Informacja

Drogi użytkowniku, aplikacja do prawidłowego działania wymaga obsługi JavaScript. Proszę włącz obsługę JavaScript w Twojej przeglądarce.

English (EN)·Polski (PL)·Yкраїнський (UK)
Przejdź do strony domowej biblioteki Centralna Biblioteka Wojskowa Link otwiera się w nowym oknie Logo biblioteki Prolib Integro - strona głównaCentralna Biblioteka Wojskowa

Wyszukujesz frazę "films" wg kryterium: Temat

  Lista filtrów
Wyrównaj
    Wyświetlanie 1-11 z 11
    Tytuł:
    Eksperymenty i kompromisy: „mind-game films” we współczesnym kinie amerykańskim
    Experiments and Compromises: Mind-Game Films in Contemporary American Cinema
    Autorzy:
    Szczekała, Barbara
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31342033.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    mind-game films
    narracja
    dyskomfort
    narrative
    discomfort
    Opis:
    Artykuł koncentruje się na fenomenie tzw. mind-game films – filmów powstających od końca lat 90., które cechują się m.in. skomplikowaną narracją, ontologicznie niepewnymi światami przedstawionymi, niestabilnymi mentalnie bohaterami ogniskującymi fabułę. Autorka tekstu osadza zjawisko mind-game films w kontekście przemian w estetyce i produkcji współczesnego kina amerykańskiego i odpowiada na pytanie, dlaczego okazało się ono najwyraźniej obecne właśnie w kinematografii USA. Choć eksperymenty narracyjne nakierowane na budzenie dyskomfortu poznawczego u widza były dostrzegalne już w kinie modernistycznym, to właśnie współczesne kino amerykańskie sprawiło, że stały się one oswajalne i przystępne dla szerszej widowni. Szczekała skupia się również na aspekcie estetyczno-ideologicznym zjawiska, analizuje najczęściej powtarzające się tematy i chwyty narracyjne oraz swoistą dla mind-game films formę „identyfikacji poznawczej”.
    The article focuses on the phenomenon of the so-called mind-game films – films emerging from the end of the 1990s, which are characterized by, among others, complicated narrative, ontologically uncertain worlds, mentally unstable characters that focus the story. The author embeds the phenomenon of mind-game films in the context of changes in the aesthetics and production of contemporary American cinema and answers the question, why is it most present in the American film industry. Although narrative experiments aimed at arousing cognitive discomfort in the audience were already visible in the modernist cinema, it is the contemporary American cinema that made them acceptable to the wider audience. Szczekała concentrates also on the aesthetic and ideological aspects of the phenomenon, and analyses the most recurrent themes and narrative tricks, and specific to the mind-game films form of “cognitive identification”.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 93-94; 140-152
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Urszula Antoniak: kondycja nomadki
    Urszula Antoniak: The Condition of the Nomad
    Autorzy:
    Szponar, Ewa
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/32062641.pdf
    Data publikacji:
    2016
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Urszula Antoniak
    kino kobiece
    wykorzenienie
    women’s films
    uprooting
    Opis:
    Jeśli perspektywa narodowa w studiach nad kinem polskim okazuje się najwłaściwsza dla opisania tożsamościotwórczej roli, jaką odegrało ono w XX w., to dla uchwycenia fenomenu najnowszej kinematografii bardziej owocne może być spojrzenie przekraczające granice państwowe. Zmienia się bowiem definicja polskości, chociażby na skutek masowej emigracji. Jedną z najbardziej znanych polskich reżyserek tworzących na obczyźnie jest Urszula Antoniak. Mimo że skończyła Uniwersytet Śląski w Katowicach, debiutowała dopiero po wyjeździe do Holandii, gdzie nakręciła trzy filmy pełnometrażowe. W wywiadach podkreśla swój status outsiderki, zaś jej opowieści filmowe konsekwentnie ogniskują się wokół problemu samotności i niemożności porozumienia z drugim człowiekiem. W swym artykule Szponar stara się odpowiedzieć na pytanie dotyczące nie tyle kwestii „transnarodowości”, ile „beznarodowości” czy wykorzenienia jako znaku kondycji człowieka XXI w. Na ten punkt widzenia autorka nakłada również perspektywę feministyczną zgodnie z tradycyjnym ujęciem kobiecości jako „uchodźctwa od świata”. Twórczość Urszuli Antoniak wpisuje się bowiem w konwencję „kina kobiecego”, poniekąd zgodnie ze słowami Virginii Woolf, która pisała: Jako kobieta nie mam kraju. Jako kobieta nie chcę mieć kraju. Moim krajem jako kobiety jest cały świat.
    If a national perspective in the study of Polish cinema turns out to be the most appropriate to describe its identity making role in the 20th century, a different perspective, one that transcends national borders, appears to be more promising when dealing with newest films. The definition of what it means to be Polish is changing in part due to mass migration. One of the better known Polish women directors working abroad is Urszula Antoniak. Although she graduated from the Silesian University in Katowice, she made her debut only following emigration to the Netherlands, where she made three feature films. In interviews she highlights her status of an outsider, and her film stories consistently focus on the problem of loneliness and the impossibility of communicating with another person. In his article Szponar is trying to answer the question dealing with not so much the issue of transnationalism, but “un-nationalism”, that is uprooting as an element of the human condition of the 21st century. This point of view is further explored using the feminist perspective, and the notion of womanhood as being “an escape from the world”. The work of Urszula Antoniak falls within the category of “women’s films”, and coincidentally agrees with the words of Virginia Woolf, who wrote: As a woman I have no country. As a woman I want no country. As a woman, my country is the whole world.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2016, 95; 40-50
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Przyjemność na granicy dyskomfortu
    Pleasure on the Verge of Discomfort
    Autorzy:
    Przylipiak, Mirosław
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340692.pdf
    Data publikacji:
    2020
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    filmy gier umysłowych
    narratologia
    afekt
    mind-game films
    narratology
    affect
    Opis:
    Artykuł jest recenzją książki Barbary Szczekały pt. Mind-game films. Gry z narracją i widzem (2019). Książka kładzie nacisk na komplikacje i zawiłości narracyjne filmów gier umysłowych. Zadaniem odbiorcy byłoby te zawiłości zrozumieć, z rozsypanych puzzli ułożyć spójny obrazek, zagadki i tajemnice wyjaśnić. Odbiór ma charakter racjonalny, jego opis jest ujęty w ramę psychologii poznawczej. Przeciwstawiony jest mu drugi typ odbioru (autorka książki za nim optuje), wedle którego odbiorcy filmów gier umysłowych szukają w nich przede wszystkim ucieleśnionych emocji. Szczekała charakteryzuje bliżej trzy rodzaje takich emocji, które nazywa terrorem identyfikacji, ekscesem nagromadzenia oraz dyskomfortem poznawczym. Choć są to doznania nieprzyjemne, zdaniem autorki to właśnie one przyciągają widza do tego typu kina.
    The paper is a review of a book by Barbara Szczekała entitled Mind-game films. Gry z narracją i widzem [Mind-game Films: Games with Narrative and Spectator] (2019). The subject of the book is the current of “mind game films”, and the book is particularly concerned with the issue of the viewer’s reception of such films. Two modes of reception are confronted with each other. In the first one the emphasis is put on the complexity of mind-game films. The viewer’s task would be to straighten up this complexity, to complete a puzzle, to answer the riddles and solve mysteries. The reception is rational in nature, and the whole issue is put in the framework of cognitive psychology. This mode is juxtaposed to another one (the author opts for it), according to which the admirers of such films strive especially for embodied affects. Three such affects are described in detail: terror of identification, excess of accumulation and cognitive discomfort. Although these affects are rather unpleasant, the author insists that they attract the viewer to this kind of cinema.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2020, 110; 213-218
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Funkcje „znaczącego ujęcia” w popularnym wariancie „puzzle films”
    The “Significant Shot” and Its Functions in the Popular Variant of Puzzle Films
    Autorzy:
    Korczarowska, Natasza
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/26850846.pdf
    Data publikacji:
    2022
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    znaczące ujęcie
    puzzle films
    narratologia
    kognitywizm
    significant shot
    narratology
    cognitivism
    Opis:
    Autorka koncentruje się na „znaczących ujęciach” w popularnym (w opozycji do bieguna heavy weight) wariancie puzzle films. Ujęcie jest identyfikowane jako znaczące, jeśli pełni uprzywilejowaną rolę w strukturze tekstu filmowego. Aby uchwycić znaczenie (w aspekcie wytwarzania sensów) analizowanego ujęcia, autorka skupia się na jego dwóch fundamentalnych funkcjach: rozpoznania (prowadzącego do „od-opowiedzenia” i rekontekstualizacji fabuły) i zawieszenia (otwierającego tekst na ambiwalentne i sprzeczne interpretacje). Artykuł został zainspirowany pracami Kristin Thompson poświęconymi dominancie definiowanej jako element jednoczący wszystkie aspekty dzieła. Według Thompson niespodzianka rządzi formą – od całościowego kształtu opowiadania aż po poziom pojedynczego zdania. Autorka dowodzi, że „niespodzianka” stanowi dominantę w puzzle films, a „pojedyncze zdanie” – na poziomie metaforycznym – może być postrzegane jako ekwiwalent ujęcia filmowego. Wybrane filmy zostały umieszczone w kontekście kognitywizmu (Bordwell, Thompson) i narratologii (McHale).
    The article focuses on the “significant shot” in the popular (as opposed to heavy weight) variant of puzzle films. The shot is identified as significant if it performs a prominent role in the structure of a film text. To capture its significance (in the aspect of meaning-making), the author focuses on its two fundamental functions: recognition (leading to “re-telling” and re-contextualisation of the story) and suspension (opening the text to ambivalent and contradicting interpretations). The text has been inspired by Kristin Thompson’s writings on the dominant defined as an element that unifies all aspects of a work. According to Thompson, surprise governs form – from the overall shape of the plot to the level of the individual sentence. The article argues that “surprise” is the dominant in puzzle films and “the individual sentence” – on the metaphorical level – may be perceived as the equivalent of the film shot. Selected films are positioned in the theoretical frameworks of cognitivism (Thompson, Bordwell) and narratology (McHale).
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2022, 118; 126-151
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Paranoja „noir”. Ukryta rzeczywistość czarnego kryminału
    Paranoia Noir: The Hidden Reality of Film Noir
    Autorzy:
    Włodek, Patrycja
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/26850875.pdf
    Data publikacji:
    2022
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    paranoja
    subiektywizacja
    film noir
    gothic noir
    puzzle films
    stoner noir
    paranoia
    subjectivisation
    Opis:
    Paranoja jest częstym tematem filmowo-serialowym, ujawniającym się zarówno w udramatyzowanych reprezentacjach zaburzeń, jak i w narracjach spiskowych. Niekiedy paranoja funkcjonuje nie tylko jako element fabularny, ale też określa strukturę narracji oraz dobór pozostałych środków filmowych. Może również funkcjonować jako metafora. Przykładem zjawiska filmowego, w którego tożsamość jest wpisana – zarówno jako temat, jak i kategoria determinująca atmosferę danego dzieła – jest film noir. W trzech konwencjach należących do szerokiego spectrum filmowego czarnego kryminału paranoja stanowi także metaforę i pozwala zbudować komentarz do świata pozaekranowego. Są to gothic noir, puzzle/mind-game films i stoner noir, których twórcy, posługując się subiektywizującymi zabiegami narracyjnymi, łączą jednostkowe postrzeganie paranoiczne z obiektywnie istniejącymi spiskami, problematyzując w ten sposób rzeczywistość współczesną realizacji w kategoriach zarówno indywidualnych, jak i zbiorowych.
    Paranoia is a frequent cinematic subject in movies depicting both representations of paranoid personalities and conspiracy theories. It might be not only part of the plot (events), but also an important factor influencing the narrative structure and other filmic devices. It might also serve as a metaphor. This happens in film noir, where paranoia is both a subject and an element influencing the general vibe. In three categories of film noir – gothic noir, puzzle/mind-game films and stoner noir – filmmakers use subjectivisation and other narrative devices in order to introduce paranoia both as a metaphor and a commentary on contemporary social reality.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2022, 117; 77-97
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Heroiczni mężczyźni i nieobecne kobiety
    Heroic Men and Absent Women
    Autorzy:
    Korczarowska, Natasza
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/24955344.pdf
    Data publikacji:
    2023
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    films on history
    history politics
    collective memory
    filmy o historii
    polityka historyczna
    pamięć zbiorowa
    Opis:
    W książce Filmowe zarządzanie pamięcią. Kino polskie 2005-2020 o historii najnowszej (2022) Magdalena Urbańska dokonuje analizy „filmów o historii” z perspektywy politycznych mechanizmów zarządzania pamięcią zbiorową. Zaproponowane przez autorkę podejście odzwierciedla tezę, że filmy historyczne mogą dostarczyć wiedzy historycznej wyłącznie na temat okresu, w którym zostały zrealizowane. Autorkę interesują zagadnienia (II wojna światowa, okres PRL, relacje polsko-żydowskie, rola kobiety w społeczeństwie), które w latach 2005-2020 zajmowały wiodące miejsce w dyskursie publicznym. Urbańska traktuje kinematografię – wraz z całą jej instytucjonalizacją – jako instrument kształtujący nowe symboliczne imaginarium społeczne. Z zaproponowanej przez autorkę syntezy wyłania się przekonujący obraz kinematografii uwikłanej w dyskurs konserwatywnej polityki historycznej.
    I In the book Filmowe zarządzanie pamięcią. Kino polskie 2005-2020 o historii najnowszej [Managing Memory through Film: Polish Cinema 2005-2020 on Recent History] (2022), Magdalena Urbańska analyses ‘films about history’ from the perspective of political mechanisms of collective memory management. The approach proposed by the author reflects the thesis that historical films can provide historical knowledge only about the period in which they were made. The author is interested in issues which occupied a leading place in Polish public discourse in 2005-2020 (World War II, the period of the Polish People’s Republic, Polish-Jewish relations, the role of women in society). Urbańska treats cinema – along with its entire institutionalization – as an instrument shaping a new symbolic social imaginary. From the synthesis proposed by the author, there emerges a convincing picture of cinema entangled in the discourse of conservative historical politics.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2023, 124; 229-236
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Zbliżenie na biedronkę. Konwicki, Mach i ujęcie z niebyłej adaptacji
    Close-up on the Ladybug. Konwicki, Mach and a Shot from an Unrealized Adaptation
    Autorzy:
    Kaniecki, Przemysław
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/26850812.pdf
    Data publikacji:
    2022
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Tadeusz Konwicki
    Wilhelm Mach
    scenariusz
    filmy niezrealizowane
    aluzja literacka
    screenplay
    unrealised films
    literary allusion
    Opis:
    Przedmiotem artykułu jest podobieństwo motywu biedronki w scenariuszu (autorstwa Tadeusza Konwickiego, Jerzego Kawalerowicza i Wilhelma Macha) niezrealizowanego filmu o wyprawach kosmicznych Witaj, Ziemio (1959) oraz bliźniaczego motywu w powieści Wniebowstąpienie (1967) Konwickiego. Autor wykazuje, że motyw ten nie stanowi jedynie nieświadomej reminiscencji, ale został wprowadzony przez pisarza do tekstu powieści z rozmysłem i w konkretnych celach, które zostają tu zrekonstruowane. Omawia znaczenia figury biedronki w maszynopisie scenariusza oraz sensy, które nawiązanie to wnosi do Wniebowstąpienia. Przedstawia również komplikacje z zakresu teorii literatury ujawniające się przy opisie tego nawiązania. Wynikają one z tego, że tekst, do którego Konwicki się odwołał, nie funkcjonuje w obiegu (zatem trudno mówić o aluzji literackiej, skoro odbiorcy nie mogli wiedzieć, że motyw jest aluzją). Problemy te spiętrza jeszcze milczenie pisarza na temat scenariusza – nie opowiadał o nim ani nawet nie sugerował jego związków z Wniebowstąpieniem. Autor próbuje więc dociec, jakie mogły być intencje Konwickiego i jak podobieństwa obu motywów można wpisać w kategorie teoretycznoliterackie.
    The article discusses the similarity between the motif of the ladybug in the screenplay (by Tadeusz Konwicki, Jerzy Kawalerowicz, and Wilhelm Mach) of an unrealized film about space expeditions, Witaj, Ziemio (Welcome, Earth) (1959), and the twin motif from Kowicki’s novel Wniebowstąpienie (Ascension) (1967). The author shows that the appearance of the ladybug is not just an unconscious reminiscence, but the motif was deliberately introduced by Konwicki into the text of the novel, for specific purposes that are reconstructed here. He discusses the meanings of the motif in the screenplay’s typescript, and the contribution of this reference to the meanings of Ascension. He also presents the literary-theoretical complications that arise in describing the reference, which result from the fact that the text evoked by Konwicki is not in circulation; it is difficult to speak of a literary allusion if the readers did not understand that the motif is an allusion. These complications are compounded by the writer’s silence about the script – he did not talk about it or even hint at its connection to Ascension. The author tries to find out what Konwicki’s intentions might have been and how the similarities between the two motifs can be put into literary-theoretical categories.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2022, 118; 42-57
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Z zimną krwią. Doświadczeniowy wymiar „Zapisu zbrodni” Andrzeja Trzosa-Rastawieckiego
    In Cold Blood. Experiential Dimension of „Zapis zbrodni” by Andrzej Trzos-Rastawiecki
    Autorzy:
    Dudziński, Robert
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340611.pdf
    Data publikacji:
    2020
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Andrzej Trzos-Rastawiecki
    filmy o prawdziwych przestępstwach
    afektywność odbioru
    true crime films
    affectivity of spectatorship
    Opis:
    Przedmiotem artykułu jest film Zapis zbrodni (reż. Andrzej Trzos-Rastawiecki, 1974), którego scenariusz bazował na prawdziwej historii Konstantego Federa i Janusza Dębińskiego – w 1972 r. zamordowali oni w celach rabunkowych dwóch przypadkowych mężczyzn. Autor stara się opisać konstruowaną przez reżysera sytuację komunikacyjną oraz afektywne i emocjonalne oddziaływanie filmu na odbiorcę. W tym celu analizie zostały poddane: zastosowany w Zapisie zbrodni model narracji, sylwetki głównych bohaterów oraz zmysłowy i cielesny wymiar filmu. Bliższe przyjrzenie się tym aspektom dzieła Trzosa-Rastawieckiego pozwala zauważyć, że przedstawiony w filmie obraz zbrodni wymyka się potocznym wzorcom myślenia, regulującym nasze postrzeganie młodocianych przestępców. Tym samym Zapis zbrodni nie oferuje prostej odpowiedzi na pytanie „dlaczego doszło do morderstwa?”. Zamiast tego film mnoży kolejne pytania, dając widzom emocjonalny impuls do uważnego przyjrzenia się całej sprawie i ponownego jej przemyślenia. Trzos-Rastawiecki sygnalizuje bowiem, że personalny, moralny i społeczny wymiar historii dwóch nastoletnich morderców jest zdecydowanie bardziej złożony, niż mogłoby się nam w pierwszej chwili wydawać.
    The subject of this article is the 1972 film Zapis zbrodni (Criminal Records) by Andrzej Trzos-Rastawiecki, based on a true story of two teenagers (Konstanty Feder and Janusz Dębiński), who, in 1972, murdered and robbed two men, having chosen them at random as their victims. The author endeavours to describe the communication situation created by the director, and the affective and emotional impact of the film on the viewer. To this end, he analyses the narrative aspect of Zapis zbrodni, the profiles of the main protagonists, and the sensual and bodily dimension of the film. Studying these aspects of the work of Trzos-Rastawiecki in more detail makes it possible to observe that the picture of crime presented in the film goes beyond our stereotypical thinking and perception of juvenile lawbreakers. Thus, Zapis zbrodni does not offer a simple answer to the question “why did the murder happen?”. Instead, the film asks many questions, giving the viewers an emotional impulse to look at the entire case carefully and to rethink it. This is because Trzos-Rastawiecki signals that the personal, ethical and social dimensions of the story of two teenage murderers are definitely more complex than it might seem to us at first glance.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2020, 111; 199-220
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Saturn – wstydliwe (?) początki austriackiego filmu fabularnego
    Saturn: The Embarrassing (?) Beginnings of Austrian Feature Film
    Autorzy:
    Kosińska-Krippner, Beata
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/26850885.pdf
    Data publikacji:
    2022
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Johann Schwarzer
    Saturn-Film
    pierwsze austriackie filmy fabularne
    filmy erotyczne
    kino austriackie
    erotic movies
    Austrian cinema
    first Austrian feature films
    Opis:
    Johann Schwarzer (1880-1914) założył w Wiedniu pierwszą austriacką wytwórnię filmową, Saturn-Film, w której w latach 1906-1910 powstawały wyłącznie filmy erotyczne, dzisiaj uznane za pierwsze filmy fabularne zrealizowane w Austrii przez Austriaków. Dzięki intensywnym międzynarodowym poszukiwaniom pracownikom Österreichische Filmarchiv udało się odnaleźć w sumie ponad 30 produkcji z tej wytwórni, przez lata uznawanych za zaginione. W tekście została naszkicowana krótka historia Saturna i charakterystyka wybranych filmów Schwarzera. Autorka wskazała też na problemy z zaakceptowaniem przez niektórych austriackich badaczy erotycznych początków rodzimej kinematografii, czego skutkiem było zniekształcanie historycznej rekonstrukcji filmografii austriackiej.
    Johann Schwarzer (1880-1914) founded in Vienna the first Austrian film company, Saturn-Film, which in 1906-1910 produced only erotic films, today considered the first feature films made in Austria by Austrians. Thanks to an intense international search, the employees of Österreichische Filmarchiv managed to find a total of over 30 films from this studio, which for years had been considered lost. The text outlines a short history of Saturn and the characteristics of selected films by Schwarzer. The author of the article also points out the reluctance of, inter alia, some Austrian film historians, in accepting the erotic origins of their native cinematography, which resulted in a distortion of the historical reconstruction of Austrian filmography.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2022, 117; 124-142
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Techniki audiowizualnej rewitalizacji przeszłości – „I młodzi pozostaną” Petera Jacksona
    Techniques of Audiovisual Revitalisation of the Past: Peter Jackson’s “They Shall Not Grow Old”
    Autorzy:
    Michnik, Antoni
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31339909.pdf
    Data publikacji:
    2021
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    Peter Jackson
    I wojna światowa
    film dokumentalny
    restauracja filmów archiwalnych
    rekonstrukcja historycznych pejzaży dźwiękowych
    rewitalizacja przeszłości
    World War I
    documentary film
    restoration of archival films
    reconstruction of historical soundscapes
    revitalisation of the past
    Opis:
    Przedmiotem artykułu jest analiza filmu dokumentalnego Petera Jacksona I młodzi pozostaną (2018), powstałego na podstawie archiwalnych materiałów filmowych z okresu I wojny światowej. Autor przygląda się pracom nad tymi materiałami, pokazując, że zabiegi dokonane przez zespół Jacksona wykraczają poza restaurację filmu, i proponując kategorię rewitalizacji jako adekwatną do opisu dokonanych przekształceń. Przeprowadzona analiza decyzji artystycznych podjętych przez Jacksona odsłania konteksty oraz celowość zastosowanych zabiegów (scenariusz, wybór palety kolorystycznej itd.), a także umieszcza prace nad ścieżką dźwiękową w kontekście współczesnych praktyk rekonstrukcji historycznych pejzaży dźwiękowych. W zakończeniu autor omawia immersyjność I młodzi pozostaną na tle współczesnych praktyk audiowizualnych instytucji muzealnych oraz historycznych początków kina, dowodząc tezy, że dokument Jacksona w większej mierze poświęcony jest samej kinematografii oraz pamięci Wielkiej Wojny niż historii.
    The author analyses Peter Jackson’s documentary film They Shall Not Grow Old (2018), which was based on the archival film footage from World War I. He examines the use of the documents, arguing that the interventions made by Jackson’s team go beyond film restoration, and proposing the term “revitalization” to describe the effect of these changes. Further, the author analyses Jackson’s artistic choices, revealing the contexts and purposes of different aspects of his treatment of the footage (screenplay, colour palette, etc.), as well as discussing the preparation of the soundtrack in terms of contemporary practices of historical soundscape reconstruction. Finally, the author approaches the immersive aspect of They Shall Not Grow Old, discussing audiovisual narratives of contemporary museums and the beginnings of film, arguing that Jackson’s documentary is in fact about the cinema itself and the memory of the Great War rather than about history.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2021, 113; 132-152
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
    Tytuł:
    Okres wczesnego kina na Dolnym Śląsku
    Early Cinema Period in Lower Silesia
    Autorzy:
    Dębski, Andrzej
    Powiązania:
    https://bibliotekanauki.pl/articles/31340691.pdf
    Data publikacji:
    2020
    Wydawca:
    Polska Akademia Nauk. Instytut Sztuki PAN
    Tematy:
    wczesne kino
    pierwsze projekcje filmowe
    kina objazdowe
    pierwsze kina stałe
    program numerowy
    filmy wieloaktowe
    Dolny Śląsk
    Niemcy
    early cinema
    first film screenings
    travelling cinemas
    first fixed cinemas
    number program
    multi-act films
    Lower Silesia
    Germany
    Opis:
    Artykuł dotyczy wczesnego kina na Dolnym Śląsku, w szczególności pierwszych pokazów filmowych w 1896 r., działalności kin objazdowych, powstawania kin stałych i przełomu metrażowego, tj. przejścia od programów numerowych (złożonych z wielu filmów jednoaktowych) do programów opartych na filmie wieloaktowym z programem towarzyszącym. W centrum uwagi znajdują się małe miejscowości Dolnego Śląska, ponieważ metropolia, jaką był Wrocław, stanowiła temat innych opracowań. Z artykułu wynika m.in., że kinematografia na Dolnym Śląsku szybko upowszechniała się w małych miejscowościach – już w 1896 r. filmy były pokazywane w kilku miastach, a sześciotysięczny Namysłów, w którym kino otwarto w 1912 r., w tym samym roku przeszedł na projekcje filmów wieloaktowych.
    The article deals with early cinema in Lower Silesia, in particular the first film screenings in 1896, the operation of travelling cinemas, the establishment of fixed cinemas, and the transition from ‘number programs’ (consisting of multiple one-act films) to programs based on multi-act film with an accompanying program. The focus is on small towns in Lower Silesia, as the metropolis of Wroclaw has been discussed elsewhere. The article shows, among other things, that in Lower Silesia cinematography quickly spread in small towns – already in 1896 films were shown in several towns, and Namyslow, with a population of six thousand, where a cinema opened in 1912, switched to multi-act film screenings in the same year.
    Źródło:
    Kwartalnik Filmowy; 2020, 110; 187-204
    0452-9502
    2719-2725
    Pojawia się w:
    Kwartalnik Filmowy
    Dostawca treści:
    Biblioteka Nauki
    Artykuł
      Wyświetlanie 1-11 z 11

      Ta witryna wykorzystuje pliki cookies do przechowywania informacji na Twoim komputerze. Pliki cookies stosujemy w celu świadczenia usług na najwyższym poziomie, w tym w sposób dostosowany do indywidualnych potrzeb. Korzystanie z witryny bez zmiany ustawień dotyczących cookies oznacza, że będą one zamieszczane w Twoim komputerze. W każdym momencie możesz dokonać zmiany ustawień dotyczących cookies