Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

Wyszukujesz frazę "Ikonografia" wg kryterium: Temat


Tytuł:
Dostęp ikonografii do bóstwa według mitologii i filozofii greckiej oraz według Biblii
Access of Iconography to God according to the Greek Mythology and Philosophy on the One Hand and to the Bible on the Other
Autorzy:
Popowski, Remigiusz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1955173.pdf
Data publikacji:
2000
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
sztuka religijna
ikonografia Boga
religious art
iconography of God
Opis:
Accessibility of iconography to God, iconography understood as the act of painting or sculpturing, depends on the degree of his attribute ἀπάϑεια and on the conception of his nature. The attribute ἀπάϑεια was ascribed to God by Greek philosophers. According to philological analysis ἀπάϑεια in the dimension of existence denotes not being in relation to anything; in the dimension of action – being intangible by anybody else's action, which is a consequence of the dimension of existence; and finally in the dimension of grammar – impossibility to be defined by any sentence, even syntactically active, and especially by a passive one. By ascribing to God the attribute ἀπάϑεια Greek philosophers made it impossible to make his effigies. Moreover, their God is neither anthropomorphic nor zoomorphic or, indeed, personal. However, philosophers have generally accepted God's active and forming relation towards the visible world. According to them, nature is an epiphany of God's existence, acting and attributes. It follows then that iconography could try to show God but only in the form of an allegory, symbol, conventional sign or an artistic allusion. Homer's religion encouraged art, especially sculpture, to present gods' and goddesses' effigies anthropomorphically. However, these effigies should show gods as ideally beautiful, young and full of dignity. In the Bible God is a person and man is his visible image. Moreover, although the Bible contains the implicit notion of ἀπάϑεια as God's attribute, with its anthropomorphic pronouncements about God and with its whole contents it shows that God himself by his act of creation put himself in a relation to the world; that he removed the barrier of ἀπάϑεια, approaching man and treating him as his friend and ally. This gives iconography access to God. However, it was God's Son who validated it by becoming a real man with individual mental and bodily traits. Even though there are still very strict injunctions in the Bible not to make any effigies, from the time of the Son's incarnation they may be considered occasional, temporary, pedagogical-psychological, conditioned by the historical context. And the Church has been following this interpretation. But has it been doing so without any reservations? God is only a spirit; but he remains an inconceivable mystery, and Christ is not only a man but also God. God cannot be fully experienced with the senses, comprehended with the reason, defined with the language or closed in space and time with a picture or sculpture. From this it follows that although the Church has accepted the iconography of God, the angels, the Virgin Mary and other saints, it still expects that the iconography should be Platonic in its spirit. Any effigy of God, or of Christ as God and man as well as any effigy of a saint should not rivet the gaze and thoughts of the man looking at it but it should lead this thought beyond time and space, i.e. to eternity; it should direct it to what is divine and not physical; it should incline one to contemplate God. Identification of the image with the presented person would be idolatry that is forbidden by God, but it would also be a mistake if a cult effigy only satisfied the sense of beauty and did not take one's thought to God.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2000, 48, 3; 5-20
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Ikonografia Daniela miedzy lwami na krzyżach celtyckich
The Iconography of Daniel Between the Lions on the Celtic Crosses
Autorzy:
Bulas, Ryszarda
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1954305.pdf
Data publikacji:
2003
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
krzyże celtyckie
ikonografia
sztuka irlandzka
Celtic crosses
iconography
Irish art
Opis:
The author presents iconography of Daniel between the lions on the crosses, which were made in Ireland and Scotland in the period 8th-12th centuries. This scene is represented on eleven Irish crosses (Kells, Kilree, Moone, Casteldermot, Galoon, Clones, Arboe, Drumcliff) and on two crosses from Scotland (Iona, Maigle). The author divides all scenes with Daniel between the lions on three groups: Daniel with two lions, Daniel with four lions, Daniel with seven lions. The autor states that scene with Daniel symbolizes on the Celtic Crosses very important step of the spiritual ladder to the heaven. This idea was basic for the monastic live of Irish monks in Christian Ireland.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2003, 51, 4; 241-264
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Z krakowskich zbiorów: dwa szkice ołówkowe Norwida
From the Cracow collection: two pencil sketches by Norwid
Autorzy:
Chlebowska, Edyta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2117494.pdf
Data publikacji:
2020-12-29
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
Norwid
rysunek
ikonografia chrześcijańska
szkicownik
drawing
Christian iconography
sketch book
Opis:
Artykuł prezentuje dwa rysunki: Odpoczynek podczas ucieczki do Egiptu i Starzec z laską i dwie siedzące postaci, które zostaną włączone do rejestru spuścizny plastycznej Cypriana Norwida. Autorka omawia kwestie proweniencyjne i tematykę przedstawień oraz stara się wpisać szkice w kontekst wczesnej twórczości autora Solo, pomieszczonej na kartach jego szkicowników oraz Albumu berlińskiego.
The article presents two drawings: Odpoczynek podczas ucieczki do Egiptu and Starzec z laską i dwie siedzące postaci, which are going to be included in the register of Cyprian Norwid’s artistic heritage. The author discusses the origin and themes of the drawings and tries to embed the sketches in the context of Norwid’s early output, found on the pages of his sketch books and Album berliński.
Źródło:
Studia Norwidiana; 2020, 38; 135-148
0860-0562
Pojawia się w:
Studia Norwidiana
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Odczytać obraz, interpretować świat, czyli rozszyfrować treści rzymskich numizmatów
Interpreting an Image, Interpreting the World i.e. Deciphering the Content of Ancient Roman Coins
Autorzy:
Kluczek, Agata A.
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1806914.pdf
Data publikacji:
2019-10-23
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
monety rzymskie; ikonografia monetarna; starożytny Rzym
Roman coins; monetary iconography; ancient Rome
Opis:
Artykuł jest krótkim komentarzem do wartości monet i medalionów rzymskich jako źródła poznania historycznego. Dyskusja nad kwestią atrakcyjności poznawczej numizmatów rzymskich ma swą już długą historię. Autor niejako apriorycznie opowiada się po stronie zwolenników dużego znaczenia monet i medalionów rzymskich w badaniach historycznych. Koncentruje się przy tym na przekazie źródeł numizmatycznych zawartym w inskrypcjach, a zwłaszcza w ikonografii awersów i rewersów monet oraz medalionów. Wyobrażenia te stanowią nieprzebrane bogactwo do analiz innych sfer historii rzymskiej niż tradycyjnie pojmowane dzieje polityczne imperium. Wskazano także kilka sposobów i metod interpretowania materiału numizmatycznego. Są to: analizy deskryptywne, studia stricte numizmatyczne, analizy stylistyczne, studia historyczne, studia ideologiczne. Trzy pierwsze procedury pozostają podstawowym stopniem poznania sensu wyobrażenia monetarnego, a nawet często są niezbędnym warunkiem przejścia do pogłębionych nad nim studiów historycznych czy ideologicznych.
The article constitutes a brief commentary on the value of Roman coins and medallions as sources of historical cognition. Discussion about the question of the cognitive appeal of ancient Roman coins has a long history of its own. In a somehow a priori manner the author sides with the supporters of the considerable significance of Roman coins and medallions in historical research. In this context, she focuses on the message of numismatic sources contained in inscriptions, and especially in the iconography of the obverse and reverse sides of coins and medallions. These representations constitute an inexhaustible source of information for analyses of spheres of Roman history which are distinct from the traditional concept of the political history of the empire. Moreover, a number of ways and methods of interpretation of numismatic material are indicated. These include the following: descriptive analyses, numismatic studies sensu stricto, stylistic analyses, historical studies, ideological studies. The first three procedures remain to be the fundamental means of the cognition of the sense of a numismatic representation, and in many cases they constitute necessary conditions for the transition to in-depth historical or ideological studies in this subject.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2018, 66, 3; 111-125
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
„Niech przyjdzie tutaj Witruwiusz ze wszystkimi swoimi następcami”. Kilka uwag na temat kościoła i kolegium jezuitów w Ostrogu
“Let Vitriuvius Come Here with all His Successors”. Several Remarks on the Church and the College of Jesuits in Ostróg
Autorzy:
Betlej, Andrzej
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1953445.pdf
Data publikacji:
2006
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
archiwum
architekci
artyści
ikonografia
kolegium jezuickie
archives
architects
artists
iconography
Jesuit college
Opis:
The paper deals with the Jesuit church and college in Ostróg erected from the foundation of Anna Alojza Chodkiewiczowa in the years of 1629-1653. It analyses the earlier projects of this building, together with those that are presented for the first time here. They are stored in the collections of the Paris National Library and the Getty Research Institute, as well as the sources from the Archivum Romanum Societatis Jesu. In the light of the iconographic sources and archives, the chronology of the Ostróg complex has been made precise, above all some proposals as to its authorship have been put forward. The Jesuit church and college in Ostróg were a “common work” of two religious architects: Giacomo Briano and Benedetto Mollego. Contrary to what we have learnt so far from literature, it was Briano who considerably contributed to the preparation of the project. His participation in the temple's project was almost dominating, and the role of Molle might be defined as supervising the course of construction. The work can be described as a creation of clearly north Italian stylistic references, typical of Giacomo Briano from Modena. This artist continued the work of the artists from the last quarter of the fourteenth century, mainly Pellegrino Tibaldi.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2006, 54, 4; 189-224
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Szmaragd cesarza Tyberiusza – „prawdziwe” wizerunki Chrystusa w twórczości Norwida
The emerald of Emperor Tiberius – the “true” images of Christ in Norwid’s works
Autorzy:
Chlebowska, Edyta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2117300.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
Cyprian Norwid
Album Orbis
Jezus Chrystus
ikonografia chrześcijańska
Jesus Christ
Christian iconography
Opis:
Artykuł omawia Norwidowskie próby odwzorowania „prawdziwej twarzy” Chrystusa, utrwalone na kartach drugiego tomu Albumu Orbis w postaci niewielkiej galerii wizerunków Zbawiciela. Na zbiór ten składają się pochodzące z różnych źródeł ilustracje oraz Norwidowskie odrysy obcych dzieł, których dobór wyraźnie ujawnia intencję sięgania do tradycji ikonograficznej pierwszych wieków Kościoła. Autorka ustala źródła wizerunków Zbawiciela oraz zwraca uwagę na predylekcję do ujęć profilowych, wpisując ją w szerszy kontekst plastycznej i literackiej twórczości Norwida.
The article discusses Norwid’s attempts to reproduce the “true face” of Christ recorded on the pages of the second volume of Album Orbis in the form of a small gallery of the Saviour’s images. The collection consists of illustrations from various sources and Norwid’s copies of others’ works, the selection of which clearly reveals the intention of drawing on the iconographic tradition of the first centuries of the Church. The author determines the sources of the Saviour’s images and draws attention to the predilection for profile images, discussing it in the wider context of Norwid’s artistic and literary work.
Źródło:
Studia Norwidiana; 2018, 36; 117-140
0860-0562
Pojawia się w:
Studia Norwidiana
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
The emerald of Emperor Tiberius – the “true” images of Christ in Norwid’s works
Szmaragd cesarza Tyberiusza – „prawdziwe” wizerunki Chrystusa w twórczości Norwida
Autorzy:
Chlebowska, Edyta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/17877233.pdf
Data publikacji:
2020-05-06
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
Cyprian Norwid
Album Orbis
Jesus Christ
Christian iconography
Jezus Chrystus
ikonografia chrześcijańska
Opis:
The article discusses Norwid’s attempts to reproduce the “true face” of Christ recorded on the pages of the second volume of Album Orbis in the form of a small gallery of the Saviour’s images. The collection consists of illustrations from various sources and Norwid’s copies of others’ works, the selection of which clearly reveals the intention of drawing on the iconographic tradition of the first centuries of the Church. The author determines the sources of the Saviour’s images and draws attention to the predilection for profile images, discussing it in the wider context of Norwid’s artistic and literary work.
Artykuł omawia Norwidowskie próby odwzorowania „prawdziwej twarzy” Chrystusa, utrwalone na kartach drugiego tomu Albumu Orbis w postaci niewielkiej galerii wizerunków Zbawiciela. Na zbiór ten składają się pochodzące z różnych źródeł ilustracje oraz Norwidowskie odrysy obcych dzieł, których dobór wyraźnie ujawnia intencję sięgania do tradycji ikonograficznej pierwszych wieków Kościoła. Autorka ustala źródła wizerunków Zbawiciela oraz zwraca uwagę na predylekcję do ujęć profilowych, wpisując ją w szerszy kontekst plastycznej i literackiej twórczości Norwida.
Źródło:
Studia Norwidiana; 2018, 36 English Version; 125-149
0860-0562
Pojawia się w:
Studia Norwidiana
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Motyw wrzeciona w ikonografii starożytnej i wczesnochrześcijańskiej
Motif de fuseau dans l’iconographie antique et paléochrétienne
Autorzy:
Malec, Monika
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1954297.pdf
Data publikacji:
2003
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
wrzeciono
kądziel
ikonografia starożytna i wczesnochrześcijańska
spindle
distaff
ancient iconography
early-Christian iconography
Opis:
Le motif de fuseau fait partie d’un vieux répertoire des figurations dans l’iconographie sépulcrale. Nous le retrouvons sur les peintures égyptiennes, sur la céramique grecque. Il apparaît aussi sur les sarcophages, sur les peintures et sur les mosaiques d’Asie Mineure, Palmyre, Grece et Rome. Dans l’iconographie antique, tenu dans la main ou déposé avec d’autres objets, le fuseau représente un attribut féminin. Il symbolise un engagement d’une femme au foyer, son soin et sa vie laborieuse. Cependant sur les représentations grecques et romaines, il apparaît dans les mains des Moires qui accompagnent les mortels et les dieux au moment de leur naissance et de leur mort. Les Moires des reliefs de sarcophages romains, tissant avec le fuseau et la quenouille, sont présentées aussi dans les scenes de la création de l’homme par Prométhée. Dans ce contexte, le fuseau prend une signification nouvelle et plus profonde. Il n’est plus qu’un attribut des femmes, leur servant dans des activités domestiques, mais un outil symbolisant le filage du destin et surtout l’inévitabilité de la mort et la renaissance de la vie. Depuis Veme siecle apres Jésus Christ, l’iconographie paléochrétienne reprend le motif de fuseau, comme symbole du travail féminin, accompli pour le bien propre, de son mari et de son Dieu (Tb 2, 11-12 ; Prov 31, 13-19) en le situant dans la scene de l’Annonciation. Les représentations mariales paléochrétiennes qui puisent a cette scene gardent un typique pour l’art antique schéma de personnages. La fileuse – ici la Vierge Marie - occupée du tissage, est assise ou debout et s’approche d’elle une femme ou un homme – dans cette scene l’Ange Gabriel. Dans ce groupe, une peinture, découverte a Vieille Dongola, montrant la Vierge Marie tissant et allaitant l’Enfant Jésus, constitue une représentation unique. Car la présence de l’Enfant dont la tete est entourée du nimbe cruciforme fait qu’il est difficile de le ranger parmi les scenes classiques d’Annonciation. Dans ce cas, il s’avere plus important la présence du fuseau qu’il faut expliquer en relation avec une symbolique antique riche et diverse. Le motif de fuseau, de tissage et la présence du nimbe cruciforme, démontrés sur cette peinture, peuvent faire penser a l’incarnation et a la mort de Jésus (en rapport avec la scene apocryphiques du tissage et de la déchirure de la pourpre). Ainsi, comme l’écrit saint Augustin: «ce qui fut accroché sur la quenouille, allait s’accomplir» (la mort de Jésus?) et «ce qui fut enroulé sur le fuseau s’accomplit déja» (l’incarnation?) (Sermo 37; PL 38, col. 227; trad. d’apres le texte lat. R. Grela). Donc, Mere de Dieu aurait-elle filé le destin sur le fuseau, comme le faisaient les Moires? L’art paléochrétien puise a l’art antique la façon de démontrer le fuseau en l’approfondissant sa signification d’une nouvelle symbolique.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2003, 51, 4; 53-78
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Od substancji szlachetnej do ciała imitacyjnego. Obraz i znaczenie figur woskowych w geście wotywnym
From a Noble Substance to an Imitative Body. The Picture and the Meaning of Wax Figures in a Votive Gesture
Autorzy:
Jagla, Jowita
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1887742.pdf
Data publikacji:
2014
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
wosk
figura woskowa
wota
ikonografia
symbolika
wax
wax figure
votive gifts
iconography
symbolism
Opis:
W bogatym zbiorze darów wotywnych na niewątpliwą uwagę zasługują wota woskowe powszechne już od wczesnego średniowiecza i wykorzystywane po wiek XX. Wota te miały dużą różnorodność, począwszy od świec po bryły wosku, aż wreszcie woskowe figury często naturalnych rozmiarów, które zaczęły być wykorzystywane w geście wotywnym na przełomie XIII i XIV wieku na północy Europy. W XV i XVI wieku zwyczaj ten upowszechnił się wśród majętnej szlachty niemieckiej, austriackiej i włoskiej. Wykonanie woskowych figur wotywnych wymagało znacznej wprawy, dlatego wytwarzali je specjalnie wykwalifikowani artyści (we Włoszech figury woskowe zwane Boti wytwarzali twórcy określani mianem Cerajuoli albo Fallimagini), klasztory współpracowały z artystami - rzemieślnikami zobowiązując się dostarczać wosk, natomiast rzemieślnicy przygotowywali materiał, czyli drewniane stelaże, naturalne włosy, szklane oczy, farby, tekstylia i brokat. W kolejnych stuleciach produkcja wotów woskowych rozwijała się coraz prężniej, szczególnie na północy Europy, przy czym wytwórcami powyższych obiektów stawali się często mniej zdolni modelatorzy woskowi, rzemieślnicy i piernikarze. Ci ostatni wykonywali głównie figury woskowe o mniejszych rozmiarach, odlewane bądź wyciskane z dwuczęściowych wklęsłych modeli (ten typ wotów przypominał w swojej formie i ujęciu figury z pierników). Odrębne i dość niezwykłe zjawisko stanowią wotywne figury woskowe (szczególnie dzieci w wieku od trzech do dwunastu lat) fundowane na obszarze Górnej i Dolnej Frankonii (diecezje Bamberg i Wiirzburg) od połowy XIX stulecia do połowy wieku XX. Aktywizacja popularności tego gestu wotywnego okrzepła mniej więcej około 1880 roku, punkt kulminacyjny osiągnął on w latach 1900-1910 i skończył się w latach pięćdziesiątych XX stulecia. Frankońskie wota konstruowano zawsze w podobny sposób: miały one woskowe twarze i dłonie (rzadziej stopy), pozostałe zaś członki wykonywano z drewna, metalu i różnych materiałów wyściełających. Dominującym wzorem dla produkcji owych wotów były lalki, dlatego tak jak lalki miały one na głowach peruki z naturalnych włosów, szklane oczy i otwarte usta. Niezwykle ważną rolę pełniły ubrania, w które odziewano figury, będące naturalnymi, prawdziwymi strojami dzieci (dziewczynki chętnie ubierano w sukienki z pierwszej komunii); co więcej wota te posiadały strój kompletny, a więc ubierano je w autentyczną bieliznę, pończochy, skórzane buciki. Figury ozdabiano różańcami i bukietami kwiatków trzymanych w dłoniach, oraz wiankami na głowach wotów dziewczęcych. Figury ustawiano w szklanych gablotach, witrynach i kasetach wyklejanych niekiedy z tyłu tapetą i podpisywanych na przedniej szybie dłuższym tekstem, który wyjaśniał dane wotantów (imię i nazwisko dziecka, ewentualnie jego rodziców) i czas ofiarowania figury. Mimo wielu cech różniących frankońskie wota od wotywnych figur z innych regionów, wszystkie te obiekty łączy ponadczasowa i ponadterytorialna idea, w której cytując H. Beltinga „sztuczne ciało przejęło religijną reprezentację żywego ciała [...]”.
In a rich arsenal of votive gifts wax ones undoubtedly deserve a special attention. They were common as soon as early Middle Ages and they were used until the 20th century. There was a variety of such votes, starting with candles, through lumps of wax, and ending with full-scale wax figures that started being used as a votive gesture at the break of the 13th and 14th centuries in the north of Europe. In the 15th and 16th centuries this custom became popular among the wealthy German, Austrian and Italian noblemen. Making wax votive figures took a lot of skill so they were made by specially qualified artists (in Italy wax figures called “Boti” were produced by sculptors called “Cerajuoli” or “Fallimagini”). Religious orders collaborated with the artists-artisans, undertaking to supply wax, whereas the artisans prepared wooden frames, natural hair, glass eyes, paints, textiles and brocade. In the next centuries the production of wax votes developed ever more dynamically, especially in the north of Europe, with less skilled wax modelers, artisans and gingerbread bakers often being their producers. The latter ones mainly made smaller wax figures, cast or squeezed from two-part concave models (this type of votes in its form and type reminded of figures made of gingerbread). Wax votive figures (especially of children aged three to twelve) founded at the area of Upper and Lower Franconia (the Bamberg and Würzburg Dioceses) from the middle of the 19th to the middle of the 20th century are a separate and rather unusual phenomenon. Popularity of this votive gesture became stable about 1880, in the years 1900-1910 it reached its climax; and in the 1950s it came to an end. Franconian votes were always constructed in a similar way: they had wax faces and hands (more rarely feet), and the other members were made of wood, metal and some other padding materials. Dolls were a dominating model for the production of these votes, and that is why, like dolls, they had wigs made of natural hair on their heads, glass eyes and open mouths. A very important role was played by clothing, in which figures were willingly dressed; they were children’s natural, real clothes (girls were often dressed in the First Communion dresses); moreover, the votes had complete clothing, which means they had genuine underwear, tights, leather shoes. The figures were supplied with rosaries and bouquets held in their hands, and on the heads of girls there were garlands. The figures were put in cabinets and glass cases, sometimes with wallpaper on the back wall, and they had a longer text on the front glass with the name of the child, or possibly of its parents, and the time when the figure was offered. Despite the many features making the Franconian votes different from votive figures from other regions, all these object are joined by a timeless and universal idea, in which – quoting H. Belting – “an artificial body has assumed the religious representation of a living body (…)”.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2014, 62, 4; 89-110
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Dzieła ojca Efrema z Kcyni (Stanisława Klawittera, 1894–1970) w zbiorach Muzeum Franciszkańskiego w Rzymie
Works of Friar Ephrem from Kcynia (Stanisław Klawitter, 1894–1970) in the Collection of the Franciscan Museum in Rome
Autorzy:
Moryc, Cyprian Janusz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1807123.pdf
Data publikacji:
2020-01-03
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
malarstwo klasztorne
ikonografia franciszkańska
muzeum
edukacja artystyczna
monastic paintings
Franciscan iconography
museum
artistic education
Opis:
Artykuł poświęcono twórczości zakonnika, o. Efrema Marii Klawittera, polskiego kapucyna, który zdobył wykształcenie w ważnych europejskich ośrodkach odnowy sztuki religijnej. Omówione zostały dzieła przechowywane w Muzeum Franciszkańskim w Rzymie, prezentujące jedynie niewielki wycinek dorobku artysty. Celem artykułu jest analiza stylistyczna i ikonograficzna dziel zakonnego malarza w kontekście ikonografii franciszkańskiej oraz gwałtownych przemian kulturowych na przełomie XIX i XX wieku, w których czynnie uczestniczył. Autor posłużył się metodami stosowanymi w badaniach interdyscyplinarnych, przede wszystkim analizy stylistycznej i ikonograficznej rzymskich dzieł o. Klawittera, a następnie skonfrontował wyniki z rozległą panoramą legendy neofranciszkańskiej, która zawładnęła w interesującym go przedziale czasowym sercami i umysłami pisarzy, poetów, historyków sztuki, muzyków i samych artystów Refleksja nad obrazami i rzeźbami z zakonnego muzeum, którego historia i działalność także zostały przybliżone, pozwoliła dostrzec wysoki poziom formalny i ikonograficzny wszystkich prac. Artysta pozostaje wierny źródłom hagiograficznym i tradycji zakonu, którą zna doskonale. Jednocześnie jest otwarty na nowe prądy w sztuce, które poznał w benedyktyńskiej szkole w Beuron oraz w ośrodku neotomizmu w Lowanium. Wyniki analizy, ograniczone do grupy wybranych dzieł, można zastosować dla celów dydaktycznych oraz dalszych badań nad twórczością artystów zakonnych oraz franciszkańską kulturą religijną w Polsce i Europie.
The article is devoted to the work of the monastic artist Friar Ephrem Maria Klawitter, a Polish Capuchin, who acquired education in major European centres of the renewal of religious art. The works discussed here concern only the ones kept in the Franciscan Museum in Rome, which is merely a small part of the artist’s output. The aim of the article is the stylistic and iconographic analysis of the monastic painter’s works in the context of Franciscan iconography and the sudden cultural change at the turn of the 19th and 20th century, in which he actively took part. The author employed the methods used in interdisciplinary research, mainly stylistic and iconographic analysis of Roman works of Friar Klawitter, and afterwards confronted the results with a wide panorama of neo-Franciscan legend, which had captured, in the period concerned, the hearts and minds of writers, poets, art historians, musicians and artists themselves. In the analysed works of Friar Ephrem, there are no examples of impersonal attitude and the reflection on the pictures and sculptures from the monastic museum, whose history and activity had also been exemplified, allowed to notice a high formal and iconographic level of all works. The artist remains faithful to hagiographic sources and monastery tradition, which he knows perfectly well, and at the same time he is open to new trends in art, which he got to know while in the Benedictine school in Beuron and in the centre of neo-Thomism in Leuven. The results of the analysis, limited to a group of chosen works, can be used for educational purposes and for further research on the monastic artists’ output as well as Franciscan religious culture in Poland and Europe.
Źródło:
Roczniki Kulturoznawcze; 2017, 8, 2; 81-121
2082-8578
Pojawia się w:
Roczniki Kulturoznawcze
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Zaślubiny Starego i Nowego Testamentu w sztuce XV wieku. Zarys problematyki badawczej
The wedding of the Old and New Testament in the 15th century art. An outline of the research problems
Autorzy:
Kuter, Seweryn
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1954061.pdf
Data publikacji:
2004
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
estetyka recepcji
sztuka żydowska
zwyczaje weselne
domestic painting
ikonografia zaślubin biblijnych
ikonografia uczt biblijnych
esthetic of reception
Jewish art
wedding rituals
iconography of Biblical weddings
iconography of Biblical wedding parties
Opis:
Reception of Jewish art and rituals as well as their effect on Christian iconography of the wedding of the Old and New Testament, and especially the scenes of The Wedding of Mary and Joseph are the main objects of the author's research. They are concerned with the art of the end of the Middle Ages and the beginning of the modern age. The author's aim is not only to confront the Biblical narration with the art presentations and to distinguish the repertoire of Jewish symbols and objects made by handicraft presented in the scenes of weddings and of wedding parties, but also to show the infiltration of Jewish wedding rituals into Christian ones that can be seen in art.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2004, 52, 4; 451-460
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Katecheza o Sądzie Ostatecznym na fresku z SantAgata dei Goti
Catechesis on the Last Judgment and the SantAgata dei Goti Fresco
Autorzy:
Mąkosa, Paweł
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2035162.pdf
Data publikacji:
2020-02-17
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
katecheza
ikonografia włoska
Sąd Ostateczny
Sant'Agata dei Goti
Catechesis
Italian Iconography
The Last Judgment
Opis:
Wśród różnych form katechezy średniowiecznej wyróżnia się ikonografia, która ilustrowała podstawowe prawdy wiary i zachęcała do życia zgodnego z tym nauczaniem. Jednym z popularnych tematów ikonograficznych tego okresu był Sąd Ostateczny umieszczany zazwyczaj na tylnej ścianie kościołów po to, aby przypominać wychodzącym z kościoła ludziom o ich ostatecznym losie. Kwestie eschatologiczne cieszyły się zawsze dużą popularnością, bowiem dotyczą osobiście każdego człowieka. Oprócz zainteresowania wiernych treściami eschatologicznymi powodem powstawania przedstawień Sądu Ostatecznego była ich forma wizualna, dostępna dla każdego, nawet dla najsłabiej wykształconych. Jednym z tego typu dzieł jest fresk znajdujący się w miejscowości Sant'Agata dei Goti we Włoszech, który jest przedmiotem analizy w niniejszym opracowaniu. Omówione zostały główne treści przedstawione na fresku i ich forma. Wskazano na teologiczne znaczenie poszczególnych elementów ikonograficznych i ich zgodność z oficjalnym nauczaniem Kościoła. Podsumowując analizę fresku można stwierdzić, że stanowi on ważną formę ówczesnej katechezy, poprawnej teologicznie i mającej duże znaczenie pedagogiczne.
Iconography stands out among the various forms of medieval catechesis. It illustrated the basic truths of the faith and encouraged people to live in accord with this teaching. One of the popular iconographic themes from this period was the Last Judgment. It was usually placed on the back wall of a church in order to remind people leaving the church of their final fate. Eschatological issues have always enjoyed great popularity because they personally relate to every man. In addition to the faithful's interest in eschatological contents, the reason for the creation of Last Judgment iconography was its visual form, accessible to everyone, even the least educated. One of these types of works is the fresco located in the city of Sant'Agata dei Goti in Italy, which is the subject of our analysis in this study. The main contents of the fresco and their form are discussed. The theological significance of individual iconographic elements and their compliance with the official teachings of the Church are pointed out. Summing up the analysis of the fresco, it can be stated that it was an important type of catechesis at that time, theologically correct and having significant pedagogical meaning.
Źródło:
Roczniki Teologiczne; 2019, 66, 11; 99-110
2353-7272
Pojawia się w:
Roczniki Teologiczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Obraz Maryi z Dzieciątkiem Gentile da Fabriano jako przykład typu Madonny dell’Umiltà
Gentile da Fabriano’s painting of Mary with Infant Jesus as an example of the type of Madonna dell’Umiltà
Autorzy:
Łada, Justyna
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1954041.pdf
Data publikacji:
2004
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
Gentile da Fabriano
gotyk międzynarodowy
malarstwo quattrocenta
ikonografia Maryi
international Gothic
quattrocento painting
Mary's iconography
Opis:
Gentile da Fabiano's painting of Mary with Infant Jesus as an example of Madonna dell'Umiltà is set deeply in the style of the art of this painter who lived at the close of the Middle Ages; and especially of the international Gothic and early Renaissance. Monographers of the painter, e.g. A. De Marchi, point to his characteristic Lombardic style that was situated between the north painting and the Renaissance Italian painting. The painting of Mary with Infant Jesus that is analyzed here, and that is kept in the Perugia museum, was already mentioned in G. Vasari's Lives. It was painted for San Domenico Church in Perugia, and it is defined as “beautiful”. G. B. Cavalcaselle who studied Italian art, saw it in that town in 1861 in the novitiate chapel of the San Domenico monastery. In 1863 it was given to Galleria Nazionale dell'Umbria, where it is kept until today. The work of the painter who came from Fabriano, a place situated in the mountains in the Marche region, as it is confirmed by Italian scholars, e.g. R. Longhi, was initially connected with Orvieto, a town that was under a strong influence of the Siena art. It was a center in Italy where fabulous decorations, enamels, stained glass and mosaics were made. It was the artistic circle of that town that determined the quality of the early works of the painter. De Marchi thinks that Gentile could have remained there until 1395 and then went to the Sforza court in Milan and Pavia, where there was some interest in natural sciences and reflecting nature in art. The third important place was Venice, where the painter also enjoyed immense fame. A few surviving paintings come from the Venetian period, among them Madonna with the Infant, presently at Pinacoteca Nazionale in Ferrara, the altar from Valle Romita, a polyptych with the scene of Coronation of Virgin Mary in its central part. However, the most prestigious order came from Pal Strozzi in Florence. It was a painting of The Magi's Adoration for Santa Trinità Church and one of Mary with Infant Jesus and the Saints. The type of paintings of Mary the Meek was already widely spread in the circle of Italian art. Its source was the Gospel, especially according to St Luke (Luke 1, 38, 42), and the commentaries on the Virgin Mary written by the Fathers of the Church. This current of Marian piety was developed and consolidated by St. Bernard who, referring to tradition, and especially to St Augustine's writings, made the teaching about the importance of humilitas in human life, about Christ's humility, more profound. Imitation Mariae is a guarantee for the faithful of making them closer to God through the Virgin Mary. A mystic trend of piety developed in the Franciscan and Dominican orders and it contributed to consolidation of the sense of humiliation in man's life and, by the very fact, of piety at the close of the Middle Ages. The texts and the style of prayer propagated in the circle of St. Clara of Assisi, St. Anthony of Padua, St. Bernardino of Siena, St. Catherine of Siena, gave a broad basis for paintings of Mary the Meek, sitting on the grass or on a small stool. The paintings, popular in the Italian circles, and also in the north ones, became a new type of picture that was taken from the dogmatic cycles illustrating the meaning of Salvation. The scholar M. Meiss suggests that the connotation of the word humilitas with the earth or the ground, suggested by Isidore of Seville and later developed by St. Bonaventure and Catherine of Sienna, had a significant influence on formation of paintings of Mary the Meek. Simone Martini's composition painted for the Notre Dame-des-Domes Cathedral in Avignon was one of the earliest paintings of this type, made popular in the context of funeral iconography illustrating the Salve Regina hymn. Painters from Florence and Venice in the 14th and at the beginning of the 15th centuries played an important role in propagating this motif. Hortus conclusus – closed gardens, full of flowers and herbs became Mary's surrounding.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2004, 52, 4; 149-214
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Błogosławiona święta Gustawa Herlinga-Grudzińskiego w świetle kerygmatu. Interpretacyjna glosa
Błogosławiona, święta of Gustaw Herling-Grudziński under Kerygma. Interpretive gloss
Autorzy:
Czajkowski, Krzysztof
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1882488.pdf
Data publikacji:
2015
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
kerygmat
hermeneutyka
zwiastowanie
mariologia
topika religijna
ikonografia
aborcja
kerygma
hermeneutics
Annunciation
Mariology
religious topic
iconography
abortion
Opis:
Tematyka mariologiczna, stanowiąca integralną część opowiadania Gustawa Herlinga –Grudzińskiego oraz właściwe centrum jego dotychczasowych interpretacji, nie wyczerpuje złożonej semantyki tekstu, który manifestacyjnie – zważywszy na kontekst Rozmów w Dragonei – wyłamuje się z przynależności do literatury religijnej. Dopiero narzędzia, którymi dysponuje metoda kerygmatyczna, zainicjowana w badaniach literackich przez Mariana Maciejewskiego, pozwalają dotrzeć do ukrytych głęboko w strukturze opowiadania znaczeń, które – po raz kolejny – potwierdzają regułę, “iż w przypadku utworów pisarza poetyka sformułowana nie musi pokrywać się z poetyką immanentną, a zamierzenie z jego realizacją”.
The mariological subject, which is an integral part of the story of Gustaw Herling-Grudziński and the proper center of its previous interpretations, doesn't exhaust the complex semantics of the text, which manifestly - given the context of Rozmowy w Dragonei - breaks away from belonging to religious literature. Only the tools at its disposal kerygmatic method ,initiated in literary studies by Marian Maciejewski, let to reach deep hidden meanings in the structure of the story, which - once again - prove the rule, “That in the case of works of the writer poetics formulated does not necessarily coincide with the poetics of the immanent and the intention of its implementation”.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2015, 63, 1; 157-169
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Les dénominations polonaises et françaises des outils d’artisanat en tant qu’attributs des Saints et des Bienheureux dans l’iconographie
Autorzy:
Bar, Wiesław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1798530.pdf
Data publikacji:
2019-11-04
Wydawca:
Katolicki Uniwersytet Lubelski Jana Pawła II. Towarzystwo Naukowe KUL
Tematy:
atrybut; narzędzia rzemieślnicze; kanonizacja; wizerunek świętego; ikonografia
attribut; outil d’artisant; canonization; worship of saints; iconography
Opis:
POLSKIE I FRANCUSKIE NAZWY NARZĘDZI RZEMIEŚLNICZYCH BĘDĄCYCH ATRYBUTAMI ŚWIĘTYCH I BŁOGOSŁAWIONYCH W IKONOGRAFII Artykuł zawiera analizę atrybutów w ikonografiach świętych,  w szczególności narzędzi, oraz ich nazwy w języku polskim i francuskim. W pierwszej części podane są  definicje słownikowe wyrazu atrybut, a następnie wskazany termin atrybut desygnujący istotne elementy postaci analizowany jest w relacjach znaczeniowych do innych terminów oraz w relacji do rzeczywistości jako desygnujący elementy w różnych dziedzinach na przestrzeni wieków a współcześnie w informatyce. W kolejnych rozdziałach omówione są w perspektywie historycznej atrybuty jako identyfikatory przedstawianej postaci w kulturze chrześcijańskiej oraz podana ich klasyfikacja według formy i według tematu.  Kryteria do ich wyodrębnienia zostały ustalone na podstawie definicji rzemiosła zawartej w polskiej ustawy o rzemiośle oraz struktury organizacyjnej Związku Rzemiosła Polskiego. Opracowane grupy narzędzi występujące w funkcji atrybutów zostały ilustrowane wybranymi wizerunkami świętych i błogosławionych z okresu od V do XIII wieku. Dla dzisiejszego człowieka, ery cyfrowej i robotyzacji, coraz więcej z wymienionych narzędzi pozostaje nieznanych, a ich nazwy stają się archaizmami lub poddane są ewolucji znaczeniowej. Artykuł zamyka refleksja nad współczesną kompozycją ikonograficzną świętych, nieraz wtórną do innych technik utrwalania oficjalnych wizerunków towarzyszących uroczystościom beatyfikacji i kanonizacji. W ikonach tych pisanych według wzoru  ikonograficznego Wschodu obserwuje się malejącą rolę atrybutów (w tym narzędzi) indywidualnych a zaznaczanie elementu duchowego wyrażanego symbolicznie przez  atrybuty uniwersalne i wspólne. Les dénominations polonaises et françaises des outils d’artisanat en tant qu’attributs des Saints et des Bienheureux dans l’iconographie L’article présente une analyse des attributs des saints dans l’iconographie et, en particulier, leurs outils d’artisans ainsi que leurs dénominations en polonais et en français. Dans la première partie, nous empruntons la définition du lexème attribut aux dictionnaires. Ensuite, le terme attribut, représentant les éléments importants des figures des saints, est analysé par rapport à d’autres termes, leurs significations ainsi que par rapport à la réalité. Dans les chapitres suivants, les attributs sont décrits d’un point de vue historique comme l’élément identifiant le personnange présenté dans la culture chrétienne. Ils sont également classés selon leur forme et leur thème. Les critères utilisés pour les distinguer ont été empruntés aux définitions des métiers fournies par la loi polonaise relative à l’artisanat ainsi que sur la base des statuts de l’Association Polonaise de l’Artisanat (Związek Rzemiosła Polskiego). Les groupes d’outils étudiés qui apparaissent comme attributs sont illustrés par les figures choisies des Saints et des Bienheureux de la période du Ve au XIIIe siècles. Pour l’homme d’aujourd’hui, de l’époque du numérique et de la robotique, un nombre de plus en plus important de ces outils est inconnu, et leurs noms semblent archaïques ou leur sens évolue. L’article se termine par une réflexion sur la représentation iconographique des saints aujourd’hui, bien différente des représentations officielles des saints et des bienheureux affichées pendant les cérémonies de canonisation et de béatification. Dans ces représentations, inspirées par les modèles iconographiques de l’Orient, nous pouvons observer un rôle de moins en moins important des attributs individuels, dont les outils font partie. En revanche, d’autres attributs symboliques, à caractère universel, permettent de mieux exprimer les éléments spirituels.
The article contains an analysis of the attributes in iconographies of Saints, in particular tools, and their Polish and French names. In the first part the dictionary definitions of the word “attribute” are given, and then the indicated term “attribute” that designates essential elements of the form, is analyzed in relation to other terms and to the reality as designating elements in various fields over the centuries and now in informatics. In the following chapters – in historical perspective – attributes are described as identifiers of the presented figure in Christian culture and their classification according to form and subject. The criteria for their specification have been determined on the basis of the definition of “craft” included in the Polish Crafts Act and the organizational structure of the Polish Craft Association. The characterized groups of tools appearing as the attributes were illustrated with selected images of saints and blesseds from the 5th to the 13th century. For today’s man, the man of the digital era and robotics, more and more of these tools remain unknown, and their names become archaisms or are the subject of semantic evolution. The article finishes with the reflection on the contemporary iconographic composition of saints, sometimes secondary to other techniques of perpetuating official images accompanying the beatification and canonization. In these icons written according to the iconographic pattern of the East, the decreasing role of individual attributes (including tools) and the meaning of the spiritual element symbolically expressed by universal and common attributes are observed.
Źródło:
Roczniki Humanistyczne; 2019, 67, 8; 81-103
0035-7707
Pojawia się w:
Roczniki Humanistyczne
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies