bring the audience? Or maybe it's not its role? My article introduces the beginning of the problems of aesthetics and art, for example considerations of the Polish art critic and director of many contemporary art museums Anna Maria Potocka. In addition to theoretical considerations, this paper also attempts to portray it as an example of specific artistic activities at the Museum of Contemporary Art in Krakow.
Źródło:
Ogrody Nauk i Sztuk; 2014, 4; 519-523
2084-1426
Pojawia się w:
Ogrody Nauk i Sztuk
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Atlas działań niepotrzebnych Juliana Rosefeldta
Atlas of Unnecessary Actions of Julian Rosefeldt
Autorzy:
Pitrus, Andrzej
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341016.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Julian Rosefeldt
film galeryjny
sztuka współczesna
instalacja artystyczna
gallery film
contemporary art
installation art
Opis:
Tekst jest prezentacją twórczości Juliana Rosefeldta, którego Manifesto stało się sensacją w świecie zarówno filmu artystycznego, jak i sztuki współczesnej. Rosefeldt reprezentuje sferę tak zwanego filmu galeryjnego. Jego prace sytuują się na pograniczu kina, fotografii i instalacji. Różnorodność stylistyk i tematów utrudnia jednoznaczne podsumowanie jego twórczości, ale uwagę zwracają próby mierzenia się z najnowszą historią Niemiec, a także podejmowane coraz częściej wątki egzystencjalne. Pitrus analizuje również kwestie formalne – bardzo ważne w dokonaniach niemieckiego artysty, coraz częściej sięgającego po rozwiązania rodem z wysokobudżetowych produkcji Hollywoodu.
The text is a presentation of the work of Julian Rosefeldt, whose Manifesto has become a sensation in the world of both artistic film and contemporary art. Rosefeldt represents the sphere of the so called gallery film. His works are located on the borderline of cinema, photography and installation art. The variety of styles and themes makes it difficult to unambiguously summarize his work, but attention is drawn to the attempts to confront the latest history of Germany, as well as increasingly present existential themes. Pitrus also analyses formal issues - very important in the achievements of the German artist, increasingly reaching for solutions straight from high-budget Hollywood productions.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2018, 101-102; 203-210
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Co to znaczy być artystą/artystką?
What Does It Mean to Be an Artist?
Autorzy:
Krajewski, Marek
Schmidt, Filip
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1373186.pdf
Data publikacji:
2017-01-30
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Czytelnia Czasopism PAN
Tematy:
art
contemporary art
artist
art field
art collection
sztuka
sztuka współczesna
artysta
pole sztuki
odbiór sztuki
Opis:
Who is an artist? Questions over how to define this role divided the makers of the project The Invisible Visual: Visual Art in Poland—Its State, Role, and Significance. The authors’ sources of data were the results of a nationwide survey, a survey of graduates of the Polish Academy of Fine Arts in the years 1975–2011, and in-depth interviews with seventy individuals in the field of visual arts. The authors were able to establish, first, that persons working in the art field give different definitions from those beyond its bounds; second, that artists, decision-makers, curators, and critics try to defend the sense and autonomy of their activities against ways of thinking and acting that are typical of other areas of the social world (while they are themselves engaged in disputes over who has a right to call him- or herself an artist and what is and isn’t good art); and third, being an artist is marked by a difficult-to-cross boundary, as is shown by the common necessity of supplementing artistic work by other sources of income and the high risk of failure in an artistic career.
Źródło:
Kultura i Społeczeństwo; 2017, 61, 1; 71-99
2300-195X
Pojawia się w:
Kultura i Społeczeństwo
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
African contemporary art and the curatorial turn
Afrykańska sztuka współczesna a zwrot kuratorski
Autorzy:
Pawłowska, Aneta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/593959.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Łódzkie Towarzystwo Naukowe
Tematy:
African art
curatorial turn
museum
exhibitions
contemporary art
sztuka afrykańska
zwrot kuratorski
muzeum
wystawy
sztuka współczesna.
Opis:
During the fifty year period of the second half of the 20th century the field of African Art History, as well as the forms of art studies and art exhibitions have changed considerably. This article considers the evolution of the idea of African identity in contemporary arts. I would like to examine the different forms of art representation and interviewing of African fine arts in the last three decades. In order to illustrate the dynamic changes in the European approach to African Art, it is simply enough to recall the famous remarks of Carl Einstein and Roy Sieber on that subject or William Rubin’s controversial exhibition Primitivism in 20th Century Art at the Museum of Modern Art in New York (1984). It seems that the visibly growing practice of engaging curators of African origin in the creation of exhibitions of modern African art, particularly as a strategy to incorporate the voices of those represented, is one of the most important aspects of the “curatorial turn” of the 21st century.
W II połowie XX wieku podejście do historii sztuki afrykańskiej jako dziedziny naukowej jak też formy studiów artystycznych oraz wystaw tejże sztuki znacznie się zmieniły. Celem artykułu jest zobrazowanie ewolucji idei tożsamości współczesnej sztuki afrykańskiej poprzez prezentację sposobów ekspozycji tej sztuki w ciągu ostatnich trzech dekad. Aby pojąć dynamikę zmian w europejskim podejściu do sztuki afrykańskiej, wystarczy przypomnieć słynne uwag Carla Einsteina i Roya Siebera z I połowy XX w. na ten temat lub kontrowersyjną wystawę Williama Rubina w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (1984), pt. Primitivism in 20th Century Art. Wydaje się, że obecnie proces przemian w postrzeganiu i prezentowaniu współczesnej sztuki afrykańskiej pogłębia się. Jednocześnie rośnie udział kuratorów pochodzenia afrykańskiego, co pozwala na stworzenie nowej strategii kuratorskiej – prawdziwego „zwrotu kuratorskiego” z początku XXI w., który pozwala odzyskać głos uprzednio jedynie reprezentowanym Afrykanom.
Źródło:
Art Inquiry. Recherches sur les arts; 2015, 17; 219-237
1641-9278
Pojawia się w:
Art Inquiry. Recherches sur les arts
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies