Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "Animacja" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 19
Tytuł:
Tęcza Arystotelesa. Droga animacji komputerowej do pierwszych efektów cyfrowych w filmie
Aristotle’s Rainbow: The Path of Computer Animation to First Digital Special Effects in Film
Autorzy:
Aptacy, Piotr
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341680.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
efekty specjalne
animacja komputerowa
animacja cyfrowa
special effects
computer animation
digital animation
Opis:
Pojawienie się w latach 70. XX w. pierwszych generowanych komputerowo efektów specjalnych na zawsze zmieniło oblicze światowej kinematografii. Przełom ten stał się możliwy dzięki pracy inżynierów, programistów i filmowców eksperymentatorów, którzy przez dwie wcześniejsze dekady zajmowali się rozwijaniem algorytmów graficznych i odkrywaniem potencjału artystycznego nowej, cyfrowej wizualności. Okres ten cechowała wyjątkowa atmosfera kreatywności uzyskana dzięki kooperacji jakże odmiennych od siebie środowisk artystycznych i naukowych. Proces kształtowania się tej zależności można prześledzić, odwołując się do osiągnięć braci Whitney, Ch. Csuriego, P. Foldesa oraz pracowników ośrodków badawczych (jak K. Knowlton, H. Gouraud, E. Catmull i inni). Okaże się wtedy, że wczesne cyfrowe animacje, które fascynowały widzów takich pozycji, jak Świat Dzikiego Zachodu (Westworld, 1971) Michaela Crichtona, Gwiezdne wojny (Star Wars, 1977) George’a Lucasa czy Czarna dziura (Black Hole, 1979) Gary’ego Nelsona, są odziedziczonym przez kino spadkiem po innowacyjnych dokonaniach twórców eksplorujących od lat 50. domenę animacji komputerowej.
The appearance of the first computer-generated special effects in the 1970s has forever changed the face of world cinema. This breakthrough had been made possible by the work of the engineers, programmers and experimental filmmakers, who for the preceding two decades developed graphic algorithms and explored the artistic potential of new digital visuals. This period was characterized by a unique atmosphere of creativity gained through the cooperation of so many different artistic and scientific circles. The process of shaping this relationship can be traced back to the achievements of the Whitney brothers, Ch. Csuri, P. Foldes and staff of research centres (such as K. Knowlton, H. Gouraud, E. Catmull et al.). It appears that early digital animations, which fascinated viewers, such as for example Michael Crichton’s Westworld (1971), George Lucas’s Star Wars (1977), and Gary Nelson’s Black Hole (1979), are the descendants of the innovations made by the film makers, who since the 1950s, explored the domain of computer animation.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 99; 119-130
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Metafizyka w „Labiryncie” Jana Lenicy
The Metaphysics in “The Labyrinth” by Jan Lenica
Autorzy:
Hendrykowski, Marek
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341620.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Jan Lenica
animacja
kino polskie
animation
Polish cinema
Opis:
W tekście poświęconym Labiryntowi (1962) Jana Lenicy autor – za pomocą serii mikronaliz skoncentrowanych na funkcji semantycznej poszczególnych elementów (akcja, fabuła, narracja, bohater, postaci, muzyka itp.) – odkrywa nowe pokłady interpretacyjne tej słynnej krótkometrażówki. Hendrykowski wskazuje na związki łączące arystotelesowską poetykę tego filmu z oryginalną wizją współczesnej cywilizacji. W konkluzji czytamy: Animator posiada zdolność oswobodzenia własnej wyobraźni od tego, co byłoby dla niej skrępowaniem, obciążeniem i uwięzieniem. W tym celu używa języka ruchomych obrazów wyposażonych w moc symboliczną, zdolnych przedstawiać rzeczy, jakimi są naprawdę. Jako artystę kina nie ogranicza go ani wykreowany świat, ani prawa fizyczne, które rządzą filmowaną (fotografowaną) ‘in crudo’ rzeczywistością, ani ciało aktora wykonawcy.
In the article on The Labyrinth (1962) by Jan Lenica, Hendrykowski – with the help of a series of micro-analyses focused on the semantic functions of individual elements (action, plot, narrative, protagonist, characters, music etc.) – discovers new layers of interpretation of this famous short feature film. The author points to the links between the Aristotelian poetics of this film with the original vision of modern civilization. He concludes that: The animator has the ability to free his imagination from that which binds and restricts it. In order to do it he uses the language of moving images loaded with symbolic meaning, images that can show things as they really are. As a cinema artist he is not limited by the world created, or the laws of physics that govern the filmed (photographed) ‘in crudo’ reality, nor by the body of the actor.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 96; 165-174
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Festiwal Etiuda&Anima, czyli filmowe święto (z doświadczeń własnych autora)
Etiuda&Anima Festival, or a Celebration of Film (From the Author’s Own Experience)
Autorzy:
Zmudziński, Bogusław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341690.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Etiuda&Anima
festiwal filmowy
animacja
film festival
animation
Opis:
Autor tekstu kreśli obraz ewolucji zainicjowanego przez siebie w 1994 r. Międzynarodowego Festiwalu Filmowego Etiuda – alternatywnego festiwalu poświęconego twórczości studentów szkół filmowych i artystycznych. W ciągu minionego ćwierćwiecza festiwal, który powstał jako uzupełnienie Festiwali Filmów Krótkometrażowych w Krakowie, rozwinął się jako impreza promująca nie tylko twórczość studencką, ale od 2005 r. także (pod zmienioną nazwą Etiuda&Anima) animację artystyczną z całego świata i ostatecznie w roku 2017 r. – przez organizację trzeciego, tym razem krajowego konkursu – polską animację artystyczną. Dzieląc się własnymi doświadczeniami, autor formułuje tezę o możliwości wcielenia w życie idei festiwalu jako święta filmowego – autorskiego projektu realizującego swoje zadania przez organizację konkursów filmowych i krzewienie kultury filmowej w ramach bogatego programu imprez towarzyszących.
The author of the text draws a picture of the evolution of the Etiuda International Film Festival, initiated by himself in 1994, an alternative festival dedicated to the creativity of film and art school students. During the last quarter of the century, the festival, which was created as a side event of the Short Film Festival in Krakow, has developed not only as an event promoting student work, but since 2005 also artistic animation from around the world (under the changed name Etiuda&Anima) and finally in 2017 through organization of the third, this time a national competition, Polish artistic animation. By sharing his own experiences, the author formulates the thesis on the possibility of implementing the idea of the festival as a celebration of film - an original project that accomplishes its tasks by organizing film competitions and promoting film culture as part of a rich program of accompanying events.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 100; 22-33
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Młodzi (i zdolni) o animacji
Young (and Talented) on Animation
Autorzy:
Pitrus, Andrzej
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341258.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Olga Bobrowska
Michał Bobrowski
Europa Środkowa
animacja
Central Europe
animation
Opis:
Autor przedstawia recenzję pracy zbiorowej Obsession, Perversion, Rebellion. Twisted Dreams of Central European Animation pod redakcją Olgi Bobrowskiej i Michała Bobrowskiego (2016). Ta angielskojęzyczna publikacja gromadzi – jak zauważa Pitrus – teksty o ambicjach naukowych, choć czasem są one bliższe nieco „unaukowionej” krytyce niż „twardej” nauce. Tematyka została zawężona do animowanego kina Europy Środkowej, ale dodatkowo uzupełniono ją o wątki włoskie. Jak przekonują redaktorzy tomu, animowane kino Italii (zwłaszcza północnych Włoch) pozostaje w bliskiej relacji z realizacjami z krajów Grupy Wyszehradzkiej. Tu natomiast uprzywilejowaną pozycję zajmują Polska i Czechy, bowiem to właśnie w tych dwóch krajach animacja autorska ma, lub przynajmniej miała, się najlepiej. Część pierwsza antologii dotyczy kontekstów kina animowanego, natomiast w części drugiej zaprezentowano cztery case studies. W opinii recenzenta książka ta, ze względu na język publikacji, może być na świecie doskonałą wizytówką kina animowanego z tej części Europy.
The author presents a review of the collective work Obsession, Perversion, Rebellion: Twisted Dreams of Central European Animation edited by Olga Bobrowska and Michał Bobrowski (2016). This English-language publication consists of - as Pitrus notes - texts with academic ambitions, which in fact are sometimes closer to a critique with elements of popular science, rather than hard science. The subject was narrowed down to the animated cinema of Central Europe but additionally supplemented with Italian themes. As illustrated by the editors of the volume, animated cinema of Italy (especially northern Italy) remains in a close relation with the productions of the countries of the Visegrad Group. Here, however, Poland and the Czech Republic have a privileged position, because it is in these two countries that original, independent animation fares, or at least fared, the best. The first part of the anthology deals with the contexts of animated cinema, while the second part presents four case studies. In the reviewer’s opinion, this book, due to the language of publication, can be the perfect showcase of animated cinema in this part of Europe.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 99; 223-226
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
New Yorkers, czyli wśród twórców amerykańskiej animacji niezależnej
New Yorkers, or the Makers of Independent American Animation
Autorzy:
Zmudziński, Bogusław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342037.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
animacja
kino niezależne
Nowy Jork
animation
independent cinema
New York
Opis:
W opinii Giannalberta Bendazziego, sformułowanej w wydanej niedawno fundamentalnej trzytomowej pracy Animation. A World History (2016), Nowy Jork to główne centrum rozwoju amerykańskiej animacji niezależnej. Potwierdza to również trudno dostępna, wydana przed laty z inicjatywy Billa Plymptona, Signe Baumane i Patricka Smitha, dwupłytowa edycja DVD zatytułowana Avoid Eye Contact. Best of NYC Independent Animation (2003, 2005). Autor tekstu rekonstruuje listę artystów należących do tego nowojorskiego środowiska, kreśląc przy tej okazji sylwetki dwojga najbardziej znanych na świecie jego reprezentantów. Służą temu rozmowy przeprowadzone z Billem Plymptonem i Signe Baumane w Krakowie podczas udziału animatorów w dwóch edycjach Międzynarodowego Festiwalu Filmowego Etiuda&Anima, które odbyły się w latach 2007 i 2015.
According to the opinion of Giannalberto Bendazzi, expressed in the recently published three volume work Animation. A World History (2016), New York is a major centre for the development of American independent animation. This is also confirmed by a double DVD released thanks to the initiative of Bill Plympton, Signe Baumane and Patrick Smith entitled Avoid Eye Contact. Best of NYC Independent Animation (2003, 2005). The author of the article reconstructs the list of artists belonging to the New York community and uses the occasion to bring us closer to the two most important representatives of the movement – Bill Plympton and Signe Baumane, whom he interviewed in Krakow, during the International Film Festival Etiuda&Anima that took place in 2007 and 2015.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 269-275
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
„Square”, „White Negro” i The Beatles, czyli kogo spotkał Mowgli w drodze do ludzkiej osady
Square, White Negro and the Beatles, or Whom Mowgli Met on Route to the Village
Autorzy:
Kościelski, Kamil
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342042.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Wolfgang Reitherman
animacja
Louis Armstrong
The Beatles
rasa
animation
race
Opis:
Twórcy Księgi dżungli (The Jungle Book, reż. Wolfgang Reitherman, 1967), kreując wizerunek filmowej małpy, wzorowali się na postaci Louisa Armstronga, któremu bohater ten zawdzięcza swe imię i przydomek króla swingu (myśl o zaangażowaniu jazzmana do roli króla Louie porzucono w obawie przed prawdopodobnymi protestami NAACP). Z kolei źródłem inspiracji dla filmowych sępów byli członkowie zespołu The Beatles. Wspomniane postacie utożsamiane są z trendami muzycznymi (jazz i rock) łączonymi z ruchami kontrkulturowymi (Beatnicy i hipisi). Biorąc pod uwagę inne zawarte w filmie odniesienia do amerykańskiej kultury oraz jego wyraźnie konserwatywny wydźwięk, rodzi się pytanie, czy inicjacyjna opowieść o Mowglim nie jest aby historią o ówczesnych dylematach młodych widzów? Autor przybliża obecne w Księdze dżungli aluzje do kultury tamtego okresu, omawia utwór na tle przemian społecznych w Ameryce lat 60., a także opisuje sposób ukazywania czarnoskórych osób w hollywoodzkim filmie animowanym, co stanowi uzupełnienie wywodu dotyczącego kontrowersji narosłych wokół postaci króla Louie.
The creators of the film The Jungle Book (dir. Wolfgang Reitherman, 1967), creating the image of the film ape, modelled it on the character of Louis Armstrong, to whom the character owes his name and nick name of the King of Swing (the idea of engaging the jazzman for the role of King Louie was abandoned in fear of protests of the NAACP). In turn the film vultures were inspired by The Beatles. The mentioned characters are identified with musical trends (jazz and rock) that are associated with counterculture (beatniks and hippies). Given other references to the American culture present in the film and its clearly conservative character, one has to ask whether the story about Mowgli is not the story of the contemporary dilemmas of young viewers. The author discusses the allusions present in The Jungle Book to the culture of the period, analyses the work in the context of social changes of the 1960s in America, and describes the way black people were portrayed in American animation of the time, which adds to the argument dealing with the controversy surrounding the character of King Louie.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 177-192
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
W pułapce przedmiotów Jana Švankmajera
In the Trap of Objects of Jan Švankmajer
Autorzy:
Ciszewska, Ewa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/29520521.pdf
Data publikacji:
2021
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Jan Švankmajer
animacja filmowa
film czeski
Praga
film animation
Czech film
Prague
Opis:
Książka Bogusława Zmudzińskiego Twórczość filmowa Jana Švankmajera. Główne konteksty kulturowe i ideowe (2020) jest próbą odpowiedzi na pytanie o zasadnicze konteksty dla analizy krótkometrażowej twórczości Alchemika z Pragi. Autor przekonuje, że Jan Švankmajer jest kontynuatorem i polemistą wobec dzieła i twórczości malarza manierycznego Giuseppe Arcimboldiego. W zebranych esejach Zmudziński analizuje wybrane aspekty twórczości Švankmajera, lokując je w kontekście dzieła Arcimboldiego. Na uwagę zasługują w szczególności poruszone przez autora publikacji zagadnienia festiwalowej recepcji twórczości Švankmajera oraz postulat uwzględnienia lokalnych kontekstów powstawania filmów w procesie finalnej interpretacji dzieła.
Bogusław Zmudzinski’s book Twórczość filmowa Jana Švankmajera. Główne konteksty kulturowe i ideowe [Film Works of Jan Švankmajer: Main Cultural and Ideological Contexts] (2020) is an attempt to answer the question about the contexts essential in analyzing the short film work of the Prague Alchemist. The author argues Švankmajer’s works is a polemical continuator of the oeuvre of the mannerist painter Giuseppe Arcimboldi. In his essays, Zmudzinski analyzes selected aspects of Švankmajer’s work by locating them in the context of Arcimboldi’s painting. Although the reviewer criticizes the disorderly line of argumentation, she acknowledges Zmudzinski’s research proposals as broadening the field of consideration of Polish and Czech film animation. Particularly noteworthy are the issues of festival reception of Švankmajer’s works and the postulate to take into account the local contexts of filmmaking in the process of the final interpretation of the work.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2021, 114; 233-238
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
„Dokument”, „We Have One Heart”, „Papa”. Zagubieni ojcowie, dokument, animacja i autobiografia
“Dokument”, “We Have One Heart”, “Papa”: Lost Fathers, Documentary, Animation and Autobiography
Autorzy:
Powierska, Agnieszka
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31340420.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
animacja
dokument
dokument animowany
animadok
fotografia
animation
documentary
animated documentary
animadoc
photography
Opis:
Tematem artykułu są trzy krótkometrażowe filmy z pogranicza dokumentu i animacji, zrealizowane przez twórców młodego pokolenia: Dokument Marcina Podolca (2015), We Have One Heart Katarzyny Warzechy (2020) i Papa Maryi Yakimovich (2020). Opowiadają one historie złożonych relacji między dzieckiem a ojcem. Autorka powołuje się na opracowania Anabelle Honess Roe oraz polskie próby konceptualizacji dokumentu animowanego, proponuje też definicję formuły nawiązującą m.in. do kategorii paktu referencjalnego Philippe’a Lejeune’a. Autorka przeprowadza formalistyczną analizę filmów, badając zbieżności między nimi. W nawiązaniu do uwag Katarzyny Mąki-Malatyńskiej i Michała Piepiórki na temat znaczeń materiałów faktualnych w dokumentach animowanych, przygląda się sposobom użycia rodzinnych pamiątek w analizowanych utworach; następnie omawia wykorzystanie w nich konwencji autobiograficznych. Siła oddziaływania tych filmów wynika z połączenia konwencji dokumentalnych, perspektywy subiektywnej i kreacyjnych rozwiązań formalnych.
The article discusses three short films created on the border of documentary and animation by filmmakers of the young generation, telling the stories of complicated child-father relationships: Dokument (A Documentary Film, 2015) by Marcin Podolec, We Have One Heart by Katarzyna Warzecha (2020) and Papa by Maryia Yakimovich (2020). In her considerations of the animated documentary, the author refers to Anabelle Honess Roe’s work, as well as to Polish studies on this film form. Taking into account the arguments of Polish researchers, the author proposes a definition drawing, i.a., on Philippe Lejeune’s category of the referential pact. The author conducts a formalistic analysis of the films, examining the similarities between them. In the first part, in reference to the remarks of Katarzyna Mąka-Malatyńska and Michał Piepiórka on the meaning of factual materials in animated documentaries, she examines the use of family mementos in the analysed works. Then she discusses the use of autobiographical conventions. The impact of these productions results from the fruitful combination of documentary conventions, a subjective perspective, and creative formal solutions.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2020, 112; 66-84
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Chińska esencja, zachodni trik. Malarstwo tuszu i wody w filmie animowanym
Chinese Essence, Western Trick: Ink and Water Paintings in Animated Film
Autorzy:
Bobrowska, Olga
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341358.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
kino chińskie
animacja chińska
sztuka chińska
Chinese cinema
Chinese animation
Chinese art
Opis:
Artykuł jest próbą zrekonstruowania koncepcji ideologicznych oraz metod artystycznych, jakie postulowali oraz praktykowali twórcy chińskich filmów animowanych inspirowanych tradycyjnym malarstwem, stanowiących realizację odgórnie narzuconego wyzwania o charakterze ideologicznym. Analizie zostaje poddany proces realizacji filmów wykonanych w malarskiej technice tuszu i wody. Autorka odwołuje się do czterech filmów, które powstały w Szanghaju w latach 1960-1988 i zajmują ważną pozycję w utrwalonym kanonie. Rozwój historyczny chińskiej animacji zostaje ujęty w ramach koncepcji zasadniczych dla współczesnej myśli estetycznej oraz praktyki artystycznej: zhongti, xiyong (chińska substancja, zachodni środek), minzu (sztuka narodowa) oraz meishu (sztuki piękne).
This article attempts to reconstruct the ideological concepts and artistic methods postulated and practiced by makers of Chinese animated films inspired by traditional painting, which are the implementation of a top-down ideological challenge. The process of making films made in the ink and water technique is analysed. The author refers to four films that were made in Shanghai between 1960 and 1988 and occupy an important position in the established canon. The historical development of Chinese animation is considered in the context of ideas central to contemporary aesthetics and artistic practice: zhongti, xiyong (Chinese substance, Western means), minzu (national art) and meishu (fine art).
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 99; 161-170
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Wojenne losy „polskiego Disneya”
“Polish Disney” on the War Front
Autorzy:
Mróz, Michał
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31341365.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Włodzimierz Kowańko
animacja polska
II wojna światowa
Polish animation
World War II
Opis:
Artykuł jest poświęcony wojennej twórczości Włodzimierza Kowańki, pioniera filmu animowanego, rysownika, konstruktora oraz żołnierza armii Władysława Andersa. Na podstawie wywiadów, artykułów prasowych, wspomnień innych żołnierzy oraz rysunków samego twórcy autor stara się zrekonstruować tułaczkę Kowańki po klęsce kampanii wrześniowej. Artysta na początku wojny przemierzał syberyjską tajgę jako jeden z sowieckich więźniów, a następnie wstąpił w szeregi armii polskiej. Artykuł ukazuje, w jaki sposób Kowańko prowadził swoją działalność artystyczną pomimo trudów wojennej tułaczki i sytuacji ciągłego zagrożenia. Tekst jest wreszcie próbą zdefiniowania sposobu, w jaki myślenie charakterystyczne dla języka animacji filmowej było obecne w jego pracach rysunkowych, graficznych czy teatralnych.
The article is devoted to the wartime work of Włodzimierz Kowańko, a pioneer of animated film, drafts-man, constructor and a soldier of Władysław Anders’ army. Using interviews, press articles, memoirs of other soldiers and drawings by Kowańko himself, Mróz tries to reconstruct Kowańko’s wartime wanderings after the defeat of the September campaign. At the beginning of the war, the artist traveled through the Siberian taiga as a Soviet prisoners and then he joined the Polish army. The article shows how Kowańko conducted his artistic activity despite the hardships of war and the situation of constant threats. The text is finally an attempt to define the way in which language-specific thinking in animation was present in his drawings and graphic, or theatrical work.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2017, 99; 196-206
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Skąd zrywa się wiatr. Zachodnie inspiracje w twórczości Hayao Miyazakiego
Where the Wind Blows From: Western Inspirations in the Work of Miyazaki Hayao
Autorzy:
Świdziński, Wojciech
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342083.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Hayao Miyazaki
animacja
kino japońskie
Richard Wagner
Miyazaki Hayao
animation
Japanese cinema
Opis:
Twórczość mistrza filmu animowanego, Hayao Miyazakiego, jest jednym z najciekawszych przykładów inspiracji kulturą świata zachodniego w kinematografii japońskiej. Przejawem tego są jego dzieła, których akcja została osadzona zarówno w Europie, jak i w Japonii. Można dostrzec w nich inspiracje romantyzmem niemieckim (na czele z operami Richarda Wagnera), baśniami i europejską literaturą dziecięcą, ale także wczesnymi kreskówkami. W filmach Miyazakiego splatają się one w jedno z wątkami japońskimi, przerzucając most kulturowy między Wschodem i Zachodem. Dzięki mechanizmom kultury masowej te niezwykłe dzieła zdobywają popularność na całym świecie.
The work of Miyazaki Hayao, a master of animation, is a fascinating example of Japanese cinema inspired by Western culture. An indication of this in his work is placing the action of his films both in Japan and Europe. One notes in them influences of German romanticism (including Wagner’s operas), folk tales and European literature for children, as well as early animated cartoons. In Miyazaki’s films they come together with Japanese motifs, bridging the gap between East and West. Thanks to the mechanisms of mass culture these remarkable works gain popularity around the world.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2015, 91; 164-169
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Amerykański film animowany w wojennej potrzebie
American Animated Films in Service of the War Effort
Autorzy:
Mróz, Michał
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/31342051.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
animacja
ideologia
propaganda
II wojna światowa
tożsamość narodowa
animation
ideology
World War 2
national identity
Opis:
Celem artykułu jest ukazanie roli, jaką po ataku na bazę Pearl Harbor odegrał amerykański film animowany. Autor nakreśla, w jaki sposób sztuka, która była tworzona według formuły popularnego kina rozrywkowego, przekształciła się w machinę do budowania patriotycznego ducha, przekazywania informacji dla społeczeństwa czy instrukcji dla wojska. W trakcie analizy wyróżnione zostały te elementy filmu rysunkowego, które tworzą propagandowy przekaz. Autor podkreśla dużą rolę animowanej postaci, symboliki narodowej, a także sposobu ukazywania wroga. Wskazuje również, w jaki sposób wraz ze zmianą sytuacji na froncie przekształcano przekaz propagandowy. Oddana została także atmosfera pracy w amerykańskim przemyśle animowanym oraz udział pozafilmowych środków propagandy. Opisowi i analizie tych zmian towarzyszy próba określenia narodotwórczej i ideologicznej roli filmu animowanego w początkowym okresie udziału Stanów Zjednoczonych w II wojnie światowej.
The aim of the article is to show the role played by American animated film after the attack on Pearl Harbour. The author describes how an art form, which was created according to the formulae of popular entertainment cinema, was transformed into a method aimed at producing patriotic spirit, transmission of information for society at large and instructions for the army. In the course of the analysis the elements of animated films that are part of the propaganda message are given special attention. The author emphasises the role of animated characters, national symbolism, and the way the enemy is portrayed. He also points to the way in which, depending on the situation on the frontline, the message is adapted. The author also reconstructs the working atmosphere in the American animation industry and the elements of propaganda not based on film. Description and analysis of these changes are accompanied by an attempt to determine nation-making and ideological role of animated film in the early period of USA participation in World War 2.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 53-66
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Świat w naszych rękach. O animacjach z serii „Lego Jurassic World”
The World in Our Hands: On the Animations From the “Lego Jurassic World” Series
Autorzy:
Szewczyk, Matylda
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/38624579.pdf
Data publikacji:
2024
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Lego
animation
dinosaurs
children’s culture
science fiction
play
animacja
dinozaury
kultura dziecięca
zabawa
Opis:
Artykuł stanowi refleksję nad animacjami z serii Lego Jurassic World, będącymi częścią franczyzy Park Jurajski. Analiza jest podejmowana w kontekście problematyki i znaczenia aktorskich filmów o wskrzeszonych dzięki futurystycznej nauce dinozaurach (do nich animacje nawiązują w warstwie fabularnej), ale także wobec kulturowej roli klocków Lego oraz problemu reprezentacji, który w tym przypadku ma szczególnie złożony charakter. Omówieniu poszczególnych zagadnień towarzyszy refleksja na temat sposobu rozumienia dziecięcości we współczesnej kulturze wobec charakterystycznych dla niej fascynacji i niepokojów.
This article is a reflection on the animations of the Lego Jurassic World series, part of the Jurassic Park franchise. The analysis is undertaken in the context of the subject and significance of live-action films about dinosaurs resurrected thanks to futuristic science (to which the animations refer in the storyline), but also in relation to the cultural role of Lego bricks and the problem of representation, which in this case is particularly complex. The discussion of individual issues is accompanied by a reflection on the way in which childhood is understood in contemporary culture, in the face of its characteristic fascinations and anxieties.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2024, 126; 165-184
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
‘All Together Now’: “Yellow Submarine” (1968), The Beatles, and Children’s Film
„All Together Now”. „Żółta łódź podwodna” (1968), The Beatles i film dla dzieci
Autorzy:
Brown, Noel
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/24971774.pdf
Data publikacji:
2023
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
film dla dzieci
film familijny
The Beatles
animacja
kino brytyjskie
children’s film
family film
animation
British cinema
Opis:
This article examines The Beatles’ classic animated film, Yellow Submarine (dir. George Dunning, 1968) in terms of its appeal to multi-demographic audiences. While it has become de rigueur to argue in favour of Yellow Submarine as an artefact of the late-1960s counter-culture, its status as a children’s film has largely been overlooked. This article will argue that Yellow Submarine invites, and is able to sustain, a range of interpretations, particularly regarding its dual status as a quintessential film for children and family audiences, and as a much more adult-oriented production that captures the revolutionary spirit of the period. While Yellow Submarine embodies aspects of late-1960s British and North American culture, the author argues that the narrative transcends national cultural specificities and attempts to appeal to universal human desires and emotional states through its balancing of utopian consensus and cultural diversity, and through the galvanizing presence of The Beatles.
W artykule przeanalizowano film animowany Żółta łódź podwodna (reż. George Dunning, 1968) pod kątem atrakcyjności dla widowni międzypokoleniowej. Film ten jest zwykle pozycjonowany jako artefakt kontrkultury późnych lat 60., jego status filmu dla dzieci pozostaje w dużej mierze przeoczony. Autor dowodzi, że film ten zachęca i daje podstawy do wielu różnych interpretacji. Tyczy się to zwłaszcza jego podwójnego statusu jako zarazem filmu dla dzieci i widzów kina familijnego, jak i produkcji zorientowanej na dorosłych, oddającej rewolucyjnego ducha tego okresu. Autor wykazuje, że choć Żółta łódź podwodna ucieleśnia konkretne aspekty brytyjskiej i północnoamerykańskiej kultury późnych lat 60., to zawarta w tej animacji narracja wykracza poza narodową specyfikę kulturową i przemawia do uniwersalnych ludzkich pragnień oraz emocji, tak przez wizje utopijnego konsensusu i różnorodności kulturowej, jak i dzięki elektryzującej obecności The Beatles. [artykuł opublikowany w języku angielskim jako: ‘All Together Now’: “Yellow Submarine” (1968), The Beatles, and Children’s Film]
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2023, 121; 6-33
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Niebaśnie. Bolek, Lolek i modernizm techniczny
Non-fairytales: Bolek, Lolek, and Technological Modernism
Autorzy:
Sitarski, Piotr
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/24974502.pdf
Data publikacji:
2023
Wydawca:
Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
Tematy:
Bolek i Lolek
polska animacja dziecięca
modernizm techniczny
Bolek and Lolek
Polish animation for children
technological modernism
Opis:
Cykl filmów o Bolku i Lolku był niezwykle popularny w Polsce i za granicą. W artykule autor dowodzi, że popularność ta wynikała z jego związku z ideami modernizmu technicznego, czyli pozytywnie wartościowanego przekształcania życia i środowiska człowieka, w którym decydującą rolę odgrywa technika. Modernizm techniczny determinował dokonujące się w skali globalnej od połowy XX w. przejście od gospodarki agrarnej do miejskiego społeczeństwa przemysłowego. Wspomniany cykl pozwalał dzieciom odnaleźć się w tym nowym świecie, dostarczając wzorców i narzędzi postępowania. Autor analizuje sposób przedstawiania przestrzeni w relacji do rzeczywistych przemian miejskiej i wiejskiej przestrzeni w Polsce oraz rolę techniki w życiu bohaterów.
The TV series Bolek and Lolek (Bolek i Lolek) was immensely popular both in Poland and abroad. In this article, the author argues that its popularity was based on the idea of technological modernism that the series embraced. By technological modernism the author understands the progressive, technology-centred rearrangement of human environment and ways of living. Technological modernism determined the transition from agriculture to an urban, industrial society, which was taking place in the second half of the 20th century. Bolek and Lolek helped children orient themselves in this new world, providing them with role-models and teaching them technology-based cultural practices. The author analyses the construction of spaces and their relation to real urban and rural spaces in Poland, and the role technology plays in the life of the protagonists.
Źródło:
Kwartalnik Filmowy; 2023, 121; 78-100
0452-9502
2719-2725
Pojawia się w:
Kwartalnik Filmowy
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 19

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies