Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę ""Sztuka"" wg kryterium: Wszystkie pola

  Lista filtrów
Wyrównaj
Wyświetlanie 1-15 z 66
Tytuł:
KAPITALIBALIZM 2
Autorzy:
Klaman, Grzegorz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424470.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
Grzegorz Klaman,
stocznia w Gdańsku,
kapitalizm,
sztuka współczesna,
sztuka krytyczna,
capitalism,
Gdansk shipyard,
critical art,
contemporary art
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2018, 19; 125-130
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Rewolucja, Rewolucja, Rewolucja,
Revolution, Revolution, Revolution
Autorzy:
Turowski, Andrzej
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424601.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
rewolucja, awangarda, sztuka krytyczna, sztuka polityczna, demokracja
revolution,
avant-garde,
critical art,
political art,
democracy
Opis:
Przedmiotem refleksji poniższego tekstu jest kondycja współczesnej sztuki rewolucyjnej (tożsamej z pojęciem sztuki krytycznej) wyrosłej z dziedzictwa teorii i praktyki awangardy, pojmowanej jako świadomej politycznie aktywności i demokratycznej odpowiedzialności. Pytanie o jej współczesny status musi - z natury rzeczy - wypływać dziś z dwubiegunowej perspektywy zakreślającej, z jednej strony, jej (sztuki rewolucyjnej) skomercjalizowany "walor" marketingowy, a dopiero z drugiej, jej zdolność kształtowania współczesnej historii. Istota rewolucyjnego charakteru współczesnego Artysty-Intelektualisty tkwi więc nieustannie w jego subwersyjnej postawie demokratyczno-obywatelskiej, ale także w permanentnej czujności przed niebezpieczeństwem utraty ostrości dziejowego horyzontu.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2018, 19; 11-16
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Doświadczenie granic. Izraelska sztuka konceptualna przełomu lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych
Autorzy:
Kędziora, Ewa
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1011647.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
sztuka konceptualna
izrael
granice
kartografia
konflikt izraelsko-palestyński
conceptual art
israel
boundaries
cartography
israeli-palestinian conflict
Opis:
Tematem artykułu jest sztuka izraelska w obliczu geopolitycznych i społecznych konsekwencji dwóch wojen – Sześciodniowej (1967) i Jom Kippur (1973). Artykuł omawia działalność artystów konceptualnych, którzy podjęli problemy związane z doświadczeniem życia na terytoriach spornych, tym samym, po raz pierwszy w izraelskiej historii sztuki, odnosząc się krytycznie do rzeczywistości polityczno-społecznej. Punkt wyjścia dla rozważań stanowi recepcja pojęcia granic politycznych w twórczości artystycznej tego okresu. Motyw ten był przyczynkiem do mówienia o nowej tożsamości żydowskiej, deziluzji ideologii syjonistycznej oraz konflikcie izraelsko-palestyńskim. W pierwszej części artykuł przybliża sytuację polityczno-społeczną przełomu lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych, czyli okres w którym na skutek konfliktów zbrojnych „mapa” Izraela uległa wielokrotnym przekształceniom, a początek okupacji Zachodniego Brzegu i Strefy Gazy wpłyną na polaryzację nastrojów społecznych. W drugiej została przedstawiona atmosfera rodzącego się konceptualizmu w Izraelu za kontekst posłużyła wystawa pt. Borders, która odbyła się w Muzeum Izraela w Jerozolimie (1980) i performans Joshuy Neusteina Projekt: Jerozolimska rzeka (1970). Trzecia część tekstu skupia się na analizie projektów odnoszących się do pojęć takich jak mapy i linie demarkacyjne, wśród nich zostały omówione kartograficzne „zabawy” Michaela Druksa, subiektywne wyznaczanie terytorium przez Neusteina w Obszarze Krytycznym (1974), czy zacierania podziałów przez Pinchasa Cohen Gana w Dotykając Granic (1974). Ostatnią część opracowania stanowi analiza działań odnoszących się do tematu społeczności arabskiej. Pierwszą pracą podejmującą ten problem była instalacja Buty Joshuy Neusteina i Georgette Batlle’a (1969). Kwestia redefinicji relacji izraelsko-palestyńskich została poruszona w bezprecedensowym projekcie artystycznym Messer-Metzer (1972) oraz w performansie Moshe Gershuniego Delikatna Dłoń (1975).
The topic of the article is Israeli art in the face of geopolitical and social consequences of two wars - Six Days (1967) and Yom Kippur (1973). The article discusses the activity of conceptual artists who have taken up the problems associated with experiencing life in disputed territories, thus, for the first time in Israeli history of art, critically referring to political and social reality. The starting point for the study is the reception of the concept of political boundaries in the artistic creativity of that period. In the first part, the article introduces the political and social situation at the turn of the 1960s and 1970s, i.e. the period in which the ‘map’ of Israel underwent multiple transformations, and the beginning of the occupation of the West Bank and the Gaza Strip affected the polarization of social moods. In the second, the atmosphere of emerging conceptualism in Israel was presented. The exhibition entitled The Borders, which took place at the Israel Museum in Jerusalem (1980), and the performance by Joshua Neustein, Project: Jerusalem River (1970) serve as the context. The third part of the text focuses on the analysis of projects relating to the concepts of maps and demarcation lines, among which were discussed the cartographic ‘games’ of Michael Druks, the performance of Joshua Neustein Territorial Imperative (1974), and Touching the Borders (1974) by Pinchas Cohen Gan. The last part of the study is an analysis of projects related to the topic of the Arab community. The first work on this issue was the installation of Joshua Neustein and Georgette Batlle's Boots (1969). The issue of redefining Israeli-Palestinian relations was raised in the unprecedented artistic project Messer-Metzer (1972) and in the performance of Moshe Gershuni Soft Hand (1975).
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2020, 22; 141-150
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Algorytmiczna Rewolucja. Sztuka, Płeć i Maszyna
Algorithmic Revolution. Art, Gender and Machine
Autorzy:
Jankowska, Małgorzata
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424643.pdf
Data publikacji:
2018
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
algorytmiczna rewolucja,
maszyna,
sztuka nowych mediów,
feminizm,
Ars Electronica
algorithmic revolution,
machine,
new media art,
feminism,
Opis:
Celem tekstu jest zwrócenie uwagi na kwestie obecności artystek w obszarze sztuki nowych mediów. Tytułowa “algorytmiczna rewolucja”, która przekształciła wszystkie etapy komunikacji doprowadzając do niewyobrażalnego wzrostu tempa wszystkich sfer życia i stworzyła niewątpliwie obszerne pole do działania, okazała się jednak nie być wolna od uprzedzeń, krzywdzących wykluczeń i nadużyć. Odwołując się do rewolucji przemysłowej i konstruującej się w tym okresie zależności pomiędzy kobietami i maszynami (maszyna tkacka, maszyna do szycia, maszyna do pisania), chcę pokazać utrzymujący się mimo postępu technologicznego nierówny sposób traktowania ze względu na płeć, co skutkuje znikomą obecnością kobiet artystek w obszarze sztuki nowych mediów. Na przykładach wystaw dedykowanych sztuce nowych mediów, począwszy od pionierskich wydarzeń dekady lat sześćdziesiątych aż do wystawy Algorithmic Revolution. On the History of Interactive Art (ZKM, 2004) wskazuje jak niewielki odsetek kobiet-artystek brało w nich udział, mimo, iż nie brakowało zdolnych i ambitnych artystek posługujących się komputerem. W tym kontekście przedstawiam projekty, których twórczynie upominają się o nieobecne artystki oraz wskazują sposoby na wyrównanie szans, a tym samym instytucjonalne włączenie kobiet w różnego rodzaju struktury.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2018, 19; 51-58
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka na rzecz demokracji
Art for the sake of democracy
Autorzy:
Guzek, Łukasz
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424712.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Opis:
edytorial
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2017, 16; 5-7
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Social Art Media. Polska Sztuka Internetu w Obliczu Rewolucji Komunikacyjnej
Social Art Media. The Art of the Internet in the Face of the Communication Revolution
Autorzy:
Miaskowska, Marta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424653.pdf
Data publikacji:
2019
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
sztuka,
media,
społeczeństwo,
komunikacja,
internet,
rewolucja
art,
social,
communication,
revolution
Opis:
Artykuł jest próbą systematyzowania ścieżki rozwoju sztuki internetu w oparciu o ogólną strukturę rozwoju sztuki nowych mediów. Uwagę koncentrują media społecznościowe, które w dobie rewolucji komunikacyjnej stały się miejscem społecznej aktywności, a w tym również działań artystycznych. Tekst otwiera dyskurs na temat statusu twórczości w przestrzeni mediów społecznościowych, a także tego jaki wpływ będzie ona miała na muzealnictwo i rynek sztuki w ogóle. Egzemplifikacja w artykule jest oparta na przykładach artystów polskich. Przytoczone opisy prac pokazują przede wszystkim różnorodność kreacji artystycznych powstających w mediach społecznościowych. Jednak dopiero większa baza przykładów pozwoliłaby na kategoryzację tej twórczości, a więc zrobienie pracy krytycznej, czyli dokonanie tego, czego nie uczyniły jeszcze instytucje sztuki czy instytuty badawcze.
The article is an attempt to systematize the path of Internet Art development based on the general structure of the development of new media art. The attention is focused on the social media, which in the era of the communication revolution became a place of social activity, including artistic activities. The text opens a discourse on the status of creativity in the space of the social media, as well as the impact it will have on museology and the art market in general. The exemplification in the article is based on examples of works by Polish artists. The descriptions of works presented here show the diversity of artistic creations in the social media. However, only a larger database of examples would allow the categorization of these works, and thus conducting their critical assessment, that is, to do what art institutions or research institutes have not yet done.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2019, 20; 159-168
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka totalna czy dychotomia? Klasyczna i nowoczesna sztuka w dokumentacji i opiece
Total Art Or Dichotomy? Classical And Modern Art In The Documentation And Care
Autorzy:
Szmelter, Iwona
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424314.pdf
Data publikacji:
2011
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
CONSERVATION
CONSERVATION METHODOLOGY
CONTEMPORARY ART
CULTURAL HERITAGE
DOCUMENTATION
PRESERVATION
TOTAL ART
Opis:
Contemporary art is dichotomous - that means that it functions either within the classic art disciplines or the innovative ones, which have existed generally from the times of Marcel Duchamp. The aim of this paper is to consider an innovative, practical and theoretical framework for the documentation and conservation of the works of art created by the new generation of artists who utilise new media and integrate their works with new technologies, interactive sonic spaces, transformation of sensual processes, etc. The key issue is the conservator's thorough knowledge about the work of art. This is achieved through cooperation with artists. A conservator should play a role in the artworks' pre-acquisition and should use all of his/her knowledge, including the complexity of humanities and science, one's erudition, experience with art, sensitivity and empathy. The result is therefore an appropriate diagnosis of the object allowing the conservator to undertake the appropriate documentation method and action. The artwork shows the truth about the artist, bears the traces of the artist's personality, has traits associated not only with their sensitivity and artistic abilities but also with the creative process and the technical solutions that the artist selected. We can discover these technical methods and materials by a scientific instrumental analysis. In consequence, innovative knowledge is related to the development of artistic ideas, the concepts and models according to which a tangible and intangible heritage is taken care of, the cognition, communication and contextual aspects of art, the principles and processes involved in perception, the senses and the potential role of new media in creating new aesthetic experiences.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2011, 5; 16-20
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka Partycypacyjna i Dizajn Partycypacyjny: Źródła, Definicje i Wartości
Participatory Art and Participatory Design: Sources, Definitions and Values
Autorzy:
Wołodźko, Agnieszka
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/1015474.pdf
Data publikacji:
2020
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
sztuka partycypacyjna
dizajn partycypacyjny
uczestnictwo
kontrkultura
klasa kreatywna
użytkownicy
participatory art
participatory design
participation
counterculture
creative class
users
Opis:
W ciągu ostatnich dwóch dekad postulat partycypacji publiczności w procesach twórczych i projektowych coraz silniej daje o sobie znać. Konsekwencją jego aktualności jest gruntowne przeobrażenie pola sztuki. Dezyderat uczestnictwa odbiorców i użytkowników w roli twórców nie ogranicza się zresztą do sfery sztuki, lecz dotyczy również m.in. procesów rozwoju miast, przestrzeni wspólnych czy kultury cyfrowej. To wynik obserwowanego przekształcania się postaw zarówno artystów jak i projektantów, którzy obecnie pragną poszerzać spektrum swej społecznej obecności by występować w roli odpowiedzialnych obywateli. Jednak dzisiejsze upowszechnienie się projektów włączających działania nieprofesjonalne i wernakularne nie poskutkowało podjęciem szerszej analizy tego zjawiska na polu historii sztuki. W tej sytuacji istotną potrzebą wydaje się refleksja teoretyczna, która podążać będzie w ślad za zachodzącymi przemianami. Deficyt prawidłowego rozumienia pojęć sztuki partycypacyjnej i dizajnu partycypacyjnego przekłada się bowiem na konsekwencje praktyczne w sytuacji, gdy hasło partycypacji zostaje chętnie podchwycone przez władze lokalne, odwołujące się do niego przy okazji przeprowadzanych procesów przekształceń tkanki urbanistycznej i rewitalizacji zaniedbanych kwartałów. Dlatego rolą poniższego tekstu jest po pierwsze – wskazanie na źródła sztuki i dizajnu partycypacyjnego oraz powiązane z nimi wartości, a po drugie – przegląd i uporządkowanie funkcjonujących już definicji. W ten sposób ma on szansę stać się okazją do ponownego przemyślenia, czym są w istocie przywołane zjawiska.
Over the past two decades, a demand for audience participation in creative and design processes has been increasingly felt. A profound transformation of the field of art is a consequence of its timeliness. The desideratum of participation of recipients and users as creators is not limited to the sphere of art, but also applies to city development processes, common spaces or digital culture. This is a result of the observed transformation of attitudes of both artists and designers who now want to expand the spectrum of their social presence to act as responsible citizens. However, today's proliferation of projects incorporating unprofessional and vernacular activities has not resulted in a broader analysis of this phenomenon in the field of art history. In this situation, a theoretical reflection that will follow the changes taking place seems to be an important need. The deficit of the correct understanding of the concepts of participatory art and participatory design translates into practical consequences in a situation where the slogan of participation is readily picked up by local authorities, referring to it during processes of urban tissue transformation and revitalization of neglected quarters. Therefore, the role of the following text is first of all – an indication of the sources of art and participatory design and the values associated with them, and secondly – a review and ordering of existing definitions. In this way, it has a chance to become an opportunity for rethinking what the phenomena actually are.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2020, 23; 161-174
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Marginesy, minima, media, itp. O politycznym znaczeniu sztuki konceptualnej
Margins, Minima, Media etc. The Political Meaning of Conceptual Art
Autorzy:
Brogowski, Leszek
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424527.pdf
Data publikacji:
2013
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
sztuka konceptualna
polityka
sztuka polityczna
marginesy kultury
kultura alternatywna
przestrzeń społeczna
krytyczna swiadomość
fotografia
minimalizm
mass media
nominalizm
Opis:
This article focuses upon the issue of the political meaning of art. It discusses the possibility of making art political. It also attempts to define the ways in which political art functions and points out two ways: as undertaking a political topic or as a form which adopts a political meaning. The research field of the article is the period 1960-1980 when art was especially political, and conceptual art in particular. Even though conceptual art fairly rarely refers directly to politics, its political content has a deeper, philosophical character. The article concentrates on the following aspects of art from the period 1960-1980: 1. The choice of the artist to occupy a position on the margin of society, contradicting the myth of the artist-genius, surrounded by glory, success and the recognition of society 2. The stance of the artist as the organiser of “artistic life”: galleries, archives, festivals, exhibitions, etc. 3. The concept of art as a specific kind of research on reality, which would then allow art to be properly placed within a university structure and treat the teaching of it as a form of an artistic practice. 4. The analytic tendency to research media used by art. 5. Problematic issues relating to the body, which, contrary to dominating models, is present in many conceptual art projects. 6. The self-reflective stance of the artist towards art, a stance that aims to criticise the term and to confront the social artistic practice, which was a feature of artistic conflict during the period 1960-1980. The conclusion points out one particular and at the same time, typical form of conceptual art which was the artist’s book. This kind of book is political by its form and is an example of making discourse political by the way art acts, not necessarily by undertaking a political discussion.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2013, 8; 9-19
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sekcja 1. Badania inspirujące się sztuką: sztuka i humanistyka. Wstęp
Art Based Research: Arts and Humanities. Introduction
Autorzy:
Kosińska, Marta
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424537.pdf
Data publikacji:
2016
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
art based research, badania jakościowe, analiza kulturowa, teoria sztuki, epifania, heuretyka, aktywizm, qualitative research, cultural analysis, theory of art, ephiphany, heuretics, activism
Opis:
Contemporary discussion on the main tendencies in the field of art based research for qualitative research is based on the already accepted belief that art is also the cognitive practice. The discourse about artistic as cognitive should be then moved forward, and the questions about the concrete examples of synergy of artistic and qualitative research should be posed. The profits resulting from this contract should be evaluated, and the inventory of the real democratic equivalence of artistic and humanistic tools should be done. How the balance between competences and roles in the artistic-qualitative research is maintained? Can we speak about them as of art based, or maybe it would be better to cautiously think of them as of arts informed? Are these projects the most experimental and critical bridgehead of the qualitative research, or rather trade trend of proffesionals? Should we treat them as examples of the interdisciplinary practices, or rather as exemplars of the transdisciplinary cultural analysis? The last mentioned will serve here as the axis of deliberations: from the perspective of cultural analysis we will evaluate the role of art in the field of qualitative research. Articles gathered in this issue represent the wide range of the possible approaches to the art based research. The introductory article of my authorship, „Between authonomy and ephiphany. Art based research, qualitative research and the theory of art”, attempts the analysis of the main tendencies within the field of art based research in the historical, methodological and aesthetical terms. It draws the historical coincidence in the social sciences and the humanities which enabled the emergence of the artistic qualitative research, and emhasizes the special role of the narrative turn. It reveals the slits within the cultural analysis and the qualitative research which became the new places for the artistic-research practices. It also reveals the entanglement of these practices in the dichotomies founded on the modern theories of art and analyzes the most important of them: between the autonomy of artistic symbolical forms and the epiphanic evocativeness of art. The last mentioned emerges on the foundation of the presence and experience, and in the consequence, opens the social spaces for the ethics of care. An article of Dariusz Brzostek, „Black Science – Black Magic. Afrofuturism, narrative and cognition”, can serve as an example of the classical cultural analysis in the semiotic-critical spirit, representative for this version of cultural studies which was explicitly conducive for the growing tendencies of art based research. An analysis of afrofuturism as the narrative formation and speculative fiction which are formative for the specific socio-cultural groups, realizes an assumption of Paul Willis of searching the creative action in the practices of everyday life. The democratic impetus of cultural studies has diminished the historical burden of an autonomy of art, treating it as the one of many cultural practices, as a place of production of socially important meanings, and in the same time, has strenghtened the labourious practices of cultivation of every day – accentuating its creative aspects in the terms of art living. In the Brzostek’s cultural analysis which can be defined as artistically informed, one can also notice the clue of the narrative turn. The productive and formative aspects of the popular narrations are crucial in this analysis: they tie together the two records of the qualitative research – biographies and social structures. In the consequence, an analysis of afrofuturism reminds the best years of the cultural studies, as from the Paul Willis’ projects Learning to Labour: How Working Class Kids Get Working Class Jobs. The clue of the disciplinary thinking, attempting to situate the art based research in the front of, within, and besides other social sciences and the humanities is continued in the article of Dorota Łuczak, „The Iconology of X-Ray Images”. Łuczak analyzes the history of the process of including X-ray photography in the area of the interest of the history of art, especially in the project conducted by Horst Bredekamp, Das Technische Bild in years 2000-2012 in Hermann von Helmholtz–Zentrum für Kulturtechnik at the University in Berlin. In the epistemological and metodological aspect, the project raised the problem of the subject of the visual research and the role of technical images in the social process of construction of knowledge. The subject of the inquiry was rather not the prove of the social construction of the visual reality (as in the anglo-saxian visual studies) but rather an analysis of the reciprocial determination between systems of knowledge and the conventions of representation of technical images. Finally, in the conclusion an author points out, that it is not necassary to resign from the rigours of the art historian analysis (style, iconology, comparative studies), that they can be productive for the research of the bodily, perceptual, subjective and habitual contexts of the technical images. Most of all, the subjectivitizing category of style can be refferred to the mental constructs constituting the processes of knowing. The usage of drawing, sketching and doodling in the practice of the organizational development is the subject of consideration of Adam Dzidowski in his article „The formative role of art and organisational aesthetics – visualisation and drawing in organisational development”. Dzidowski analyzes drawing as an expressive medium, enabling to reveal the creative and innovative solutions. Drawing and sketching can be seen as a cognitive tools, resolving problems, representing the stage of the organizational development, diagnozing, searching for the creative solutions. In those areas their usage in the organizational development inscribes itself into the heuretic tendencies in the field of art based research – as the practices of creation of the generative formulas, resulting with the creative scripts of action. The achievement of these goals can be supported by the artictic practices changing the models of organizations and breaking the prevailing schemes of thinking. Dzidowski refers to the dychotomy between functionalism and the cultural and interpretive studies, outlining the situation in which the management practice is still founded on the functional paradigm and the artistic tool of drawing is intended to „soften” this quantitative and formal attitude. He refers to the old dychotomy between the structuralism and ethnography, the scientific heritage of Emile Durkheim and the sociological writings of Georg Simmel – revealing in the same time the deep entanglement of the art based research in the series of various oppositions. The most solid of them is the opposition between knowledge and emotion, from which the whole current Issue of Art and Documentation begins. The two articles in this Issue: of the duo Joanna Bielecka-Prus and Aneta Pepaś and an article of Karolina Sikorska, represent the activist tendency in the field of art based research. The perspective of Bielecka-Prus and Pepaś is the precise reconstruction of the realized by them project Where the cocs crow – the wedding ethnoperformance. This was the animation-research enterprise, organized by the City Culture Centre in Dynów, realized with the cooperation with ethnographers, anthropologists, ant socio-cultural animators. This two-voice reconstruction is then the record of the interdysciplinary art based research project. The aim of this ethnoperformative action was the reconstruction and play of the the wedding ceremony characteristic of the Dynów Foothill, for which the point of departure was a scenario of the wedding from Ulanica. It was not the accuracy of the ethnographic reconstruction at the stake of this action, but rather the mediation of tensions and relations in the local communities through the common, performative action. The wide range of the qualitative research has been centered around the scenario of the wedding ceremony, scenario negotiated with the local community. The final version of the ethnodrama, the performative scipt built on the basis of data gathered in the research, was the common decision of the inhabitants of the Dynów Foothill. An article of Karolina Sikorska, „Female artists in work and about work. The cognitive dimensions of art” reveals this version of the activist tendency in the field of art based research which does not exist without the critical theory. This perspective takes often the critically based form of detailed case studies. Sikorska in the context of the subject matter of this Issue draws the specific map of the problems specific for the cultural and political contexts of work of women artists at Academies and Universities. She poses fundamental questions for the practice of the art based research: what makes impossible and what enables being the artist-researcher functioning in the institutional structure and not in the partisan field beyond that. Finally Sikorska points out three concrete artistic-cognitive strategies taken by women making art about other women work. Paula Milczarczyk, an author of an article „Omnis natura artificiosa est. Project The Symbiosity of Creation” in the light of the theory of paraartistic values” analyzes the artistic practice of Jarosław Czarnecki/Elvin Flamingo in the context of an aesthetics of reality and the conception of paraartistic values of Maria Gołaszewska. Finally, Sebastian Dudzik and Marek Glinkowski in the dialogue „The graphic art as a cognitive tool. The two voices about the matrix” convey the conversation of the artist and art historian considering the cognitive aspects of the ways of thinking and action in the graphic art. They represent the graphic thinking as the paradigmatic for the media art, they define the notion of the matrix, the matrix thinking, the cultural matrix, the matrix trancoding, analyzing the transitivity of these notions from the classic graphical techniques to the new media art. Using the cultural matrix notion, they define graphic art as the medial tool of the cultural analysis. We were opening this section on art based research with the assumption of the qualitatively directed cultural analysis of Paul Willis, that the symbolical wholeness of the expressive human life is the sort of art, and its research demands aesthetic tools. Similarily, in the aesthetics of paraartistic values, artistic structures are treated as usable to the reality. Artist become in this context an accoucher, revealer, finder of the hidden aspects of the reality, who helps to see and analyze its qualities.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2016, 14; 5-10
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Sztuka zamiast filozofii
Art Instead Of Philosophy
Autorzy:
Jasiński, Bogusław
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424367.pdf
Data publikacji:
2012
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
CONTEMPORARY ART
CONCEPTUAL ART
CONCEPTUALISM
AESTHETICS
ETHOSOPHY
EXISTENCE
Opis:
The aim of this text is to show the cognitive function of the art later referred to as conceptual. Conceptualism was particularly predisposed to express abstract messages which included philosophical ones. The basic question I would like to pose in this text is: can a conceptual art toolbox express in its own way that which had been formerly expressed by philosophy? How, with the usage of means suggested by conceptual art, may one build a general image of the world – comparable to that which philosophy had previously given? Perhaps a full answer to the above question leads us into the areas of art which ceased to fill the boundaries of conceptualism, or post-conceptualism and heads straightforward to action, which Grotowski called an ‘active culture’ — that is a place where art is not sufficient anymore.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2012, 6; 97-107
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Wprowadzenie. Sztuka W Procesie O Nieznośnej Lekkości Bytu? Ochrona, Konserwacja I Restauracja Dzieł Sztuki Współczesnej
Autorzy:
Szmelter, Iwona
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/424599.pdf
Data publikacji:
2017
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Opis:
Introduction. Art In Process On The Unbearable Lightness Of Being? Preservation, Conservation And Restoration Of Works Of Contemporary Art
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2017, 17; 4-5
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Tytuł:
Przejrzeć Heideggera
Looking Inside Heidegger
Autorzy:
Różanowski, Ryszard
Powiązania:
https://bibliotekanauki.pl/articles/2171430.pdf
Data publikacji:
2021
Wydawca:
Akademia Sztuk Pięknych w Gdańsku
Tematy:
Heidegger
Adorno
Benjamin
estetyka
sztuka
przeżycie
dzieło sztuki
źródło
aura
prawda
Opis:
Martin Heidegger’s lecture The Origin of the Work of Art, presented on November 13th, 1935 in Freiburg, marked a significant turn in its author’s philosophical thought. Earlier Heidegger had immersed himself in politics, yet when it proved to be a blind alley or simply a mistake, he turned to aesthetics. And although he never endeavoured to form a systematic theory of art or aesthetics, art does hold a solid position within his philosophical output. When certain researchers tackle the issue of Heidegger’s specific, metaphorical language, they point out that the philosopher addressed well known issues that, in fact, had already been widely discussed beforehand. While analyzing art, he asked a basic question about its substance. The provided answer would also remain on the traditional side: only art, as opposed to thinking with the use of certain terms, saliently relates to being – here Heidegger’s thought finds its common ground with those of philosophers as different as Schelling, Nietzsche or Adorno. Heidegger himself found his idea of art very much opposed to traditional aesthetics - to what focused on artistic experience and on experiencing art. In his opinion, all attempts to interpret a work of art that were based on the term “experience”, using it then to construct a whole concept of modern aesthetics, were deleterious effects of the old philosophy focused on subjectivity, where aesthetics is inevitably degenerated – not only by promoting the wrong idea of the spheres belonging to the artist and the viewer, but also by losing sight of the work of art being the highest, essential instance. Thus, solely a work of art remains the object of his specific metaphysics, since it embodies the substance of art. And so, the desire to “see through Heidegger,” focusing on his key opus - The Origin of the Work of Art - follows the perspective drawn by Hermann Mörchen who aimed at breaking the philosophical refusal to make connections between Heidegger and Adorno, as well as confronting the output that each of them had left after their deaths. Within that perspective, a significant role is played, next to Adorno, by Walter Benjamin – as there are certain remarkable aesthetic problems that at times set the two adversaries closer to each other, and at times further apart. Benjamin’s letters involve a critique of Heidegger’s work. According to Adorno, every attempt to justify aesthetics by invoking the origin of art as its core, must lead to a disappointment. Whereas Benjamin, in an essay that was supposed to earn him a degree, mused about the “origin of German Trauerspiel;” and like Heidegger, he also wrote about van Gogh. Thus, the presented conclusions may not only imply differences, but also correspondence and compliance of certain philosophical assumptions made by the philosophers.
Źródło:
Sztuka i Dokumentacja; 2021, 24; 45-61
2080-413X
Pojawia się w:
Sztuka i Dokumentacja
Dostawca treści:
Biblioteka Nauki
Artykuł
Wyświetlanie 1-15 z 66

Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies